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She Said Maybe: il film Netflix è tratto da una storia vera?

She Said Maybe: il film Netflix è tratto da una storia vera?

Diretto da Ngo The Chau e Buket Alakuş, She Said Maybe di Netflix è una commedia romantica che racconta la storia di una donna di nome Mavi. Nata e cresciuta in Germania, ha origini turche ma non ha mai esplorato quel lato della sua discendenza. Ha una relazione con Can, che è ansioso di chiederle di sposarlo. Dopo un tentativo fallito, lui la porta in vacanza a Istanbul, dove il suo intento di chiederle di sposarlo viene interrotto dalla rivelazione del legame di Mavi con i Bilgin, una delle famiglie più ricche della Turchia.

Si susseguono una serie di rivelazioni sul lato paterno di Mavi, mentre lei si gode la sua nuova ricchezza e influenza, influenzando la sua relazione con Can. Gli aspetti fiabeschi del film sono radicati nel realismo, con temi quali l’amore, la famiglia, le responsabilità e la libertà personale, che rendono il personaggio di Mavi simile a una vera ereditiera turca la cui vita è cambiata drasticamente.

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La famiglia Bilgin, personaggi immaginari di She Said Maybe, sottolineano l’importanza dei legami familiari

She Said Maybe è una storia immaginaria scritta da Ipek Zübert. La trama si concentra sul caos che si scatena nella vita di Mavi dopo che le viene presentata sua nonna, la matriarca della famiglia Bilgin. Nel creare le dinamiche insidiose dei Bilgin, alle quali Mavi deve imparare ad adattarsi piuttosto rapidamente, l’autrice non ha preso spunto da nessuna famiglia turca in particolare. Detto questo, è possibile che abbia preso in prestito alcuni aspetti delle lotte per la successione familiare, dello stile di vita e delle ideologie da famiglie come i Koç, una delle più ricche della Turchia.

She Said Maybe cast film
Cortesia di © 2025 Netflix, Inc.

Sono i proprietari della Koç Holding, che si occupa di ogni tipo di attività commerciale per mantenere il suo status di una delle famiglie più ricche del paese. Nel film Netflix, la famiglia Bilgin possiede una società chiamata Bilgin Holding, che ha anche messo piede in tutti i tipi di attività commerciali, ma non c’è alcun collegamento diretto tra le due famiglie. La trama di “She Said Maybe” ruota attorno a una situazione fiabesca in cui una donna di umili origini scopre di appartenere alla famiglia reale turca e di essere l’erede perduta della fortuna dei Bilgin.

Mentre il film si sofferma sul viaggio di Mavi alla scoperta della Turchia e della fama e ricchezza della sua famiglia, rimane con i piedi per terra grazie ai dettagli sottili che rendono la protagonista profondamente realistica. Sfruttando la differenza culturale tra l’educazione tedesca di Mavi e le sue radici turche, il film esplora la cultura della Turchia, mettendo in mostra il suo mix di storia e modernità, che permea ogni aspetto, dall’architettura al cibo. L’esplorazione della sua altra metà da parte di Mavi permette al pubblico di vedere il Paese da una prospettiva diversa.

Per rafforzare questo punto di vista, il film si affida a location reali come il Palazzo Ciragan a Istanbul e la regione della Cappadocia. Questo non solo conferisce un tocco cinematografico alla storia, ma trasporta anche il pubblico in Turchia, insieme a Mavi, dando loro un’idea di ciò che sta vivendo. Questo approccio conferisce al film, simile a “The Princess Diaries”, un tocco di realismo che fa tifare il pubblico per i personaggi in modo ancora più intenso.

She Said Maybe: la spiegazione del finale del film

She Said Maybe: la spiegazione del finale del film

Diretto da Ngo The Chau e Buket Alakuş, She Said Maybe di Netflix è una commedia romantica che racconta la storia di Mavi, un’architetta tedesca che scopre di appartenere alla nobiltà turca. Non ancora pronta a lasciarsi il passato alle spalle, Mavi si ritrova in una situazione difficile, divisa tra le strutture tradizionali e familiari di sua nonna, Yadigar Bilgin, e la relazione sentimentale che ha con Can, uno stagista presso uno studio legale. Da quel momento in poi, il conflitto di classe definisce la loro storia d’amore.

Nel mentre la protagonista arriva lentamente a riconoscere la mancanza di chiarezza nella sua vita. Anche se Can cerca di chiedere alla sua compagna di sposarlo all’inizio della storia, le cose non vanno proprio come previsto, lasciandolo alla disperata ricerca di un’altra possibilità. Le complicazioni che si accumulano nel frattempo aggiungono pepe a questo dramma familiare, rendendo la scelta finale di Mavi ancora più imprevedibile.

Can e Mavi si sposano alla fine di She Said Maybe

Sebbene la relazione tra Can e Mavi abbia un percorso accidentato nel corso del film, gli ingredienti per realizzare i loro sentimenti sono sparsi ovunque. In realtà, lei si rende conto di non poter lasciare andare Can, e questo la spinge a tornare da lui. Nel frattempo, Can, sentendosi altrettanto abbattuto, decide di lasciare il suo tirocinio e di dedicarsi a un viaggio; tuttavia, questo tentativo di ricerca interiore nasconde solo la vera origine delle sue emozioni.

Quando Mavi lo raggiunge pochi istanti prima della sua partenza, la coppia vive finalmente il suo momento decisivo e confessa la vera profondità del proprio amore. Mavi si scusa per aver lasciato che il loro legame si affievolisse nel trambusto del suo nuovo stile di vita, ma è proprio quel cambiamento di prospettiva che le serviva per capire ciò che desidera. A tal fine, Mavi ribalta la premessa centrale del film e diventa lei a chiedere a Can di sposarla, che accetta felicemente.

She Said Maybe film Netflix
Cortesia di © 2025 Netflix, Inc.

Le fratture nella relazione tra Can e Mavi nascono da una serie di incomprensioni che alimentano il loro divario comunicativo. Sebbene la coppia sia abbastanza sicura di ciò che vuole a livello personale e professionale, la rivelazione sulle origini di Mavi cambia le carte in tavola. All’improvviso, la protagonista si ritrova coinvolta nelle dinamiche dei ricchi, compresa la pressione esercitata silenziosamente da sua nonna. La carta vincente di Yadigar, Kent, alla fine dà i suoi frutti quando a Can viene mostrata una foto di lui e Mavi che stanno per baciarsi.

Pochi istanti prima, la giovane architetta viene a sapere che il suo partner ha accettato una somma considerevole di denaro per porre fine alla loro relazione, e questo cementa la loro separazione. Tuttavia, in entrambi i casi, vediamo solo metà del quadro, e proprio qui sta il punto chiave della narrazione. L’alienazione tra i due amanti finisce per limitare la sensibilità emotiva di entrambi, creando una frattura.

I momenti finali del film servono come momento di riflessione sia per Can che per Mavi, che lentamente arrivano a comprendere il punto di vista dell’altro. Questo porta a un’altra epifania condivisa, ovvero che i due non possono essere felici finché sono lontani l’uno dall’altra. Non solo si riconciliano, ma compiono anche il coraggioso passo successivo nella loro relazione, sotto forma di matrimonio. Sebbene Mavi fosse precedentemente timorosa di impegnarsi in tal modo, il suo cambiamento di posizione rappresenta una pietra miliare nel suo percorso di trasformazione.

Il matrimonio della coppia riunisce tutti i personaggi della storia in un momento caratterizzato dall’amore e dalla gioia, invece che da spietate politiche familiari. Una sequenza splendidamente resa raffigura Mavi e Can che si tengono per mano mentre corrono accanto a tutte le persone a loro care, a significare come la loro storia d’amore si propaghi verso l’esterno creando una reazione a catena positiva.

She Said Maybe cast film
Cortesia di © 2025 Netflix, Inc.

La storia d’amore di Can e Mavi spinge Yadigar a cambiare i suoi vecchi modi di fare

Il più grande ostacolo nella relazione tra Can e Mavi è senza dubbio Yadigar, che arriva al punto di dare al primo un assegno in bianco come ricompensa per aver lasciato sua nipote. Questa mossa tocca il cuore della complicata situazione familiare di Can e sembra quasi troppo allettante per essere ignorata dal giovane avvocato. Tuttavia, i pezzi mancanti di quello scambio vengono rivelati alla fine, in una lettera che Yadigar invia personalmente a Mavi.

Scopriamo che Can non ha lasciato un importo su quell’assegno, ma ha invece espresso che nessuna somma di denaro avrebbe mai potuto comprare il suo amore per la protagonista. Questo attacca direttamente il nucleo materiale di Yadigar e le offre un momento di riflessione, che alla fine la porta ad accettare la loro relazione. A tal fine, la lettera è accompagnata anche da una nota di scuse e dai suoi auguri per qualsiasi direzione prenderà la storia d’amore.

Con il cambiamento di opinione di Yadigar, il matrimonio di Can e Mavi vede un ospite in più, e questo rappresenta un cambiamento visibile nelle dinamiche familiari e nei sistemi di valori. Sebbene Yadigar sia descritta come una figura autorevole, fredda e pragmatica per gran parte della serie, la sua apparizione finale è di felicità sfrenata, mentre balla con sua nipote e sua nuora. Questo ricorda un momento precedente della storia, quando il lato più rilassato e malizioso della nonna è emerso mentre cucinava con Mavi.

Questa essenza viene estrapolata nella sequenza finale, suggerendo che la matriarca ha finalmente abbandonato le strutture soffocanti a cui si è attenuta per tutto questo tempo. In questo modo, la cerimonia di matrimonio diventa anche un’occasione per ricucire i rapporti all’interno della famiglia, da tempo incrinati, dimostrando così nel finale di She Said Maybe che l’amore può davvero conquistare qualsiasi cosa.

Chief of War, spiegazione della battaglia finale e come si chiude la serie

La prima stagione di Chief of War (qui la nostra recensione) si è conclusa, offrendo un finale ricco di spunti. Il progetto storico di Jason Momoa ha rispettato le aspettative, con costumi d’epoca accurati, scenografie spettacolari e scene d’azione epiche, degne di una serie intitolata “Chief of War”. Momoa guida il cast interpretando il guerriero Ka‘iana.

Nei primi nove episodi, vediamo Ka‘iana lottare con la sua lealtà verso diversi capi, per poi tornare dopo un periodo trascorso all’estero ad aiutare il re Kamehameha (Kaina Makua) nella guerra contro Keōua (Cliff Curtis) per il controllo dell’isola di Hawai‘i. Le forze di Keōua erano sostenute dal re Kahekili (Temuera Morrison) dell’isola di Maui.

Il conflitto tra Ka‘iana e Kamehameha

Gli episodi finali della serie si concentrano sul conflitto tra Kamehameha e Ka‘iana riguardo all’uso delle armi da fuoco nella battaglia contro Keōua. Nell’episodio penultimo, inoltre, l’attività del vulcano Kīlauea viene interpretata da molti distretti come un segno divino a favore di Keōua, spingendoli ad allearsi con lui.

Jason Momoa in “Chief of War,” now streaming on Apple TV+.

La battaglia finale e il suo esito

La battaglia che segue è sanguinosa e violenta, combattuta all’ombra del vulcano. Ka‘iana provoca le forze di Keōua, spingendole a caricare con le lance, mentre gli uomini di Kamehameha rivelano i fucili nascosti e ottengono un vantaggio decisivo.

Ka‘iana affronta direttamente Keōua, ma quest’ultimo viene ucciso dalla natura stessa, smentendo la sua convinzione che l’eruzione fosse un segno divino del suo diritto a governare. Con la morte di Keōua, Kamehameha ottiene il dominio su Hawai‘i, aprendo la strada alla conquista delle altre isole hawaiane.

Tutte le morti principali nel finale di Chief of War

  • Keōua: come detto, viene ucciso nello scontro. Ka‘iana lo cercava in battaglia per vendicare la morte del fratello Nāhi, avvenuta nell’episodio precedente. Essendo l’antagonista principale della stagione, la sua fine non è una sorpresa.
  • Opunui: rappresentante di Maui, mandato a guidare le forze di Kahekili contro Kamehameha, si dimostra un uomo violento e spietato dopo l’uccisione di Nāhi. Nella battaglia finale attacca Heke, rischiando di ucciderla, ma viene colpito da Ka‘ahumanu e poi finito da Heke, che vendica così il suo amante.
Te Ao o Hinepehinga in “Chief of War,” now streaming on Apple TV+.

In che modo il finale prepara la stagione 2

Kahekili è stato l’antagonista centrale della serie fin dall’inizio, ed è il motivo per cui Ka‘iana era così determinato a tornare nelle isole hawaiane. Si sentiva ingannato dal re di Maui, che lo aveva spinto a commettere crimini di guerra in nome di una presunta profezia.

È quindi sorprendente che Kahekili non compaia nella battaglia finale, anche se alcuni suoi uomini vi partecipano. Nella scena conclusiva, scioccante e provocatoria, vediamo Kahekili ricevere notizia della sconfitta di Keōua e giurare di portare la sua potente flotta a conquistare Hawai‘i.

La serie non è ancora stata rinnovata per una seconda stagione, ma il finale suggerisce che altra violenza è all’orizzonte. L’alleanza tra Ka‘iana e Kamehameha, nata per contrastare Keōua, potrebbe incrinarsi con l’arrivo di Kahekili o con il ritorno dei marinai britannici.

I temi spirituali di Chief of War

Riflettendo sulla battaglia, Ka‘iana trafigge con una lancia uno dei sacerdoti di Keōua. Questo gesto si lega al tema ricorrente della serie: Ka‘iana ha sempre cercato la guida degli dèi, temendo di andare contro la loro volontà combattendo contro Keōua.

Come mostrano le visioni del veggente Tala, gli dèi sono in collera, ma non per l’esito della guerra tra Keōua e Kamehameha. Ciò che li turba è l’uso di strumenti stranieri e l’arrivo imminente dei coloni. Ka‘iana ha sconfitto Keōua, ma lo ha fatto abbandonando la tradizione.

Te Kohe Tuhaka, Jason Momoa and Siua Ikale‘o in “Chief of War,” premiering August 1, 2025 on Apple TV+

L’uso delle armi da fuoco appare come un patto faustiano: non importa chi unifichi le isole hawaiane, la vera minaccia è l’influenza esterna. Le stesse armi che hanno dato la vittoria a Ka‘iana e Kamehameha porteranno in futuro alla caduta di Hawai‘i come nazione indipendente e alla sofferenza della sua antica cultura.

L’accuratezza storica della stagione 1

Dal punto di vista storico, la serie è poco accurata. Chief of War utilizza figure realmente esistite, ma modifica la cronologia per esigenze narrative. La battaglia più vicina a quella rappresentata è la Battaglia di Mokuʻōhai del 1782. Tuttavia, Keōua morì solo nel 1791, e il suo esercito fu effettivamente distrutto dal vulcano Kīlauea nel 1790, ma non durante una battaglia.

In realtà, Keōua è un personaggio composito: fu Kīwalaʻō a ereditare l’isola dopo la morte di Kalaniʻōpuʻu, entrando in conflitto con Kamehameha per la divinità della guerra. La storia è stata dunque condensata e modificata in più punti, pur mantenendo una linea narrativa coerente.

Il rifugio atomico, spiegazione del finale: ecco cosa ci dice la serie sull’estrema ricchezza

Negli ultimi anni, l’idea di sopravvivere a una catastrofe globale è diventata sinonimo di privilegio estremo. I media riportano con sempre maggiore frequenza notizie sui super-ricchi che costruiscono bunker sotterranei per prepararsi a un evento di estinzione. Questa ossessione ha ispirato numerose opere di finzione, dalle serie televisive ai film, che immaginano miliardari isolati in rifugi mentre il mondo esterno crolla.

La premessa di Il rifugio atomico

La nuova serie spagnola di NetflixIl rifugio atomico (El refugio atómico), creata dagli autori de La casa di carta, Álex Pina ed Esther Martínez Lobato, riprende questo filone narrativo ma lo ribalta. All’inizio, mentre le tensioni geopolitiche crescono, i clienti del progetto Kimera Underground Park si rifugiano in bunker a 300 metri di profondità, convinti di restarci solo temporaneamente. Ma quando sembra scoppiare una guerra nucleare, scopriamo subito il colpo di scena: l’apocalisse non è reale. È tutto un inganno orchestrato da Kimera, i cui scopi verranno svelati poco a poco.

