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Star Wars: [SPOILER] avrà un ruolo importante nella trilogia di Simon Kinberg (ma non sarà il protagonista)

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Il franchise di Star Wars tornerà finalmente sul grande schermo nel 2026 con The Mandalorian & Grogu. Oltre a questo, sappiamo che Lucasfilm ha in programma di esplorare ciò che è successo dopo Star Wars: L’ascesa di Skywalker del 2019 (a partire da Star Wars: Starfighter di Shawn Levy).

I libri e i fumetti di “The High Republic” non hanno riscosso grande successo tra i fan, e The Acolyte è stato cancellato dopo una sola stagione su Disney+. Esplorare i vuoti tra i film precedenti offre un potenziale narrativo piuttosto limitato, quindi un’ambientazione post-Episodio IX crea una sorta di tabula rasa per i registi.

Sebbene dal 2023 gli aggiornamenti (positivi) siano stati pochi e sporadici, Sharmeen Obaid-Chinoy rimane legata a un film incentrato su Rey Skywalker, interpretata da Daisy Ridley. Ambientato 15 anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker, il film è sarà scritto da George Nolfi, che ha sostituito Steven Knight, il quale a sua volta aveva preso il posto del duo di sceneggiatori Damon Lindelof e Justin Britt-Gibson.

Tuttavia, con le dimissioni di Kathleen Kennedy dalla presidenza della Lucasfilm, solo il tempo dirà cosa ha in serbo Dave Filoni per questo e per tutti i progetti precedentemente annunciati ambientati in una galassia lontana lontana. Durante una recente “intervista di uscita”, Kennedy ha detto che Filoni intende andare avanti con la trilogia pianificata dallo sceneggiatore e regista di X-Men: Dark Phoenix, Simon Kinberg. Questo aggiornamento non ha ricevuto le risposte più calorose dai fan, ma Filoni e Kinberg hanno già collaborato in precedenza a Star Wars Rebels.

Ora, secondo Daniel Richtman, Rey Skywalker, interpretata da Ridley, avrà un ruolo importante nella trilogia in programma. Tuttavia, l’attenzione sarà concentrata sui nuovi protagonisti, il che indica che, sebbene Rey sarà in primo piano, non sarà la protagonista principale della storia. Ma cosa ne sarà allora del film di Obaid-Chinoy? Anche se è difficile scrollarsi di dosso la sensazione che questa trilogia sia pensata come sostituta, l’avventura solitaria di Rey potrebbe essere ciò che colma il divario tra l’Episodio IX e quello che molti fan ritengono sarà effettivamente l’Episodio X, XI e XII per opera di Kinberg.

Mark Wahlberg si riunisce con il regista di un suo sottovalutato thriller per un nuovo film d’azione

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Mark Wahlberg e il regista Baltasar Kormákur tornano a lavorare insieme per un nuovo film d’azione. In passato hanno già collaborato per Contraband e Cani sciolti, quest’ultimo un thriller comico poliziesco sottovalutato con Wahlberg e Denzel Washington, che ha incassato 131 milioni di dollari al botteghino mondiale.

Deadline riporta ora che Wahlberg è stato scritturato per The Big Fix di Netflix, che sarà diretto da Kormákur. Anche Riz Ahmed, vincitore di un Emmy Award per la sua interpretazione nella miniserie HBO acclamata dalla critica The Night Of, è stato scritturato. La produzione dovrebbe iniziare entro la fine dell’anno.

The Big Fix è ispirato a una storia vera, in cui Wahlberg interpreta un poliziotto dell’Interpol che scopre uno scandalo globale che coinvolge partite della FIFA truccate. Dà la caccia al responsabile dello scandalo, un truffatore (Ahmed) che lavora con le organizzazioni criminali cinesi e che ora sta guadagnando milioni grazie al suo piano. Questo porta a un inseguimento internazionale tra i due personaggi.

La sceneggiatura è stata scritta da Guy Bolton e Justin Haythe, che in passato hanno scritto rispettivamente Hijack per Apple TV e il film Revolutionary Road con Leonardo DiCaprio e Kate Winslet. Kormákur sta producendo il film insieme a Peter Chernin e David Ready della Chernin Entertainment.

Un altro thriller di Netflix e Chernin Entertainment diretto da Kormákur è già in programma per quest’anno, con Apex che farà il suo debutto in streaming il 24 aprile. Il film vedrà Charlize Theron nei panni di una donna braccata da uno spietato serial killer interpretato da Taron Egerton.

Prima che Apex finisse la produzione, Netflix e Chernin stavano però già esplorando diverse idee per la loro prossima collaborazione diretta da Kormákur. Secondo quanto riferito, The Big Fix è da tempo una priorità per Chernin e per Kira Goldberg, dirigente di Netflix, che in passato ha lavorato con la società di produzione durante la sua permanenza alla 20th Century Fox.

Oltre a Kormákur, che rafforza ulteriormente la sua partnership con Netflix attraverso questo nuovo progetto, lo stesso vale per Wahlberg. Ci sono già diversi film originali Netflix con l’attore sulla piattaforma, tra cui Spenser Confidential e The Union, e ora ne ha un altro in programma per la piattaforma di streaming. Ha anche firmato per The Operator, un thriller d’azione che è stato acquisito dalla piattaforma di streaming a dicembre.

Con Contraband uscito nel 2012, seguito da Cani sciolti nel 2013, è passato più di un decennio dall’ultima collaborazione tra Mark Wahlberg e Kormákur, rendendo The Big Fix una reunion attesa e molto anticipata tra l’attore e il regista.

Abbott Elementary – Stagione 5 Episodio 11, Recap: la trilogia del centro commerciale si chiude con un colpo di scena

Con l’episodio 11 della quinta stagione, Abbott Elementary mette fine alla sua insolita “mall trilogy”, ma lo fa nel modo meno prevedibile possibile. Mall Part 3: Heroes non è soltanto la conclusione di una parentesi narrativa bizzarra e temporanea: è un episodio che usa la commedia per raccontare, con sorprendente lucidità, dinamiche di potere, istituzioni disfunzionali e il prezzo emotivo dell’adattamento forzato.

Fin dall’inizio, la sitcom ha dimostrato di saper trasformare i suoi personaggi in una macchina comica affidabile. Ciò che resta imprevedibile, stagione dopo stagione, è invece la direzione delle storie. La scelta di spostare l’intera scuola in un centro commerciale abbandonato, a ridosso della pausa natalizia, sembrava una gag destinata a durare poco. Al contrario, Abbott Elementary ha costruito su questa idea una mini-saga che ha occupato i primi tre episodi della seconda metà della stagione, culminando in un finale tanto ironico quanto amaramente realistico.

La fine della trilogia del mall e il prezzo dell’adattamento

Dopo il trasferimento forzato causato dal guasto alla caldaia, gli insegnanti hanno cercato di rendere funzionale un ambiente palesemente inadatto all’istruzione. Non senza perdite: Dya, esasperata dal trattamento di Ava, si prende una pausa; un insegnante lascia la scuola; Dominic, nuovo arrivo interpretato da Luke Tennie, sembra sul punto di mollare tutto. È Gregory a trattenerlo, convincendolo che, in situazioni estreme, servono misure drastiche.

Quella trasformazione — Dominic che impone una disciplina ferrea agli studenti — sembra inizialmente una vittoria. Ma Mall Part 3 mostra come anche le soluzioni efficaci possano diventare problematiche quando non vengono messe in discussione. L’episodio introduce così il vero nodo tematico: il confine sottile tra resilienza e normalizzazione del disagio.

Il riconoscimento che nasconde una trappola

Quando Simon, rappresentante del distretto, comunica che i risultati di Abbott sono migliorati e che il giornale locale vuole celebrare la “rinascita” della scuola nel mall, l’entusiasmo è immediato. Gli insegnanti si sentono finalmente visti. È la consulente scolastica Ms. Alomar, figura solitamente non conflittuale, a rompere l’euforia: quel riconoscimento, osserva, rischia di legittimare una situazione inaccettabile.

La sua intuizione si rivela centrale. Il distretto non sta premiando Abbott per accelerare il ritorno alla normalità, ma per placare le richieste di intervento. Lodare l’adattamento diventa un modo per sospendere l’urgenza del problema. Quando il gruppo visita la scuola originale e scopre che i lavori sono fermi, la verità diventa evidente.

Janine e la presa di coscienza politica

Il momento di svolta arriva grazie a Janine, che comprende la strategia del distretto osservando una dinamica in classe: accoppiare uno studente problematico con uno modello non porta a un miglioramento, ma penalizza chi si sta già impegnando. Abbott, capisce Janine, è trattata allo stesso modo: l’efficienza degli insegnanti viene usata contro di loro.

È uno dei passaggi più maturi della stagione. Abbott Elementary trasforma una situazione scolastica in una metafora limpida di molte realtà lavorative contemporanee: quando dimostri di “reggere”, rischi di essere lasciato indietro. La risposta è collettiva. Janine, Gregory, Barbara, Ava, Jacob e Melissa affrontano Simon negli uffici del distretto. Non ottengono scuse, ma una verità ancora più scomoda: Abbott non è una priorità.

Proprio questa ammissione scatena la reazione giusta. La pressione aumenta, e il distretto cede: il ritorno nella scuola originale è fissato entro due settimane. La trilogia del mall si chiude così non con un colpo di fortuna, ma con un atto di consapevolezza e rivendicazione.

Mr. Johnson, l’amore e un finale agrodolce

Accanto alla trama principale, l’episodio introduce un arco più intimo e sorprendentemente malinconico: quello di Mr. Johnson. L’arrivo di una nuova addetta alle pulizie genera uno scontro iniziale, ribaltando stereotipi di genere e mettendo in crisi l’orgoglio del personaggio. Il confronto si trasforma gradualmente in attrazione, costruendo una delle sottotrame più tenere e imprevedibili della stagione.

Proprio quando il legame sembra prendere forma, arriva la notizia del ritorno ad Abbott, che spezza sul nascere questa possibilità. È un finale insolitamente amaro per una storyline comica, e proprio per questo efficace: non tutte le deviazioni forzate producono qualcosa di duraturo, anche quando sono autentiche.

Un ritorno alla normalità che non cancella ciò che è successo

Con la fine della trilogia del centro commerciale, Abbott Elementary torna al suo setting naturale. Ma Mall Part 3: Heroes lascia un segno chiaro: la serie non ha usato questa deviazione come semplice esperimento comico, bensì come occasione per parlare di lavoro, riconoscimento e resistenza istituzionale.

Ora che gli insegnanti sono di nuovo tra le mura della loro scuola, la sitcom può riprendere la sua “programmazione regolare”. Ma lo fa con una consapevolezza nuova, dimostrando ancora una volta come Abbott Elementary riesca a essere brillante, divertente e sorprendentemente politica senza mai perdere leggerezza.

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 3, tutto quello che sappiamo: cast, trama e quando uscirà

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo tornerà con la stagione 3, ed ecco tutto ciò che sappiamo già al riguardo. Fin dal finale della stagione 1, è stato chiaro che la serie ha un pubblico solido. Che si tratti di fan della saga letteraria originale di Percy Jackson o di nuovi spettatori, lo show si è rivelato un successo per Disney+.

