Ormai affermatosi come uno dei nomi più importanti e originali del nuovo cinema canadese e internazionale, il regista Xavier Dolan ha diretto nel 2013 il suo primo film non nato da una sua idea originale. Se J’ai tué ma mère, Les Amours Imaginaires e Laurence Anyways erano frutto di suoi soggetti, per Tom à la ferme (qui la recensione) egli ha invece tratto spunto dall’omonima opera teatrale scritta da Michel Marc Bouchard. Nonostante ciò, egli ha comunque dato vita a tutti i suo interessi come autore, dalla ricerca della propria identità alla fuga dagli opprimenti dettami borghesi. Tutto ciò contenuto all’interno di un’opera che nel suo indagare l’animo umano si fa racconto universale.

Scritto insieme allo stesso Bouchard, il film ha visto, rispetto al testo teatrale, l’introduzione di più personaggi e ambientazioni. Ciò ha permesso di ampliare la portata del racconto e il passato dei protagonisti. La volontà di dar vita a questo racconto nasce anche dal desiderio di Dolan di distaccarsi da quanto fino a quel momento prodotto. Se i tre precedenti film narravano di amori impossibili, con Tom à la ferme egli vira su un thriller psicologico intriso di violenza e brutalità, le quali nascondono ovviamente sentimenti e motivazioni particolarmente profondi. Attraverso la composizione delle inquadrature, i colori e le scelte di fotografia, egli dà così vita ad un nuovo racconto che scava in tutto ciò.

Presentato, a differenza dei suoi precedenti film, non al Festival di Cannes ma a quello di Venezia, il nuovo film di Dolan è stato accolto da grandi apprezzamenti di critica e pubblico. Ad oggi, si tratta di uno dei film più complessi e conturbanti del giovane regista, sempre più riconosciuto per il suo talento. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Tom à la ferme: la trama del film

Protagonista del film è Tom, un giovane editor pubblicitario di Montréal. La sua vita viene improvvisamente scossa dalla morte per un tragico incidente del suo amante Guillaume. Deciso a dare un estremo saluto al ragazzo, Tom intraprende un viaggio per recarsi nella campagna dove egli viveva, partecipando così al funerale di quello che era stato il suo grande amore. Una volta sul luogo, però, si imbatte in una comunità particolarmente chiusa, tanto geograficamente quanto mentalmente. In particolare, Tom rimane scioccato nello scoprire che nessuno sappia di lui e dell’omosessualità di Guillaume.

Nessuno ad eccezione del fratello di quest’ultimo, Francis, che avvicinatosi a Tom gli impone violentemente il silenzio. Tom è così costretto a presentarsi come un semplice amico, ignaro che la sua presenza lì sarà ben più che breve. La madre di Guillaume e Francis, Agathe, lo invita infatti a rimanere da loro per qualche giorno. Un invito che invece Francis applica con la forza. Tom si ritrova ben presto intrappolato in un contesto dal quale sembra impossibile scappare. Più il difficile rapporto con Francis si fa intenso, più Tom inizia però a provare dei sentimenti per il ragazzo, cosa che lo metterà in serio pericolo.

Tom à la ferme: il cast del film

Ad interpretare il protagonista, Tom, vi è lo stesso Xavier Dolan, che torna a recitare per sé stesso dopo il non averlo fatto per il suo precedente film. Per assumere i panni del personaggio, egli decise inoltre di assegnare a questo una serie di colori dominanti, che potessero farlo confondere con quelli degli ambienti in cui si svolge la storia. Per questo, motivo, Dolan si tinse i capelli di un biondo dorato simile a quello che si ritrova nei campi di grano visibili nel film. Il personaggio di Guillaume, invece, non compare nel testo teatrale. Per il film, invece, questo è stato introdotto brevemente grazie ad alcuni flashback. Ad interpretarlo vi è l’attore statunitense Caleb Landry Jones, visto anche in Get Out e Tre manifesti a Ebbing, Missouri.

Per il ruolo di Agathe, la madre di Guillaume e Francis, egli ha poi scelto l’attrice Lise Roy, la quale aveva già interpretato il personaggio per la rappresentazione teatrale della storia. Dolan era infatti rimasto impressionato dall’interpretazione di lei dopo averla vista sul palcoscenico. L’attore Pierre-Yves Cardinal è invece il violento Francis. Questi si era già reso celebre grazie al film di Denis Villeneuve Polytechnique, ed ha poi recitato anche in Mommy, successivo film di Dolan. Per la sua interpretazione in Tom à la ferme è stato anche cadidato come miglior attore in un ruolo secondario ai Canadian Screen Awards. Infine, l’attrice Évelyne Brochu compare nei panni di Sarah, la ragazza che Guillaume spacciava per sua fidanzata.