Cortesia di Netflix

Una satira del potere e della ricchezza

La serie diventa così una metafora della vita artificiale dei super-ricchi, protetti da un guscio di finzioni. Pur contenendo elementi di critica sociale, lo show non rinuncia al ritmo serrato e alla drammaticità che hanno reso celebre La casa di carta: colpi di scena, tensioni familiari e passioni proibite si intrecciano con la truffa messa in scena da Kimera, guidata dalla manipolatrice Minerva.

La storia di Max

Uno dei protagonisti centrali è Max Varela, un giovane segnato da un passato tragico: uccide accidentalmente la fidanzata Ane in un incidente stradale e finisce in carcere, dove scopre la durezza della vita senza privilegi. Questa esperienza lo trasforma, rendendolo capace di affrontare la verità meglio dei ricchi che lo circondano. Dopo la scarcerazione, viene portato nel bunker dal padre Rafa, dove ritrova la famiglia di Ane e deve convivere con rancori, sospetti e segreti.

Realtà artificiali a confronto

La trama alterna momenti avvincenti a parti più lente e prolisse, con dialoghi che spiegano eccessivamente motivazioni e complotti. Oltre all’inganno di Kimera, assistiamo a una vera e propria soap opera familiare: vecchi tradimenti emergono, matrimoni infelici crollano, passioni represse vengono alla luce. Le bugie dei genitori di Max e di Ane, intrecciate da decenni, si sgretolano man mano che la vita sotterranea diventa insostenibile.

Cortesia di Netflix

Il meccanismo dell’inganno

I flashback mostrano come Minerva e il suo team abbiano architettato la finta apocalisse con messinscene spettacolari, degne di un blockbuster. Nonostante alcune incongruenze logiche, la serie sottolinea come i miliardari siano talmente abituati a vivere di illusioni da accettare senza dubbi le bugie di Kimera. Il parallelo con la scrittura televisiva stessa è evidente: anche i truffatori, come gli sceneggiatori, costruiscono storie per manipolare emozioni e comportamenti.

La rinascita di Max

Max, grazie alla sua esperienza in carcere, è più difficile da ingannare. Le rivelazioni sul passato della madre Frida, da anni amante del padre di Ane, e l’ammissione che lei non lo aveva mai visitato in prigione, lo spingono a confrontarsi con la falsità della sua famiglia. Parallelamente, Asia, sorella di Ane, scopre di essersi sempre mentita a sé stessa e di amare Max nonostante tutto. I due stringono un legame fondato sulla ricerca della verità.

Cortesia di Netflix

L’uscita verso la realtà

Nel finale, Max decide di affrontare il mondo esterno, convinto che ci sia più speranza fuori che dentro al bunker, anche se gli è stato fatto credere che la superficie sia contaminata. Dopo aver promesso ad Asia che tornerà per lei, emerge alla luce del sole, in una scena che simboleggia la sua rinascita e la scelta di vivere nella realtà, non nelle illusioni.

Gioco e riflessione

Il rifugio atomico mescola intrattenimento e critica sociale. Pur presentando eccessi narrativi e toni a volte ironici, come dimostra il finale con Oswaldo che canta “American Idiot” in una discoteca fittizia, la serie offre una riflessione profonda: per pensare di meritarsi un rifugio privato dalla fine del mondo, bisogna essere estremamente egoisti e capaci di autoinganno.

Mad Max: The Wasteland potrebbe essere rielaborato come serie per HBO Max

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Il film di Mad Max che i fan chiedono a gran voce da anni è Mad Max: The Wasteland, un prequel ambientato un anno prima di Mad Max: Fury Road con Tom Hardy nel ruolo principale. Nel 2017, Miller avrebbe avviato la pre-produzione del progetto e avrebbe persino ottenuto l’impegno di Hardy, ma i lavori si sono interrotti quando il regista ha citato in giudizio la Warner Bros. per non avergli pagato un bonus garantito dal contratto.

Dopo il fallimento commerciale di Furiosa: A Mad Max Saga, la realizzazione del nuovo film è però divenuta particolarmente improbabile. Un recente rapporto di Deadline ha inoltre affermato che Furiosa, nonostante le ottime recensioni, ha fatto perdere alla Warner Bros. 120 milioni di dollari. Un insuccesso che comprensibilmente potrebbe portare alla cancellazione di tutti i piani futuri per la saga.

Inoltre, Miller ha recentemente dichiarato che il suo prossimo film non sarà un film di Mad Max. Ha poi citato il suo desiderio di realizzare The Wasteland, ma ha ammesso che il progetto è in pausa. Eppure, è ora arrivato un aggiornamento piuttosto interessante sul progetto. Il podcast Mad Max Bible, riporta che Mad Max: The Wasteland di Miller è attualmente in fase di rielaborazione per diventare una serie televisiva.

Shaun Grant sarebbe stato chiamato a scrivere la sceneggiatura. Ciò avrebbe perfettamente senso: la Warner Bros. sta cercando disperatamente di competere nella guerra dello streaming e HBO Max sta aumentando i progetti approvati indipendentemente dai costi. Al momento non ci sono conferme ufficiali né maggiori dettagli sul progetto. Non è inoltre scontato che, in caso di conferma della serie, Tom Hardy riprenda il ruolo di Mad Max. Già in passato aveva offerto una deludente risposta in merito.

Se così non fosse, Miller probabilmente dovrà considerare l’idea di attuare un recasting. D’altronde, è proprio quello che ha fatto in Furiosa, ingaggiando Anya Taylor-Joy per interpretare il ruolo ricoperto da Charlize Theron in Mad Max: Fury Road. Ad ogni modo, al momento non resta che attendere di avere conferme ufficiali sul progetto, che qualora dovesse essere realizzato diventerebbe subito una delle serie più attese tra quelle previste per il futuro.

Gen V – Stagione 2: Cos’è il Progetto Odessa? Ecco alcune teorie

Gen V – Stagione 2: Cos’è il Progetto Odessa? Ecco alcune teorie

La stagione 2 diGen V (qui la recensione) ha introdotto il misterioso Progetto Odessa nei primi episodi della seconda stagione, spingendo gli spettatori a formulare diverse teorie sul suo possibile significato. Poiché il progetto sembra essere collegato alla trama principale della serie, questa nuova stagione impiegherà del tempo per rivelarne il vero significato e scopo.

Tuttavia, già nei primi momenti, la seconda stagione di Gen V ha fornito indizi sufficientemente sottili da lasciare spazio a speculazioni e teorie. Gli spettatori più attenti hanno anche notato che il Progetto Odessa era stato menzionato in precedenza nella quarta stagione di The Boys e nella prima stagione di Gen V, aprendo la strada a teorie ancora più avvincenti.

Alcuni spettatori credono addirittura che il progetto possa essere un riferimento a un’operazione reale avvenuta dopo la seconda guerra mondiale, il che lo rende ancora più interessante. Indipendentemente da ciò che sarà il Progetto Odessa, è divertente speculare sul suo significato e sul suo scopo prima che la seconda stagione di Gen V sveli la verità.

Il Progetto Odessa ha qualcosa a che fare con un piano di fuga nazista realmente esistito

ODESSA era infatti anche il nome di una presunta organizzazione nata dopo la Seconda Guerra Mondiale, che includeva ex membri delle SS. Si ritiene che lo scopo dell’organizzazione fosse quello di pianificare e facilitare le vie di fuga per gli ufficiali delle SS, in modo da garantire loro di evitare il processo dopo la Seconda Guerra Mondiale. Sebbene molti esperti neghino l’esistenza di un Progetto ODESSA ufficiale, Gen V potrebbe trarre ispirazione da questa operazione ipotetica.

Nei primi episodi della seconda stagione, Emma e Polarity trovano una stanza nascosta nella biblioteca Godolkin che contiene cimeli nazisti. Pochi istanti dopo, nella stessa stanza, Emma scopre un fascicolo sul Progetto Odessa, che suggerisce un collegamento con Marie. Il fatto che abbiano trovato il fascicolo in una “stanza nazista” suggerisce il collegamento del progetto con la vera ODESSA.

Gen V Stagione 2
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video

Odessa ha più a che fare con Annabeth e meno con Marie

Quando Marie cerca ulteriori indizi sul suo legame con il Progetto Odessa nella seconda stagione di Gen V, scopre che i suoi genitori avevano difficoltà a concepire. Tuttavia, dopo aver chiesto aiuto a Cipher e al suo trattamento di fecondazione in vitro, che all’epoca era conosciuto con il nome di Dr. Gold, sono riusciti a metterla al mondo.

Non solo scopre che Cipher era presente durante la sua nascita, ma viene anche a sapere che sua sorella minore, Annabeth, era considerata una bambina miracolosa perché i suoi genitori non avevano avuto bisogno della fecondazione in vitro prima del suo concepimento. Questo fa sorgere il sospetto che il trattamento di fecondazione in vitro di Cipher possa essere stato utilizzato per manipolare selettivamente i tratti genetici o persino per creare determinate abilità nei bambini.

Se Marie fosse stata il soggetto principale del Progetto Odessa, Cipher l’avrebbe cercata molto tempo fa e non avrebbe aspettato che scoprisse i suoi poteri e si iscrivesse alla Godolkin University. Il fatto che Annabeth sia stata portata via prima di poter vivere la sua vita come una normale supereroina suggerisce che potrebbe essere lei il soggetto principale del progetto.

Gen V Stagione 2
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video

Lo scopo del progetto è trasformare i supereroi in divinità

La citazione sotto la statua di Thomas Godolkin alla Godolkin University recita: “Il percorso inizierà qui, dove i mortali diventeranno divinità”. Questa frase potrebbe essere un indizio sul vero scopo del Progetto Odessa, suggerendo che il suo obiettivo è trasformare i supereroi in esseri divini. Nonostante abbiano poteri soprannaturali, i supereroi hanno ancora dei difetti e possono essere uccisi dagli umani.

Anche Cipher continua a ricordare ai suoi studenti che gli esseri umani privi di poteri potrebbero facilmente sconfiggerli semplicemente superandoli in numero in uno scontro finale. Attraverso Odessa, Cipher potrebbe dunque voler rendere alcuni superpotenti selezionati così incredibilmente potenti e forti che gli esseri umani normali sarebbero costretti a incoronarli come divinità.

Il progetto Odessa mira a creare superumani più “stabili”

La violenta scena iniziale della seconda stagione di Gen V mostra come un gruppo di scienziati abbia utilizzato uno strano siero per acquisire abilità superumane. Tuttavia, il loro esperimento ha portato a conseguenze disastrose, causando la morte di tutte le persone coinvolte. Questa scena sembra sottolineare come il Composto V raramente funzioni sugli adulti. Cipher probabilmente spera che Marie sfrutti il vero potenziale delle sue abilità di manipolazione del sangue.

Ciò le permetterebbe di raggiungere un punto in cui possa aiutare a stabilizzare il Composto V in tutti gli individui. Una volta raggiunto questo obiettivo, Cipher sarebbe in grado di creare una razza umana superiore, dando accesso al Composto V al maggior numero possibile di esseri umani. L’idea di creare una razza superiore sarebbe anche in linea con il collegamento nazista di Cipher accennato in Gen V. Tuttavia, c’è anche la possibilità che Cipher non sia in realtà cattivo e che i suoi scopi siano invece positivi.

Luke Cage: Mike Colter parla del suo possibile ingresso nel MCU

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Luke Cage: Mike Colter parla del suo possibile ingresso nel MCU

Mike Colter, protagonista di Luke Cage, ha accennato alla sua potenziale partecipazione al MCU in vista della seconda stagione di Daredevil: Rinascita. Quando i diritti delle serie Marvel’s Defenders sono passati da Netflix a Disney, si è subito riaccesa la speranza di vedere Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage e Iron Fist riunirsi di nuovo, e magari diventare parte del più ampio Marvel Cinematic Universe.

Naturalmente, questo desiderio è diventato presto realtà, con il Matt Murdock di Charlie Cox, Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio e Frank Castle di Jon Bernthal in testa al gruppo in varie apparizioni canoniche dell’MCU, culminate nella serie reboot Daredevil: Rinascita. È poi stato presto confermato che Jessica Jones, interpretata da Krysten Ritter, avrebbe unito nuovamente le forze con Daredevil nella seconda stagione, ma non si è ancora saputo nulla degli altri Defenders.

Ora, però, il 20 settembre all’Edmonton Expo, Mike Colter, interprete di Luke Cage, ha accennato timidamente che il suo personaggio a prova di proiettile potrebbe ancora apparire a sua volta nella seconda stagione o in un altro progetto ambientato nelle strade di New York. Alla domanda su quando Luke Cage potrebbe fare il suo grande ritorno nell’MCU, l’attore ha risposto:

Non so perché la gente continui a chiedermelo. Non ci sono segnali. Non è che abbiano appena ripreso una delle serie Marvel Netflix”. Ovviamente questa non è una conferma, ma dato il ritorno di Jessica Jones interpretata da Ritter, non è così assurdo credere che anche Luke interpretato da Mike Colter e persino Danny Rand/Iron Fist interpretato da Finn Jones potrebbero presto tornare a combattere.

Cosa significa questo per Luke CageDaredevil: Rinascita e l’MCU

Recentemente è stato rivelato che Marvel Studios e Disney+ stanno cambiando la loro strategia per le serie Marvel in streaming. Piuttosto che introdurre nuovi personaggi in miniserie autonome o creare serie che abbiano un effetto importante sulla trama cinematografica, come WandaVision o Loki, Marvel vuole produrre serie con un potenziale pluriennale che possano essere rilasciate ogni anno.

Daredevil: Rinascita ha dato il via a questa nuova era della Marvel Television e potrebbe rivelarsi un solido punto di partenza per altre storie di supereroi di strada su Disney+. Riportare tutti i Defenders, e non solo Jessica Jones, sarebbe un vero colpo grosso per la piattaforma di streaming. All’inizio di quest’anno, sono dunque iniziate a circolare voci sul coinvolgimento di Colter e Finn Jones nella seconda stagione in arrivo nel 2026, poiché entrambi gli attori hanno pubblicato sui social media di trovarsi a New York mentre la seconda stagione era già in produzione.

All’epoca, Colter ha persino commentato il post di Jones su Instagram, scrivendo semplicemente: “Amica mia”. Naturalmente, potrebbe trattarsi solo di una battuta amichevole, ma data la relazione semi-intima tra i loro personaggi nelle precedenti serie dei Defenders, potrebbe anche essere un indizio di qualcosa di più. Dopotutto, prima che Cox, D’Onofrio, Bernthal e Ritter confermassero di riprendere i loro ruoli, anche loro avevano alimentato le voci sul loro ritorno.

Spider-Man: Brand New Day, nuovi rumor sul personaggio di Sadie Sink

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Il personaggio di Sadie Sink in Spider-Man: Brand New Day rimane uno dei temi più discussi del film, soprattutto perché non si è ancora riusciti a scoprire chi interpreterà la star di Stranger Things. Inizialmente era stato fatto il nome di Jean Grey, seguito nei mesi successivi da quelli di Mary Jane Watson, Gwen Stacy, Mayday Parker e Rachel Cole-Alves. Ad oggi, però, non ci sono conferme su chi l’attrice interpreterà, se sarà un’umana o un supereroe.

L’ultimo aggiornamento ci arriva però ora dallo scoop di @MyTimeToShineH. Secondo l’insider, il personaggio di Sink avranno dei superpoteri nella prossima coproduzione Marvel Studios/Sony Pictures. Questo non aiuta necessariamente a restringere il campo su chi interpreterà l’attrice, ma dato che Spider-Man: Brand New Day porterà direttamente ad Avengers: Doomsday, è molto probabile che lei possa essere la figlia del Peter Parker interpretato da Tobey Maguire.

Jean Grey è un’altra possibilità, soprattutto perché potrebbe trattarsi di una versione del personaggio che deve ancora unirsi agli X-Men (il cui film è attualmente in lavorazione). Jean sarebbe però un’aggiunta strana a questo film, non avendo molta storia con Spider-Man nei fumetti. Con il film in uscita a luglio 2026, è possibile che per fine anno si possano avere delle prime conferme ufficiali, che svelino così il ruolo dell’attrice.