Nel dicembre 2025, la stagione 2 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo ha riportato la serie sugli schermi adattando il secondo libro, Il mare dei mostri. Dopo altri otto episodi, un tono leggermente più maturo e una storia che ha persino migliorato il materiale originale, Percy Jackson si è dimostrato ancora più forte alla sua seconda uscita.

Questo ha portato molti a chiedersi cosa riserverà la stagione 3 di Percy Jackson. Dopotutto, il terzo libro è considerato un punto di svolta nella saga, grazie al suo tono più cupo, aumentando così l’attesa per il suo adattamento nella serie Disney+. Con questo in mente, ecco tutto ciò che sappiamo sulla prossima stagione, dai nuovi cambiamenti rispetto ai libri di Percy Jackson alle notizie sul cast e ai dettagli della trama.

La stagione 3 di Percy Jackson è già stata confermata

La stagione 2 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo è stata annunciata ufficialmente nel febbraio 2024, pochi mesi dopo che Disney aveva confermato quanto fossero forti i dati di ascolto della stagione 1. A quanto pare, i numeri erano così solidi che Disney ha deciso di puntare con largo anticipo sulla serie: la stagione 3 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo è stata approvata nel marzo 2025, prima ancora che la stagione 2 iniziasse la messa in onda.

Questo ha rappresentato una grande dimostrazione di fiducia in Percy Jackson, cosa che non era mai accaduta prima.

La stagione 3 di Percy Jackson adatterà La maledizione del Titano

Percy Jackson e gli Dei dell'OlimpoCon la stagione 1 basata su Il ladro di fulmini e la stagione 2 su Il mare dei mostri, la stagione 3 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo racconterà la storia del terzo libro della saga, La maledizione del Titano. Questo volume si distingue dai precedenti perché è ambientato in inverno, anziché in estate.

Il libro si apre con Percy e Annabeth impegnati in una missione per salvare due mezzosangue da un collegio. La missione fallisce a causa dell’apparizione di diversi mostri potenti e di alcuni dèi dell’Olimpo. Da qui prende il via una nuova quest per salvare una dea rapita, fermare i piani di Luke per rafforzare l’esercito di Crono e spezzare la maledizione del Titano che dà il titolo al libro.

Come accennato, La maledizione del Titano rappresenta un vero punto di svolta nella serie di Percy Jackson. È il più oscuro dei primi tre libri e introduce numerosi personaggi chiave da entrambe le parti del conflitto tra gli dèi dell’Olimpo e i Titani. La stagione 3 di Percy Jackson adatterà questi eventi, proseguendo direttamente dal finale della stagione 2.

Il cast di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 3

Il cast della stagione 3 di Percy Jackson sarà simile a quello delle stagioni 1 e 2: la maggior parte degli attori tornerà, con l’aggiunta di diversi nuovi volti. Naturalmente, Walker Scobell, Leah Sava Jeffries e Aryan Simhadri riprenderanno i ruoli di Percy Jackson, Annabeth Chase e Grover Underwood.

Tornerà anche Charlie Bushnell nei panni di Luke Castellan, ancora una volta alla guida delle forze antagoniste di Crono. Tamara Smart riprenderà il ruolo di Thalia Grace nella stagione 3 di Percy Jackson, questa volta come personaggio principale dopo le apparizioni ricorrenti della stagione 2.

Per quanto riguarda altri membri del cast che potrebbero tornare dalle stagioni precedenti, la situazione è meno chiara. Personaggi come Clarisse LaRue e Tyson, che hanno avuto un ruolo centrale nella stagione 2, nei libri hanno parti più ridotte — se non assenti — nella stagione 3. Tuttavia, è difficile immaginare che Dior Goodjohn e Daniel Diemer vengano esclusi del tutto.

Lo stesso vale per diversi dèi dell’Olimpo già apparsi nelle stagioni precedenti, che probabilmente torneranno anche nella stagione 3, seppur in ruoli minori. Toby Stephens, Courtney B. Vance e Jay Duplass riprenderanno i ruoli di Poseidone, Zeus e Ade. Anche Jason Mantzoukas dovrebbe tornare nei panni di Dioniso, così come Adam Copeland nel ruolo di Ares.

Oltre a questo, la stagione 3 di Percy Jackson introdurrà numerosi nuovi membri del cast. Faranno il loro debutto altri dèi olimpici, tra cui Artemide, dea della caccia, che avrà un ruolo centrale nella storia de La maledizione del Titano. Artemide sarà interpretata da Dafne Keen, nota per Logan e Deadpool & Wolverine. Comparirà anche suo fratello gemello Apollo, anche se l’attore che lo interpreterà non è ancora stato annunciato.

Afrodite, dea della bellezza e dell’amore, è un’altra divinità olimpica che apparirà nella stagione 3 di Percy Jackson, interpretata da Kate McKinnon. Nei libri, tuttavia, l’aspetto di Afrodite cambia a seconda di chi la osserva, quindi potrebbero essere scelti anche altri attori accanto alla McKinnon.

Per quanto riguarda gli altri nuovi personaggi, molti avranno ruoli di primo piano. Saara Chaudry interpreterà Zoë Nightshade, il luogotenente principale delle Cacciatrici di Artemide. David Costabile si unirà al cast nel ruolo del dottor Thorn, un antagonista ricorrente nella storia.

Holt McCallany interpreterà Atlas, il generale dei Titani al servizio di Crono, maledetto da Zeus a sostenere il peso del cielo. Levi Chrisopulos e Olive Abercrombie vestiranno i panni di Nico di Angelo e Bianca di Angelo, i due mezzosangue ricercati all’inizio della storia, che avranno un ruolo fondamentale nella missione principale.

Infine, Glynn Turman dovrebbe tornare nel ruolo di Chirone, mentre Jesse L. Martin si aggiunge al cast della stagione 3 di Percy Jackson nel ruolo di Frederick Chase, il padre di Annabeth.

La produzione della stagione 3 di Percy Jackson è in corso e l’uscita è prevista per il 2026

Solo sette mesi dopo la conclusione delle riprese della stagione 2, è iniziata la produzione della stagione 3 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo. Il cast si è riunito nell’agosto 2025 per dare il via alle riprese, che si sono interrotte brevemente per promuovere la stagione 2 nel dicembre 2025. Con l’inizio del nuovo anno, la produzione è ripartita.

In una scena post-credit del finale della stagione 2 di Percy Jackson, è stato confermato che la stagione 3 uscirà nel 2026. Al momento dell’uscita della stagione 2, la maggior parte delle riprese era già stata completata, con solo poche scene ancora da girare. Questi ultimi giorni di produzione dovrebbero concludersi nel marzo 2026, mentre la post-produzione è probabilmente già iniziata per il materiale già girato.

Questo fa pensare a un’uscita della stagione 3 di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo nel dicembre 2026. Le due stagioni precedenti sono infatti uscite entrambe a dicembre — la prima nel 2023 e la seconda nel 2025 — ed è quindi plausibile che anche la terza segua lo stesso schema con l’adattamento Disney+ de La maledizione del Titano.

Sophie Turner: “Lara Croft non sarà una sex bomb” nella nuova serie Tomb Raider di Prime Video

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La nuova serie di Tomb Raider targata Prime Video segnerà un cambio di prospettiva netto per uno dei personaggi più iconici della storia dei videogiochi. A interpretare Lara Croft sarà Sophie Turner, che ha chiarito fin da subito quale sarà l’approccio al personaggio: niente ipersessualizzazione, ma una rappresentazione autentica, complessa e centrata sul carattere.

In un’intervista rilasciata al Los Angeles Times, Turner ha spiegato che non vestirà i panni di una “sex bomb”, sottolineando con ironia che “non ci saranno seni a punta”. L’obiettivo, ha ribadito, è rendere giustizia alla storia e alla forza narrativa di Lara Croft, evitando stereotipi che hanno spesso accompagnato il personaggio nelle sue incarnazioni passate.

Una Lara Croft più moderna e guidata dal personaggio

Cortesia di Prime Video

Per Turner, il mondo action non è una novità: l’attrice ha già interpretato Jean Grey nei film X-Men, esperienza che l’ha spinta ancora una volta a voler raccontare una donna forte, stratificata e consapevole delle proprie capacità. Secondo l’attrice, il cuore della serie non sarà l’aspetto estetico di Lara Croft, ma ciò che la muove, le sue scelte e il suo percorso personale.

Lara Croft resta una delle figure più riconoscibili del medium videoludico: archeologa britannica, esploratrice solitaria, capace di affrontare enigmi, combattimenti e ambienti ostili senza mai essere relegata al ruolo di “donna da salvare”. Fin dal debutto del primo Tomb Raider nel 1996, il personaggio si era distinto per la sua indipendenza in un’industria dominata da protagonisti maschili.

Le dichiarazioni di Turner trovano piena coerenza con la visione della creatrice e sceneggiatrice della serie, Phoebe Waller-Bridge, già nota per Fleabag e per la sua attenzione a una scrittura fortemente character-driven. Al momento, la trama resta top secret e non è chiaro quanto la serie seguirà fedelmente i videogiochi originali, ma l’intento dichiarato è quello di costruire un racconto moderno, più intimo e meno basato sul puro spettacolo.

Secondo le informazioni attualmente disponibili, Tomb Raider dovrebbe debuttare su Prime Video tra il 2027 e il 2028. Ulteriori dettagli sulla produzione e sul cast verranno svelati nei prossimi mesi.

Fallout 2 stabilisce un record storico su Prime Video nonostante un debutto più basso

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Il ritorno di Fallout si sta rivelando un successo di lungo periodo. La seconda stagione dell’adattamento videoludico ha infatti fatto segnare un record storico su Prime Video, confermandosi come una delle serie più performanti di sempre sulla piattaforma Amazon, anche se il debutto iniziale è risultato leggermente inferiore rispetto alla prima stagione.

Secondo i dati diffusi dalla piattaforma, Fallout stagione 2 è attualmente la stagione più vista su Prime Video dopo Reacher stagione 3, uscita a febbraio 2025. Con ancora due episodi da rilasciare, la serie si posiziona già come la sesta stagione televisiva più vista nella storia di Prime Video, dietro soltanto a The Lord of the Rings: The Rings of Power (stagioni 1 e 2), Reacher (stagioni 2 e 3) e Fallout stagione 1.

Il successo globale di Fallout e la strategia settimanale di Prime Video

I numeri confermano l’attrattiva globale della serie: il 53% del pubblico della stagione 2 proviene dall’estero, con performance particolarmente forti nel Regno Unito, in Germania e in Brasile. Fallout si è inoltre affermata come una delle stagioni TV più seguite di sempre nella fascia maschile 18–34 anni, rafforzando il legame con il pubblico storico del videogioco originale.

Come riportato da Deadline, Amazon MGM Studios ha definito l’accoglienza della seconda stagione come un passo avanti rispetto alla prima, citando valutazioni critiche più alte su aggregatori come Rotten Tomatoes. Il responsabile globale della divisione TV, Peter Friedlander, ha espresso fiducia in una crescita ulteriore man mano che verranno pubblicati gli ultimi episodi.