Tom à la ferme: il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Tom à la ferme è infatti disponibile nel catalogo di Chili e Amazon Prime Video. Per vederlo, basterà noleggiare il singolo film, avendo così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà soltanto un dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il film è inoltre presente, in prima TV assoluta, nel palinsesto televisivo di lunedì 28 giugno alle ore 21:15 sul canale Cielo.

Fonte: IMDb

 

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Mario Monicelli nasce da una famiglia di origine mantovana il 16 maggio del 1915, cresce a Viareggio, secondo figlio del critico teatrale e giornalista Tomaso, fratello minore di Giorgio, vive nella Viareggio degli anni trenta, assorbendo appieno l’atmosfera magica ed il fermento culturale della città dell’epoca. Frequenta a Milano il liceo classico Giosuè Carducci e si laurea in storia e filosofia, accostandosi al cinema grazie all’amicizia con Giacomo Forzano, figlio del commediografo Giovacchino Forzano, fondatore a Tirrenia di moderni studios cinematografici sotto il nome di Pisorno, curiosa fusione dei nomi delle due città, eterne rivali, Pisa e Livorno, che Mussolini progettava di compiere.

In questi anni, in Mario Monicelli si va delineando quel particolare spirito toscano che sarà determinante per la poetica cinematografica delle commedia del regista (molti scherzi della trilogia di Amici miei sono episodi che fanno realmente parte della sua giovinezza). Il critico cinematografico Stefano Della Casa, nel suo volume dedicato al restauro di uno dei capolavori del regista toscano (L’armata Brancaleone – Quando la commedia riscrive la storia, edito da Lindau nel 2006), mette in dubbio le origini viareggine del regista, arrivando a sostenere che in realtà Mario Monicelli sia nato a Roma, nel quartiere Prati. Ovviamente supposizione falsa, anche se Roma è diventata sua città d’adozione e luogo in cui ha fatto vivere la maggior parte della sua umanità turbolenta. Assieme a Alberto Mondadori, amico (oltre che cugino, figlio della zia Andreina Monicelli e dell’editore Arnoldo) e collaboratore, dirige nel 1934 il cortometraggio Cuore rivelatore, a cui fa seguito, sempre nello stesso anno, un mediometraggio muto, I ragazzi della via Paal, presentato e premiato alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Sotto uno pseudonimo, Michele Badiek, dirige nel 1937 il suo primo lungometraggio, insieme ad alcuni amici, Pioggia d’estate, con Ermete Zacconi ripreso nella sua villa di Viareggio.

Ritratto d’artista: Mario Monicelli

Critico cinematografico dal 1932, negli anni tra il 1939 ed il 1949 fu attivissimo come aiuto-regista e come sceneggiatore, collaborando a circa una quarantina di titoli. L’esordio registico ufficiale avviene in coppia con Steno, con una serie di film che i due registi realizzano su misura per Totò, tra i quali spicca il celebre Guardie e ladri (1951). Ma c’è da ricordare che con Totò cerca casa, Monicelli sigla il fruttuoso e magico incontro tra Totò e il neorealismo. Dopo i numerosi film girati in coppia con Steno, dal 1953 inizia a lavorare da solo, continuando la feconda attività di sceneggiatore, che lo porta a contatto con molti altri famosi cineasti dell’epoca. Monicelli ha firmato alcuni capolavori del dopoguerra italiano, contribuendo ad uno dei periodi più floridi del cinema del nostro paese, entrando di diritto nella storia.