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Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

The Life Of Chuck: il film di Mike Flanagan a confronto con il libro originale di Stephen King

Il film di Mike Flanagan del 2025, The Life of Chuck, è un adattamento dell’omonimo romanzo breve di Stephen King del 2020, pubblicato nella raccolta If It Bleeds insieme a “If It Bleeds”, “Rat” e “Mr. Harrigan’s Phone”, quest’ultimo anch’esso adattato in un film. Il film di Flanagan vede Tom Hiddleston nei panni di Chuck Krantz, un normale contabile la cui vita e morte hanno un’enorme influenza sul mondo che lo circonda. Il cast stellare include anche Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Mia Sara, Carl Lumbly, Nick Offerman, Matthew Lillard, Jacob Tremblay e Mark Hamill.

Il regista ha già una lunga esperienza negli adattamenti di opere letterarie, pur avendosi preso grandi libertà per le sue serie Netflix The Haunting of Hill House e The Haunting of Bly Manor (rispettivamente adattate dal romanzo omonimo di Shirley Jackson del 1959 e dal romanzo breve di Henry James del 1898 The Turn of the Screw). Tuttavia, Flanagan ha già realizzato due film dai libri di Stephen King, adottando approcci diversi: Gerald’s Game del 2017 era molto fedele, mentre il sequel di Shining del 2019, Doctor Sleep, mescolava un adattamento piuttosto fedele con elementi dell’adattamento di Shining di Stanley Kubrick del 1980 che non erano presenti nel romanzo.

The Life of Chuck è un adattamento estremamente fedele

Molti elementi del romanzo breve prendono vita.

Il film di Mike Flanagan del 2025 si è rivelato un adattamento molto fedele del romanzo breve. La durata di 110 minuti offre ampio spazio per adattare la storia in dettaglio, poiché nella sua pubblicazione originale contava solo circa 60 pagine. Pertanto, i momenti salienti sono tutti presenti nel film, compresi i tre atti presentati in ordine cronologico inverso, i dettagli dell’imminente collasso universale nell’atto 3, il modo esatto in cui si svolge la fatidica danza di Chuck nell’atto 2 e la maggior parte degli scorci dell’infanzia di Chuck nell’atto 1.

Sia l’atto 1 che l’atto 2 si svolgono quando Chuck ha circa 40 anni.

Inoltre, ci sono intere conversazioni e battute riprese più o meno parola per parola dal materiale originale. Ciò include la maggior parte della telefonata tra Marty (Chiwetel Ejiofor) e Felicia (Karen Gillan) nel terzo atto, gran parte della narrazione di Nick Offerman e molta della filosofia che la signorina Richards (Kate Siegel) condivide con il giovane Chuck (Benjamin Pajak) quando lui le chiede della frase di Walt Whitman “I contain multitudes” nel primo atto.

Il film The Life of Chuck aggiunge un elemento inquietante nel terzo atto

The Life of Chuck musical

L’ospedale di Felicia è un luogo più importante.

Sebbene The Life of Chuck (la nostra recensione) sia fedele all’originale, sono state apportate alcune piccole modifiche che migliorano o alterano leggermente l’esplorazione dei temi. Il cambiamento più grande nel terzo atto è un momento aggiunto nell’ospedale dove lavora Felicia, in cui tutti i monitor cardiaci dei letti vuoti iniziano a emettere un segnale acustico contemporaneamente, alla stessa frequenza. Questa scena inquietante suggerisce ciò che alla fine verrà rivelato, ovvero che il destino dell’universo nel terzo atto è indissolubilmente legato alla forza vitale di Chuck Krantz mentre esala i suoi ultimi respiri.

Oltre ad aggiungere più atmosfera agli eventi apocalittici dell’atto 3 e a fornire un ulteriore indizio sul mistero centrale, uno dei motivi principali per cui questa scena esiste è che il film pone un’enfasi aggiuntiva sulla prospettiva di Felicia. Nel romanzo breve, il terzo atto è raccontato in gran parte dal punto di vista del suo ex marito Marty, quindi la sua esperienza è mantenuta a distanza. Questo cambiamento rispetto al materiale originale permette al film di essere più espansivo, includendo l’aggiunta di un personaggio al cast, ovvero il collega di Felicia, Bri (Rahul Kohli, che ha già lavorato con Flanagan diverse volte in passato).

Il film The Life of Chuck ha più monologhi

Tom Hiddleston e Annalise Basso in The Life of Chuck (2024)
Foto di Dan Anderson/Dan Anderson – © INTREPID PICTURES

Arricchiscono il mondo che circonda Chuck.

Un’altra importante aggiunta del film è quella di dare a diversi personaggi dei monologhi che non hanno nel romanzo. Anche se queste aggiunte non hanno alcun impatto sul finale, ampliano l’universo che circonda Chuck, spiegando più cose sulle persone della sua vita rispetto al materiale originale. Tra questi vi sono il monologo di suo nonno Albie (Mark Hamill) sulla matematica, che spiega perché Chuck alla fine intraprende la carriera di contabile, e il monologo dell’avvocato immobiliare (Carl Lumbly) sul tempo, che aggiunge profondità alla scomparsa di Albie.

Questa decisione è in linea con le scelte creative che Mike Flanagan ha fatto in molteplici lavori in passato. La sua storica serie Netflix The Haunting of Hill House conteneva un monologo memorabile e potente, e ha trovato molti modi diversi per consentire agli attori di offrire interpretazioni altrettanto emozionanti nei suoi progetti successivi. Ad esempio, i monologhi sono diventati un elemento importante della sua serie horror originale Midnight Mass, che ha seguito Hill House su Netflix di tre anni. Sono diventati una sorta di marchio di fabbrica per Flanagan, consentendogli di lasciare il suo segno su The Life of Chuck senza cambiare troppo.

Albie ottiene un ruolo più importante nel film The Life of Chuck

Tom Hiddleston in The Life of Chuck (2024)
Foto di Dan Anderson/Dan Anderson – © INTREPID PICTURES

Mark Hamill ottiene momenti significativi da interpretare.

Una serie di piccoli ma sostanziali cambiamenti sono stati apportati anche al personaggio di Albie. Oltre ad aggiungere il suo monologo sulla matematica e un momento in cui spinge Chuck per proteggerlo ma finisce per ferirlo e pentirsene, il film aggiunge una scena in cui assiste accidentalmente al fantasma della sua futura morte, che gli dà un senso di chiarezza sulla sua imminente scomparsa. Questo ruolo ampliato potrebbe essere il risultato dell’interpretazione da parte della grande star Mark Hamill, ma aggiunge comunque profondità al rapporto di Chuck con suo nonno.

Un elemento importante della storia del libro di Chuck è stato rimosso

Chiwetel Ejiofor e Carl Lumbly in The Life of Chuck (2024)

Il significato di “sorellina” è stato cambiato.

L’elemento più importante della storia di Chuck che non è presente nel film è il fatto che ballava con la sorella minore di uno dei suoi compagni di band al liceo, motivo per cui chiama Janice (Annalise Basso) “sorellina” mentre la invita a ballare nel secondo atto.
Nel film continua a chiamarla così, ma la spiegazione è stata modificata: ora imita sua nonna (Mia Sara) che, quando gli chiedeva di ballare, lo chiamava “fratellino”. Questo rende il momento più un passaggio di testimone che un ritorno alla sua giovinezza.

Quale versione di The Life of Chuck è migliore?

In definitiva sono molto simili.

Poiché sia il romanzo breve che il film raccontano la stessa storia nello stesso ordine, entrambi hanno lo stesso valore per il pubblico. Tuttavia, se uno dei due può essere considerato migliore dell’altro, probabilmente è il film. Il film crea più collegamenti tra le storie, sottolineando ulteriormente i temi relativi all’effetto a catena che ha la vita di una persona comune. Ad esempio, ci sono ripetute apparizioni del musical Cover Girl, assenti nel romanzo, che mantengono vivo il motivo dell’amore di Chuck per la danza in tutto il film di Stephen King. Il musical Cover Girl del 1944 vedeva come protagonisti Rita Hayworth e Gene Kelly.

Inoltre, la versione cinematografica di The Life of Chuck mette in primo piano i personaggi femminili in un modo che il romanzo originale non fa. Oltre a dare spazio alla prospettiva di Felicia nel terzo atto, questo include la presenza della moglie di Chuck (Q’orianka Kilcher) nella scena del terzo atto al suo capezzale invece che di suo cognato, il rafforzamento del personaggio dell’insegnante di danza Miss Rohrbacher (Samantha Sloyan) nel primo atto e la trasformazione del batterista di strada (Taylor Gordon) da maschio a femmina nel secondo atto. Questo permette al mondo che circonda Chuck di avere ancora più consistenza rispetto a quanto non avesse sulla pagina.

The Batman – Parte II: Matt Reeves promette grandi novità nelle prossime settimane

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La sceneggiatura di Matt Reeves e Mattson Tomlin per The Batman – Parte II è finalmente completata e il tanto atteso sequel è ora pronto per iniziare le riprese il prossimo aprile. È passato molto tempo e i fan sono comprensibilmente ansiosi di avere notizie. Oltre al ritorno dei membri chiave del cast Robert Pattinson, Andy Serkis, Jeffrey Wright e Colin Farrell, non si sa quasi nulla di ciò che ci aspetta nel sequel di The Batman.

Tuttavia, sembra che gli aggiornamenti siano imminenti, stando a un post pubblicato da Reeves in occasione del “Batman Day”. Condividendo un frammento familiare della colonna sonora del primo film dedicata al Cavaliere Oscuro, Reeves ha scritto in un post: “Sono davvero onorato di prepararmi a girare il prossimo capitolo della nostra storia. Questo personaggio significa molto per me. Che privilegio! Non vedo l’ora di condividere con tutti voi tante cose emozionanti sul film nelle settimane e nei mesi a venire…”.

Immaginiamo che il regista si riferisca a una serie di notizie sul casting. Tuttavia, speriamo che Reeves decida anche di annunciare ufficialmente quale cattivo ha scelto dai fumetti per sfidare il più grande detective del mondo, specialmente considerando che ha di recente affermato che si tratterà di un villain mai visto prima sul grande schermo.

LEGGI ANCHE: The Batman – Parte II: Matt Reeves anticipa che “porterà l’eroe in una direzione mai vista prima”

Tutto quello che sappiamo su The Batman – Parte II

The Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto da Matt Reeves è stato rinviato al 1° ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran, che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante ciò, Reeves ha confermato che le riprese inizieranno nella primavera 2026 e Gunn ha recentemente letto la sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante per i fan.

Sul fronte del cast, è confermato il ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di Hush e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo) come villain principali, anche se nulla è stato ancora ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa sottile.

Per quanto riguarda la trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi della serie spin-off The Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento, tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.

Reeves spera naturalmente che il suo prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo. The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman, The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per l’Italia.

L’uscita di The Batman – Parte II è ora prevista per il 1 ottobre 2027.

The Life of Chuck: qual è il musical che i personaggi continuano a guardare e perché è importante?

Il musical ricorrente in The Life of Chuck del 2025 è un film reale e ha un significato importante nella trama generale. Mike Flanagan ha diretto The Life of Chuck (la nostra recensione), basato sull’omonimo romanzo breve di Stephen King del 2020. La storia è composta da tre atti, raccontati in ordine cronologico inverso. Il terzo atto riguarda un evento apocalittico segnato da cartelloni pubblicitari che ringraziano il normale contabile Chuck Krantz (Tom Hiddleston) per i suoi 39 anni fantastici; il secondo atto segue Chuck che balla spontaneamente per strada; il primo atto racconta invece il giovane Chuck (Cody Flanagan, Benjamin Pajak e Jacob Tremblay) attraverso i suoi primi incontri con la morte.

Ci sono molti elementi che collegano i tre atti di The Life of Chuck, sottolineando come le persone e le passioni che influenzano il protagonista, un normale contabile, siano parte integrante del tessuto della sua vita. Tra questi elementi ci sono membri ricorrenti del cast che interpretano personaggi diversi, recitazioni multiple di estratti della poesia di Walt Whitman “Song of Myself” e una serie di riferimenti al lavoro dell’astronomo Carl Sagan. Un altro elemento, citato più indirettamente ma presente più volte nei tre atti del film, è una serie di clip tratte da un unico musical classico.

I personaggi di The Life of Chuck guardano Cover Girl

Il musical cinematografico debuttò nel 1944

Il film musicale che continua ad apparire in The Life of Chuck del 2025 è Cover Girl del 1944, un grande successo hollywoodiano durante la Seconda guerra mondiale, diretto da Charles Vidor con musiche di Jerome Kern e Ira Gershwin. Il film segue Rusty Parker (Rita Hayworth), ballerina in un nightclub di Brooklyn di proprietà del suo fidanzato Danny McGuire (Gene Kelly). Quando vince un concorso per la copertina di una rivista, la sua carriera inizia a decollare, mettendo però a dura prova la loro relazione.

[Cover Girl] era uno dei musical che Chuck guardava con sua nonna Sarah…

Il film non è menzionato nel libro originale The Life of Chuck, ma nell’atto 1 del film viene rivelato che era uno dei musical che Chuck guardava con la nonna Sarah (Mia Sara), che condivideva con lui l’amore per la danza. Sebbene abbiano visto anche molti altri film iconici, tra cui Cabaret e All That Jazz, Cover Girl è l’unico film di cui vengono mostrati frammenti durante la pellicola, il che suggerisce che abbia avuto un impatto particolare su Chuck durante l’adolescenza.

Perché Cover Girl continua ad apparire in The Life of Chuck

Tom Hiddleston e Annalise Basso in The Life of Chuck (2024)
Foto di Dan Anderson/Dan Anderson – © INTREPID PICTURES

La danza gioca un ruolo importante nella vita di Chuck

Sebbene la trama di Cover Girl non influenzi direttamente ciò che accade in The Life of Chuck, il tono del film sì. L’opera del 1944 è un musical particolarmente spettacolare, con Gene Kelly che supera i limiti con una serie di sequenze di danza esilaranti, tra cui una in cui balla con la sua immagine riflessa in uno specchio. È comprensibile che il turbinio di colori e movimenti del film abbia catturato l’immaginazione di un bambino che stava appena imparando ad amare l’arte della danza.

Un altro numero musicale ambizioso in Cover Girl vede i personaggi esibirsi mentre camminano lungo una strada, ripresi in un’unica sequenza ininterrotta.

Il legame del film con quel periodo della sua vita spiega perché sia questo, sia la scena in cui la nonna gli insegna a ballare, siano ricordi a cui Chuck torna quando inizia a ballare al ritmo dei tamburi di un musicista di strada (Taylor Gordon), sorprendendo persino se stesso. Questo amore per la danza lo ha ispirato a lanciarsi in un ballo durante una giornata altrimenti ordinaria molti anni dopo, cambiando la vita di molte persone intorno a lui.

Cover Girl in onda sulla televisione di Marty (Chiwetel Ejiofor), proprio prima che si interrompa durante il terzo atto, mostra anche come il film continui a risvegliare ricordi nella mente di Chuck mentre è sul letto di morte, collegandosi direttamente all’evento apocalittico descritto in quella parte della storia.

Cover Girl ha un legame nascosto con Stephen King

Tom Hiddleston in The Life of Chuck (2024)
Foto di Dan Anderson/Dan Anderson – © INTREPID PICTURES

La vita di Chuck è legata a un adattamento classico

Cover Girl che appare in The Life of Chuck fornisce anche un sottile riferimento a un altro iconico film tratto da Stephen King. Sia Le ali della libertà del 1994, sia il romanzo breve originale del 1982, presentano il personaggio imprigionato Andy Dufresne (Tim Robbins) che usa un poster della star di Cover Girl Rita Hayworth per coprire il tunnel di fuga che sta scavando. Sia The Life of Chuck che Le ali della libertà sono rari adattamenti non horror delle opere di King: questo riferimento permette a Flanagan di fare un sottile cenno a un importante predecessore.