Nonostante ciò, Amazon continua a non rendere pubblici i numeri di visualizzazione assoluti, scelta che ha alimentato speculazioni online. Tuttavia, secondo diversi osservatori, la piattaforma potrebbe attendere la fine della stagione per comunicare dati completi e consolidati, soprattutto alla luce del cambio di strategia di rilascio: a differenza della prima stagione, la seconda viene distribuita con un episodio a settimana, rendendo più complesso un confronto diretto tra i due cicli.

I nuovi episodi di Fallout vengono pubblicati ogni mercoledì su Prime Video.

Alice in Borderland cancellata da Netflix dopo tre stagioni

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Alice in Borderland cancellata da Netflix dopo tre stagioni

La partita è ufficialmente finita per Alice in Borderland. La serie giapponese sci-fi thriller, approdata su Netflix il 10 dicembre 2020, è stata cancellata dopo tre stagioni. Tratta dal manga di Haro Aso, la storia segue Arisu, giovane brillante e isolato interpretato da Kento Yamazaki, costretto a sopravvivere in una realtà parallela — la Borderland — affrontando giochi mortali e stringendo legami profondi per restare in vita.

Dopo il successo della prima stagione, Netflix aveva rinnovato la serie per una seconda e, successivamente, per una terza stagione, uscita il 25 settembre 2025. Nonostante il finale della stagione 3 offrisse una chiusura coerente per il percorso di Arisu, le speranze di un’eventuale quarta stagione sono state definitivamente spente.

Netflix conferma: la terza stagione è stata l’ultima

Secondo un nuovo report ufficiale, Netflix ha confermato che la terza stagione è anche l’ultima di Alice in Borderland. Nei sei mesi compresi tra luglio e dicembre 2025, la stagione finale ha totalizzato 25 milioni di visualizzazioni, senza che lo streamer abbia fornito ulteriori dettagli sulle motivazioni della cancellazione.

Nonostante lo stop, la serie chiude comunque con numeri solidi: Alice in Borderland è risultata la 36ª serie più vista su Netflix nel periodo considerato, subito sotto The Witcher stagione 4 (25,4 milioni di visualizzazioni). Ha inoltre superato titoli come Black Rabbit e House of Guinness, confermando una performance competitiva nel panorama delle produzioni Netflix del 2025.

Dal punto di vista critico, la stagione 3 si è attestata su un 63% su Rotten Tomatoes, mentre ScreenRant le ha assegnato un voto di 8/10, sottolineando come Arisu resti “uno dei protagonisti più empatici e coerenti della serialità contemporanea”. In un’intervista rilasciata a The Hollywood Reporter il 25 settembre 2025, Yamazaki aveva espresso il desiderio di tornare per una possibile stagione 4, ipotesi che Netflix ha però deciso di non percorrere.

Sydney Sweeney protagonista del primo adattamento cinematografico di un tragico romanzo

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Sydney Sweeney interpreterà un ruolo nell’adattamento cinematografico di The Custom of the Country, scritto dalla romanziera Edith Wharton. Studiocanal sostiene il progetto insieme alla Rabbit’s Foot Films, la casa di produzione fondata da Charles Finch. Josie Rourke dirigerà e scriverà l’adattamento cinematografico, con la produzione che dovrebbe iniziare a breve.

La storia segue il percorso di Undine Spragg, che sposa e divorzia da diversi uomini nella speranza di diventare una mondana e un membro dell’alta società della Fifth Avenue a New York City. Rourke ha descritto il personaggio come una femme fatale, affermando che Spragg è “la donna pericolosa per eccellenza”. Ha anche elogiato il romanzo della Wharton, che secondo lei ha conquistato sia gli Stati Uniti che l’Europa.

Secondo Deadline, Rourke ha descritto Spragg come una figura straordinariamente moderna e ha affermato che The Custom of the Country, scritto 113 anni fa nel 1913, era in anticipo sui tempi. “The Custom of the Country è stato il grande romanzo americano di Wharton, con Undine Spragg attraversa l’America e l’Europa a tutta velocità, in un periodo di immensi cambiamenti economici e sociali. Il libro trasuda modernità e mentre scrivevo questo adattamento, Sydney Sweeney viveva nella mia testa come questo personaggio iconico”.

“È come se Wharton si fosse seduta un secolo fa e avesse scritto il ruolo per lei. Sono entusiasta di lavorare con questa brillante attrice, Charles Finch, Alison Owen e Studiocanal per portare questo romanzo sullo schermo“, sono le parole della regista. Sweeney, ora al cinema con Una di famiglia (The Housemaid) sarà anche produttrice di The Custom of the Country insieme a Finch, Alison Owen della Monumental Pictures e Studiocanal.

Il casting è curato da Nina Gold, che sta attualmente selezionando gli attori secondari che affiancheranno Sweeney. La produzione è supervisionata dal vicepresidente esecutivo della produzione globale di Studiocanal Ron Halpern, dalla CCO statunitense Shana Eddy-Grouf e dalla vicepresidente dello sviluppo e della produzione Isobel Carter. Al momento della pubblicazione di questo articolo non è stata ancora confermata la data di uscita del film.

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 ha un colpo di scena finale molto migliore rispetto a quello di Il Mare dei Mostri

Invece di andare sul sicuro seguendo le tracce del romanzo a cui è ispirato, il finale della di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 è stato audace e si è concluso con un colpo di scena ancora più importante rispetto a quello del romanzo originale Il mare dei mostri di Rick Riordan. Tra cambiamenti e sorprese, la posta in gioco è stata alzata in modo molto stimolante in vista della terza stagione.

Nell’episodio 8, Thalia Grace (Tamara Smart) torna ad assumere la sua forma umana, dopo essere stata per tanto tempo l’albero in cui Zeus l’aveva trasformata. Ciò significa che ora esiste un secondo figlio dei Tre Grandi che potrebbe compiere la Grande Profezia, destinata a salvare o distruggere l’Olimpo.

Sebbene questo sia vero anche nel libro, il grande colpo di scena finale di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 va oltre e forse migliora la serie.

La spiegazione del colpo di scena de Il mare dei mostri (e in che modo la serie lo cambia)

Nel romanzo originale Il mare dei mostri, la resurrezione di Thalia tramite il Vello d’Oro chiude il libro: è una svolta clamorosa che nessuno dei personaggi si aspettava, fatta eccezione per il Titano Crono, che aveva manipolato gli eventi proprio per rimettere in gioco la figlia di Zeus.

Nella serie, invece, il ritorno di Thalia era già un elemento previsto, molto prima che il Vello d’Oro venisse posto sull’albero affinché la semidei tornasse nella sua forma umana. Di conseguenza, questo ha aumentato le tensioni e le dinamiche tra Annabeth e Luke, così come con lo stesso Percy, mostrato alle prese con incubi sul ritorno di Thalia e su ciò che questo potrebbe significare per la Grande Profezia.

Detto ciò, nelle scene finali di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 viene introdotto un nuovo e ben più grande colpo di scena.

Photo Credit: Disney

Il nuovo colpo di scena di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 alza ulteriormente la posta in gioco

Il nuovo twist con cui si chiude Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 rivela che Thalia non era stata ferita mortalmente dalle Furie per poi essere salvata dalla misericordia divina di Zeus attraverso la trasformazione in albero (come avviene nel libro).

Al contrario, le Furie erano state mandate da Ade per informare Thalia della Grande Profezia e del desiderio di Zeus di usarla come un’arma, creando deliberatamente una frattura tra padre e figlia.

Questa verità viene rivelata da Chirone, che aveva assistito al rifiuto di Thalia e alla successiva trasformazione operata da Zeus come punizione (piuttosto che come atto di compassione per salvarle la vita). A Chirone fu poi ordinato di mantenere nascosta la verità negli anni successivi… fino ad ora. Rispetto alla storia originale de Il mare dei mostri, questo nuovo colpo di scena aumenta drasticamente la posta in gioco della Grande Profezia e si collega in modo più efficace ai conflitti che verranno esplorati nelle stagioni future.

Non solo questo twist prepara meglio lo scontro tra Percy e Thalia in La maledizione del Titano (stagione 3 di Percy Jackson), ma fornisce anche una motivazione molto più solida per la frattura tra Thalia e Zeus, influenzando in maniera decisiva le scelte che lei finirà per compiere.

In definitiva, il finale della stagione 2 di Percy Jackson dimostra che la serie ha compreso a fondo ciò che rendeva efficaci i libri nella loro essenza, ma anche dove potevano essere migliorati. Con lo stesso Rick Riordan coinvolto nella realizzazione della serie Disney+, è già stato confermato che Riordan ha sostenuto il cambiamento principale del finale de Il mare dei mostri.

Il finale di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 2 risulta davvero molto più solido sotto ogni aspetto, rispetto al romanzo, allineandosi in modo nettamente migliore alle avventure che devono ancora arrivare.

Tutti gli episodi di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo sono ora disponibili in streaming su Disney+.

Sentimental Value: recensione del film di Joachim Trier – Cannes 78

Questo potrebbe essere il suo anno. Il regista norvegese Joachim Trier è un habituè di Cannes e, ricordiamo, con La persona peggiore del mondo (2021, sua ultima partecipazione al Festival) è riuscito a guadagnarsi due premi di rilievo, Miglior sceneggiatura e Miglior Attrice per Renate Reinsve, risultati poi in due effettive candidature agli Oscar 2022. Ora, torna in concorso sulla Croisette con Sentimental Value, tra i titoli favoriti per la Palma d’oro di quest’anno, sostenuto dall’etichetta NEON, ovvero la casa di distribuzione che ha portato al pubblico – e fino agli Academy Awards – gli ultimi 5 vincitori della Palma d’oro.

La famiglia peggiore del mondo?

Nora Borg (Renate Reinsve) è un’attrice affermata, mentre suo padre Gustav (Stellan Skarsgård), regista di culto ormai inattivo da quindici anni, è rimasto ai margini della vita familiare della donna dopo la separazione dalla madre. I due hanno rapporti sporadici: Gustav è distante tanto da Nora quanto dalla sua seconda figlia, Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), e dal nipotino. Ma quando muore l’ex moglie e madre delle due sorelle, l’uomo ricompare per il funerale e chiede a Nora un incontro privato. Lei, reduce dal debutto di uno spettacolo teatrale e da un esaurimento nervoso poco prima di salire sul palco, accetta con riluttanza, certa che non si tratterà di buone notizie.

Con sua sorpresa, Gustav le propone di interpretare il ruolo principale nel suo nuovo film: una storia fortemente autobiografica incentrata sulla figura della madre, la nonna di Nora, morta suicida in giovane età. Nora però rifiuta: la relazione con il padre è da sempre tesa, lui non ha mai mostrato interesse per il suo lavoro (detesta il teatro e snobba le serie e i film in cui lei recita) e sospetta che ora la stia coinvolgendo solo per approfittare del successo della sua ultima serie, utile ad attirare finanziatori.

