Molly’s Game (qui la recensione) segna il debutto alla regia di Aaron Sorkin, già noto per la sua firma distintiva come sceneggiatore di film e serie televisive come The Social Network, Steve Jobs e The West Wing. Il film mostra l’evoluzione di Sorkin dalla scrittura al controllo completo della narrazione, pur mantenendo i dialoghi rapidi e serrati che lo caratterizzano. In questo senso, Molly’s Game si colloca nella sua filmografia come un’opera che unisce dramma biografico e tensione legale, confermando la capacità di Sorkin di raccontare storie reali complesse attraverso una struttura cinematografica vivace e ritmata.

La vicenda è basata sulla storia vera di Molly Bloom, una giovane atleta che si reinventa come organizzatrice di esclusivi tornei di poker ad alto rischio frequentati da celebrità, imprenditori e membri della criminalità organizzata. Il film esplora la sua ascesa nel mondo dei giochi clandestini, il controllo della sua rete e le conseguenze legali delle sue azioni. Questo biopic si distingue nel panorama di Sorkin per la sua attenzione al mondo del gioco d’azzardo e alla criminalità, temi che si intrecciano a quelli della perseveranza personale, dell’etica e della responsabilità individuale.

Molly’s Game si sviluppa come un dramma biografico con elementi di suspense legale e thriller finanziario, mettendo a confronto la morale e la determinazione del personaggio principale con le sfide di un ambiente altamente competitivo e rischioso. Rispetto ad altri lavori di Sorkin, il film affronta tematiche più contemporanee e mondane, come il potere, la fama e il denaro, pur mantenendo il focus sui conflitti interiori del protagonista e sulle dinamiche di potere tra i personaggi. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione dettagliata del finale del film, analizzando come si risolvono le vicende di Molly Bloom.

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La trama di Molly’s Game

Protagonista del film è Molly Bloom, una giovane e carismatica speranza olimpica dello sci, costretta ad abbandonare lo sport dopo una grave lesione fisica. Dovendo costruirsi una nuova carriera, Molly intraprende gli studi di legge, ottenendo poi un lavoro estivo che la introduce all’ambiente del poker clandestino. Da qui Molly inizia una scalata al potere apparentemente inarrestabile, ma tutto prende una piega inaspettata quando si ritrova arrestata in piena notte dall’FBI. Costretta ad affrontare le accuse a suo carico per gioco d’azzardo illegale, Molly potrà contare su quello che è il suo unico alleato, l’avvocato difensore Charlie Jaffey.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Molly’s Game, Molly Bloom affronta le conseguenze delle sue azioni come organizzatrice di giochi di poker clandestini. Dopo il raid dell’FBI, che sequestra i suoi beni, Molly torna a vivere con la madre, cercando di riorganizzare la propria vita. La tensione cresce quando la pressione legale e le minacce dei giocatori, inclusi membri della mafia russa e italiana, la costringono a confrontarsi con le implicazioni etiche e personali delle sue scelte. In parallelo, Molly pubblica un libro per raccontare la sua storia, proteggendo l’identità della maggior parte dei partecipanti ai giochi.

Il film mostra quindi la preparazione e l’esito del processo legale. Molly si avvale dell’aiuto dell’avvocato Charlie Jaffey, che evidenzia il suo ruolo di protezione dei giocatori innocenti. La protagonista rifiuta un accordo favorevole che potrebbe compromettere l’anonimato dei partecipanti e decide di assumersi la responsabilità dei suoi atti. Il giudice riconosce che Molly non ha commesso reati gravi e le infligge una condanna lieve: 200 ore di servizi comunitari, un anno di libertà vigilata e una multa di 200.000 dollari. Questo chiude la narrazione principale con un bilanciamento tra colpa e responsabilità.

Il finale porta a compimento i temi del film mostrando il contrasto tra ambizione, moralità e autonomia. Molly ottiene giustizia e protezione legale senza sacrificare i principi che l’hanno guidata nella gestione dei giochi. Il percorso legale e personale della protagonista sottolinea come il controllo delle proprie azioni, anche in un contesto ad alto rischio, e la protezione degli altri siano centrali nella sua crescita. Il film evidenzia il delicato equilibrio tra libertà personale e responsabilità, oltre al prezzo delle scelte coraggiose in un mondo dominato da potere e denaro.