Florence Pugh sulla Palestina: “Il silenzio è complicità”

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Florence Pugh sulla Palestina: “Il silenzio è complicità”

Florence Pugh ha parlato a favore della Palestina durante un evento di raccolta fondi a Londra la scorsa settimana, invitando la folla a fare “pressione sui governi” per il conflitto in corso a Gaza.

La star di Midsommar – Il villaggio dei dannati e Thunderbolts* è stata ospite di “Together for Palestine” all’OVO Arena di Wembley, dove è stata presentata dal collega attore Riz Ahmed e ha pronunciato un discorso breve ma efficace.

“Sarò breve e semplice. È stato davvero speciale far parte di questa serata, esserne testimone. Grazie per essere venuti”, ha esordito Pugh. “Una piccola nota: il silenzio di fronte a tanta sofferenza non è neutralità. È complicità”. Ha continuato: “L’empatia non dovrebbe essere così difficile e non avrebbe mai dovuto esserlo. Vi dico solo questo. Godetevi il resto della serata, fate pressione sui governi e complimenti per essere qui”.

La nutrita schiera di “Insieme per la Palestina” includeva anche Gorillaz, King Krule, Brian Eno, PinkPantheress, Cat Burns, Bastille, James Blake, Sampha e altri. Durante il suo discorso, PinkPantheress ha fatto eco al sentimento di Pugh, dicendo: “Abbiamo la responsabilità di usare le nostre piattaforme. Neutralità o silenzio non dovrebbero essere un’opzione. Date voce alla Palestina. E quando la vostra voce diventa rauca, esponete le vostre bandiere, indossate la vostra kefiah. Mostrate loro che siamo qui”.

Pugh si è già espressa sulla guerra a Gaza in passato, firmando una petizione indirizzata al Primo Ministro britannico Keir Starmer chiedendogli di porre fine alla “complicità del Paese negli orrori di Gaza”.

“La storia si scrive nei momenti di chiarezza morale. Questo è uno di questi”, continuava la lettera. “Il mondo sta guardando e la storia non dimenticherà. I bambini di Gaza non possono aspettare un altro minuto. Primo Ministro, cosa sceglierà? La complicità nei crimini di guerra o il coraggio di agire?”

Avengers: Doomsday: un’immagine rivela in anteprima i costumi dei personaggi Marvel

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Avengers: Doomsday, la cui uscita è prevista per dicembre 2026, ha terminato le riprese all’inizio di questa settimana. Il film segnerà l’inizio della fine della Saga del Multiverso dell’universo cinematografico Marvel. Di conseguenza, unirà il cast dei film MCU con quello della vecchia serie di film X-Men. Il film vedrà in particolare il ritorno di Robert Downey Jr., non nei panni di Tony Stark/Iron Man, ma in quelli del malvagio Dottor Destino.

Ora che le riprese sono state completate, sono dunque state rivelate altre immagini della produzione. Ai membri della troupe che hanno lavorato al film sono stati dati dei gadget esclusivi, uno dei quali offre ai fan la migliore anteprima possibile dei personaggi che tornano sullo schermo.

In un post ora cancellato (ma lo si può vedere qui), l’utente Instagram @giponci, che sembra aver lavorato come truccatore in Avengers: Doomsday, ha quindi condiviso un’immagine con le icone di 28 personaggi Marvel presenti nel film. Tra questi: Dottor Destino, Mister Fantastic, Soldato d’Inverno, Yelena Belova, Magneto, Bestia, Ghost, Thor, Donna Invisibile, Black Panther, Red Guardian, Professor X, Ciclope, Falcon, Captain America, La cosa, Shang-Chi, M’Baku, Gambit, Nightcrawler, Sentry, Ant-Man, Torica Umana, Loki, Namor, Mystica, US Agent e Franklin Richards.

Un’altra immagine condivisa dall’utente @EmberOnMain (la si può vedere qui) mostrava anche alcune immagini che sarebbero state scattate sul set del film. Queste immagini mostravano l’aspetto reale di Ciclope interpretato da James Marsden, Dottor Destino interpretato da Robert Downey Jr., Black Panther interpretato da Letitia Wright e Magneto interpretato da Ian McKellen.

Mentre non si vede chiaramente il costume di Ciclope, quello di Magneto è in bella mostra, con una combinazione di colori rosso e viola fedele al fumetto. Le foto sembrano essere state scattate durante l’applicazione del trucco o i ritocchi, ma ci sono due immagini di personaggi completamente vestiti con i loro costumi, ovvero Black Panther e Magneto.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).

Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, Greta Lee offre un aggiornamento sul film

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Dopo che la sua uscita è stata rinviata più volte, la produzione di Spider-Man: Beyond the Spider-Verse è ora ben avviata, secondo quanto riferito da uno dei suoi protagonisti. L’attesissimo sequel riprenderà dal finale sospeso di Across the Spider-Verse, che ha visto Miles Morales/Spider-Man (Shameik Moore) catturato e bloccato in un universo alternativo. Nel frattempo, Spider-Man 2099 (Oscar Isaac) e la Spider-Society sono ancora sulle sue tracce.

Beyond the Spider-Verse era originariamente previsto per il 29 marzo 2024, prima di essere rinviato al 4 giugno 2027 e successivamente al 25 giugno 2027. Inoltre, alcuni membri del cast, come Hailee Steinfeld (Gwen Stacy/Spider-Woman), hanno già rivelato che gli attori stanno registrando le loro battute.

Ora, un altro attore ha fornito un’idea più concreta di come sta procedendo il film. Parlando con Liam Crowley di Screen Rant per promuovere Tron: Ares, Greta Lee, che doppia Lyla, l’assistente AI di Spider-Man 2099, ha parlato del processo di registrazione: “Adoro far parte di questo progetto e lavorare con i ragazzi… È un mix meraviglioso di tutte le cose che amo. È comico, il mondo è così ricco e la sceneggiatura è ottima. È davvero divertente registrare”.

Parlando di come è stata l’esperienza di lavorare al terzo film, l’attrice ha svelato che: “Abbiamo fatto gran parte del lavoro insieme. Il prossimo lo abbiamo raggruppato con l’ultimo”. Considerando i commenti di Lee, sembra che Spider-Man: Beyond the Spider-Verse possa essere più avanti nella produzione di quanto si pensasse in precedenza. Considerando che Across the Spider-Verse e Beyond the Spider-Verse sono stati inizialmente sviluppati come un unico film, non sorprende che Lee abbia già registrato le sue parti per entrambi i film.

Lyla è un personaggio secondario nei film Spider-Verse e il suo ruolo è tale che potrebbe essere meno influenzata dalle riscritture rispetto, ad esempio, a Moore o Steinfeld. Detto questo, è molto probabile che alcuni membri del cast abbiano registrato per entrambi i film contemporaneamente, alcuni siano stati divisi e altri abbiano registrato in un secondo momento. Con la data d’uscita che rimane fissata al 25 giugno 2027, non resta dunque che attendere maggiori informazioni in merito.

Di cosa parlerà Spider-Man: Beyond the Spider-Verse?

Il film affronterà le conseguenze del finale cliffhanger di Spider-Man: Across the Spider-Verse, con Miles Morales (Shameik Moore) bloccato in un universo alternativo con una versione più cattiva di se stesso. “Ecco cosa posso promettere, e l’ho detto a proposito del secondo quando eravamo nel mezzo: Phil Lord, Chris Miller, tutti, i produttori di questo film, i registi che porteranno… Quello che hanno fatto nel primo è che tutti i registi sono diventati produttori esecutivi. Quindi continuano ad aggiungersi. Quello che posso promettere è che non si fermeranno finché non sarà eccellente”, ha confermato a ComicBook.com l’attore di Peter B. Parker, Jake Johnson.

 “E se questo significa che ci vuole un po’ più di tempo, se questo significa che è ancora più grande, se questo significa che è più lungo – non giocano secondo le regole di nessuno. Lavorano molto duramente. Come attori, siamo sempre scioccati quando ci chiamano per registrare l’ultimo film. Credo che sia stato un mese prima della proiezione, quando non riuscivamo a credere che stessimo ancora registrando. Quindi non hanno intenzione di mollare fino a quando non sarà grandioso e non ho altro che fiducia in loro. Ma per quanto riguarda la possibilità di svelare qualcosa [sulla storia], non posso farlo”.

Spider-Man: Beyond the Spider-Verse arriverà al cinema il 25 giugno 2027.

The Walking Dead finalmente fa riferimento per la prima volta al fratello di Rick Grimes

Negli ultimi 15 anni, Rick Grimes è stato il sopravvissuto più importante nell’universo televisivo di The Walking Dead, ma il membro della sua famiglia che era stato dimenticato non era mai stato menzionato fino all’arrivo di Daryl Dixon. Presentato nel primissimo episodio, l’influenza di Rick si è fatta sentire immediatamente, con il suo personaggio accattivante che è cresciuto e si è sviluppato nel corso delle stagioni successive.

Da padre amorevole felice di ricongiungersi con la sua famiglia a leader vendicativo disposto a tutto pur di proteggere il suo gruppo, Rick ha subito un cambiamento significativo nel corso della serie, affermandosi come un’icona televisiva. Purtroppo, Andrew Lincoln ha lasciato The Walking Dead nella stagione 9, ma alla fine ha ripreso il suo ruolo nel finale della serie prima di tornare definitivamente in The Ones Who Live.

Qui, Lincoln ha offerto alcune delle sue migliori interpretazioni in TWD nei panni di Rick Grimes, e sembrava che avessimo imparato quasi tutto quello che c’era da sapere sul personaggio. Tuttavia, Daryl Dixon nella terza stagione ha appena fatto riferimento a suo fratello della serie a fumetti, confermando che Jeffrey esiste nell’universo televisivo, nonostante il protagonista non lo abbia mai menzionato durante il suo viaggio in Walking Dead.

Carol menziona indirettamente Jeffrey Grimes durante la terza stagione di Daryl Dixon, episodio 3

The Walking Dead: Daryl Dixon - Stagione 2

Mentre i fedeli fan dei fumetti potrebbero aver perso la speranza che l’adattamento televisivo di The Walking Dead menzionasse mai Jeffrey Grimes, la terza stagione di Daryl Dixon ha finalmente riconosciuto la sua esistenza. Sorprendentemente, però, non è stato Rick a menzionare suo fratello; invece, Carol ha indirettamente tirato in ballo il membro dimenticato della famiglia Grimes durante una conversazione con Antonio in “El Sacrificio”.

Con la ferita alla spalla di Carol, riportata nella premiere, non ancora completamente guarita, Antonio si offre di cambiarle la fasciatura poiché sta sanguinando di nuovo, e questo porta i due a chiacchierare e a conoscersi meglio. Essendo spagnolo, Antonio alla fine menziona Barcellona, e Carol risponde: “Barcellona? Ho un amico il cui fratello viveva lì, prima”.

Dato che Jeffrey era in Spagna durante l’apocalisse nella sua unica apparizione nel fumetto, sembra certo che Carol si riferisse a lui. Anche se non abbiamo mai sentito Rick menzionarlo, è chiaro che a un certo punto deve aver parlato al gruppo di suo fratello, motivo per cui Carol ha detto di conoscere qualcuno in Spagna.

Inoltre, non ha molto senso che altri sopravvissuti abbiano familiari a Barcellona, dato che la serie non ha mai indicato che qualcun altro abbia legami con la città europea. Pertanto, il riferimento a Jeffrey Grimes nella stagione 3 di Daryl Dixon rappresenta una ricompensa tanto attesa per i fan che hanno atteso con impazienza l’introduzione del personaggio per quasi un decennio.

Jeffrey Grimes è ancora vivo nell’universo televisivo di The Walking Dead?

Jeffrey Grimes The Walking Dead

Purtroppo, Jeffrey subisce una tragica fine nel materiale originale, poiché viene morso da un vagante mentre è in viaggio verso gli Stati Uniti, ma non è chiaro se il suo omologo televisivo condivida lo stesso destino. Sebbene abbiamo avuto il nostro primo accenno al personaggio, c’è ben poco che indichi se sia vivo o morto, a parte la singola battuta di Carol.

Il suo tono è relativamente cupo e il fatto che abbia usato il verbo “viveva” invece di “vive” potrebbe suggerire che Jeffrey sia già morto nell’universo televisivo. Detto questo, se si trovava in Spagna quando è scoppiata l’epidemia, è difficile immaginare che la notizia della sua morte sia arrivata negli Stati Uniti, il che significa che Rick probabilmente non sa cosa sia successo a suo fratello.

Ciò significa che il destino di Jeffrey è ancora completamente incerto e, a meno che non venga introdotto in qualche modo, sia come personaggio vivente che attraverso un flashback, probabilmente rimarrà tale. Tuttavia, ora che The Walking Dead ha ufficialmente smesso di ignorare il fratello di Rick, c’è una piccola possibilità che compaia in futuro.

Il momento potrebbe sembrare strano, dato che non è chiaro se Andrew Lincoln tornerà mai più nei panni di Rick, ma con Daryl Dixon che menziona Jeffrey per la prima volta nei 15 anni di storia dell’universo televisivo, i fan possono essere ottimisti sul fatto che sia ancora vivo da qualche parte, e potremmo persino vederlo a un certo punto durante lo spin-off di Daryl.

Vedremo mai Jeffrey Grimes apparire sullo schermo?

Ora che Jeffrey fa ufficialmente parte del canone della serie TV The Walking Dead, la vera domanda è se lo vedremo apparire sullo schermo o meno. L’idea che il fratello di Rick interagisca con alcuni dei sopravvissuti più iconici della serie è sicuramente allettante, ed è difficile non entusiasmarsi all’idea, ma non è del tutto realistica.

Il suo ruolo nei fumetti era minuscolo, con il personaggio che appariva in un numero unico intitolato The Walking Dead: The Alien. Sebbene sia canonico per l’universo dei fumetti, The Alien non è affatto fondamentale per la storia complessiva, il che suggerisce che nemmeno Jeffrey lo sia, nonostante sia imparentato con il protagonista principale.

Inoltre, anche se sarebbe bello vedere Rick Grimes ricongiungersi con Jeffrey, i suoi incontri con Daryl, Negan, Morgan e molti altri personaggi sembrano molto più importanti. Di conseguenza, inserire Jeffrey nella narrazione ora e trasformarlo in un sopravvissuto chiave non solo sembra troppo tardi, ma non è nemmeno la storia di cui Rick ha bisogno se dovesse tornare.

Tuttavia, nonostante sembri improbabile, il fatto che Daryl Dixon si trovi in Spagna rende possibile il debutto sullo schermo di Jeffrey. Per lo meno, dà a The Walking Dead la possibilità di spiegare cosa gli è successo, e il fatto che Daryl apprenda questa informazione e la riporti a Rick renderebbe il loro tanto atteso ricongiungimento ancora più emozionante.

Nel complesso, l’apparizione di Jeffrey Grimes potrebbe ancora essere possibile nonostante il lungo tempo che il franchise ha atteso, ma sembra più probabile che il riferimento fosse più per placare i fan, piuttosto che l’inizio di una trama importante.

The Conjuring: Il Rito Finale ha superato I Peccatori diventando il film horror con il maggior incasso del 2025

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All’inizio di quest’anno, I Peccatori (Sinners) di Ryan Coogler è stato accolto con grande successo dalla critica e dal pubblico. Il film horror vede Michael B. Jordan nei panni dei gemelli Elijah “Smoke” Moore ed Elias “Stack” Moore, due veterani che trasformano una vecchia segheria in un locale dove divertirsi. Le cose prendono una piega inaspettata per i fratelli quando arriva il vampiro irlandese Remmick (Jack O’Connell).

Il resto del cast di I Peccatori (Sinners) include Miles Caton, Hailee Steinfeld, Wunmi Mosaku e Delroy Lindo. Il film ha riscosso un successo travolgente con un punteggio della critica del 97% e un punteggio del pubblico del 96% su Rotten Tomatoes. Allo stesso modo, ha ottenuto buoni risultati dal punto di vista finanziario, incassando 366,7 milioni di dollari in tutto il mondo. I Peccatori (Sinners) è stato così popolare e ben accolto che ha persino ricevuto alcune candidature agli Oscar.

Al momento della conclusione della sua programmazione nelle sale, I Peccatori (Sinners) era il film horror di maggior incasso del 2025. Tuttavia, un nuovo contendente lo ha superato al botteghino.