Poco dopo, durante una retrospettiva al Festival di Deauville dedicata a Gustav, l’uomo si imbatte in Rachel Kemp (Elle Fanning), diva hollywoodiana rimasta incantata dalla proiezione di un suo vecchio film. Dopo una serata di confidenze e alcol in spiaggia, Gustav offre a Rachel lo stesso ruolo precedentemente rifiutato da Nora. L’attrice americana accetta con entusiasmo e inizia a prepararsi in modo ossessivo, immergendosi nella storia e nel passato della famiglia Borg con una curiosità sempre più invasiva.

Il valore affettivo di Joachim Trier

Fin dal punto di vista produttivo, sembra che questa nuova opera di Trier abbia con sé un forte “sentimental value”: si configura infatti come un gioco continuo tra realtà e finzione che è diventato sempre più caro alla filmografia di Trier. Riporta in scena i suoi attori feticcio Anders Danielsen Lie – che ha lavorato con lui fin da Reprise – e Renate Reinsve, che a loro volta interpretano attori nella pellicola. Ma amplia anche il parterre di protagonisti, addirittura c’è un volto hollywoodiano (Elle Fanning) e un volto-ponte (Stellan), star tanto dell’industria cinematografica nordica quanto di quella oltreoceano. Un’operazione, più di qualsiasi altra sua precedente, volta a rafforzare l’immagine internazionale di un regista europeo sempre più lanciato dopo l’ottima accoglienza riservata a The Worst Person in the World.

Come dicevamo, ritroviamo Renate Reinsve nel ruolo di una Julie 2.0, questa volta più risolta a livello professionale ma ugualmente spezzata per quanto riguarda la sfera privata. Qui interpreta un’attrice di teatro che si rifugia in ruoli altisonanti e tragici (dettaglio che dice già molto del personaggio) perché ha paura di essere se stessa. Nora è molto pungente, in quanto sorella maggiore si vede che si è caricata sulla schiena il dolore della separazione dei genitori per risparmiare in qualche modo la più piccola. Agnes, secondo Nora, non si degna di confrontarsi con il padre. D’altra parte, la maggiore viene etichettata come troppo aggressiva dal padre: “Non si può amare qualcuno di così arrabbiato”, le dice.

Storia di una casa nordica

Sentimental Value è un film molto più “nordico” de La persona peggiore del mondo, nella costruzione narrativa e dei personaggi, che sprigiona in maniera completamente personale l’idea del “valore affettivo” del titolo, non come un concetto univoco e aggiunta positiva alla vita di una persona. Piuttosto, come valore proprio di ogni casa e famiglia, magari accidentato e straniante, per cui però vale sempre la pena continuare a lottare. Per arrivare a questa consapevolezza, Trier elabora una riflessione che parte dall’oggetto concreto (la casa), e l’immedesimazione con questo che Nora attua fin da bambina. Lei ha sempre voluto una “home”, termine che in lingua inglese si differenzia da “house” proprio in virtù del legame che abita la casa, e porta con sé in età adulta la rabbia non solo di questo sogno infranto, ma anche del non riuscire a costruirsi una “home” nel presente proprio per i traumi che ha.

Curiosamente, c’è un forte legame con un’altra opera in concorso a Cannes quest’anno,  Sound of Falling di Mascha Schilinski, che indaga sempre l’idea della casa che assorbe i colori di chi l’ha abitata e come questi poi riecheggiano nel tempo. Ci sono i traumi familiari, l’eredità che ci portiamo dietro da chi ci ha preceduto, l’impossibilità di confrontarci con questi e quindi chiuderci in noi stessi, una tristezza magmatica che aleggia sulle generazioni. Chiaramente, come abbiamo visto nella nostra recensione del primo film del concorso, si tratta di due riflessioni nutrite da due linguaggi molto diversi, il che le rende ancora di più affascinanti.

L’oggetto che racconta una vita

Il nuovo film di Joachim Trier “parla” per stacchi su nero, quasi a voler restituire l’impressione di frammenti di vita, scatti fotografici, che concedono allo spettatore il tempo per riflettere su questi non detti. Come nel caso di Alpha, abbiamo anche qui la messa in scena e analisi di un rapporto fraterno (in questo caso sorellanza), fondamentale per capire davvero il personaggio di Nora. Oltre la costruzione così nordica della casa – e dei rapporti – emerge però una tenerezza assoluta incapsulata, appunto, a partire da un oggetto, a cui la giovane donna potrà paradossalmente associare il sentimental value che tanto ha rincorso per tutta la vita. Uno script, un copione che forse parla di lei, come se il padre nonostante la lontananza e la mancanza di contatto fosse sempre rimasto in diretta connessione con la figlia e avesse capito qualcosa di molto intimo e inconfessabile che Nora porta dentro.

L’aspetto più riuscito di Sentimental Value è proprio il riuscire a oltrepassare questa formula di racconto prettamente nordica e forse meno accessibile de La persona peggiore del mondo per restituire un senso di tenerezza assoluto. Si tratta, probabilmente, dell’opera più poetica e sentimentale di Trier, che indaga le crepe di una famiglia come tante altre letteralmente tramite il mezzo cinematografico, sfruttandolo come testamento: basti pensare che, come svelato in conferenza stampa, lui e il suo storico sceneggiatore Eskil Vogt sono diventati padri, svolta che ha cambiato completamente il loro modo di fare cinema: “Prima volevamo fare cinema punk, ora abbiamo capito che l’emotività è il nuovo punk”, per citare direttamente le loro parole. Insomma, Sentimental Value è un metagioco che si tramuta in emozione, e che potrebbe davvero portare a Trier la sua prima Palma d’oro.

Chris Pratt nomina il personaggio del multiverso MCU che vorrebbe che Star-Lord incontrasse

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Il futuro di Chris Pratt nell’universo cinematografico Marvel è ancora incerto, ma lui sa esattamente chi vuole che Star-Lord incontri prima che la Saga del Multiverso giunga al termine. La carriera di Pratt nel franchise multimiliardario è iniziata con Guardiani della Galassia di James Gunn, dove interpretava il leader spiritoso dell’omonima squadra di supereroi cosmici. Ha poi ripreso il ruolo in entrambi i sequel di Gunn, così come in Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame e nello speciale natalizio Guardiani della Galassia Holiday Special.

Ora, mentre il pubblico continua ad aspettare una risposta su quando tornerà, Chris Pratt ha condiviso con Ash Crossan di ScreenRant, in un’intervista per il suo nuovo thriller fantascientifico Mercy – Sotto Accusa, ciò che spera per il suo futuro nell’MCU. In particolare, alla domanda su quale personaggio del multiverso vorrebbe che Star-Lord incontrasse prima che Avengers: Secret Wars concluda la saga del multiverso, la star ha indicato il Deadpool di Ryan Reynolds, esprimendo il suo entusiasmo per il fatto che la Marvel Studios abbia ora accesso all’ampia gamma di proprietà intellettuali della Fox.

Ora sembra che la Marvel Studios abbia accesso alle proprietà intellettuali che prima appartenevano ad altri studi, tra cui la Fox. Ho davvero adorato Deadpool. Penso che Ryan [Reynolds] abbia dato il meglio di sé con quella performance. È stato davvero fantastico. Mi piacerebbe essere lì durante il processo, anche solo come spettatore. Quindi direi Deadpool”, sono le parole dell’attore.

Come noto, lo Star-Lord di Pratt è apparso per l’ultima volta in Guardiani della Galassia Vol. 3, che è stato sia il canto del cigno di Gunn nell’MCU prima di diventare co-CEO della DC Studios e lanciare la DC Universe, sia l’addio alla squadra cosmica originale. Nominando Rocket nuovo capitano del gruppo, il roster rimasto era composto da Rocket, Groot, Kraglin, Cosmo, Adam Warlock, Phyla e Blurp, l’animale domestico di Adam.

Tuttavia, anche se è tornato sulla Terra e si è riunito con suo nonno, i titoli di coda del film hanno promesso che Star-Lord sarebbe tornato. Pratt è rimasto aperto alla possibilità di tornare per un nuovo progetto, che anche Gunn ha benedetto, con la maggior parte delle persone che si aspettano che appaia nel prossimo evento in due parti degli Avengers, Doomsday e Secret Wars.

Ma mentre Pratt spera in una collaborazione tra Star-Lord e Deadpool nell’MCU, le reali possibilità che ciò accada sono attualmente poco chiare. Il primo non è stato finora incluso nella lista dei personaggi confermati in Avengers: Doomsday, mentre ci sono voci contrastanti sul fatto che Reynolds riprenderà il ruolo del Mercenario Chiacchierone. Considerando il numero di attori degli X-Men originari della Fox presenti nel prossimo evento crossover, avrebbe senso che Deadpool apparisse, mentre la mancanza di personaggi dei Guardiani rende meno probabile la partecipazione di Star-Lord.

Detto questo, ci sono sicuramente altre opportunità nell’MCU per Pratt di realizzare il suo sogno di lavorare con Reynolds in un evento con Star-Lord e Deadpool. È probabile che, se non appariranno in Avengers: Doomsday, entrambi appariranno in Avengers: Secret Wars, che chiuderà la Saga del Multiverso. Inoltre, dato che secondo quanto riferito si tratterà di un soft reboot dell’intero MCU, il film del 2027 potrebbe salutare la coppia in modo esilarante prima di passare a nuovi personaggi su cui concentrarsi.

Il reboot di Resident Evil di Zach Cregger è una nuova “storia delle origini” dei giochi, afferma la star

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Zach Cregger sta per arrivare a Raccoon City per il suo prossimo lungometraggio, ma la star Kali Reis avverte di non aspettarsi un adattamento diretto del materiale originale. Sulla scia del successo ottenuto con Barbarian e prima del successo virale di Weapons, Cregger è stato annunciato come co-sceneggiatore e regista del prossimo reboot del film Resident Evil, in collaborazione con Shay Hatten, veterano di John Wick. Reis fa invece parte del cast stellare che Cregger ha messo insieme per il nuovo film, che include anche una reunion con Austin Abrams, Paul Walter Hauser e Zach Cherry.

Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per il prossimo film d’azione fantascientifico Mercy – Sotto Accusa, Reis ha offerto alcune anticipazioni sull’approccio di Cregger al suo adattamento di Resident Evil. Lodando il reboot come una “continuazione della grande produzione cinematografica” che ha dimostrato nei progetti precedenti, la star ha continuato a stuzzicare il pubblico dicendo che il film sarà “la sua versione” della storia delle origini dei giochi piuttosto che una traduzione diretta delle tragedie di Raccoon City.

Devo dire che, per i fan di Resident Evil, in particolare per i giocatori, il suo tentativo di raccontare la storia delle origini, la sua versione, è incredibile. Penso che rimarrete sbalorditi dalla sua immaginazione, dalle sue idee e da questo viaggio comico attraverso il periodo folle e selvaggio della storia di Resident Evil. Penso che ne sarete piacevolmente sorpresi”.

Cosa aspettarsi dal Resident Evil di Zach Cregger

L’ultima anticipazione di Reis è in gran parte in linea con la precedente discussione di Cregger su come avrebbe affrontato il reboot di Resident Evil. Puntando a una storia originale ambientata nel mondo dei videogiochi piuttosto che a uno dei suoi personaggi ben noti, avendo persino citato Leon come uno di quelli la cui storia esiste già nei vari giochi, lo sceneggiatore/regista sta invece prendendo ispirazione dal secondo al quarto capitolo.