Inoltre, il finale mette in luce il ruolo della lealtà e dell’integrità nella vita di Molly. La decisione di non rivelare i nomi dei giocatori principali e di affrontare il processo di persona rafforza il tema della protezione di chi si trova sotto la sua responsabilità. La risoluzione delle vicende legali funge da epilogo morale, sottolineando la capacità della protagonista di agire secondo coscienza e principi etici, pur all’interno di un ambiente legale e sociale complesso. La conclusione lega insieme le sfide personali e professionali affrontate durante tutto il film.

Il film lascia come messaggio centrale l’importanza della responsabilità personale e della trasparenza. Mostra come sia possibile affrontare le conseguenze delle proprie azioni mantenendo integrità e proteggendo gli altri, anche quando la situazione appare complessa e rischiosa. Molly’s Game evidenzia inoltre il potere della resilienza e della determinazione nel superare ostacoli legali, personali e morali, lasciando allo spettatore una riflessione sull’etica delle proprie scelte e sul valore di assumersi le responsabilità senza compromettere i propri principi.

Visions è un thriller psicologico firmato da Yann Gozlan, che sposta l’azione dal mondo delle indagini a un ambiente più intimo ma perturbante: la mente e la percezione della protagonista. Il film mescola tensione, ambiguità e spaesamento, costruendo un’atmosfera in cui sogno, ricordo e realtà si confondono, andando oltre il genere “thriller classico” per esplorare l’ossessione, il tradimento e l’instabilità emotiva.  Tra le particolarità di Visions c’è l’idea di partire da un pretesto “ordinario” (una vita apparentemente stabile, un matrimonio, una carriera professionale di successo) e di destabilizzarlo progressivamente attraverso impulsi nascosti, passioni sopite, visioni e incubi ricorrenti.

Gozlan, già autore di thriller come Boîte noire, utilizza lo spazio dell’aviatrice protagonista e la routine del “viaggio, lavoro, casa” per smantellare la certezza del controllo, trasformando la griglia del quotidiano in un terreno di violenza psicologica e disorientamento. Nel cast figurano Diane Kruger, che interpreta la protagonista Estelle, una pilota di linea; Mathieu Kassovitz, nel ruolo di Guillaume, suo marito medico; e Marta Nieto, che interpreta Ana, un personaggio dal passato ambiguo che riaccende nella protagonista desideri e domande represse.

Il trio garantisce alla storia una dimensione intensa e credibile, capace di generare tensione emotiva e sospetto costante. Come tutti i thriller psicologici che si rispettino, anche Visions lascia però diversi dubbi nello spettatore, una volta che si giunge al finale. Molte domande, inoltre, non trovano volutamente risposta, lasciata piuttosto alla libera interpretazione di chi ha appena finito di vedere il film. Nel corso dell’articolo si proporrà dunque una spiegazione approfondita del finale di Visions, cercando di chiarire come le rivelazioni, i colpi di scena e l’interpretazione finale si inseriscano nel contesto dei temi trattati e delle ambiguità narrative deliberate dal regista.

La trama di Visions

Protagonista di Visions è Estelle, brillante comandante di linea aerea, sposata con Guillaume, un medico rinomato. Alla ricerca della perfezione, Estelle ha sempre tutto sotto controllo. Quando però incontra casualmente Ana, una sua ex fiamma, Estelle si innamora di nuovo. Man mano che la loro relazione diventa sempre più intensa, Estelle ha visioni ricorrenti, incubi, allucinazioni. Quando poi Ana scompare misteriosamente, Estelle inizia a perdere il contatto con la realtà. Teme così che la sua vita sia in pericolo e inizia una spirale di follia, che la costringerà a fare scelte difficili mentre cerca di capire cosa sia reale e cosa frutto della sua percezione alterata.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Visions, Estelle si risveglia in ospedale dopo l’incidente e, progressivamente, i ricordi che aveva rimosso riaffiorano con dolorosa chiarezza. Le immagini confuse delle sue accuse contro Guillaume si ricompongono mentre scopre la verità: non è stato suo marito a uccidere Ana, bensì lei stessa, in un momento di gelosia incontrollata e ferocia improvvisa. L’omicidio, nascosto dal trauma e dall’anestetico somministrato da Guillaume per proteggerla, ritorna in superficie, obbligandola a confrontarsi con la parte più buia di sé e con le conseguenze delle proprie azioni.