Nella sua lunga carriera ha collaborato con tutti i più importanti attori italiani: Alberto Sordi, Totò, Aldo Fabrizi, Vittorio De Sica, Sophia Loren, Amedeo Nazzari, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Adolfo Celi, Walter Chiari, Elsa Martinelli, Anna Magnani, Nino Manfredi, Paolo Villaggio, Monica Vitti, Enrico Montesano, Gigi Proietti, Gastone Moschin, Giancarlo Giannini, Philippe Noiret, Giuliano Gemma, Stefania Sandrelli, Ornella Muti, Ivo Garrani e Gian Maria Volonté. I soliti ignoti del 1958 vanta un cast eccezionale, composto da Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Totò e Claudia Cardinale, ed è considerato quasi unanimemente il primo vero film del florido filone della commedia all’italiana, nel quale non a caso si verifica una morte, per la prima volta in una commedia italiana. I soliti ignoti inaugura anche la carriera del grande Vittorio Gassman come attore comico. L’anno successivo, Monicelli gira quello che molti considerano il suo capolavoro, il film che lo rende famoso oltre i confini italiani, La grande guerra, Leone d’Oro alla Mostra del cinema di Venezia del 1959 e sua prima nomination all’Oscar. Il film, lontano dagli stereotipi classici della commedia, ha un tono tragicomico, in pieno stile ‘italiano’, che tocca in maniera delicata un argomento molto difficile come la tragedia della Prima guerra mondiale è molto arricchito dalle interpretazioni di Alberto Sordi e Vittorio Gassman. La seconda nomination all’Oscar arriva nel 1963 con I compagni.

Nel dittico burlesco L’armata Brancaleone (1966) e Brancaleone alle crociate (1970), Mario Monicelli inventa un “nuovo” e personalissimo Medioevo, comico e condito da una assolutamente inverosimile lingua maccheronica che ha fatto epoca, insieme all’ennesima interpretazione di uno straordinario Vittorio Gassman. Tra gli altri film di rilievo vanno menzionati La ragazza con la pistola, che vede la grande Monica Vitti in un’interpretazione davvero notevole oltre che la terza nomination all’Oscar (1968), Romanzo popolare (1974) e i primi due capitoli della trilogia di Amici miei (1975, 1982) che hanno fatto epoca, vitatissimi da giovani e vecchi, punto di congiuntura tra diverse generazioni, e che testimonia l’universalità del suo linguaggio cinematografico. Il terzo capitolo conclusivo verrà diretto da Nanni Loy nel 1985. Assolutamente da ricordare anche Un borghese piccolo piccolo (1977) e Il marchese del Grillo (1981) entrambi con grandi interpretazioni di Alberto Sordi, che nel primo caso offre un saggio di recitazione drammatica che somiglia alla trasformazione che precedentemente Monicelli aveva realizzato per Gassman, ovviamente di senso inverso. Per il suo cinema degli ultimi anni spiccano Speriamo che sia femmina (1986) e Parenti serpenti (1992) e I Picari del 1988, che vede riuniti due dei grandi mattatori del nostro cinema passato: Gassman e Manfredi accanto alla bravissima Giuliana De Sio, a Giancarlo Giannini e ad Enrico Montesano. Occasionalmente si è prestato a qualche cammeo attoriale (L’allegro marciapiede dei delitti, 1979; Sotto il sole della Toscana, 2003; SoloMetro, 2007), dando anche la voce al nonno di Leonardo Pieraccioni nel Ciclone (1996): negli ultimi anni ha inoltre cercato nuove strade espressive, passando al documentario (Un amico magico: il maestro Nino Rota, 1999) e alla fiction televisiva (Come quando fuori piove, 2000).

È da considerarsi senza dubbio il regista che meglio di tutti ha interpretato lo stile e i contenuti del genere della Commedia all’italiana. Il suo attore di riferimento è stato Alberto Sordi, da lui trasformato in attore drammatico in La grande guerra e Un borghese piccolo piccolo, ma ha anche avuto il merito di scoprire le grandi capacità comiche di due attori nati artisticamente come drammatici: Vittorio Gassman nei Soliti ignoti e Monica Vitti nella Ragazza con la pistola. Il sorriso amaro che accompagna sempre le vicende narrate, l’ironia con cui ama tratteggiare le storie di simpatici perdenti, ne caratterizzano da sempre la sua opera. Forse non è un caso che molti critici considerino I soliti ignoti il primo vero film della commedia all’italiana, e Un borghese piccolo piccolo l’opera che, con la sua drammaticità, chiude idealmente questo genere cinematografico. Con l’avanzare dell’età la sua attività è gradualmente diminuita ma non si è mai fermata, grazie ad una forma fisica e mentale sempre buona. A dimostrazione di questo, a 91 anni è tornato al cinema con un nuovo film, Le rose del deserto (2006). In occasione della sua uscita ha confidato, in un’intervista a Gigi Marzullo, di non aver alcuna paura della morte, ma di temere moltissimo il momento in cui smetterà di lavorare, perché si annoierebbe moltissimo. In un’intervista del 2008 ha dichiarato di aver abbandonato definitivamente l’attività registica con il cortometraggio documentaristico Vicino al Colosseo… c’è Monti: nonostante ciò nel 2010 realizza un altro cortometraggio, La nuova armata Brancaleone, scritto con Mimmo Calopresti.