Non sarebbe la prima volta che un adattamento di Resident Evil cerca di adottare un approccio più originale alla storia piuttosto che seguire una linea più diretta. I film con Milla Jovovich sono diventati sempre più distanti dai giochi con ogni capitolo, in particolare uccidendo personaggi come Leon e Barry Burton, mentre la serie Netflix di breve durata ha preso in prestito dai giochi la trama di fondo, ma si è poi diramata in una direzione completamente diversa.

L’unico adattamento di Resident Evil che ha cercato un approccio direttamente fedele è stato quello del 2021 Welcome to Raccoon City, che ha unito le storie dei primi due videogiochi in uno solo. Tuttavia, anche se i critici e parte del pubblico hanno apprezzato maggiormente questo approccio fedele, il reboot ha comunque ricevuto recensioni contrastanti e ha ottenuto risultati deludenti al botteghino, portando alla cancellazione del sequel previsto e allo sviluppo finale di quello di Cregger.

La Signora in giallo, con protagonista Jamie Lee Curtis, ha trovato un regista

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Nonostante una carriera di successi e riconoscimenti, Angela Lansbury è passata alla storia nell’immaginario popolare per il suo ruolo di Jessica Fletcher in La Signora in Giallo, personaggio che rivivrà sullo schermo con le fattezze di Jamie Lee Curtis.

Il progetto che vede protagonista l’attrice premio Oscar e figlia d’arte è in fase di organizzazione e finalmente ha trovato un regista che possa cimentarsi nell’impresa. Jason Moore, regista del franchise di lancio Pitch Perfect e dell’imminente serie prequel di La rivincita delle bionde, Elle, è al lavoro sul progetto presso la Universal. Moore dirigerà una sceneggiatura di Lauren Schuker Blum e Rebecca Angelo. Amy Pascal e Lord Miller saranno i produttori.

Jason Moore ha dato il via a un’incredibile serie di successi per il multiverso di Pitch Perfect di Elizabeth Banks quasi 15 anni fa. La serie ha incassato quasi 600 milioni di dollari al botteghino mondiale, a fronte di costi di produzione per l’intera trilogia di appena 100 milioni di dollari. Tra i suoi film ricordiamo “Sisters“, con Amy Poehler, Tina Fey e Maya Rudolph, e “Nozze a sorpresa“, con Jennifer Lopez e Josh Duhamel.

Flight: la storia vera dietro il film con Denzel Washington

Flight: la storia vera dietro il film con Denzel Washington

Flight (qui la recensione) racconta la storia immaginaria del volo 277 e del suo protagonista William “Whip” Whitaker, interpretato da Denzel Washington, ma c’è una storia vera che ha ispirato questo racconto. Il film, infatti, è stato ispirato da un evento realmente accaduto che ha visto un pilota capovolgere un aereo commerciale nel tentativo di stabilizzarlo e salvare la vita dei passeggeri. Sebbene la manovra unica utilizzata nel film e alcune delle circostanze che circondano l’incidente descritto in Flight siano vagamente basate sull’evento reale, la storia vera purtroppo non ha avuto lo stesso esito di quello visto nel film di Robert Zemeckis.

Per il ruolo di Whip Whitaker, Washington si è preparato esercitandosi su un simulatore di volo. Oltre a imparare a recitare in modo convincente come pilota, ha anche dovuto imparare a comportarsi in modo autentico come una persona che lotta contro la dipendenza. In Flight, infatti, Whip Whitaker confessa di essere ubriaco mentre pilota il volo 277 e salva l’aereo da un guasto meccanico. La narrazione ha quindi sollevato questioni morali ed etiche sulla situazione di Whitaker, che è riuscito a salvare la maggior parte delle vite dei passeggeri del volo 277, ma li ha anche messi in pericolo pilotando l’aereo in stato di ebbrezza.

L’incidente del volo 277 in Flight è stato ispirato dal volo 261 dell’Alaska Airlines

Il volo 277 in Flight è stato ispirato dal vero volo 261 dell’Alaska Airlines, precipitato nell’Oceano Pacifico il 31 gennaio 2000. Il volo 261 era decollato da un aeroporto di Puerto Vallarta, Jalisco, in Messico, e stava viaggiando verso San Francisco, in California. Era previsto un unico scalo prima di raggiungere la destinazione finale a Seattle, Washington. L’aereo ha avuto un malfunzionamento e si è capovolto per un breve periodo prima di schiantarsi, uccidendo tutti i passeggeri a bordo. Tutte le 88 persone a bordo, tra cui 83 passeggeri e 5 membri dell’equipaggio, non sono sopravvissute all’impatto.

Le vicende del film sono vagamente ispirato a questi fatti reali. Brevi frammenti di dialogo utilizzati in Flight sono stati presi direttamente dalla trascrizione del CVR del volo 261, ovvero dalle conversazioni avvenute tra i piloti nella cabina di pilotaggio e altri messaggi trasmessi ai membri dell’equipaggio e ai passeggeri tramite l’altoparlante. A parte questo, non ci sono molte somiglianze tra il volo 277 immaginario e il volo 261 della Alaska Airlines realmente esistito. La causa principale dell’incidente del volo 261 è stata un errore meccanico dovuto a una manutenzione impropria. Non sono stati trovati sopravvissuti del volo 261.

Denzel Washington in Flight
Denzel Washington in Flight. Foto di Robert Zuckerman – © 2012 Paramount Pictures. All Rights Reserved.

William “Whip” Whitaker è stato ideato per il film Flight

Il protagonista di Flight, il pilota Whip Whitaker, è stato ideato appositamente per questo film, uno dei migliori di Denzel Washington, e non è basato su nessuna persona reale. Il personaggio è stato immaginato dallo sceneggiatore John Gatins dopo una conversazione con un pilota fuori servizio durante un volo. La conversazione ha fatto capire a Gatins che anche persone composte come i piloti di aerei di linea possono avere difficoltà e problemi nella loro vita personale. Questo è diventato l’ispirazione per Whip Whitaker, che combatte contro la dipendenza dall’alcol e dalle droghe illegali.

Sebbene il punto centrale di Flight ruoti attorno alle azioni eroiche fittizie di Whitaker, il nucleo della sua storia riguarda principalmente i suoi tentativi di controllare le sue dipendenze. Whitaker è stato inoltre concepito per enfatizzare l’isolamento causato dal suo abuso di sostanze, che è ciò che ha attirato il regista Robert Zemeckis alla sceneggiatura. Zemeckis ha rivelato di aver compreso il senso di disconnessione di Whip e lo ha paragonato a un simile senso di solitudine nel mondo provato da Marty McFly in Ritorno al futuro. Washington ha poi ricevuto nel 2013 una nomination all’Oscar come miglior attore per la sua interpretazione.

Cosa ha cambiato Flight rispetto alla vera storia del volo 261

Gatins, Zemeckis e il team creativo dietro Flight hanno cambiato quasi tutto rispetto alla vera storia del volo 261 dell’Alaska Airline per raccontare la sua tragica storia di dipendenza e isolamento. Il volo immaginario 227 è decollato da Orlando e avrebbe dovuto atterrare ad Atlanta. L’incidente aereo nel film è avvenuto anche sulla terraferma invece che sull’oceano. Il cambiamento più grande tra il volo 261 e quello 227 è il numero delle vittime. Nel film, solo sei persone sono morte, tra cui quattro passeggeri e due membri dell’equipaggio. Nessuno dei piloti del volo 261 era mai stato sospettato di essere ubriaco durante il volo e la Alaska Airlines non è stata menzionata nel film, venendo sostituita dalla compagnia aerea immaginaria South Jet Air.

Denzel Washington nel film Flight
Denzel Washington nel film Flight

Come Flight si confronta con altri film di Denzel Washington basati su storie vere

Oltre a Flight, Denzel Washington ha recitato in diversi film basati su storie vere. Alcuni sono simili a Flight, attingendo piccoli dettagli da eventi reali per creare una storia in gran parte fittizia. Tuttavia, in altri casi, questi film sono più fedeli ai fatti reali. Washington ha recitato in un paio di importanti film biografici nella sua carriera, interpretando Frank Lucas in American Gangster e Malcolm X nel film di Spike Lee. In entrambi i casi, questi film hanno modificato alcuni fatti per adattarli alla trama hollywoodiana, ma hanno anche ricreato momenti chiave della vita reale di questi uomini.

Altri film hanno raccontato una storia vera più ampia, non incentrata su una sola persona. La storia vera dietro Il sapore della vittoria è un racconto sportivo ispiratore, mentre Glory è uno sguardo profondo su alcuni degli eroi dimenticati che hanno combattuto nella guerra civile americana. Entrambi questi film si concentrano sulla storia vera di un gruppo di persone, cercando di catturare il significato storico di cui sono stati responsabili. In quanto tali, i film abbelliscono e modificano molti fatti su ciò che è realmente accaduto, pur rimanendo fedeli al messaggio complessivo.

Il film della carriera di Washington che più si avvicina all’approccio di Flight nell’adattare una storia vera è Unstoppable – Fuori controllo. Il film vede Washington e Chris Pine nei panni di due macchinisti che devono fermare un treno in corsa prima che si schianti e minacci una città vicina con il suo carico di sostanze chimiche. Sebbene gli eventi e i personaggi siano fittizi, la storia è ispirata a un incidente avvenuto in Ohio nel 2001 con il treno in corsa CSX 8888.

LEGGI ANCHE: Flight: la spiegazione del finale del film

Avengers: Doomsday, 5 possibili scene d’apertura epiche con cui potrebbe cominciare il film

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L’apertura di Avengers: Doomsday sarà fondamentale per definire tono, posta in gioco e nuovo assetto del MCU. Con Doctor Doom al centro della storia e il multiverso ormai instabile, Marvel ha bisogno di un incipit memorabile. Ecco cinque possibilità davvero epiche per la scena iniziale.

Le origini di Doctor Doom

Doctor Destino in Avengers Doomsday

Una scelta forte sarebbe aprire il film con il passato di Doctor Doom, interpretato da Robert Downey Jr.. A differenza di Thanos, Doom non ha avuto build-up in cameo o apparizioni minori: il pubblico va “agganciato” subito.

Mostrare la tragedia che ha dato origine a Victor Von Doom permetterebbe di chiarire immediatamente le sue motivazioni e di distinguere il personaggio dall’ombra ingombrante di Iron Man. Se davvero le azioni multiversali di Steve Rogers in Endgame avessero avuto conseguenze catastrofiche, vedere Doom nascere come “effetto collaterale” di un finale felice cambierebbe retroattivamente il significato di tutto il MCU.

Steve Rogers restituisce le Gemme dell’Infinito

Steve Rogers

Marvel ha già suggerito quanto Steve sarà centrale in Doomsday. Un’apertura che mostri finalmente la sua missione di restituzione delle Gemme — rimasta fuori campo in Endgame — sarebbe un payoff atteso da anni.

Quella che sembrava una semplice operazione di ripristino potrebbe rivelarsi l’innesco di una crisi multiversale. Ogni tentativo di “chiudere” una linea temporale potrebbe aver creato fratture sempre più gravi, spiegando perché Steve sia costretto a tornare in azione.