Una volta ricostruita la verità, Estelle sceglie di non denunciare Guillaume e di accettare il patto tacito che li lega, fatto di colpa, silenzi e protezione reciproca. I due tornano a casa insieme, apparentemente pronti a ricominciare, ma segnati da una realtà che non può essere cancellata. Nell’ultima scena, Estelle chiede al marito di fermarsi vicino alla scogliera: da lì osservano una donna in costume rosso emergere dal mare, immagine che richiama il prologo. La ripetizione della visione chiude il racconto, suggerendo un ciclo perturbante e il confine fragile tra memoria e allucinazione.

Il finale di Visions porta così a compimento uno dei temi centrali del film: l’instabilità della percezione e la capacità della mente di distorcere la realtà per proteggersi dalla colpa. La figura della donna in rosso, vista sia all’inizio che alla fine, non è un’apparizione sovrannaturale, ma un segno simbolico: rappresenta l’immagine che Estelle ha represso e che continua a riaffiorare, una memoria che non può essere del tutto sepolta. La scena mostra come la protagonista viva sospesa tra consapevolezza e rimozione, incapace di separare ciò che accade davvero da ciò che la mente le restituisce.

Attraverso questo epilogo, Gozlan conclude la riflessione sui limiti del controllo e sull’autoinganno come meccanismo di sopravvivenza. La colpa di Estelle non viene punita né risolta, ma assorbita in un equilibrio tossico che lei stessa accetta pur di non affrontare la distruzione totale della sua identità. L’unione finale con Guillaume, anziché essere un gesto d’amore, diventa un’alleanza nel nascondimento. Il film afferma così che la verità emotiva può essere più insopportabile della menzogna, e che la psiche umana sceglie spesso la via più distorta, ma più sopportabile, per continuare a esistere.

Visions lascia allo spettatore un messaggio inquietante: ciò che percepiamo come certo può essere frutto di selezioni, omissioni e distorsioni operate dal nostro stesso inconscio. Estelle crede a una versione dei fatti perché è l’unica che può tollerare, e il film mostra quanto sia facile confondere ricordo e desiderio, paura e realtà. La conclusione ciclica suggerisce che alcuni traumi non scompaiono, ma ritornano sotto forma di immagini che la mente non smette di rielaborare. È un finale che invita a interrogarsi sulla fragilità dell’identità e sull’oscurità che può celarsi dietro ogni convinzione.

Il finale del film del 1998 The Truman Show ha resistito alla prova del tempo grazie alla sua forte risonanza emotiva. Il film racconta la vita quotidiana del protagonista, Truman, che vive in un gigantesco set popolato da attori e scenari finti, dove la sua stessa esistenza è alla base di un reality show. Affrontando l’ossessione delle persone per i reality show ed esplorando al contempo concetti filosofici più ampi, il trio composto dal regista Peter Weir (L’attimo fuggente), dallo sceneggiatore Andrew Niccol (In Time) e dal protagonista Jim Carrey ha centrato l’obiettivo con un finale destinato a rimanere nella storia.

Sebbene il finale di The Truman Show segua un approccio lineare rispetto ad altri drammi esistenziali di Carrey, come Eternal Sunshine of the Spotless Mind e Man on the Moon, esso apre la strada a una discussione più ampia. La lotta di Truman Burbank per distinguere tra la realtà e la falsità della sua vita dà vita a un interessante discorso sulla percezione del mondo in cui vive il pubblico. Ma quando Truman finalmente scopre la verità e lotta per “dirigere” la propria vita, viene affrontato anche un tema più ampio, quello dell’indipendenza mentale.

Cosa succede nel finale di The Truman Show?

Contrariamente agli sforzi di alcuni membri del cast di sabotare lo show, il regista Christof fa del suo meglio per mantenere Truman entro i confini della finta città di Seahaven. Desideroso di avventurarsi nel mondo reale, Truman supera la sua paura dell’acqua e alla fine di The Truman Show parte per il mare su una piccola barca. Christof cerca di capovolgere la barca scatenando una violenta tempesta, ma Truman riesce comunque a nuotare fino a mettersi in salvo, raggiungendo l’uscita del set e pianificando la sua grande mossa. Sotto pressione per continuare lo show, Christof cerca di convincere Truman che può ancora condurre una vita facile se rimane nel mondo artificiale.