Tra gli avvenimenti che hanno segnato di più la sua vita c’è senz’altro il suicidio del padre, Tomaso Monicelli noto giornalista e scrittore antifascista, avvenuto nel 1946. A tal riguardo ha detto: «Ho capito il suo gesto. Era stato tagliato fuori ingiustamente dal suo lavoro, anche a guerra finita, e sentiva di non avere più niente da fare qua. La vita non è sempre degna di essere vissuta; se smette di essere vera e dignitosa non ne vale la pena. Il cadavere di mio padre l’ho trovato io. Verso le sei del mattino ho sentito un colpo di rivoltella, mi sono alzato e ho forzato la porta del bagno. Tra l’altro un bagno molto modesto. »

La sua ultima compagna è stata Chiara Rapaccini. Quando si sono conosciuti lui aveva 59 anni e lei 19. Hanno avuto una figlia, Rosa, quando lei ne aveva 34 e lui 74. Nel 2007, infatti, ha dichiarato di vivere da solo, di non sentire la lontananza di figli e nipoti (pur avendoli), di essere un elettore di Rifondazione Comunista e di avere pianto l’ultima volta alla morte del padre; mentre in un’intervista svela in particolare il motivo per cui a 92 anni vive da solo:

« Per rimanere vivo il più a lungo possibile. L’amore delle donne, parenti, figlie, mogli, amanti, è molto pericoloso. La donna è infermiera nell’animo, e, se ha vicino un vecchio, è sempre pronta ad interpretare ogni suo desiderio, a correre a portargli quello di cui ha bisogno. Così piano piano questo vecchio non fa più niente, rimane in poltrona, non si muove più e diventa un vecchio rincoglionito. Se invece il vecchio è costretto a farsi le cose da solo, rifarsi il letto, uscire, accendere dei fornelli, qualche volta bruciarsi, va avanti dieci anni di più. »

Il 25 marzo 2010 partecipa all’evento Raiperunanotte, dove si esprime in modo molto critico nei confronti della società odierna. Il 29 novembre dello stesso anno Monicelli si suicida gettandosi da una finestra del reparto di urologia dell’Ospedale San Giovanni in Roma, dove era ricoverato. Un atto di estrema e lucida coerenza, che lascia nel mondo della cultura e dello spettacolo, oltre che nei cuori di chi l’aveva conosciuto grande e profonda tristezza. Chi invece ha visto e amato i suoi film piange la scomparsa dell’ultimo grande regista dell’epoca d’oro italiana, quando si aveva il coraggio di raccontare al cinema la società.

 

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Era infatti il 7 marzo del 1975 quando nei cinema approdò Profondo Rosso, quinto lungometraggio dell’allora trentacinquenne Dario Argento, regista italiano dalla rapida e folgorante carriera che nel giro di appena cinque anni dal suo esordio era di fatto riuscito ad affermarsi come una delle più originali e talentuose figure nel panorama della settima arte, in patria quanto all’estero.

Profondo Rosso, la trama

All’interno di un sontuoso teatro nel quale si sta svolgendo un convegno di parapsicologia, una medium avverte la presenza inquietante di un assassino celato fra il pubblico. Tornata nel suo appartamento la donna viene brutalmente uccisa a colpi di mannaia da un misterioso killer vestito di nero, finendo trafitta dalle schegge di una finestra rotta, mentre tutto si tinge del rosso livido del suo sangue. Tutti coloro che si interessano un minimo di cinema di genere, ma sicuramente anche coloro che non sono cinefili incalliti non potranno non avvertire un gelido e familiare campanello d’allarme nel leggere di sfuggita questa sintetica descrizione delle scene d’apertura di una delle pellicole che, alla metà degli anni ’70 del secolo scorso, contribuì a cambiare definitivamente i connotati del cinema horror, aprendo nuovi orizzonti all’arte di provocare la pelle d’oca attraverso le immagini.