Un altro film horror ha strappato a Sinners il titolo di film horror di maggior incasso del 2025

Patrick Wilson e Vera Farmiga in The Conjuring - Il rito finale
Patrick Wilson e Vera Farmiga in The Conjuring – Il rito finale

Uscito il 3 settembre 2025, The Conjuring: Il Rito Finale è stato un vero e proprio fenomeno al botteghino, diventando il film di maggior incasso della serie. Tuttavia, la sua accoglienza è stata più contrastante rispetto a quella di Sinners. Il punteggio del pubblico è stato un rispettabile 78%, mentre quello della critica è stato più basso, pari al 59%.

Con Patrick Wilson e Vera Farmiga, il film ha incassato 84 milioni di dollari sul mercato interno, a fronte di un budget di 55 milioni, ottenendo un successo finanziario immediato. Ora, al 21 settembre, ha raggiunto circa 400 milioni di dollari in tutto il mondo.

In questo modo, ha superato I Peccatori (Sinners), ma analizzando i rispettivi incassi al botteghino emergono alcuni dettagli interessanti. I Peccatori (Sinners) ha incassato il 76% (278,6 milioni di dollari) del suo box office solo sul mercato interno. In confronto, Il Rito Finale ha incassato il 37,8% (151,2 milioni di dollari) sul mercato interno e il 62,2% (248,8 milioni di dollari) in tutto il mondo, il che significa che il suo appeal globale sta aumentando i suoi numeri.

Tom Holland subisce una commozione cerebrale sul set di Spider-Man: Brand New Day

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Tom Holland ha subito un infortunio sul set di Spider-Man: Brand New Day. Il prossimo capitolo della saga dedicata al supereroe ha già suscitato grande interesse per il suo cast, il nuovo costume di Spider-Man, le nuove location e le sue ambizioni. Il pubblico attende con impazienza il prossimo capitolo, con Spider-Man: Brand New Day in uscita il 31 luglio 2026.

Come riportato da Deadline, le riprese del prossimo film di Spider-Man sono state interrotte dopo che Tom Holland è stato brevemente ricoverato in ospedale e curato per una lieve commozione cerebrale a Glasgow. Fonti hanno confermato che nessun altro è rimasto coinvolto nell’incidente e, mentre Holland dovrebbe tornare sul set tra pochi giorni, è prevista per domani una riunione per modificare i piani di ripresa.

Secondo The Sun, l’infortunio di Holland è stato causato da un’acrobazia andata male. Diretto da Destin Daniel Cretton, il film è un ritorno al “cinema vecchio stile”, con location reali e acrobazie.

Quando le riprese sono iniziate in Scozia il mese scorso, Holland avrebbe dichiarato di essere “al settimo cielo ed entusiasta” di girare in esterni dopo che il film precedente era stato girato interamente in studio.

Cosa significa questo per Spider-Man: Brand New Day

Spider-Man: Brand New Day
Tom Holland in costume per Spider-Man: Brand New Day

Anche prima di questo incidente, Brand New Day si preannunciava come un’importante aggiunta al roster Sony/Marvel Spider-Man. La promessa di riportare Peter Parker alle sue origini, affrontando sfide a livello di strada, girando in location reali e riconnettendosi con i vecchi alleati, ha dato al pubblico la speranza di un ritorno alle origini del personaggio di Spider-Man.

L’infortunio di Holland sottolinea quanto sia pericoloso e ambizioso realizzare film di questo calibro. Le acrobazie che combinano effetti pratici con sequenze d’azione ad alta intensità richiedono precisione e comportano rischi reali, anche con protocolli di sicurezza in atto. Questo ricorda al pubblico che i film sui supereroi non sono solo spettacoli in CGI e che attori come Holland rischiano infortuni per garantire autenticità.

Questo tipo di infortunio non è senza precedenti nelle produzioni ricche di azione, ma richiede una gestione attenta, che include la programmazione dei turni, la possibile riprogettazione delle acrobazie e la garanzia non solo della sicurezza di Holland, ma di tutta la squadra di stuntman.

Mortal Kombat 2: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

Il film live-action Mortal Kombat della Warner Bros. del 2021 avrà un sequel, e gli aggiornamenti su Mortal Kombat 2 stanno arrivando rapidamente ora che la produzione del film è terminata. Ci sono ottime premesse per ulteriori sviluppi nell’universo cinematografico di Mortal Kombat, e il sequel di Mortal Kombat introdurrà diversi personaggi dei videogiochi. Johnny Cage, Shao Kahn e Sindel faranno il loro debutto live-action in Mortal Kombat 2, rivelando alcuni dettagli della trama del sequel che approfondisce ulteriormente la sorprendente e complessa storia dei picchiaduro Mortal Kombat.

Mortal Kombat del 2021 è stato il terzo film live-action ad adattare la serie di videogiochi, e Mortal Kombat 2 sarà il suo sequel diretto. Il film Mortal Kombat del 2021 ha mantenuto la promessa di un rating R, rimanendo fedele all’adattamento del gioco che dà vita a personaggi iconici e ampliando la tradizione con l’introduzione di nuovi personaggi come Cole Young (Lewis Tan). Mortal Kombat 2 dovrebbe continuare il forte inizio della franchise cinematografica Mortal Kombat, quando Sub Zero, Scorpion e gli altri hanno fatto il loro debutto dal vivo.

Le ultime notizie su Mortal Kombat 2

Anteprima del filmato al CinemaCon 2025

Mentre continua l’attesa per il trailer completo, le ultime notizie arrivano sotto forma di nuove immagini di Mortal Kombat 2 presentate in anteprima al CinemaCon nell’aprile 2025. Il filmato è stato rivelato durante la presentazione della Warner Bros. alla convention cinematografica annuale, ma non è ancora disponibile al pubblico. Fortunatamente, ScreenRant era presente e ha notato che si concentrava principalmente sui personaggi, tra cui Johnny Cage interpretato da Karl Urban. Il presidente e amministratore delegato della New Line Cinema, Richard Brener, è apparso alla presentazione e ha detto che gli spettatori dovrebbero “aspettarsi combattimenti incredibili, battaglie epiche e alcune fatalità.

Data di uscita di Mortal Kombat 2

Mortal Kombat 2 film 2025

La lotta inizia nell’ottobre 2025

Dopo un processo di produzione lungo e travagliato, il tanto atteso sequel del videogioco ha finalmente fissato una data di uscita solo poche settimane dopo la conclusione delle riprese principali del film. Mortal Kombat 2 è ora previsto nelle sale il 24 ottobre 2025. La lunga attesa è probabilmente dovuta al lungo processo di post-produzione del film, e i film ricchi di effetti visivi di solito richiedono molto più tempo nella fase finale della produzione.

Mortal Kombat è uscito il 23 aprile 2021.

Dettagli sul cast di Mortal Kombat 2

mortal kombat 2 johnny cage

Karl Urban è stato scelto per interpretare Johnny Cage

I giochi Mortal Kombat sono noti per il loro ampio e variegato roster di combattenti, quindi naturalmente la domanda chiave su Mortal Kombat 2 è chi verrà aggiunto al cast. Forse la novità più importante è la scelta di Karl Urban per il ruolo di Johnny Cage, un artista marziale e star del cinema apparso per la prima volta nel gioco originale Mortal Kombat nel 1992. Urban è famoso soprattutto per aver interpretato Éomer in Il Signore degli Anelli e il dottor Leonard “Bones” McCoy nell’universo di Star Trek di J.J. Abrams.

Le notizie sul cast di Mortal Kombat 2 hanno raggiunto nuovi livelli di entusiasmo quando è stato confermato che Baraka è stato aggiunto al roster dei personaggi del sequel. Baraka è un Tarkatan al servizio dell’Outworld, dotato di enormi lame sugli avambracci e denti affilati come rasoi. Il nuovo personaggio, molto atteso, sarà interpretato da CJ Bloomfield. Molti volti del primo film torneranno, tra cui Lewis Tan nei panni di Cole Young, Jessica McNamee nei panni di Sonya Blade e Hiroyuki Sanada nei panni di Scorpion, tra molti altri.

Dettagli sulla trama di Mortal Kombat 2

Il torneo Mortal Kombat avrà finalmente luogo

Con Boon che conosce i giochi alla perfezione, il suo contributo alla trama approfondirà senza dubbio la storia.

Sebbene ciò che accadrà nel sequel sia ancora in gran parte oggetto di speculazioni, è confermato che si terrà un torneo Mortal Kombat. Ed Boon, co-creatore della serie di giochi Mortal Kombat, è fortemente coinvolto nel progetto e nella trama. Boon ha contribuito in modo creativo sia alla serie animata che al sequel live-action. Con Boon che conosce i giochi alla perfezione, il suo contributo alla trama approfondirà senza dubbio la storia.

L’aggiunta di Baraka al cast di Mortal Kombat 2 anticipa anche ulteriori dettagli sulla trama del sequel. Anche se Baraka potrebbe avere solo un ruolo minore nel film, è un generale dell’Orda di Tarkatan e serve Outworld, ed è estremamente fedele anche a Mileena e Shao Kahn, avendo un rapporto particolarmente stretto con Mileena. Tutto ciò conferma che Shao Kahn sarà centrale nella trama e che Baraka probabilmente risponderà a Shao Kahn in Mortal Kombat 2 e farà il suo lavoro sporco. Tuttavia, Baraka non si è rivoltato contro Kahn nella serie di videogiochi, e ciò potrebbe accadere in Mortal Kombat 2.

Elizabeth Harvest, la spiegazione del finale

Elizabeth Harvest, la spiegazione del finale

Il thriller fantascientifico Elizabeth Harvest inizia con una coppia di sposini, Henry (Ciarán Hinds) ed Elizabeth (Abbey Lee), nel giorno del loro matrimonio. Arrivano a casa e vengono accolti dalla governante Claire (Carla Gugino) e dal figlio adulto cieco di Henry, Oliver (Matthew Beard). Dopo aver fatto l’amore e aver visitato la sontuosa tenuta, Elizabeth viene accolta nella sua nuova vita, ma le viene detto che non deve entrare in una stanza in particolare.

Alla fine, sopraffatta dalla noia e dalla curiosità mentre Henry è al lavoro, esplora lo spazio proibito e scopre dei cloni di se stessa in vasche criogeniche. Quando suo marito si rende conto che il suo segreto è stato scoperto, la uccide e ricomincia l’esperienza con un altro clone in un altro giorno di nozze, esattamente come prima. Com’era prevedibile, gli stessi eventi si ripetono e Henry cerca ancora una volta di uccidere Elizabeth per la sua disobbedienza dopo che lei ha trovato le sue copie. Tuttavia, questa volta lei riesce ad avere la meglio e lo uccide per legittima difesa.

Dopo la morte di Henry, Claire ha un infarto e viene portata d’urgenza in ospedale. Oliver approfitta della situazione, imprigionando Elizabeth in casa e spiegandole che lei è la quinta di una serie di sei cloni della defunta moglie di Henry. Poi la costringe a leggere il diario di Claire, che racconta l’intera storia.

Il vero scopo di Henry non è riportare in vita sua moglie

Sebbene inizialmente sembri che il motivo per cui Henry ha creato i cloni sia quello di riportare in vita la sua defunta moglie, tutto ciò che vuole è rivivere la sua prima notte di nozze e uccidere la sua sposa. Spiega che i duplicati che produce non sono realmente sua moglie, ma solo delle povere imitazioni che non potrebbero mai sostituire veramente la sua consorte. Gli sembrano reali solo quando sta per ucciderli, e continua questa catena di eventi per recuperare un piccolo pezzo di ciò che ha perso.

Queste copie gli hanno permesso di commettere omicidi senza dover affrontare le conseguenze della legge o della sua coscienza. Non prova alcun senso di colpa per ciò che ha fatto perché giustifica il fatto che coloro che ha distrutto non sono mai stati veramente vivi. Trae una sorta di piacere carnale dalla loro esecuzione, simile all’eccitazione che prova durante la loro prima notte di nozze, e quindi ripete il processo più e più volte per il proprio piacere malato.

Sebbene non lo vediamo sullo schermo, si può presumere che abbia ucciso anche i primi due cloni prima dell’arrivo di Claire. Abbiamo prove sufficienti per suggerire che abbia soffocato il terzo con un cuscino, e la nostra storia inizia con l’omicidio della quarta versione. È solo quando la quinta Elizabeth ribalta la situazione che lui riceve finalmente la punizione che merita per il ciclo omicida che ha perpetuato con tanto piacere.

Oliver non è il figlio di Henry, ma solo un altro clone

Viene poi alla luce che Oliver non è in realtà il figlio di Henry, ma un suo clone. Inizialmente aveva creato questa copia di se stesso nel caso in cui la sua sposa fosse insoddisfatta del suo corpo invecchiato e volesse la versione più giovane di cui si era innamorata all’inizio. Tuttavia, a un certo punto, Henry è diventato possessivo nei confronti dei duplicati di sua moglie e ha accecato Oliver per non dover condividere le sue creazioni con nessun altro. Sono solo il suo ego e la sua presunzione a impedirgli di uccidere anche Oliver, perché significherebbe uccidere una parte di sé stesso.

Henry non considera i cloni come esseri veramente vivi, quindi è logico che anche Oliver (la stessa persona) abbia le stesse convinzioni. Ciò significa che quando inizia a sospettare di essere lui stesso un clone, il pensiero gli è ripugnante. Intrappola la quinta Elizabeth e le fa leggere il diario di Claire per confermare i suoi sospetti sulle sue origini. Oltre ad avere la stessa attrazione per Elizabeth di Henry, ha anche la stessa vena sadica e non ha alcun problema etico nel manipolare il sesto e ultimo clone affinché lo ami e uccida l’altra copia.

L’ultimo clone inizia una nuova vita

Ultimo clone di Elizabeth Harvest
© IFC Films/Netflix

Confusa dalle bugie e dalle manipolazioni di Oliver, l’ultimo clone uccide accidentalmente Oliver e ferisce mortalmente la quinta versione di se stessa mentre cerca di fuggire. Con il suo ultimo respiro, la quinta Elizabeth dice alla versione sopravvissuta di leggere il diario di Claire e scoprire la verità da sola.

A differenza di Henry, che nutre un grande odio verso se stesso ed è crudele e vendicativo nei confronti del proprio clone, Elizabeth si prende cura e simpatizza con le sue copie perché crede che loro (e lei stessa) siano vittime innocenti delle loro bizzarre circostanze. Non è dispettosa o arrabbiata per essere stata uccisa perché sa che la sesta Elizabeth ha fatto esattamente ciò che lei stessa avrebbe fatto nella stessa situazione, come dichiara al clone nel film: “Tu ed io siamo uguali”.

Dopo aver finalmente compreso la verità, la sesta e ultima Elizabeth lascia la casa per iniziare una nuova vita. Non più soggetta alle bugie o alle manipolazioni degli altri, abbraccia il mondo reale, così come la realtà della sua esistenza, dichiarando di essere finalmente “sveglia”.

Monuments Men: la vera storia dietro il film di George Clooney

Monuments Men: la vera storia dietro il film di George Clooney

Sono innumerevoli le vicende svoltesi nel contesto della Seconda guerra mondiale che si possono raccontare. C’è il punto di vista di chi ha vissuto direttamente sul campo di battaglia e le ogni scontro armato ha avuto le proprie caratteristiche e specificità; c’è quello di chi ha portato avanti la guerra dalle stanze del potere; e c’è quello dei civili che hanno patito gli orrori in cui si sono ritrovati involontariamente coinvolti. C’è però anche il punto di vista di chi ha cercato di proteggere dalla brutalità della guerra la bellezza che c’è nel mondo. Se si parla di bellezza artistica, quel compito è stato ricoperto dai valorosi Monuments Men, a cui è stato dedicato nel 2014 un film intitolato proprio Monuments Men (qui la recensione).

A dirigere il film vi è George Clooney, che torna così alla regia dopo gli apprezzati Good Night and Good Luck e Le idi di marzo. Interessatosi all’argomento dopo aver letto il libro omonimo del 2009 scritto da Robert Edse, di cui Monuments Men è però solo un libero adattamento. Pur se semplificata e riadattata, a Clooney interessava però portare al cinema questa storia in quanto perfetto esempio di una serie di valori da conservare e tramandare. Si offre così un vero e proprio elogio di chi sacrificò la vita per proteggere un patrimonio collettivo, la cui fruizione permette di arricchirsi spiritualmente ed elevarsi al di là del male.