I nuovi Avengers entrano in scena

steve rogers sam wilson 2

Un’altra opzione efficace sarebbe partire non dal passato, ma dal presente. Sam Wilson ha già lavorato alla formazione di una nuova squadra, ma il MCU non li ha mai mostrati davvero insieme.

Aprire Doomsday con i nuovi Avengers già operativi – Captain America, Falcon, Ant-Man, Shang-Chi e altri – in una missione ad alto impatto servirebbe a stabilire subito che la squadra esiste, funziona ed è potente. Solo dopo, l’arrivo di Doom potrebbe ridimensionare tutto.

Doctor Doom uccide un personaggio Marvel chiave

Il Dottor Destino uccide un importante personaggio Marvel

Come Infinity War iniziava con Thanos che annientava Hulk e uccideva Loki, Doomsday potrebbe presentare il suo villain con un atto irreversibile.

Le opzioni sono molte: una variante di Wolverine, un Iron Man alternativo, Thor, Steve Rogers o persino Thanos stesso. Un omaggio visivo al celebre momento di Secret Wars #8 – con Doom che elimina Thanos senza sforzo – manderebbe un messaggio chiarissimo: questa è una minaccia di livello superiore.

Un’incursione nell’universo di Spider-Man di Tobey Maguire

Tobey Maguire

La scelta più emotiva – e probabilmente la più devastante – sarebbe mostrare subito un’incursione multiversale. E farlo colpendo un universo che il pubblico ama.

Aprire il film nell’universo di Spider-Man interpretato da Tobey Maguire, mostrando Peter Parker dopo No Way Home, per poi distruggere letteralmente il suo mondo, renderebbe immediatamente tangibile la minaccia.

Sarebbe un colpo emotivo enorme, chiarirebbe cosa sono le incursioni e preparerebbe il terreno per un possibile ritorno di Maguire più avanti in Doomsday o in Avengers: Secret Wars.

Qualunque direzione scelga Marvel, una cosa è certa: l’apertura di Avengers: Doomsday dovrà ridefinire il MCU fin dai primi minuti. E se anche solo una di queste ipotesi si avverasse, il pubblico capirebbe subito che non si tratta di un film come gli altri.

Non fate infuriare l’elfo: la spiegazione del finale del film

Non fate infuriare l’elfo: la spiegazione del finale del film

Non fate infuriare l’elfo è un emozionante film horror fantasy diretto da Magnus Martens che accompagna il pubblico in una storia spaventosa ma divertente ambientata in un paesaggio invernale norvegese da favola. Mertens, noto per i suoi film d’azione “Jackpot” del 2011 e, più recentemente, “SAS: Red Notice” del 2021, potrebbe essersi avventurato in un territorio inesplorato, ma questo film dimostra di essere un’abile introduzione al genere.

Presentato in anteprima nel 2023, il film non lesina momenti di euforia e terrore, ma è anche ricco di risate che bilanciano il tutto. Nonostante il ritmo moderato e la struttura solida, gli elementi fantasy e i finali irrisolti del film potrebbero lasciare gli spettatori con alcune domande, soprattutto riguardo all’elfo. Andiamo allora a scoprire con questo approfondimento tutto quello che c’è da sapere sul finale di Non fate infuriare l’elfo.

La trama di Non fate infuriare l’elfo

Il film segue Bill Nordheim, sua moglie Carol, sua figlia Nora e suo figlio Lucas mentre si trasferiscono in una casa isolata a Gudbrandsdalen, in Norvegia, che lui ha ereditato dal defunto zio. Bill coglie questa opportunità per realizzare un sogno ancestrale perduto da tempo, quello di tornare nella loro terra natale. Insieme alla vecchia casa, la famiglia eredita un vecchio e particolare fienile che nasconde una serie di segreti.

Una volta trasferiti, la famiglia fatica ad adattarsi al nuovo ambiente. Mentre si sistemano, Lucas scopre che nel fienile vive un elfo mitico del folklore norvegese, o quello che la gente del posto chiama “nisse”. Secondo le leggende, questi elfi rimangono docili se non vengono provocati. La famiglia decide di festeggiare un Natale rumoroso e vivace, cosa che fa infuriare la creatura. Quindi, l’elfo cercherà di fare di tutto per sbarazzarsi di loro.

Non fate infuriare l'elfo film

Qual è il motivo della rabbia dell’elfo?

Tre fattori cruciali che l’elfo non può tollerare sono i rumori forti, le luci intense e i cambiamenti a cui è continuamente sottoposto dall’arrivo della famiglia Nordheim. Per cominciare, il loro stesso arrivo scatena uno dei timori dell’elfo: il cambiamento. Questo viene temporaneamente mitigato da Lucas, che è abbastanza amichevole da avvicinarsi all’elfo nel fienile con del cibo. Nei giorni successivi, l’elfo, convinto che la famiglia non sia così male come sembra, aiuta in casa.

Prima pulisce la neve dal vialetto e poi taglia la legna per loro, vedendo Bill che fatica a farlo. Tuttavia, le cose iniziano a cambiare drasticamente quando Bill allestisce l’area esterna della casa con luci e un Babbo Natale gonfiabile parlante. Infastidito dalle luci, dai rumori e dai cambiamenti, l’elfo smonta le decorazioni. Lucas sa che è opera dell’elfo e avverte la sua famiglia, ma loro non gli credono.

Ignari che le loro azioni precedenti fossero un avvertimento, Bill e Carol decidono di conoscere gli abitanti del posto organizzando una festa di Natale nel fienile. La festa è chiassosa, con musica ad alto volume, tante luci e molte persone. La serata si rivela un successo, ma anche un grave errore da parte della famiglia, poiché l’elfo, infastidito, decide di scatenare il caos all’interno della loro casa. La famiglia è perplessa di fronte alla situazione e chiama le autorità, ma Liv, l’agente di polizia, pensa che abbiano bevuto troppo e respinge la denuncia di qualsiasi reato.

Le cose peggiorano quando Bill rivela alla moglie che suo zio è morto in uno strano incidente. Carol ora crede che la casa sia infestata e che gli strani incidenti che si sono verificati siano segni che il fantasma di suo zio sta vagando per le stanze della loro casa. Frustrata da tutto ciò che è successo negli ultimi giorni, la famiglia si siede a una cena tranquilla, dove Bill presenta loro una prelibatezza locale norvegese a base di pesce fermentato. Incapace di mangiare il cibo, Carol se ne va infuriata, mentre anche gli altri non riescono a mangiare.

Lucas, da persona gentile qual è, prende gli avanzi e li lascia nel fienile per l’elfo. Anche l’elfo non riesce a mangiare quello strano cibo e si infuria ancora di più, e questa volta i suoi piani si rivelano più letali. Raymond, un abitante del posto, si presenta a casa loro vestito da Babbo Natale per fare una sorpresa ai bambini con dei regali. Vede l’elfo e pensa che sia Lucas invece. Raymond si avvicina all’elfo, che lo uccide brutalmente con una punta di ghiaccio e appende il suo cadavere al tetto laterale del fienile.

Bill, che aveva incaricato Raymond della sorpresa, esce di casa aspettandosi il suo arrivo. Vede il suo corpo e, sotto shock, raduna i bambini e sua moglie per salire immediatamente in macchina. La famiglia incontra qui, per la prima volta, l’elfo di persona. Finalmente cominciano a credere alle affermazioni di Lucas. Durante tutto il film, i Nordheim hanno ripetutamente dato prova delle tre cose che più infastidiscono l’elfo, facendolo infuriare al punto di non ritorno.

Nonostante i gesti gentili di Lucas nei suoi confronti, l’ira dell’elfo è stata solo leggermente rimandata. Il fatto stesso che si fossero trasferiti nella casa, insieme ai festeggiamenti della stagione, ha causato la rabbia dell’elfo. Si può solo immaginare quanto sarebbe stato terribile se la curiosità di Lucas non avesse portato a tendere una mano in segno di amicizia all’elfo: i Nordheim non sarebbero sopravvissuti, portando alla fine la pace all’elfo e l’orrore agli abitanti del vicinato.

Non fate infuriare l'elfo cast

I Nordheim lasciano la loro casa?

Dopo la battaglia con il clan degli elfi, la famiglia Nordheim esce vittoriosa, respingendo gli elfi dalla proprietà. Gli elfi hanno causato abbastanza distruzione alla casa e ucciso due persone innocenti: l’agente di polizia Liv e Raymond, un abitante del luogo che voleva fare una sorpresa alla famiglia, portando regali vestito da Babbo Natale. Liberano anche Tor Åge, che è stato colpito ma è miracolosamente sopravvissuto durante la lotta. Egli afferma di aver negoziato con gli elfi un cessate il fuoco.

L’elfo che ha salvato la famiglia ora guarda con dolore la sua casa ridotta in cenere. Lucas suggerisce di permettere all’elfo di rimanere con loro, ma la sua matrigna Carol dubita che sia una buona idea, ragionando con lui che se la famiglia rimane lì, finirà solo per far infuriare ancora di più l’elfo. Il film conferma vagamente che non rimarranno in questa residenza, ma non conferma necessariamente che torneranno negli Stati Uniti. A parte questo, non ci sono indicazioni significative su ciò che la famiglia intende fare dopo gli eventi del film.

Con la conferma della loro partenza dalla proprietà, nascono due scenari per il futuro della famiglia. Uno è che rimangano in Norvegia, ma si trasferiscano da quella casa e continuino a realizzare il sogno di Bill di vivere nel paese dei suoi antenati. L’altro è che tornino negli Stati Uniti e riprendano la loro vita in un ambiente più familiare. Dei due scenari, il secondo è più probabile, poiché la loro bizzarra esperienza nella casa norvegese potrebbe aver lasciato loro un trauma profondo.

Con ogni probabilità, Bill, pur sapendo che la Norvegia è un paese molto sicuro in cui vivere, avrebbe riportato la sua famiglia negli Stati Uniti, considerando le crescenti critiche che riceve da loro per essersi trasferito nella sua terra d’origine. Durante l’attacco degli elfi, Bill e la sua famiglia si chiudono in una camera da letto e Bill coglie l’occasione per scusarsi con loro per il trasferimento, sostenendo che l’intera situazione è colpa sua. In questo caso, Bill stesso crede di aver deluso la sua famiglia e, di conseguenza, farebbe qualsiasi cosa per mantenerla felice e al sicuro. Sa che Carol, Nora e Lucas avranno difficoltà in Norvegia, il che lo spinge ulteriormente a decidere di tornare negli Stati Uniti.

Non fate infuriare l'elfo finale

Cosa succede all’elfo?

Mentre l’elfo, o come lo chiamano gli abitanti del luogo, “Nisse”, che ha salvato la famiglia Nordheim, guarda la sua casa andare in fiamme, prova una profonda tristezza. Sapendo che non avrà un posto dove vivere, Tor Åge simpatizza con l’elfo e lo invita a vivere nel museo all’aperto dedicato agli elfi che ha allestito in città. Poiché la solitudine e la pace sono le caratteristiche più distintive della mostra, Tor Åge sa che l’elfo starà bene lì. Lucas chiede a Tor di promettere che si prenderà cura dell’elfo, e Tor risponde che sarà un onore farlo. La famiglia saluta e il film passa alla scena finale.