Prima del mito

Figlio del produttore cinematografico Salvatore Argento e già precoce e scapestrato critico cinematografico, Dario Argento diviene presto co-autore di numerosi soggetti e sceneggiature tra cui Cimitero senza croci (1968) di Robert Hossein, Scusi, lei è favorevole o contrario? (1966) di Alberto Sordi e del celeberrimo C’era una volta il West (1968) diretto da Sergio Leone e scritto assieme a Bernardo Bertolucci, prima di approdare alla regia nel 1970 con lo sconvolgente L’uccello dalle piume di cristallo, prima pellicola di una ideale “trilogia degli animali” proseguita con Il gatto a nove code (1971) e terminata con Quattro mosche di velluto grigio (1971). Con questi primi tre film Argento riuscì nell’intento di traghettare i generi del mystery e del giallo all’italiana, già sapientemente ammaestrati da autori come Mario Bava e Sergio Martino, verso una dimensione del tutto nuova, caratterizzata da trame sempre più complesse e ricche di implicazioni psicologiche e pulsionali, virando prepotentemente verso un gusto incentrato su inquadrature ricche di quei contenuti morbosi e splatter che saranno poi ripresi ed elaborati dal cinema gore di Lucio Fulci e Umberto Lenzi.

Sono ancora però le atmosfere urbane e psicologiche ad interessare il regista, atmosfere cariche di suggestioni del tutto lontane dal gotico letterario e molto più vicine ai psycho-triller. Una tradizione dai connotati tutt’altro che realistici e dal sapore di leggenda metropolitana vuole infatti che Hitchcock in persona, dopo aver visto il primo film del regista romano, abbia esclamato – Questo italiano mi preoccupa! – . In realtà questa trilogia d’esordio appare ancora del tutto ancorata ad un gusto di matrice appunto hitchcockiana nel quale permangono le linee guida del genere thrilling e poliziesco, come ad esempio la plausibilità delle azioni dell’assassino (che deve essere deducibile dallo spettatore) e la consueta indagine per scoprire il colpevole, anche se Argento ebbe modo di introdurre alcune importanti novità sia a livello narrativo che di tipo estetico, come l’ormai celeberrima soggettiva del killer (già sperimentata in realtà da Bava) provvista però di protesi corporee (mani guatate, oggetti contundenti, ecc…) oltre al marchio di fabbrica costituito dalle sequenze oniriche e psicologiche che permettono allo spettatore di inserirsi per brevi ma intesi attimi nella mente e nel corpo dell’assassino in una sorta di identificazione totale.

Siamo ancora nelle rigide maglie del thriller classico ma dove la plausibilità degli eventi non fa più da padrona e cede spesso al gusto per l’invenzione visiva e alla paura indotta, senza dimenticare poi che fu proprio Argento assieme ai colleghi sopra citati ad affermare la tradizione tutta italiana del killer di sesso femminile, una prerogativa in seguito ampiamente imitata a livello internazionale. Perciò, dopo l’inconsueta e stramba parentesi storica in costume della commedia Le cinque giornate (1973) con Adriano Celentano, Argento decise di concentrarsi su un nuovo soggetto che potesse finalmente costituire un passaggio fra le narrazioni thrilling del passato verso il genere dell’horror puro, che sarà successivamente concretizzato con l’esoterico Suspiria (1977) e lo psichedelico Inferno (1980). Dunque elaborò una prima stesura dal titolo “La tigre dai denti a sciabola”, pensata per l’appunto come un ulteriore capitolo dell’animalesca trilogia, ma alquanto insoddisfatto del suo lavoro decise di affidarsi alla collaborazione di Bernado Zapponi, riuscendo alla fine a sviluppare una sceneggiatura dal titolo provvisorio di Chipsiomega nella quale ci fosse un perfetto equilibrio fra dimensione concreta della vicenda e sguazzi visionari e vagamente soprannaturali.

Perturbante e allucinante

Furono proprio queste componenti che resero Profondo Rosso una pellicola nella quale un’atmosfera perturbante e allucinata viene incastonata in un contesto del tutto realistico in grado di aumentare esponenzialmente l’inquietudine e il terrore latente. Nacque così un vero e proprio cult della storia del cinema di genere, un film nel quale si narra di tremendi ed ingegnosi delitti dal sapore crudelmente realistico commessi da un inafferrabile uomo nero (erede dei killer in lattice nero di Bava) sullo sfondo di una Torino cupa ed esoterica nella quale si intrecciano inquietanti nenie infantili e oscure ville dal sapore gotico, ingredienti urbani e visivi che saranno ripersi in altri film futuri, come il disturbante Trauma (1993) e il poliziesco Non ho sonno (2001).