Le intenzioni del film sono dunque quantomai nobili e per raggiungerle Clooney chiama a raccolta un gruppo di attori amici con i quali dar vita ad un film appassionante che offre un nuovo avvincente racconto di guerra. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla storia vera. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Monuments Men

La trama e il cast di Monuments Men

Durante la Seconda Guerra Mondiale, lo studioso d’arte Frank Stokes viene a sapere che Hitler sta rubando tutte le grandi opere d’arte per il suo museo personale. Con il permesso del presidente Roosevelt, Stokes recluta allora sei uomini esperti d’arte che si recano con lui in Europa con il pretesto di essere soldati per scoprire dove si trovano le opere d’arte rubate e salvarle da un destino incerto. Le cose iniziano però a mettersi male quando ai tedeschi viene ordinato di bruciare le opere d’arte e i russi iniziano invece a prenderle per sé. A quel punto, salvare quel patrimonio diventerà questione di vita o di morte.

Per dar vita a questa storia, Clooney, anche interprete di Frank Stokes, ha chiamato accanto a sé numerosi celebri attori, a partire dall’amico Matt Damon nel ruolo di James Granger. Recitano poi nel film anche Cate Blanchett nei panni di Claire Simòne, Bill Murray in quelli di Rich Campbell e John Goodman  in quelli di Walter Garfield. Il premio Oscar Jean Dujardin interpreta Jean-Claude Clermont, mentre Hugh Bonneville è Donald Jeffries e Bob Balaban è Preston Savitz. Infine, l’anziano Frank Stokes che si può vedere alla fine del film non è George Clooney con del trucco, bensì Nick Clooney, padre dell’attore.

La vera storia dietro Monuments Men

Matt Damon e Cate Blanchett in Monuments Men (2014)
Foto di Claudette Barius – © 2013 – Columbia Pictures Industries, Inc. and Twentieth Century Fox Film Corporation.

Come anticipato, quella narrata in Monuments Men è una storia ispirata ad una vicenda vera, ossia quella della task force militare organizzata dagli Alleati facente parte del programma Monuments, Fine Arts, and Archives. Si trattava di un gruppo composto da 345 civili, professionisti dell’arte, provenienti da 13 nazioni diverse: professori universitari, curatori, storici dell’arte, direttori di musei, che lavorarono sul campo sotto il ramo operativo dello Supreme Headquarters Allied Expeditionary Force, comandato dal futuro presidente degli Stati Uniti Dwight Eisenhower. Il loro scopo, durante la seconda guerra mondiale, era quello di proteggere i beni culturali e le opere d’arte nelle zone di guerra.

Già prima dell’entrata degli Stati Uniti nella Seconda Guerra Mondiale, professionisti dell’arte e organizzazioni artistiche lavoravano per identificare e proteggere il patrimonio culturale in pericolo. Questi gruppi cercavano però un’organizzazione nazionale affiliata alle forze armate che avesse lo stesso obiettivo. Francis Henry Taylor, direttore del Metropolitan Museum of Art, portò le loro preoccupazioni a Washington, D.C, permettendo così all’istituzione, il 23 giugno 1943 da parte del Presidente degli Stati Uniti Franklin D. Roosevelt, della “Commissione americana per la protezione e il salvataggio dei monumenti artistici e storici nelle aree di guerra”.

Monuments Men storia vera

Il generale Dwight D. Eisenhower facilitò il lavoro del MFAA vietando ai militari il saccheggio, la distruzione e l’alloggiamento in strutture di importanza culturale. Inoltre, ordinò ripetutamente alle sue forze di assistere il più possibile il MFAA. Era la prima volta nella storia che un esercito cercava di combattere una guerra e allo stesso tempo di ridurre i danni ai monumenti e alle proprietà culturali. Nella primavera del 1944, dunque, i componenti della missione si ritrovarono prima in Gran Bretagna per addestrarsi, e successivamente si sparsero nel continente europeo alla ricerca di luoghi dove rintracciare quadri, sculture e intere collezioni scomparse da chiese e musei dopo il passaggio delle truppe tedesche.

Quando si verificavano danni ai monumenti, il personale del MFAA ha lavorato per valutarli e guadagnare tempo per gli eventuali lavori di restauro che sarebbero seguiti. L’addetto ai monumenti Deane Keller ha ad esempio avuto un ruolo di primo piano nel salvare il Campo Santo di Pisa dopo che un colpo di mortaio aveva innescato un incendio che aveva fuso il tetto in piombo, facendo poi colare a picco le iconiche pareti affrescate del XIV secolo. A partire dalla fine di marzo del 1945, le forze alleate iniziarono a scoprire ulteriori depositi di opere d’arte in quella che divenne la “più grande caccia al tesoro della storia“.

Solo in Germania, le forze americane trovarono circa 1.500 depositi di oggetti d’arte e culturali saccheggiati da istituzioni e privati in tutta Europa, oltre a collezioni museali tedesche e austriache che erano state evacuate per essere custodite. Anche le forze sovietiche fecero delle scoperte, come i tesori dello straordinario Museo dei Trasporti di Dresda. Centinaia di manufatti furono consegnati dal generale delle SS Karl Wolff, o la loro ubicazione fu comunicata da quest’ultimo, nell’ambito dell’Operazione Sunrise, la sua trattativa segreta con l’Office of Strategic Services.

Innumerevoli sono dunque stati i monumenti, le chiese e le opere d’arte salvati o protetti dal personale della sezione MFAA, la cui dedizione al lavoro li portava spesso davanti alle linee di battaglia. Il film  apporta però notevoli cambiamenti e semplificazioni alla storia vera, oltre a cambiare tutti i nomi dei Monuments Men coinvolti, riducendo il gruppo a soli sette uomini e stabilendo la sua istituzione per mano del personaggio di Clooney dopo il bombardamento dell’abbazia di Cassino, nel febbraio 1944. Le prime operazioni dei Monuments Men, in realtà, risalgono all’intervento britannico in Libia nel 1942 e allo sbarco degli Alleati in Sicilia nel luglio del 1943.

Il trailer di Monuments Men e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Monuments Men grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Google Play, Apple TV, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di martedì 13 febbraio alle ore 21:15 sul canale Cielo.

Monuments Men: la spiegazione del finale del film di George Clooney

Uscito nel 2014 e diretto da George Clooney, Monuments Men è un war movie atipico che intreccia storia, avventura e riflessione sul valore dell’arte. Clooney, che nel film interpreta anche il ruolo del protagonista Frank Stokes, guida un cast corale di primo piano (Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Cate Blanchett, Jean Dujardin) per raccontare la missione, realmente avvenuta, di un gruppo di esperti d’arte incaricati di salvare il patrimonio artistico europeo trafugato dai nazisti durante la Seconda guerra mondiale.

Il film prende ispirazione da eventi realmente accaduti, raccontati più nel dettaglio nella nostra analisi sulla vera storia dei Monuments Men e dal libro The Monuments Men di Robert M. Edsel e Bret Witter e porta sullo schermo un episodio poco conosciuto ma fondamentale: la creazione della MFAA (Monuments, Fine Arts, and Archives Section), unità speciale alleata che aveva il compito di proteggere e recuperare opere d’arte e monumenti minacciati dal conflitto. Il film unisce tono epico e momenti di leggerezza, concentrandosi più sui valori morali che sulla pura azione bellica.

Il finale di Monuments Men ha suscitato discussioni perché, pur chiudendo le vicende principali, lascia allo spettatore la riflessione sul senso della missione e sull’eredità culturale difesa da quei soldati-storici dell’arte. Comprenderlo significa anche cogliere il messaggio centrale del film: l’arte come simbolo dell’identità e della memoria di un popolo, un patrimonio che vale la pena proteggere anche a costo della vita.

Cosa succede in Monuments Men?

Negli anni finali della Seconda guerra mondiale, il curatore d’arte Frank Stokes (George Clooney) convince il presidente Roosevelt della necessità di creare una task force speciale per proteggere il patrimonio artistico europeo minacciato dalla furia nazista. Nasce così la “Monuments, Fine Arts, and Archives Section”, composta da storici dell’arte, architetti e conservatori. Benché non siano soldati addestrati al combattimento, questi uomini vengono inviati al fronte per rintracciare, catalogare e restituire ai legittimi proprietari le opere trafugate.

Il gruppo è eterogeneo e internazionale: James Granger (Matt Damon), esperto di arte francese; Richard Campbell (Bill Murray), architetto; Walter Garfield (John Goodman), scultore; Jean Claude Clermont (Jean Dujardin), direttore di museo francese; Preston Savitz (Bob Balaban), critico d’arte; e altri ancora. Insieme affrontano il gelo, la diffidenza dei militari e il rischio costante di imboscate tedesche. Parallelamente, a Parigi, la segretaria del Louvre Claire Simone (Cate Blanchett) custodisce informazioni preziose sul percorso delle opere sottratte dai nazisti.

George Clooney e Hugh Bonneville in Monuments Men (2014)
Foto di Claudette Barius – © 2013 – Columbia Pictures Industries, Inc. and Twentieth Century Fox Film Corporation.

Mentre gli Alleati avanzano, i “Monuments Men” seguono le tracce dei convogli tedeschi che trasportano sculture, dipinti e oggetti sacri verso depositi segreti in Germania e Austria. Le loro ricerche li conducono a scoprire cave, miniere e castelli trasformati in enormi magazzini d’arte. Il tempo però è contro di loro: Hitler ha emanato il “Nerobefehl”, l’ordine di distruggere tutto in caso di sconfitta. Salvare le opere significa spesso rischiare la vita e subire perdite dolorose all’interno della squadra.

Il film culmina con il recupero di capolavori come la Madonna di Bruges di Michelangelo e l’Altare di Gand, simboli del patrimonio culturale europeo. Attraverso successi e sacrifici, la squadra dimostra che difendere l’arte equivale a difendere l’identità e la memoria di interi popoli. L’ultima parte del film mostra gli uomini ormai anziani che, anni dopo, rivedono i tesori che hanno salvato, suggerendo allo spettatore una riflessione sul senso della loro missione e sull’eredità lasciata alle generazioni future.

La spiegazione del finale di Monuments Men

Matt Damon e Cate Blanchett in Monuments Men (2014)
Foto di Claudette Barius – © 2013 – Columbia Pictures Industries, Inc. and Twentieth Century Fox Film Corporation.

Nel finale vediamo Frank Stokes, ormai anziano, visitare con il figlio un museo dove è conservata la Madonna di Bruges di Michelangelo, una delle opere simbolo della loro missione. L’inquadratura, apparentemente semplice, racchiude il senso di tutto il film: ciò che questi uomini hanno fatto non è stato solo recuperare oggetti preziosi, ma preservare la memoria, la storia e l’identità culturale dei popoli europei. La presenza del figlio sottolinea la trasmissione di quel valore alle nuove generazioni.

La scena chiude un arco narrativo in cui i “Monuments Men” hanno dimostrato che l’arte può valere tanto quanto la vita umana, perché custodisce ciò che siamo. Clooney evita un epilogo trionfalistico e sceglie invece una nota intima e malinconica: la missione è riuscita, ma ha avuto un costo in termini di vite e sacrifici personali. Questo equilibrio tra vittoria morale e dolore reale conferisce autenticità e spessore al messaggio del film.

Dal punto di vista storico, il finale è anche un tributo agli autentici membri della MFAA, spesso dimenticati nei racconti ufficiali della guerra. In questo modo Monuments Men si pone come ponte tra cinema e memoria: intrattiene, informa e invita a riflettere su quanto il patrimonio culturale sia fragile e prezioso. Comprendere questo finale significa riconoscere che la vera “ricompensa” per i protagonisti non è la gloria, ma aver lasciato un segno duraturo nella coscienza collettiva.

Approfondisci

Vuoi scoprire di più sulla vera missione dei Monuments Men durante la Seconda guerra mondiale? Leggi il nostro speciale: La vera storia dei Monuments Men

Curiosità

  • L’unità MFAA recuperò oltre 5 milioni di opere trafugate dai nazisti.

  • Alcuni dei protagonisti del film si ispirano a figure realmente esistite, come il tenente James Rorimer (nel film James Granger) che in seguito divenne direttore del Metropolitan Museum di New York.

  • Il libro The Monuments Men di Robert M. Edsel ha fornito la base per il film e contiene documenti d’archivio e fotografie originali.

L’illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t, il trailer del film

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Ecco il nuovo trailer ufficiale di L’Illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t, il sequel che chiude la trilogia dei Cavalieri che tornano in azione. Il film diretto da Ruben Fleischer vede protagonisti alcuni volti nuovi e altri di ritorno. Tra di essi: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Justice Smith, Dominic Sessa, Ariana Greenblatt, con Rosamund Pike e Morgan Freeman

L’Illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t uscirà al cinema il 13 novembre 2025, distribuito in esclusiva per l’Italia di Leone Film Group in collaborazione
con Rai Cinema.

La trama di L’Illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t

I maghi del crimine sono tornati! Al loro fianco, una nuova generazione di illusionisti riscrive le regole dello spettacolo con numeri mozzafiato, colpi di scena e sorprese che sfidano l’immaginazione. Un’esperienza visiva che sul grande schermo si trasforma in spettacolo puro.

Tom Holland definisce Spider-Man: Brand New Day una “rinascita” per Spidey

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Spider-Man: Brand New Day potrebbe essere ancora più atteso di Avengers: Doomsday. Mentre la trilogia di Jon Watts su Spider-Man, composta da Homecoming, Far From Home e No Way Home, è stata accolta con grande entusiasmo, il regista Daniel Deston Cretton sembra pronto a riportare Peter Parker alle sue radici urbane.

Tom Holland ha indicato che Spider-Man: Brand New Day sarà un nuovo inizio per il lancia-ragnatele, e ha spiegato perché non sembra una continuazione diretta dei film precedenti. “Sembra davvero che non stiamo girando il quarto film. Stiamo girando il primo film del prossimo capitolo. Questa è una rinascita, ha anticipato l’attore britannico. “È qualcosa di completamente nuovo.”

E con esso arriva un nuovo costume, che non è più dotato della tecnologia delle Stark Industries. Spider-Man non è più il protetto di Tony Stark, e Holland ha confermato che il costume rende effettivamente omaggio a quelli indossati da Tobey Maguire e Andrew Garfield.

“Sono davvero contento che la gente stia cogliendo l’omaggio al costume di Tobey e Andrew”, ha detto. “Penso che il terzo film sia stato incentrato molto sul rendere omaggio a quei ragazzi. Mi piace molto l’idea che lui cerchi di essere come i suoi fratelli maggiori, che li ammiri e che veda piccoli dettagli sui loro costumi che ritiene davvero fantastici, e ora che sta realizzando il suo costume e non fa parte di questa squadra più grande.”

È stato precedentemente riportato che Spider-Man: Brand New Day includerà alcuni elementi Multiversali, probabilmente per preparare il terreno per Avengers: Doomsday. Se così fosse, l’apparizione di Maguire e Garfield in una scena post-credit è sicuramente scontata, anche se ci aspettiamo che i tre Spider-Men si riuniscano prima della fine della Saga del Multiverso, a prescindere.

Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day

Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

The Mastermind: il trailer del nuovo film di Kelly Reichardt

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The Mastermind: il trailer del nuovo film di Kelly Reichardt

Arriverà in sala dal 30 ottobre distribuito da MUBI The Mastermind, il nuovo film di Kelly Reichardt, con protagonisti Josh O’Connor e Alana Haim.

MUBI, il distributore globale, servizio di streaming e casa di produzione è felice di presentare il manifesto e il trailer italiano di THE MASTERMIND, il nuovo film della celebrata regista Kelly Reichardt (First Cow, Showing Up) presentato in Concorso al 78. Festival di Cannes con un indimenticabile Josh O’Connor.

The Mastermind uscirà nelle sale italiane il 30 ottobre distribuito da MUBI.