Dopo aver finalmente deciso di vivere come un individuo libero, il tragico protagonista interpretato da Jim Carrey pronuncia per l’ultima volta la sua frase celebre: “Nel caso non vi rivedessi più… buon pomeriggio, buona sera e buona notte”. Truman si inchina e se ne va con un sorriso, a indicare che è ancora grato al suo pubblico nonostante abbia vissuto una vita di menzogne per loro. Con il sole che splende su di lui, The Truman Show si conclude con una nota ottimistica. Il futuro del protagonista è incerto, ma almeno ha qualcuno che può aiutarlo in questo viaggio, dato che anche Sylvia (che ha recitato come sua compagna di college) si precipita a salutarlo alla fine.

Gli spettatori devono trovare un nuovo programma

La conclusione speranzosa della prigionia di Truman alla fine di The Truman Show segna una sconfitta per Christof, che aveva dedicato tutta la sua vita e la sua abilità creativa allo sviluppo del programma più realistico possibile. Anche se The Truman Show non avrà un seguito, il pubblico non ha nulla da perdere, poiché presto passerà a un altro programma televisivo di cui appassionarsi. Gli spettatori dello show, empatizzando con la mancanza di autonomia di Truman, lo acclamano quando finalmente lascia Seahaven. Negli ultimi secondi del film, gli spettatori si chiedono addirittura cosa altro c’è in televisione, uno sguardo satirico sul consumatore capitalista americano medio che deve cercare un nuovo prodotto.

Christof può essere sia Dio che il Diavolo

Durante tutto The Truman Show, Truman può sentire la voce di Christof attraverso l’impianto audio del set, proprio come Dio che appare in visioni dal cielo. Truman può comunque essere visto come un mortale che mette in discussione la propria fede, con Christof che funge da figura divina delle religioni abramitiche. Ancora una volta, proprio come gli dei in diverse mitologie, Christof non solo crea il mondo di Truman, ma ha anche la capacità di manipolare il tempo e cambiare il suo ambiente. Il cast e i membri della troupe possono essere equiparati agli angeli in questo caso, poiché eseguono gli ordini di Christof.

Allo stesso tempo, un punto di vista alternativo può suggerire che Christof fosse in realtà Lucifero, che ha creato un mondo artificiale di tentazioni per attirare Truman. Naturalmente, il mondo reale sarà pieno di inevitabili dolori e sofferenze, come lo stesso Christof avverte Truman. Tuttavia, l’uomo sceglie di allontanarsi dall’oscurità del diavolo e di camminare verso la luce. La scala illuminata dal sole alla fine rafforza questa interpretazione. Proprio come le personificazioni bibliche del male come Belial, Christof prospera sulla paura che è racchiusa nell’acquafobia di Truman. Tuttavia, nel finale, Truman acquisisce una consapevolezza tale da poter superare questa paura e viaggiare in sicurezza verso il mondo esterno.

In che modo The Truman Show ha previsto il boom dei reality show?

Sebbene il concetto di reality show esistesse già molto prima del 1998, l’enfasi posta da The Truman Show sul potenziale capitalistico del voyeurismo era chiaramente visibile nei reality show che hanno fatto la loro comparsa a partire dagli anni 2000. Il film è senza dubbio un fenomeno della cultura popolare, dato che i suoi temi hanno anticipato l’interesse globale per i reality show televisivi, come gli italiani L’isola dei famosi, Grande Fratello, Tempation Island e così via. Sebbene la maggior parte di essi sia sceneggiata, alcuni meta-esempi finiscono per essere più vicini alla visione di The Truman Show (con la maggior parte delle persone riprese dalla telecamera che non sanno di essere registrate).