Il compito non ufficiale di investigare su questi atroci eventi viene assunto dal pianista Marc Daly (David Hemmings) che assieme all’irriverente giornalista Gianna Brezzi (Daria Nicolodi) riuscirà a risalire a una sconvolgente verità che si cela dietro terribili avvenimenti sepolti nella torbida tela dell’infanzia. Come già accennato, il film è ricco di sequenze e trovate straordinarie entrare a merito nella storia del cinema, fra qui la scioccante sequenza di apertura a suon di accoltellamento in silhouette; il ghignate pupazzo meccanico (progenitore del fantoccio della saga di Saw); l’omicidio di Giuliana Calandra affogata in una vasca di acqua bollente e ovviamente la sadica bambinetta Olga (Nicoletta Elmi) che si diverte a trafiggere le lucertole con spilli acuminati. Complice del culto nato attorno al film è sicuramente l’uso iperealistico della violenza brutale e l’impiego di creative tecniche di uccisione che saranno alla base anche del futuro thriller “alla luce del sole” Tenebre (1982) e del pretenzioso Opera (1987), veri e propri segni di riconoscimento di uno stile che diventerà col tempo inconfondibile e a suo malgrado ricco di plagi indegni. Dopo essersi separato dalla prima moglie Maria Casale e aver rotto la convivenza con Marilù Tolo, Argento decise di prendere in considerazione una giovane attrice fiorentina, già primadonna nelle commedie teatrali di Garinei e Giovannini e reduce da alcuni successi televisivi, e fu così che nacque un proficuo sodalizio professionale (e in seguito matrimoniale) con Daria Nicolodi, capacissima di dare il giusto tono nevrotico e suadente al personaggio di Gianna così come a futuri personaggi iconici dell’universo argentiano, primo fra tutti la terribile vicedirettrice Frau Brückner di Phenomena (1985). La Nicolodi si trova ad agire accanto al già noto David Hammings, attore scafato e reduce da grandi successi cinematografici del calibro di Blow-Up (1966) di Antonioni e Barbarella (1968) di Roger Vadim, anch’egli ottimo interprete del novello investigatore e musicista Marc. Per la parte della stramba madre dell’amico Carlo, interpretato da Gabriele Lavia, Argento volle un’attrice anziana ed un tempo molto nota, quasi sconosciuta alle nuove generazioni, e perciò optò con sicurezza verso Clara Calamai, eccellente interprete cinematografica italiana degli anni ’30 e ’40 divenuta celebre nel 1943 con Ossessione di Luchino Visconti accanto a Massimo Girotti.

La colonna sonora, dai Goblin ai Pink Floyd e i Deep Purple

Il culto del film viene inoltre accresciuto dalla tormentata genesi della sua celeberrima colonna sonora, in un primo momento affidata a Giorgio Gaslini (di cui rimangono le partiture jazz) ma che non convinse per nulla Argento, il quale, dopo aver ricevuto risposta negativa da alcune famose band del calibro dei Pink Floyd e i Deep Purple, consigliato dal suo editore musicale Carlo Bixio decise di affidarsi ad un giovane e sconosciuto complesso rock romano chiamato I Goblin, ragazzi diplomati al conservatorio che con sorpresa dello stesso regista riuscirono a creare una delle partiture musicali più incisive ed inquietanti di sempre, elaborando il famoso e ansiogeno tema principale nel corso di una sola notte nella cantina dove erano soliti provare. Iniziò così un sodalizio che sarebbe durato per anni e che avrebbe segnato il successo di altre intramontabili pellicole.