In una tranquilla periferia del Massachusetts intorno al 1970, J.B. Mooney, padre di famiglia disoccupato e ladro d’arte dilettante, decide di intraprendere la sua prima rapina. Dopo aver studiato il museo e reclutato i complici, ha un piano infallibile. O almeno così crede.

Brillante riflessione sulla follia dell’uomo, The Mastermind vede anche la partecipazione di Alana Haim, Josh O’Connor, Gaby Hoffmann, John Magaro, Hope Davis e Bill Camp. Ricco di dettagli e sfumature, questo sottile ritratto di un’epoca sovverte illusioni radicate e affronta il disincanto.

Christopher Nolan eletto presidente della DGA, Ron Howard tra i nuovi dirigenti

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La Director’s Guild of America (DGA) ha annunciato che Christopher Nolan è il suo nuovo presidente durante la Convention Nazionale Biennale di sabato. Il regista Oppenheimer, due volte premio Oscar, è stato nominato per succedere a Lesli Linka Glatter, tra una nuova lista di dirigenti e nuovi membri del Consiglio Direttivo Nazionale della DGA, scelti da 167 delegati, che rappresentano i 19.500 membri del sindacato.

Sabato sono stati eletti anche Laura Belsey come Vicepresidente Nazionale, Paris Barclay rieletto Segretario-Tesoriere, Todd Holland come Primo Vicepresidente, Ron Howard come Secondo Vicepresidente, Gina Prince-Bythewood come Terzo Vicepresidente, Seith Mann come Quarto Vicepresidente, Millicent Shelton come Quinto Vicepresidente, Lily Olszewski come Sesto Vicepresidente e Joyce Thomas come Vice Segretario-Tesoriere.

Nolan ha definito l’incarico “uno dei più grandi onori della mia carriera“, aggiungendo: “Il nostro settore sta vivendo un enorme cambiamento e ringrazio i membri della Guild per avermi affidato questa responsabilità. Desidero anche ringraziare la Presidente Glatter per la sua leadership negli ultimi quattro anni. Non vedo l’ora di collaborare con lei e con il Consiglio di Amministrazione appena eletto per ottenere importanti tutele creative ed economiche per i nostri membri”.

In una dichiarazione sull’elezione, l’AMPTP ha dichiarato: “L’AMPTP si congratula con Christopher Nolan per la sua elezione a Presidente della Directors Guild of America. Non vediamo l’ora di collaborare con il Presidente Nolan per affrontare le questioni più importanti per i membri della DGA, garantendo al contempo che le nostre aziende associate rimangano competitive in un settore in rapida evoluzione”.

Membro della DGA dal 2001, membro del Consiglio Nazionale e del Consiglio dei Direttori Occidentali dal 2015, Christopher Nolan presiede anche il Comitato per i Diritti Creativi Teatrali e il Comitato per l’Intelligenza Artificiale.

Il prossimo film del regista, L’Odissea (The Odyssey), uscirà nelle sale il 17 luglio 2026.

Quei bravi ragazzi: la spiegazione del finale del film

Quei bravi ragazzi: la spiegazione del finale del film

Nel 1990, Martin Scorsese realizzò un altro film di gangster, basato sul libro di saggistica Wiseguy, scritto da Nicolas Pileggi nel 1985 e basato su una storia vera. Con una sceneggiatura di Scorsese e Pileggi, Quei bravi ragazzi (qui la recensione) racconta l’ascesa e la caduta del mafioso Henry Hill (interpretato da Ray Liotta), dai suoi giorni da adolescente quando faceva commissioni per Paul Cicero (Paul Sorvino) e i suoi uomini fino a diventare un membro della loro banda.

Mentre lavorava per Paulie, Henry ha incontrato molti grandi nomi della mafia, diventando particolarmente amico di Jimmy “The Gent” Conway (Robert De Niro) e Tommy DeVito (Joe Pesci). Nella sua vita privata, Henry ha poi incontrato e sposato Karen Friedman (Lorraine Bracco), ma man mano che si è coinvolto sempre più con la mafia, il suo matrimonio è andato drasticamente in crisi. Alla fine, Henry è stato espulso dalla banda di Paulie ed è diventato un informatore dell’FBI, tradendo i suoi ex amici in cambio di protezione per sé e la sua famiglia.

Perché Paulie ha interrotto la sua collaborazione con Henry Hill

Sebbene la banda di Paulie commettesse una serie di crimini, c’era una cosa su cui lui non transigeva: lo spaccio di droga. Il motivo per cui Paulie non voleva che la sua banda trafficasse droga era perché, soprattutto, aveva a cuore la privacy e la sicurezza dei suoi uomini. Anche se Quei bravi ragazzi non lo spiega esplicitamente, mostra perché Paulie fosse così severo riguardo al traffico di droga attraverso le azioni di Henry e le loro conseguenze nel terzo atto del film. Paulie sapeva che se uno dei suoi uomini fosse stato coinvolto nel traffico di droga, sarebbe diventato un facile bersaglio per diventare un informatore.

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In qualità di leader della “famiglia”, Paulie era ben consapevole dei rischi che lui e la sua banda correvano in ogni momento. All’inizio di Quei bravi ragazzi, Henry spiega che Paulie non usava il telefono, ma che invece facevano le telefonate dai telefoni pubblici e tutti passavano i messaggi a Paulie tramite suo fratello Tuddy. Il boss era sicuramente a conoscenza delle accuse di cospirazione RICO e delle intercettazioni telefoniche, quindi fece tutto il possibile per proteggere se stesso, la sua banda e i loro “affari”. Henry era a conoscenza della regola di Paulie contro lo spaccio di droga, ma iniziò a farlo quando furono mandati in prigione.

Quando un membro della “famiglia” viene mandato in prigione, non ha più il sostegno della banda, e Henry aveva bisogno di mantenere la sua famiglia. Questo è ciò che ha portato Henry a iniziare a spacciare droga, ma il problema era che ha continuato a farlo anche dopo essere uscito di prigione, poiché ha scoperto che era un’attività molto redditizia, e ha coinvolto anche Tommy e Jimmy. L’attività di Henry alla fine ha attirato l’attenzione delle autorità ed è stato arrestato, dimostrando che i timori e le regole di Paulie erano giusti. Paulie, comprensibilmente tradito, ha posto fine alla sua collaborazione con Henry e gli ha dato 3.200 dollari.

Perché Henry Hill è diventato un informatore dell’FBI

Il fatto che Henry si sia schierato con l’FBI e abbia tradito i suoi amici è stata una conseguenza diretta del suo business della droga. Una volta che Paulie lo ha cacciato dalla sua banda, Henry è rimasto senza alcuna protezione e anche i suoi amici più cari, come Jimmy, potevano dargli la caccia in qualsiasi momento. Dopo che l’FBI lo catturò e Paulie lo cacciò, Henry temeva che Jimmy avesse intenzione di ucciderlo. Nel tentativo di guadagnare tempo o, almeno, di capire cosa Jimmy avesse in mente contro di lui, Henry incontrò Jimmy in una tavola calda dove sapeva di essere al sicuro.

Jimmy chiese a Henry di recarsi in Florida per un incarico, ma Henry sapeva bene che si trattava di una trappola e che, se avesse accettato, non sarebbe più tornato indietro. Henry non ebbe altra scelta che accettare di diventare un informatore dell’FBI e iscrivere la sua famiglia al programma di protezione testimoni, poiché non erano più al sicuro. Tuttavia, questo comportava fare la spia su Paulie e Jimmy, e Henry fornì testimonianze e prove sufficienti in tribunale per farli condannare. Henry, Karen e le loro figlie furono trasferiti in un anonimo quartiere di periferia, con la voce fuori campo di Henry che parlava della sua infelicità nel lasciare i vantaggi della vita da gangster e nell’essere ora un normale “schnook”.

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Jimmy avrebbe ucciso Karen Hill?

Un altro momento chiave che portò Henry e Karen a decidere di iscriversi al programma di protezione testimoni fu il tentativo di Jimmy di uccidere Karen. Dopo la fine del rapporto di Henry con Paulie, Karen andò da Jimmy per chiedere aiuto, e lui le disse che aveva alcuni abiti di Dior che voleva che lei vedesse, e che poteva prenderne quanti ne voleva. Tuttavia, Jimmy cercò di condurla in un negozio abbandonato dove due uomini stavano lavorando nell’ombra, e lei capì immediatamente di essere in grave pericolo.

Karen se ne andò il più velocemente possibile e, sebbene non racconti a Henry cosa fosse successo sullo schermo, è chiaro che alla fine lo fa, facendo capire a Henry che la sua famiglia era diventata il prossimo obiettivo di Jimmy. Il motivo per cui Jimmy cercò di sbarazzarsi di Henry e Karen era perché anche lui era coinvolto nel traffico di droga di Henry, ma Paulie non ne era a conoscenza. Jimmy mantenne il suo posto nella banda di Paulie e non avrebbe permesso a Henry di rovinare tutto rivelando che anche lui faceva parte dell’affare.

Perché Tommy DeVito viene ucciso

Uno dei momenti più scioccanti di Quei bravi ragazzi è la morte di Tommy DeVito. Dei tre amici e soci – Henry, Tommy e Jimmy – solo Tommy era completamente italiano, mentre Henry era per metà italiano e per metà irlandese e Jimmy era completamente irlandese. Per questo motivo, solo Tommy poteva diventare un “uomo d’onore”, il che, se fosse successo, avrebbe portato grandi benefici a Jimmy e Henry per associazione. Tuttavia, quando Tommy arrivò alla cerimonia, non c’era nessuno e fu ucciso alle spalle da Tuddy Cicero, il fratello di Paulie.

La morte di Tommy fu una punizione per l’omicidio di Billy Batts, un “uomo d’onore” della famiglia criminale Gambino. Secondo le regole della mafia, i “made men” non possono essere uccisi senza l’autorizzazione del boss della famiglia, e Tommy uccise impulsivamente Billy Batts per rabbia dopo che questi lo aveva preso in giro per il suo passato di lustrascarpe. Tommy e Jimmy, che lo aiutarono a uccidere Batts, sapevano bene che l’omicidio non autorizzato di un “made man” avrebbe provocato una punizione e, insieme a Henry, si sbarazzarono del corpo di Batts. Tuttavia, qualcuno deve aver informato la banda Gambino di ciò che era successo.

Quei bravi ragazzi non ha mai rivelato chi abbia ordinato l’omicidio di Tommy, ma il fatto che sia stato Tuddy a premere il grilletto è un dettaglio fondamentale. Nella vita reale, si ritiene che Paul Vario (Cicero nel film) abbia detto alla famiglia Gambino che Tommy aveva ucciso Batts, poiché aveva già causato troppi problemi a lui e alla banda. Inoltre, Vario aveva una relazione con Karen Hill mentre Henry era in prigione, e lei gli aveva raccontato che Tommy aveva cercato di violentarla. Vario aveva molti motivi per voler uccidere Tommy, quindi raccontò alla banda Gambino dell’omicidio di Batts.

Cosa significa Tommy che spara alla telecamera alla fine di Goodfellas

Tommy fa un’ultima apparizione in Quei bravi ragazzi dopo la sua morte in una breve scena proprio alla fine, mentre la telecamera mostra il nuovo quartiere di Henry. Tommy appare mentre spara direttamente alla telecamera, proprio come nel film muto del 1903 The Great Train Robbery. In un’intervista con l’American Film Institute, Scorsese ha confermato di aver reso omaggio a quel film, aggiungendo che il film del 1903 e Quei bravi ragazzi hanno sostanzialmente la stessa trama.

Scorsese ha spiegato che nel suo film ci sono “un gruppo di fuorilegge che compiono questa incredibile rapina” (la rapina alla Lufthansa), si uccidono a vicenda e alla fine vengono catturati dalla polizia, proprio come in The Great Train Robbery. Il film del 1903 termina poi con un rapinatore di banca che spara alla telecamera, utilizzato come elemento shock, senza però interrompere nessun’altra scena del film. Questo differisce dall’apparizione di Tommy alla fine di Quei bravi ragazzi, con il suo sparo che sembra ricordare a Henry e al pubblico che non si è mai davvero al sicuro.

Nemico pubblico: la spiegazione del finale del film

Nemico pubblico: la spiegazione del finale del film

Nemico pubblico (1998) si colloca in un momento centrale della carriera di Tony Scott, regista noto per il suo stile dinamico e spettacolare. Dopo successi come Top Gun e Beverly Hills II, Scott si confronta con un thriller paranoico dalle forti tinte politiche, capace di mescolare ritmo da action movie e riflessioni sulla società contemporanea. Con questo film, il regista conferma la sua abilità nel combinare intrattenimento ad alta tensione con tematiche di attualità, anticipando molte delle paure legate alla sorveglianza di massa che sarebbero diventate dominanti negli anni successivi.

Il film appartiene al genere del techno-thriller, con un’impostazione che unisce l’azione ad atmosfere da spy movie. La trama, incentrata su un avvocato (interpretato da Will Smith) che diventa involontariamente il bersaglio di un’operazione segreta della NSA, si sviluppa attraverso inseguimenti, complotti e fughe ad alta tensione. Accanto a Smith, spicca la presenza di Gene Hackman, in un ruolo che richiama quello da lui interpretato in La conversazione di Coppola, creando un legame ideale con la tradizione del cinema politico e paranoico degli anni Settanta.

I temi principali di Nemico pubblico ruotano così attorno alla perdita della privacy, al potere incontrollato delle agenzie governative e alla fragilità dell’individuo di fronte a un sistema tecnologico onnipresente. Tony Scott mette in scena un mondo dove telecamere, intercettazioni e satelliti diventano strumenti di controllo e manipolazione, spingendo lo spettatore a interrogarsi sul confine tra sicurezza e libertà personale. Un film che, pur radicato nel suo tempo, appare oggi ancora più attuale. Nel resto dell’articolo, approfondiremo dunque il finale e le sue implicazioni narrative e tematiche.

Nemico pubblico cast

La trama di Nemico pubblico

Ambientato a Baltimora, il film vede Thomas Brian Reynolds, capo di una sezione della National Security Agency, ordinare l’uccisione di un rappresentante del congresso non disposto a farsi corrompere. L’omicidio viene però ripreso da una videocamera installata dal ricercatore Daniel Zavitz, il quale si rende conto dell’importanza del filmato in suo possesso. Da subito questi si ritrova inseguito dagli agenti di Reynold, i quali hanno il chiaro compito di farlo fuori. Prima di essere ucciso, Zavitz riesce fortuitamente ad incontrare un suo vecchio amico. Si tratta di Robert Clayton Dean, procuratore legale da sempre impegnato nella difesa dei diritti dei lavoratori.

Questi non sospetta minimamente che l’incontro con l’amico Daniel lo ha reso parte di un pericoloso gioco di potere. Dean si ritrova infatti inspiegabilmente interrogato dai servizi segreti, ma non sa nulla di ciò che vogliono sapere. Le cose cambieranno nel momento in cui scoprirà che prima di morire Zavitz gli ha lasciato la registrazione del pericoloso video nella busta dei regali per i suoi figli. Per uscire da quella situazione, si avvarrà delle sue conoscenze, come anche dell’aiuto di Edward Lyle, detto Brill. Ex agente del NSA, questi si offre di aiutare Dean a svelare il complotto che rischia di far tremare l’intera sicurezza nazionale.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Nemico pubblico la tensione raggiunge il culmine quando Dean, con l’aiuto di Brill/Lyle, decide di affrontare Reynolds giocando d’astuzia. Consapevole di non avere più prove dirette, Dean finge di possedere ancora il video dell’omicidio del congresso Hammersley e orchestra un inganno che spinge Reynolds a un confronto diretto. Il luogo prescelto è il ristorante di Pintero, boss criminale già coinvolto nelle vicende di Dean. Qui, fra malintesi e sospetti incrociati, la situazione precipita in un violento conflitto a fuoco che porta alla morte di molti dei protagonisti dello scontro.

Nemico pubblico film

Lo scontro finale non solo mette fuori gioco Reynolds, ma permette anche a Dean di dimostrare la propria innocenza. Grazie al supporto di Lyle, il caos al ristorante viene trasmesso all’FBI, che interviene in extremis chiudendo definitivamente la vicenda e smascherando la corruzione all’interno della NSA. Dean riesce a salvarsi e a ricongiungersi con la moglie Carla, mentre Lyle sceglie ancora una volta la fuga, scomparendo nel nulla. La storia si chiude con Dean che torna alla sua vita quotidiana, pur segnato dall’esperienza, e con Lyle che lascia un saluto enigmatico attraverso un segnale televisivo.