Le tre cose che l’elfo non sopporta sono i rumori forti, le luci intense e i cambiamenti, che la mostra, chiamata appropriatamente “Nisseland”, apparentemente non presenta. Inoltre, non ha mai molti visitatori. Lucas è uno dei pochi che l’ha visitata quando la famiglia è andata per la prima volta in centro. Qui viene presentato per la prima volta ad Åge, che gestisce l’installazione all’aperto e gli racconta la storia dell’elfo del fienile. Lucas viene anche informato delle tre cose che l’elfo non sopporta.

La stessa mostra sarebbe stata la casa ideale per l’elfo. La gente del posto non avrebbe notato l’elfo tra le repliche collocate nell’installazione, offrendogli un posto perfetto dove nascondersi. Le decorazioni e le dimensioni della mostra si adattano perfettamente alla statura dell’elfo. Tor Åge, affascinato dalla storia e dalla cultura, sarebbe rimasto incantato dall’elfo. Nel tentativo di saperne di più sull’elfo e sulla sua specie, Tor Åge avrebbe garantito il suo benessere e la sua sicurezza.

Alla fine, il film suggerisce quindi che Tor Åge si prende cura dell’elfo e, a sua volta, l’elfo si prende cura del museo all’aperto. Dopotutto, “Nisseland” è stato costruito come un insediamento elfico, come suggerisce il nome. Finché Tor non farà nulla di avventato, l’elfo starà probabilmente bene, godendosi la pace e la serenità della sua nuova casa.

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo – Stagione 3 tornerà quest’anno!

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Il finale sorprendente della seconda stagione di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo ha debuttato oggi su Disney+, lasciando gli spettatori in fermento per la sua conclusione in sospeso. L’attesa per il nuovo capitolo non sarà lunga. A metà dei titoli di coda, il pubblico ha potuto assistere a una sorpresa: un primo sguardo alla terza stagione, che conferma il ritorno della serie entro la fine dell’anno.

Tutti gli episodi della seconda stagione della serie sono ora disponibili in streaming su Disney+.

La seconda stagione è interpretata da Walker Scobell, Leah Sava Jeffries, Aryan Simhadri, Charlie Bushnell, Dior Goodjohn e Daniel Diemer, oltre che da un cast di attori ricorrenti e guest star, tra cui Lin-Manuel Miranda, Jason Mantzoukas, Glynn Turman, Timothy Simons, Virginia Kull, Courtney B. Vance, Andra Day, Adam Copeland, Sandra Bernhard, Margaret Cho, Kristen Schaal, Tamara Smart, Rosemarie DeWitt, Toby Stephens e molti altri.

Creata da Rick Riordan e Jonathan E. Steinberg, la seconda stagione di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo vede nel ruolo di executive producer Steinberg e Dan Shotz insieme a Rick Riordan, Rebecca Riordan, Craig Silverstein, Ellen Goldsmith-Vein di Gotham Group, Bert Salke, Jeremy Bell di Gotham Group, D.J. Goldberg, James Bobin, Jim Rowe, Albert Kim, Jason Ensler e Sarah Watson.

I fan possono scoprire ulteriori contenuti su questo titolo con Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo Official Podcast, una serie di approfondimento unscripted che offre un accesso esclusivo al dietro le quinte della seconda stagione. Gli episodi del podcast sono disponibili per la visione su Disney+ e per l’ascolto su varie piattaforme di podcast.

La terza stagione di Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo è attualmente in produzione a Vancouver ed è basata su “La maledizione del Titano”, il terzo capitolo della serie di libri best-seller di Rick Riordan, pubblicata da Disney Hyperion ed edita in Italia da Mondadori.

Il film DCU di Batman affida la sceneggiatura a una figura divisiva: Christina Hodson scriverà The Brave and the Bold

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Il nuovo film di Batman del DCU prende forma e lo fa con una scelta destinata a far discutere. Secondo quanto riportato da The Hollywood Reporter, la sceneggiatura di The Brave and the Bold sarà firmata da Christina Hodson, autrice già nota ai fan DC per lavori che hanno diviso pubblico e botteghino.

Il progetto rientra nel nuovo corso dell’universo DC guidato da James Gunn ed è separato dal Batman interpretato da Robert Pattinson. Alla regia dovrebbe essere coinvolto Andy Muschietti, già dietro la macchina da presa di The Flash (2023).

Hodson non è una novità per DC: ha scritto Birds of Prey (2020) e The Flash (2023), due titoli accolti positivamente dalla critica ma rivelatisi deludenti al box office nell’era del vecchio DCEU. The Flash, in particolare, è stato lodato da Gunn ma ha incassato 271,4 milioni di dollari a fronte di un budget stimato tra 200 e 220 milioni, risultando un insuccesso commerciale. Sorte simile per Birds of Prey, apprezzato dalla critica ma incapace di raggiungere il punto di pareggio nonostante il culto maturato negli anni successivi.

The Brave and the Bold porterà sul grande schermo una dinamica centrale dei fumetti: Bruce Wayne nei panni di Batman e Damian Wayne come Robin. Damian è il figlio di Bruce e Talia al Ghul, cresciuto dalla Lega degli Assassini all’insaputa del padre—un’angolazione narrativa che promette conflitto, eredità e identità. Secondo le fonti, la sceneggiatura è ancora in fase iniziale: Hodson avrebbe iniziato a lavorarci nell’autunno 2025.

Il sodalizio con Muschietti segnerebbe la seconda collaborazione DC tra i due, se il regista resterà ufficialmente legato al progetto. Al di fuori del mondo DC, Hodson ha firmato anche Bumblebee (2018), l’unico film live-action dei Transformers ad aver ottenuto un giudizio “Fresh” su Rotten Tomatoes—un dato spesso citato a sostegno della qualità della sua scrittura.

La nomina di Hodson è quindi destinata a dividere: da un lato i precedenti commerciali non rassicurano, dall’altro il suo track record critico e l’apprezzamento di Gunn suggeriscono un approccio autoriale forte. Qualunque sarà l’esito al botteghino, The Brave and the Bold sembra puntare a un Batman distinto e memorabile, pronto a differenziarsi dalle incarnazioni recenti.

Netflix svela il primo teaser del più atteso K-drama del 2026 con Gong Yoo e Song Hye-kyo

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Il K-drama più ambizioso del 2026 mostra finalmente le sue prime immagini. Netflix ha pubblicato il primo teaser di Tantara, una serie evento che vede protagoniste due vere superstar della Korean Wave: Song Hye-kyo e Gong Yoo. Un progetto che punta a essere uno dei titoli di punta della piattaforma per il prossimo anno.

Negli ultimi anni Netflix si è affermata come uno dei principali motori della diffusione globale dei K-drama, contribuendo in modo decisivo all’espansione dell’Hallyu ben oltre l’Asia. Successi planetari come Squid Game, Crash Landing on You e All of Us Are Dead hanno dimostrato come il pubblico internazionale sia sempre più ricettivo verso le produzioni sudcoreane. Nel 2026, la piattaforma sembra intenzionata a rilanciare ulteriormente, e Tantara è il simbolo di questa strategia.

Presentata inizialmente con il titolo Slowly, Intensely, la serie è ambientata tra gli anni ’60 e ’80 e racconta il lato più duro e spietato dell’industria dell’intrattenimento coreana. Il teaser mostra Min-ja (Song Hye-kyo) e Dong-gu (Gong Yoo) alle prese con lavori umili, prima di intravedere la possibilità di emergere sotto i riflettori. Una storia di ambizione, sacrificio e riscatto vista dal punto di vista di chi tenta di entrare nel sistema partendo dal basso.

Tantara è scritta da Noh Hee-kyung, che ha già collaborato con Song Hye-kyo in serie molto apprezzate come The World That They Live In e The Winter That Blows. Alla regia c’è Lee Yoon-jung, nota per Coffee Prince, il titolo che ha consacrato Gong Yoo come star internazionale. Un team creativo che richiama apertamente i grandi classici del K-drama.

Entrambi i protagonisti arrivano da recenti successi su Netflix: Song Hye-kyo è stata acclamata per la sua interpretazione in The Glory, mentre Gong Yoo ha conquistato il pubblico globale nei panni del carismatico reclutatore di Squid Game. Tuttavia, per i fan di lunga data, i due rappresentano molto di più: sono volti simbolo della Korean Wave dei primi anni Duemila, protagonisti di titoli iconici come Autumn in My Heart, Full House, Silenced e Big.

Il fatto che Song Hye-kyo e Gong Yoo condividano lo schermo per la prima volta rende Tantara ancora più attesa. Nonostante il successo non sia mai garantito — soprattutto in un panorama televisivo sempre più affollato — la serie sembra voler recuperare un’impostazione più classica del K-drama, affidandosi a due interpreti che incarnano l’“aristocrazia” del genere.

Netflix non ha ancora annunciato una data precisa, ma Tantara dovrebbe debuttare nel quarto trimestre del 2026.

Perché il film The Woman King è così controverso

Perché il film The Woman King è così controverso

Nonostante la splendida fotografia, la trama avvincente e un cast di tutto rispetto che include Viola Davis e John Boyega, The Woman King (leggi qui la recensione) è un film storici epico e controverso. Concentrandosi principalmente sulla legione di guerriere conosciuta come Agojie nel 1823, il film esamina anche il contesto socio-politico del Regno del Dahomey all’inizio del XIX secolo e la pratica della vendita dei propri cittadini. Come leader delle Agojie sotto il regno del re Ghezo interpretato da Boyega, il generale Nanisca interpretato dalla Davis lotta per conciliare l’industria della schiavitù, che garantisce uno stile di vita redditizio ma a un costo morale considerevole.

LEGGI ANCHE: The Woman King: la storia vera dietro al film con Viola Davis

Sebbene The Woman King non cerchi di nascondere o cancellare la fonte della ricchezza del Dahomey o l’obiettivo delle sue principali risorse, il modo in cui viene presentato è stato oggetto di pesanti critiche. Viola Davis ha affrontato in passato l’inesattezza storica di The Woman King, citando che la scelta di unire la realtà alla finzione è sempre stata motivata dall’obiettivo di offrire un intrattenimento migliore. Per alcuni spettatori, tuttavia, il semplice fatto di includere il trasferimento involontario del popolo di Nanisca non è sufficiente se il modo in cui viene presentato è fortemente edulcorato.

La rappresentazione del re Ghezo in The Woman King ha creato polemiche

Gran parte della controversia su The Woman King riguarda la rappresentazione del re Ghezo, l’uomo responsabile di aver portato altri africani all’asta nelle città portuali sotto il dominio dell’Impero Oyo. Naturalmente, l’attività principale del Dahomey non viene ignorata, ma Ghezo non è affatto descritto in modo sfavorevole ed è visto come una figura benevola che cerca di fare il meglio per i suoi sudditi. In balia dell’Impero Oyo, è presentato come un individuo intelligente che fa ciò che deve affinché il suo regno possa sopravvivere, piuttosto che come qualcuno che sfrutta intenzionalmente una risorsa per guadagno monetario.