Il vero significato del finale di The Truman Show

The Truman Show è in definitiva una storia sullo spirito umano in una realtà fabbricata. Anche se narrazioni simili di un eroe che acquisisce una coscienza simile sono ambientate in contesti distopici (Dark City, Matrix, Blade Runner), The Truman Show è ambientato in modo interessante nella città perfetta di Seahaven. L’aspetto suburbano della città, con le sue staccionate bianche, sembra riflettere l’illusione del Grande Sogno Americano degli anni ’50. In effetti, tutta la vita di Truman fino a quel momento si è svolta come un sogno. Il finale mostra quindi che Truman è finalmente pronto a uscire da questo sogno e ad accettare la realtà.

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Diretto da Taylor Hackford, Parker (qui la recensione) è un thriller d’azione basato sul romanzo di Donald Westlake, Flashfire. Westlake ha scritto diversi libri basati sul personaggio di Parker, un ladro professionista che opera secondo un proprio codice morale. Le avventure ricche di azione di questo personaggio vengono qui portate sul grande schermo con notevole stile.

Il film segue dunque Parker, che viene tradito dalla sua banda, il che lo spinge sulla via della vendetta. L’estetica antieroica del personaggio di Parker lo rende più facile da identificarsi, e le sequenze d’azione mozzafiato ci tengono incollati allo schermo. In sostanza, Parker è un lupo solitario che deve sconfiggere un gruppo di criminali con un pericoloso assassino alle calcagna. Approfondiamo i dettagli.

La trama di Parker

Parker (Jason Statham) è un ladro professionista che segue un codice morale specifico: le sue azioni non devono danneggiare le persone povere e innocenti. Gli viene assegnato un lavoro con una banda di cui non sa molto. Parker e la sua banda rubano dei soldi dalla Fiera dello Stato dell’Ohio, ma una situazione costringe uno dei membri a uccidere una persona innocente. Infastidito dagli sviluppi, Parker rifiuta di continuare a collaborare con la banda. Melander, il leader de facto della banda, decide di uccidere Parker per impossessarsi della sua parte di denaro.

Parker sopravvive all’attacco di Melander e alla fine viene salvato da una famiglia di coltivatori di pomodori, che lo portano in ospedale. Tuttavia, Parker fugge dall’ospedale e va alla ricerca di Melander. Scopre che il suo avversario si trova a Palm Beach, in Florida, dove sta pianificando un’altra rapina. La banda viene a sapere che Parker è vivo e manda un killer, Kroll, per eliminarlo. Parker è deciso a vendicarsi e raggiunge la Florida sotto le spoglie di un ricco uomo d’affari, Daniel Parmitt. Incontra un’agente immobiliare, Leslie (Jennifer Lopez), che ha i suoi problemi finanziari. Parker scopre che Melander sta pianificando una rapina in una gioielleria.

Leslie scopre la vera identità di Parker e alla fine entrambi decidono di rubare i gioielli a Melander e alla sua banda. Procedono con cautela mentre Parker neutralizza le armi di Melander sabotandole. Tuttavia, Kroll individua Parker e lo attacca ferocemente, ma alla fine viene ucciso da Parker. Mentre Parker e Leslie decidono le loro prossime mosse, Melander porta avanti i suoi piani. Parker decide di tendergli un’imboscata, ma loro catturano Leslie. Nel confronto che ne segue, Parker elimina le minacce e si avventura per riparare i danni causati da Melander e dalla sua banda.

Il finale di Parker: l’antieroe affabile

Alla fine, il protagonista uccide tutti i membri della banda di Melander e si impossessa del loro bottino. Il suo carattere e la sua condotta morale sono evidenti quando spedisce la parte di Leslie per posta. Anche se gli ci vuole un anno per organizzare la consegna, riconosce l’aiuto di Leslie mentre lottava per vendicarsi di Melander. Inoltre, anche i coltivatori di pomodori che lo hanno salvato ricevono una somma considerevole per il loro aiuto. Riconoscono che lo sconosciuto che hanno salvato è come un angelo, un salvatore che ha alleviato il loro disagio.

Il finale mette in luce l’aspetto affabile dell’antieroe interpretato da Parker. La sua professione è moralmente discutibile, ma il suo cuore è al posto giusto. Forse è la natura del lavoro che ha reso Parker un tipo duro, ma in sostanza lui tiene alle persone che lo circondano. Tuttavia, lui è risoluto nella sua ricerca di vendetta. Il tradimento di Melander non gli va giù e, nonostante sia ferito a morte, li rintraccia. Spinto da una grande determinazione, Parker crede nella giustizia inflitta con la stessa gravità del crimine commesso.