Il finale rivela quindi come Tony Scott giochi con i meccanismi del thriller per sottolineare l’importanza della verità e della resilienza di fronte a un potere apparentemente invincibile. Il piano di Dean e Lyle dimostra che, nonostante le risorse illimitate della NSA, un cittadino comune può ribaltare i giochi con intelligenza e coraggio. La caduta di Reynolds mostra come l’arroganza del potere, combinata con l’abuso della tecnologia, finisca inevitabilmente per ritorcersi contro chi la esercita senza scrupoli. Inoltre, il finale porta a compimento i temi centrali del film: la fragilità della privacy, l’onnipresenza della sorveglianza e il difficile equilibrio tra sicurezza nazionale e libertà individuali.

La riconciliazione tra Dean e sua moglie simboleggia un ritorno a una dimensione umana e privata che la tecnologia aveva quasi distrutto, mentre la fuga di Lyle ribadisce che non esiste una vera vittoria definitiva contro un sistema così invasivo, ma solo resistenza continua. Alla fine, Nemico pubblico ci lascia un messaggio attuale e inquietante: la difesa delle libertà personali richiede vigilanza costante e la capacità di opporsi agli abusi del potere. Tony Scott costruisce un thriller spettacolare che, pur chiudendo la vicenda in maniera catartica, lascia nello spettatore la consapevolezza che i rischi della sorveglianza di massa non sono confinati alla finzione, ma rappresentano una minaccia concreta ancora oggi.

Ronin: la spiegazione del finale alternativo del film

Ronin: la spiegazione del finale alternativo del film

Purtroppo, ci sono alcuni registi che, nonostante abbiano al loro attivo innumerevoli classici, rimangono in gran parte sconosciuti al pubblico non cinefilo. Il grande regista John Frankenheimer rientra sicuramente in questa categoria. Sebbene molti dei suoi film siano considerati dei classici, il nome di Frankenheimer non è sempre associato al successo del commovente dramma biografico L’uomo di Alcatraz, dell’innovativo thriller politico The Manchurian Candidate, del classico film di guerra Il treno o dell’iconico dramma automobilistico Grand Prix.

Nonostante abbia affrontato un breve periodo di insuccesso commerciale verso la fine della sua carriera, Frankenheimer è riuscito a tornare alla ribalta grazie al successo del suo thriller d’azione Ronin, con protagonista Robert De Niro. Sebbene sia senza dubbio uno dei film più belli, Frankenheimer aveva in mente un finale più cupo per Ronin, che è però stato tagliato dalla versione distribuita nelle sale. In questo approfondimento andiamo allora ad esplorare il finale che oggi conosciamo del film e quello che era originariamente stato pensato dal regista.

La trama di Ronin

Basato su una sceneggiatura del leggendario drammaturgo David Mamet, Ronin è un thriller di spionaggio ricco di azione che racconta l’intersezione tra le forze speciali di varie nazioni. Robert De Niro interpreta il mercenario americano Sam, incaricato dalla CIA di rubare una valigetta altamente protetta che contiene un misterioso contenuto. Dopo aver incontrato l’agente dell’IRA Deirdre (Natascha McElhone), Sam inizia a lavorare per tale obiettivo insieme all’agente americano Larry (Skipp Sudduth), al pistolero francese Vincent (Jean Reno), allo specialista informatico tedesco Gregor (Stellan Skarsgaard) e all’assassino inglese Spence (Sean Bean).

Sean Bean, Stellan Skarsgaard, Jean Reno, Robert De Niro in Ronin
Sean Bean, Stellan Skarsgaard, Jean Reno, Robert De Niro in Ronin

La famigerata sequenza d’azione che segue è stata citata come uno dei migliori inseguimenti automobilistici nella storia del cinema. Sebbene sia un film che si basa sull’azione mirata, Ronin costruisce però tensione emotiva sviluppando una relazione romantica tra Sam e Deirdre. Dopo che quest’ultima riceve una nuova serie di ordini dal suo supervisore, l’agente ribelle dell’IRA Seamus O’Roarke (Jonathan Pryce), inizia ad aprirsi con Sam mentre lavorano insieme a un appostamento. Mentre tra i due scoccano scintille emotive, Sam è sotto pressione perché lavora sotto copertura e non può rivelare la sua identità.

Il mutare delle alleanze tra le varie spie intrecciate nella trama per ottenere la valigetta porta a una serie di scambi tesi in cui Sam deve chiedersi a chi sia realmente fedele. Nonostante la natura concentrata della narrazione, Ronin termina con una nota piuttosto ambigua sul destino dei suoi personaggi. Dopo una sparatoria con Seamus, che è nel mirino della CIA, Sam e Vincent riescono a fuggire e a sventare i suoi piani. Sebbene avesse intenzione di andarsene con il suo datore di lavoro, Sam convince Deirdre a rimanere, confessandole la verità sulla sua identità.

La sequenza finale mostra Sam e Vincent seduti in un ristorante a riflettere sulle loro esperienze. Anche se una voce fuori campo proveniente da una trasmissione radiofonica anticipa che è stato raggiunto un accordo di pace tra il governo britannico e i ribelli irlandesi, Deirdre non si presenta per unirsi a loro. Sam suggerisce che è improbabile che lei ricompaia nella sua vita e lui rimane all’oscuro del suo destino, proprio come gli spettatori.

Jean Reno e Robert De Niro in Ronin
Jean Reno e Robert De Niro in Ronin

Perché John Frankenheimer ha cambiato il finale di Ronin

Sebbene non sia necessariamente un finale sospeso, permette al pubblico di determinare da sé cosa sia successo a Deirdre dopo la morte di Seamus. Tuttavia, Frankenheimer aveva girato due finali alternativi per Ronin che offrivano una prova più definitiva della sua sorte successiva. In un finale, Deirdre cerca di entrare nel ristorante per raggiungere Sam e Vincent, ma poi si ferma e decide di non farlo; viene successivamente rapita da agenti dell’IRA e uccisa immediatamente. Un altro finale prevedeva invece che Deirdre si dirigesse verso la sua auto dopo che Sam e Vincent avevano lasciato il ristorante, lasciando il finale aperto nel caso in cui la MGM avesse voluto realizzare un sequel.

Sebbene Frankenheimer ritenesse che il finale più cupo “funzionasse davvero”, il pubblico dei test ha reagito negativamente alla prospettiva di vedere Deirdre morire. Anche se era già stato suggerito che non avrebbe potuto avere una vita felice con Sam, vederla uccisa in modo così brutale si è rivelato troppo per gli spettatori affezionati al personaggio. Frankenheimer rivelò così che aveva dovuto “ascoltare il pubblico”, poiché la MGM era troppo interessata alle prospettive finanziarie del film per scegliere un finale più sovversivo. Purtroppo Frankenheimer non realizzò mai una versione più lunga del film, e quindi il suo finale originale rimane inaccessibile ai fan del film.

Sebbene si fosse convinto a non includere quello che sarebbe stato un finale molto deprimente, Frankenheimer rifiutò la conclusione più ottimistica che confermava la sopravvivenza di Deirdre. Lamentandosi che la scena in cui Deirdre si avvicina al ristorante era “troppo hollywoodiana”, Frankenheimer riteneva che una conclusione così positiva avrebbe sminuito il tono intenso e realistico del film. Per la versione cinematografica fu raggiunto un compromesso, che evita di dare indicazioni in entrambi i sensi e mantiene il finale incentrato esclusivamente sulla prospettiva di Sam.

Robert De Niro e Natascha McElhone in Ronin
Robert De Niro e Natascha McElhone in Ronin

Il finale più cupo di Ronin sarebbe stato migliore

Sebbene l’idea originale di Frankenheimer potesse suscitare reazioni negative da parte degli spettatori, il finale alternativo più cupo di Ronin si adattava meglio al tono del film. Ronin presenta una descrizione cruda della fragilità della politica internazionale e mostra con quanta facilità le agenzie di spionaggio siano disposte a sacrificare i propri agenti per raggiungere i propri obiettivi; nonostante la sua importanza all’interno della storia, Deirdre è in definitiva solo una pedina nelle trame dell’IRA. La rivelazione del suo destino avrebbe anche gettato una luce diversa sulla conversazione esistenziale tra Sam e Vincent, esplorando la futilità dei loro sforzi eroici.

Sebbene abbia ricevuto recensioni positive e sia diventato un successo commerciale, Ronin purtroppo non ha portato a una rinascita della carriera di Frankenheimer. Il film è stato seguito dal disastroso thriller d’azione Trappola criminale, con Ben Affleck e Charlize Theron, citato come uno dei peggiori film del 2000. Ciononostante, Ronin ha sicuramente influenzato il modo in cui sono state sviluppate le sequenze di inseguimenti automobilistici nel decennio successivo del cinema d’azione; è difficile immaginare che film come Baby Driver o Drive esistano senza il precedente stabilito da Frankenheimer.

Man of Tomorrow, James Gunn afferma di voler “esplorare Lex Luthor come essere umano”

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James Gunn ha confuso le acque su cosa costituisca un sequel mentre promuoveva Man of Tomorrow. Indipendentemente da ciò, il seguito di Superman punterà i riflettori su Clark Kent e Lex Luthor mentre si alleano per affrontare una minaccia “più grande”. L’ultima volta che abbiamo visto Lex, veniva portato a Belle Reve per il suo ruolo nella distruzione che ha colpito Metropolis quando ha tentato di uccidere Kal-El.

Tuttavia, quando indossa la sua tuta da guerra verde e viola dei fumetti per combattere questa nuova misteriosa minaccia, Lex diventerà anche lui un eroe? Mentre la sua controparte nei fumetti ha spesso combattuto dalla parte dei buoni, quel lato “eroico” del personaggio è uno di quelli che lo sceneggiatore e regista di Man of Tomorrow è ansioso di esplorare.

Penso di essere semplicemente più interessato ad addentrarmi nel cuore di Lex e vedere come si inserisce in tutto questo”, ha spiegato Gunn in una recente intervista con The Ringer-Verse. “Penso di voler conoscere meglio Lex come essere umano. Abbiamo visto molto del lato malvagio di Lex. È piuttosto malvagio. Come personaggio, è davvero interessante. C’è qualcosa, nonostante tutto, di incredibilmente eroico in Lex”.

Mettendo da parte la moralità, cosa difficile da fare, ecco un tizio che dice: ‘Puoi sollevare un edificio. Puoi abbattere aerei con lo sguardo. Ti prenderò a calci nel culo perché sono migliore di te’. Non posso fare a meno di ammirare la sua tenacia e il suo ego. La sua ambizione è senza pari. È il perdente”.

Sì, certo, ha un grande potere aziendale che può usare per manipolare le cose, ma non può volare nello spazio, sollevare un edificio o dare un pugno che attraversa tre stati”, ha aggiunto il co-CEO della DC Studios. “È un uomo, e questo mi piace da morire”. Gunn ha poi continuato a fare luce su ciò che i fan possono aspettarsi da Man of Tomorrow, affermando che Supermanè in qualche modo più simile a un personaggio dei fumetti” e ribadendo che questo sequel “ha a che fare con i personaggi duali di Lex e Superman al centro della trama”.

Cosa sappiamo di Man of Tomorrow

Parlando di Man of TomorrowJames Gunn lo ha descritto come: “Una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande”, ha rivelato Gunn parlando per la prima volta del sequel. “È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due”.

Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro. Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan.

Come si vede alla fine di Superman, l’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet ha visto che c’era del buono dentro Lex, quindi sarebbe disposto a lavorare con lui. Dopo aver quasi distrutto Metropolis nel tentativo di sconfiggere Superman e aver visto il mondo rivoltarglisi contro, Lex Luthor potrebbe essere più disposto a cambiare posizione se questo significasse riportare le persone dalla sua parte.

L’accenno di Gunn a una minaccia più grande che richiede loro di allearsi potrebbe significare che personaggi come Brainiac, Mongul o forse anche Darkseid potrebbero entrare nel nuovo DC Universe. Tuttavia, dato che quello che sembrava essere il concept art di Brainiac DCU è stato visto nel featurette Adventures in the Making of Superman, il cattivo potrebbe finire per essere la minaccia di Man of Tomorrow.

Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.

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Black Rabbit, spiegazione del finale: cosa succede a Vince e Jake?

Black Rabbit è un thriller criminale, ma dietro il caos racconta soprattutto di famiglia, amore e lealtà. La miniserie Netflix, uscita il 18 settembre, segue due fratelli la cui discesa nel mondo criminale di New York mette a rischio le loro vite e il ristorante che li unisce. Jake (Jude Law) è un ristoratore di successo, mentre Vince (Jason Bateman) è un tossicodipendente con un passato di errori. Insieme avevano fondato il Black Rabbit, ma l’irresponsabilità di Vince lo aveva allontanato dall’attività.

Cosa succede prima del finale

La serie si apre con una rapina durante un evento mondano al ristorante, per poi tornare indietro nel tempo e mostrare come si è arrivati a quel momento. Vince ritorna a New York dopo aver accumulato debiti di gioco, inseguito dal boss Joe Mancuso, dal figlio Junior e dal suo braccio destro Babbitt. Chiede aiuto al fratello Jake, che si trova già a gestire tensioni personali e professionali con Wes, musicista e socio del locale, Estelle, sua amante e moglie di Wes, e Roxie, la chef.

Un evento scatenante è la vicenda di Anna, barista del locale, aggredita sessualmente da un cliente facoltoso, Jules. Jake, inizialmente ignaro, la licenzia per le assenze, salvo poi scoprire la verità. Più preoccupato della reputazione del ristorante che della giustizia, cerca di insabbiare il caso, ma Anna diventa un bersaglio dei criminali a causa di Vince. Junior e Babbitt, tentando di intimidirla, finiscono per ucciderla accidentalmente. Per proteggersi, Jake propone ai gangster la rapina al Black Rabbit come compensazione.

Chi partecipa alla rapina

Anche se Jake e Mancuso avevano annullato il piano, Junior decide di portarlo avanti. Babbitt si tira indietro, e al suo posto Junior coinvolge Vince, dopo un duro litigio con Jake. Il colpo va storto: invece di agire prima della festa, irrompono durante l’evento. Vince punta subito all’orologio del fratello, ricordo del padre defunto, ma Jake si rifiuta di cederlo. Ne nasce il caos: lo chef Tony e Wes vengono colpiti, e Junior sta per uccidere Jake, ma Vince lo abbatte per salvarlo.

Il destino di Vince

Dopo aver sparato a Junior, Vince fugge con i gioielli per venderli e scappare. Mancuso però lo insegue, e la sua banda rapisce Gen, la figlia di Vince, per costringere Jake a rivelare i suoi spostamenti. Jake riesce a salvarla, e con un ricatto a Campbell, avvocato di Jules, trova un modo per mandare Vince fuori dal paese.

Prima di partire, i due fratelli si confidano al Black Rabbit. Vince rivela di aver ucciso il padre violento da bambino; Jake confessa di aver sempre saputo e di non averlo mai giudicato. Resosi conto che Jake non smetterà mai di sacrificarsi per lui, Vince decide di liberarlo: si getta dal tetto del ristorante, ponendo fine alla sua vita.

Il destino di Jake

Dopo il suicidio del fratello, Jake consegna alle autorità il video che prova l’aggressione ad Anna, facendo finalmente la cosa giusta. Pur salvo dai gangster, deve affrontare le conseguenze: Wes muore, la relazione con Estelle si chiude, e il sogno imprenditoriale del Black Rabbit si dissolve.

Il finale di Black Rabbit

La serie si conclude con un epilogo agrodolce. Jake rinuncia alle sue ambizioni e lavora come semplice barista, scegliendo una vita più semplice e vicina alla famiglia. Roxie apre un nuovo locale chiamato Anna’s, in memoria dell’amica scomparsa, con Tony al suo fianco. Jules viene arrestato, mentre Jake sembra finalmente libero dal peso del passato e pronto a una vita più autentica.