Profondo Rosso viene però anche ricordato dai suoi fans per le affascinati ed evocative ambientazioni, tutte concentrate fra Roma, Perugia e la già citata Torino, città cara al regista per le sue implicazioni magiche ed esotiche e teatro di alcuni luoghi simbolo del film, come ad esempio la gotica ed inquietante Villa del Bambino Urlante (in realtà chiamata Villa Scott e all’epoca convitto delle Suore della Redenzione); il famoso Teatro Carignano dove venne girata la sequenza di apertura del convegno di parapsicologia e la crepuscolare Piazza C.L.N nella quale venne allestito ex-novo il Blue Bar in cui si incontrano Carlo e Marc, plasmato sul famoso quadro Nighthawks di Edward Hopper. Prodotto dalla Rizzoli Film e girato in lingua inglese per aumentare la sua appetibilità di mercato, dopo una campagna pubblicitaria efficace e fortemente critica, Profondo Rosso venne finalmente rilasciato nei cinema nella primavera del 1975, riscontrando un clamoroso successo sia in patria che all’estero e dando vita ad un acceso dibattito critico.

In Italia ad esempio, dove il film incassò oltre 2 miliardi di lire e si posizionò al 10° posto nella classifica dei titoli della stagione, i critici si trovarono ancora una volta impreparati a recensire un’opera tanto destabilizzante e particolare, e come era accaduto per i film precedenti del regista vi furono molte riserve riguardo alla poca plausibilità della narrazione e per l’eccesso di violenza. Nel resto dell’Europa invece, soprattutto in Francia ed Inghilterra, il film venne accolto come una vera rivelazione, forse perché di fatto il pubblico era già abituato a digerire opere di genere particolari come i gialli anglosassoni o i film horror della Hammer. In Giappone, dove il film uscì solo nel 1978 dopo Suspiria, il suo successo fu clamoroso, tanto che venne rilasciato col titolo Suspiria – Parte 2. Quarant’anni sono passati dalla sua realizzazione e Profondo Rosso mantiene intatta la sua aura di inquietante opera di culto, tanto da essere stata ed essere ancora tuttora oggetto di numerose citazioni, parodie e riferimenti più o meno espliciti, oltre ad aver ispirato nel 2007 un musical omonimo per la regia di Marco Calindri con le musiche originali di Claudio Simonetti, interpretate dall’attore e cantante Michel Altieri nel ruolo di Marc.

Nel 2000, in occasione dei venticinque anni dall’uscita della pellicola, Dario Argento in persona con la collaborazione del gruppo dei Demonia realizzò un cortometraggio nel quale il regista stesso uccideva i singoli membri della band usando le ingegnose tecniche impiegate dall’assassino del film, una piccola auto-parodia oggi reperibile solo nella versione Bluray americana. Tutti noi grandi fans del maestro dell’horror attendiamo dunque con grande trepidazione, dopo la grande proiezione pubblica del film avvenuta nel corso del Fantafestival di Roma 2015, una qualche celebrazione in concomitanza con un nuovo decennio passato all’insegna del rosso sgorgare del sangue copioso della paura e della creatività emanata da una pellicola e da un regista che hanno saputo, tra alti e (scivolosi) bassi, attraversare il tempo continuando a tenerci svegli la notte, sempre col timore che qualche uomo nero possa piombare dall’oscurità e farci a pezzi in maniere stravaganti e brutali.

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Discorrere di Dario Argento è difficile se non si applica un parallelismo diretto con la sua vita e le sue influenze giovanili. Figlio d’arte, Dario nasce a Roma nel 1940 da Salvatore Argento, famoso produttore cinematografico, e Elda Luxardo, fotografa brasiliana. La propensione artistica cinematografica gli fu involontariamente imposta da due genitori che di pellicole e shot ne masticavano e se ne intendevano.

Questa base artistica fu implementata da una dedizione passionale verso l’arte fantastica e surrealista i cui rappresentanti principali sono da individuare in Alfred Hitchcock, Walt Disney, F.W. Murnau, Fritz Lang, le opere letterarie di Edgar Alla Poe, e gli scritti alienanti di Thomas De Quincy. Successivamente, nelle sue opere cominciarono ad apparire le chiare impronte dello stile del padre e del fratello Claudio, che produsse alcune delle sue opere. Il successo per Dario Argento non si fece attendere e subito la critica riconobbe in lui un talento particolare, tale da definire le sue opere un cult. Fama e successo lo avvolsero, ma anche critiche spietate e taglienti. Il suo tocco si caratterizza per una forte enfasi dedicata alla visualità, in cui stili diversi si mescolano, alterando gli schemi tradizionali imposti dal gusto del cinema. Egli utilizza la macchina da presa in maniera diversa ed elaborata, associandola ad effetti di luce e musicali che rappresentano la vera quintessenza del suo lavoro e il background perfetto per le scene di violenza sessuale.