L’attacco di Kroll forse lo colpisce più di tutti. In una delle scene, Kroll cerca di rapire la sua ragazza, Claire, che è anche la figlia del suo mentore, Hurley. È molto più personale dell’azione di Melander. Pertanto, rintraccia il boss mafioso che ha assunto Kroll per ucciderlo. Questo diventa anche uno degli esempi della grinta e della determinazione di Parker. Parker combatte eroicamente nonostante le ferite e ottiene la sua vendetta. In altre parole, Parker è l’antieroe che ha la capacità di combattere contro ogni previsione e mantenere intatta la sua bussola morale.

In che modo il rapporto di Leslie con Parker lo influenza?

Parker chiarisce che l’eroe protagonista, pur essendo un lupo solitario, ha bisogno di aiuto per portare a termine la sua missione. In questo caso, Leslie diventa il personaggio che umanizza le abilità di lui. Nei film d’azione, il più delle volte, gli eroi sono infallibili senza alcun segno di vulnerabilità. Parker pianifica attentamente il suo stratagemma e, inizialmente, accetta l’aiuto di Leslie per rintracciare Melander.

Leslie è chiaramente attratta da Parker, ma lui mantiene un atteggiamento stoico di fronte a lei. Non vuole mostrare alcun segno di vulnerabilità, ma sfortunatamente le circostanze lo spingono ad accettare il suo aiuto. In una scena particolare, Leslie assiste alla morte orribile di Kroll, che è stata registrata dai presenti. Pur conoscendo la verità su di lui, lei collude con lui al punto da mettere in pericolo la propria vita. Inizialmente, Leslie vede Parker (sotto le spoglie di Daniel Parmitt) come una persona che potrebbe aiutarla ad alleviare la sua situazione finanziaria.

Entrambi hanno bisogno l’uno dell’altra per sopravvivere alle circostanze oscure. La narrazione intreccia efficacemente la relazione tra questi due personaggi e fonda il film d’azione su un terreno emotivo. Inoltre, quando Leslie se ne va dopo la fine del calvario, c’è un accenno di riluttanza negli occhi di Parker. Forse anche lui ha sviluppato un affetto per Leslie, ma non può agire in base ai suoi sentimenti a causa della sua relazione con Claire.

Leslie capisce questo fatto quando Parker le chiede di chiamare Claire quando lui è gravemente ferito. Sia Parker che Leslie accettano il fatto che la loro relazione dipende dalla situazione. Tuttavia, alla fine, Parker mantiene la parola data, dimostrando di ricordare ancora l’aiuto di Leslie. In sostanza, il lavoro di squadra di Parker e Leslie allevia la condizione di entrambi, suggerendo una relazione simbiotica.

Lion – La strada verso casa (qui la recensione) è un film del 2016 diretto da Garth Davis e tratto dalla straordinaria storia vera di Saroo Brierley, un bambino indiano che, dopo essersi perso a cinque anni, viene adottato da una famiglia australiana e, da adulto, tenta di ritrovare le proprie origini grazie alle nuove tecnologie. Il film si colloca nel solco del biopic drammatico contemporaneo, ma lo fa con una sensibilità particolare: invece di concentrarsi solo sull’evento eccezionale, esplora con delicatezza il viaggio emotivo e identitario del protagonista, trasformando il racconto di una ricerca geografica in un percorso interiore di riscoperta personale.

Attraverso uno stile visivo intimo e un approccio narrativo che unisce realismo e poesia, Lion – La strada verso casa affronta temi universali come l’abbandono, il legame familiare, la memoria e il bisogno di appartenere a un luogo. La prima parte, profondamente radicata nella realtà sociale dell’India più povera, si contrappone alla seconda, ambientata in Australia, dove il protagonista cresce circondato da affetto ma tormentato da una mancanza che non riesce a colmare. Questo equilibrio tra dimensione emotiva e ricostruzione storica contribuisce a dare al film una forte risonanza umana.

Il cast sostiene pienamente la potenza narrativa del racconto: Dev Patel interpreta Saroo adulto con intensità e misura, mentre Nicole Kidman offre una delle sue prove più toccanti nel ruolo della madre adottiva. Il giovane Sunny Pawar, sorprendente nella parte del piccolo Saroo, regge l’intero primo segmento del film con una naturalezza rara. Nel resto dell’articolo si approfondirà la storia vera che ha ispirato Lion – La strada verso casa, ricostruendone i passaggi fondamentali e confrontandoli con la versione cinematografica.

La trama di Lion – La strada verso casa

Il film racconta la storia di Saroo, un bambino di cinque anni che vive con la sua povera famiglia a Khandwa, un piccolo villaggio dell’India centrale. Insieme a suo fratello più grande trascorre le giornate a raccogliere metalli per poi rivenderli e guadagnare qualche soldo. Una notte i due devono lavorare in una stazione, ma il piccolo Saroo è talmente stanco che si addormenta sulla panchina di fronte ai vagoni. Quando si risveglia è solo e spaventato, non trova più il fratello e, non sapendo cosa fare, decide di salire su un treno vuoto. Questo, però, non fa alcuna fermata e lo porta direttamente a Calcutta, a quasi duemila chilometri da casa.

Il bambino cerca di sopravvivere, nonostante non parli la lingua del posto. Inizialmente viene avvicinato da brutte persone che vogliono venderlo, poi riesce a scappare e finisce in commissariato, dove lo fotografano per diffondere la sua immagine sperando che qualcuno chieda di lui. Passano i giorni e il piccolo viene trasferito in un orfanotrofio, dove un’assistente sociale riesce a trovargli una nuova famiglia: una coppia di australiani benestanti. Quando diventa grande Saroo (Dev Patel), però, la voglia di cercare la sua vera madre lo porterà ad affrontare il viaggio più importante della sua vita.

La storia vera dietro il film

Saroo nasce nel 1981 a Ganesh Talai, un sobborgo di Khandwa, nel Madhya Pradesh, India; la sua famiglia vive in povertà, dopo che il padre abbandona moglie e figli. Nel 1986, all’età di cinque anni, suo fratello maggiore parte per lavoro in un’altra città e Saroo, seguendolo, si addormenta su una panchina in stazione: al risveglio, non trova più il fratello e, per disperazione, sale su un treno fermo, che partirà portandolo lontano, fino a Calcutta, a migliaia di chilometri di distanza dalla sua casa.

Rimasto solo, disorientato, incapace di spiegare da dove provenga, perché parla hindi, non bengalese, vive per strada, sopravvive grazie a espedienti, poi finisce in un orfanotrofio. Nel 1987, viene adottato da una coppia australiana e cresce in Tasmania con un nuovo nome, famiglia e prospettive. Pur avendo una vita stabile e affettuosa in Australia, Saroo non dimentica le sue origini: per molti anni mantiene dentro di sé il dolore dell’abbandono e il ricordo vago di quella notte che lo separò dalla famiglia.

Da adulto, dopo aver scoperto i moderni strumenti di mappatura satellitare, decide di tentare una ricerca della sua terra d’origine usando Google Earth. Calcola la distanza che il treno avrebbe percorso, disegna un cerchio intorno a Calcutta e, tra migliaia di stazioni, inizia a selezionare quelle che potrebbero corrispondere al punto di partenza. Dopo anni di ricerche e incroci di dati, nel 2012 individua di nuovo Khandwa, con la speranza di ritrovare la madre e la famiglia che aveva perso. Si reca in India e, con l’aiuto di abitanti locali e fotografie, riesce a risvegliare la memoria collettiva del villaggio: sua madre biologica è viva e, dopo 25 anni, finalmente lo rincontra.

Il film riflette piuttosto fedelmente i momenti essenziali di questa storia, la perdita, l’adozione, la vita lontano, la ricerca ossessiva con Google Earth e infine il ritorno. Alcune compressioni narrative e licenze artistiche riguardano dettagli minori, ma Saroo stesso, autore del memoir da cui il film è tratto, ha dichiarato che molte scene, come certe flashback, nascono da ricordi reali. In sintesi: la pellicola mantiene l’essenza della vicenda, rispettando la verità dei fatti principali e rendendola accessibile con grande intensità emotiva.