Non è un caso se lo si considera il maestro europeo del concetto di macabro, in cui le immagini di violenza raggiungono il limite estremo della loro capacità espressiva. La sua carriera cinematografica inizia come osservatore e critico cinematografico per la testata romana Paese Sera e fu solo dopo, intorno agli anni ‘60, che si dedicò alla scrittura di sceneggiature di film western: Une Corde un colt (1969) e Commandos (1968), ma contribuì anche alla sceneggiatura di Sergio Leone di C’era una volta il West (1968) che gli permise di conoscere Goffredo Lombardo e produrre, quindi, il suo primo film L’Uccello dalle Piume di Cristallo (1970).

Nonostante l’etichetta horror che solitamente si attribuisce a quest’opera, essa nasce come un giallo in cui Argento narra le vicissitudini di un uomo, che inaspettatamente assiste ad una violenza e gli viene attribuita la colpa. Dalmas, il personaggio principale, per dimostrare la sua innocenza deve andare contro le leggi, e trovare da sé la strada verso la verità. Una verità inaspettata in cui la vittima si tramuta in carnefice. Lo stile adoperato dal regista sorprende gli spettatori, i quali applicando il metodo tradizionale di ricostruzione dei fatti, si trovano spiazzati nel ricondurre tutti gli indizi (solitamente associati ad una perversità e instabilità mentale maschile) nella figura di una donna. La confusione logica di ricostruzione degli eventi dei crimini sessuali generata negli spettatori sarà una caratteristica pregnante di molte sue opere, in cui la fine e la risoluzione di un dramma sconvolgerà la tradizionale analisi effettiva delle situazioni.

Il suo secondo film è Il Gatto a Nove Code (1971), considerato anche la sua seconda opera della trilogia degli “animali”, a causa della presenza nel titolo o nello svolgersi dei fatti di un animale. A differenza della prima opera, le due successive Il Gatto a Nove Code e Quattro Mosche di Velluto Grigio ricevettero critiche negative riguardo lo stile detective di cui fa uso il regista. Secondo la critica, Argento mise da parte il metodo razionale e deduttivo per dedicarsi interamente ad una visione eccessivamente libera e fantasiosa dei fatti.

Lo stile di Dario Argento risente a pieno dell’influenza dell’industria italiana, in cui l’enfasi costante sul genere si mescola ad un’attitudine più cerebrale, dominata da una visione critica e intellettuale dell’opera. La combinazione di elementi intellettuali con slanci istintivi è una caratteristica tipica dello stile italiano del dopoguerra, in cui si cerca di soddisfare le richieste di un audience sofisticato e le pretese di una popolazione più semplice e pragmatica e quindi ottenere, anche, un buon ritorno economico. Le tecniche che permisero di ampliare il suo range di pubblico, riuscendo a soddisfare le richieste più disparate, sono da ricondurre alla presenza di una descrizione politica o psicoanalitica unite a scoppi irrazionali di risa, suspence, eccitazione e violenza.

Se Profondo Rosso (1975) si caratterizza per la presenza di elementi sovrannaturali, questi aspetti troveranno la loro massima espressione con Suspiria (1977). Film di grande successo, Suspiria esprime in pieno l’evoluzione di Argento, passando dal filone del Giallo a quello di Horror, pur trattenendo nella sua essenza alcune caratteristiche di base. Un chiaro esempio ci viene fornito dalla contrapposizione tra uomini e donne, i primi con caratteri deboli e inutili le seconde aggressive e dominanti. Ciò che fa di questo film la pietra miliare dello stile di Argento è la tecnica impiegata per la narrazione delle scene. E’ proprio qui che il regista esprime in pieno il suo stile surreale con riprese che, disorientando lo spettatore, spostano l’osservazione su giochi di luce e di suoni che saranno in seguito il suo tratto caratteristico, nonché il valore aggiunto all’opera. Emblematica è la scena degli omicidi iniziali in cui il progredire drammatico dei fatti è in maniera crescente accompagnato da un carico di colori e da una colonna sonora incalzante e nevrotica.

Le sue opere successive non smentiranno la sua propensione verso l’esaltazione assoluta dei sensi, tramite l’utilizzo di luci- colori- suoni anche se conserveranno sempre quei tratti caratteristici della sua fase iniziale del periodo “giallo”.

 

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