Viola Davis in The Woman King

Sebbene la storia vera di The Woman King sia stata in qualche modo modificata, ci sono momenti nel film in cui Nanisca cerca di dissuadere Ghezo dall’accumulare ricchezze basate sul commercio di schiavi, in particolare dopo che scoppia la violenza tra le sue più care compagne d’armi, il tenente Amenza (Shiela Atim), il tenente Izogie (Lashana Lynch) e la nuova recluta Nawi (Thuso Mbedu) e gli Oyo in una delle città portuali. Questi episodi affrontano direttamente la situazione, ma a volte faticano a commentarla in modo efficace. Non glorificano affatto ciò che Ghezo sta facendo, ma potrebbero fare di più per condannarlo.

Come gli aspetti controversi di The Woman King hanno portato al boicottaggio

Dalle polemiche sulle due donne bianche (Dana Steens e Maria Bello) che raccontano le storie delle donne nere, alla rappresentazione del re Ghezo che vende all’asta il proprio popolo agli Oyo e agli europei in visita, The Woman King è stato oggetto di polemiche tali da portare al boicottaggio del film. Nonostante l’alto punteggio di Rotten Tomatoes, alcuni critici hanno ritenuto che il film fosse offensivo nei confronti dei neri perché glorificava aspetti di un commercio ripugnante. Allo stesso tempo, alcuni fan lo hanno visto come una storia di emancipazione femminile ambientata in un periodo particolarmente tumultuoso per il Regno del Dahomey.

Nel tentativo di raccontare una storia sfumata sulle Agojie dal loro punto di vista, alcuni aspetti del re Ghezo e del suo modo di governare sono stati modificati. Considerando che gran parte delle informazioni disponibili oggi proviene dal punto di vista dei colonizzatori, era comprensibilmente difficile affrontare gli argomenti con la giusta sensibilità. Soprattutto, la posizione sociale cruciale che le Agojie occupavano nella società del Dahomey doveva essere al centro di The Woman King, mettendo allo stesso tempo in evidenza il crocevia culturale in cui si trovava il Dahomey all’epoca.

LEGGI ANCHE: The Woman King, la spiegazione del finale

Andy Garcia tornerà in Landman stagione 3? Tutto quello che sappiamo sul destino di Gallino

Nonostante Gallino sia stato uno degli ingressi più riusciti del cast di Landman – stagione 2, il destino del personaggio interpretato da Andy Garcia nella terza stagione resta, almeno ufficialmente, incerto. La serie di Taylor Sheridan, ambientata nei giacimenti petroliferi del West Texas, è costruita su equilibri instabili, tradimenti e continui ribaltamenti di potere, e questo rende ogni ritorno tutt’altro che scontato.

Nel finale della seconda stagione, il personaggio di Tommy, interpretato da Billy Bob Thornton, passa nel giro di pochi minuti dal rischio di essere estromesso dal settore petrolifero a una clamorosa rinascita. Dopo essere stato scaricato da M-Tex, Tommy riesce infatti a superare i rivali assicurandosi un investimento decisivo proprio da Gallino, un boss cubano-americano che ricicla denaro del cartello attraverso società apparentemente legittime come la stessa M-Tex.

Lo status di Andy Garcia in Landman stagione 3 spiegato

Nel finale di stagione, Tommy fonda la CTT Oil Exploration & Cattle, ottenendo da Gallino un investimento complessivo da 62 milioni di dollari. Di questi, 44 milioni servono a rimborsare M-Tex per i contratti di locazione dei terreni, mentre i restanti 18 milioni permettono alla nuova società di avviare trivellazioni autonome. Una mossa che cambia radicalmente il peso di Gallino nella storia e rende difficile capire quanto spazio potrà avere nella stagione 3.

Per buona parte della seconda stagione, Tommy ha fatto di tutto per tenere Gallino a distanza, temendo — non a torto — le conseguenze di un legame diretto con un uomo vicino ai cartelli. Allo stesso tempo, però, è proprio Gallino a rivelarsi il suo “salvatore” nel momento decisivo, consentendogli di restare in gioco quando tutto sembrava perduto.

Perché Gallino è stato uno dei migliori innesti della stagione 2

Proprio questo doppio ruolo rende sempre più probabile il ritorno di Andy Garcia in Landman 3. Gallino è stato uno degli elementi più apprezzati della seconda stagione: l’attore ha portato con sé un carisma minaccioso e un sapore da grande cinema gangster, ricordando le atmosfere de Il Padrino – Parte III e restituendo oscurità a una stagione che, per ritmo e tensione, era apparsa più debole rispetto alla prima.

Il coinvolgimento di Gallino nelle guerre tra cartelli è destinato a emergere con forza nella prossima stagione, offrendo a Landman l’occasione di rialzare la posta in gioco. Se la seconda stagione ha puntato più sulla costruzione degli equilibri, la terza potrebbe rimettere Tommy di fronte a un avversario tanto indispensabile quanto pericoloso.

In attesa di conferme ufficiali da Paramount+, tutto lascia pensare che il pubblico non abbia ancora visto l’ultima mossa di Gallino — e che gli affari nel West Texas stiano per diventare ancora più sanguinosi.

Masters Of The Universe: il teaser trailer svela gli eroici guerrieri del live-action

Il prossimo Masters of the Universe è un film live-action che adatta l’iconica serie omonima e vede Nicholas Galitzine nei panni del Principe Adam/He-Man, Camila Mendes in quelli di Teela, Jared Leto in quelli di Skeletor, Alison Brie in quelli di Evil-Lyn e Idris Elba in quelli di Duncan/Man-At-Arms. Il film, diretto da Travis Knight, uscirà nelle sale il 5 giugno.

Ora è stato rivelato il primo teaser di Masters of the Universe, che annuncia un trailer più lungo che debutterà il 22 gennaio. La maggior parte del breve teaser presenta immagini nostalgiche degli anni ’80, mentre una voce narrante ricorda un’epoca più semplice. Accanto a clip di computer retrò, allenamenti e cereali visti su un vecchio televisore, appare una clip del cartone animato originale Masters of the Universe.

Il teaser mostra poi la nuova versione di He-Man che fissa qualcosa con stupore in una clip che sembra essere vista attraverso uno schermo televisivo vecchio. Tuttavia, l’immagine diventa chiara quando si scopre che sta guardando la sua spada. Egli allunga timidamente la mano per toccare la lama in una scena seguita da una raffica di brevi clip del film, tra cui He-Man che brandisce la spada e una foto di gruppo in cui è in piedi con Teela e i loro compagni.

Questo teaser trailer alla fine non rivela molto sulla trama del prossimo capitolo live-action della serie, che, come è noto, segue Adam Glenn (Galitzine) che torna su Eternia due decenni dopo essere precipitato sulla Terra per assumere il ruolo di He-Man e salvare il pianeta da Skeletor.

È probabile che il teaser successivo offrirà qualche informazione in più sulla trama. Tuttavia, per il momento, questa prima anteprima del film offre maggiori indicazioni sul tono generale. Anziché aggiornare completamente la proprietà per i giorni nostri, sembra che il nuovo film abbraccierà le qualità retrò della serie originale.

Dato che il film Masters of the Universe è diviso tra Eternia e la Terra, sembra probabile che sarà una sorta di narrazione “pesce fuor d’acqua”, cosa che potrebbe essere accentuata dal fatto che il film stesso è anche una miscela di personaggi e elementi narrativi retrò con la moderna produzione cinematografica live-action.

Il cast completo di Masters of the Universe

La versione live-action della classica serie animata vedrà protagonista Nicholas Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della Strega, e di James Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community) nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di Man-At-Arms, Camila Mendes in quelli di Teela, e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.

Diretto dal regista di Bumblebee, Travis Knight, Masters of the Universe arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.

Daredevil difende ufficialmente Punisher per l’uccisione di ******

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Una nuova uscita Marvel prevista per il 2026 rimescola radicalmente i rapporti tra alcuni dei personaggi più iconici dello street-level universe: Punisher uccide Kingpin, e Daredevil si trova a difenderlo, sia come avvocato che come vigilante. I fan potranno così assistere a un confronto inedito che mette Matt Murdock di fronte alle sue due identità, in una storia adulta, cupa e profondamente morale.

Finora Marvel ha realizzato due serie live-action dedicate a Daredevil: la serie Netflix in tre stagioni e la nuova Daredevil: Born Again, pienamente inserita nel MCU. In entrambe, Wilson Fisk, interpretato da Vincent D’Onofrio, è una presenza centrale e uno degli antagonisti più riusciti dell’universo Marvel recente.

Il 2026 segnerà però una svolta narrativa importante grazie all’uscita di Enemy of My Enemy: A Daredevil Marvel Crime Novel, romanzo firmato da Alex Segura e in arrivo il 24 marzo 2026. Il libro è il secondo capitolo della collana Marvel Crime Novel, inaugurata da Breaking the Dark: A Jessica Jones Marvel Crime Novel di Lisa Jewell, pubblicato nel 2024.

Il romanzo è pensato per un pubblico adulto e può essere letto senza alcuna conoscenza pregressa del MCU o di altre opere Marvel. La trama ruota attorno a Frank Castle, che si consegna volontariamente alle autorità dopo la morte di Kingpin e di un agente di polizia. Un comportamento anomalo per Castle, che spinge Matt Murdock a intuire che qualcosa non torna.

Convinto che Punisher non sia responsabile degli omicidi così come appaiono, Murdock decide di difenderlo in tribunale come avvocato, mentre nei panni di Daredevil indaga per scoprire cosa si nasconde davvero dietro la morte di Fisk. Con Kingpin fuori scena, il sottobosco criminale di New York esplode in una lotta feroce per il potere, dando vita a una delle storie più tese e oscure mai raccontate sul personaggio.

L’uscita del romanzo è particolarmente significativa perché coinciderà con la seconda stagione di Daredevil: Born Again, attesa su Disney+ nel marzo 2026. Tutti e tre i personaggi centrali del libro — Daredevil, Punisher e Kingpin — sono attesi anche nella nuova stagione della serie MCU, rendendo Enemy of My Enemy un vero e proprio complemento narrativo.

Nel MCU, infatti, Wilson Fisk è vivo e più potente che mai: diventato sindaco di New York, ha dichiarato la legge marziale e messo fuorilegge i vigilanti. Per chi vuole vedere Kingpin all’apice del suo potere, Daredevil: Born Again è la serie di riferimento; per chi invece vuole esplorare un mondo in cui Fisk non c’è più, il nuovo romanzo Marvel promette di essere una lettura imprescindibile.

Due Spicci: ecco quando vedremo la nuova serie di Zerocalcare

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Due Spicci: ecco quando vedremo la nuova serie di Zerocalcare

In occasione della presentazione dell’offerta italiana di Netflix Italia del 2026, è stato offerto al pubblico il primo sguardo a Due Spicci, la nuova serie di Zerocalcare che arriverà a Maggio sulla piattaforma.

La trama di Due Spicci

Zero e Cinghiale gestiscono un piccolo locale, ma problemi economici, incomprensioni e vite
personali che si complicano più del dovuto mettono entrambi sotto pressione. Il ritorno di una figura dal passato di Zero e responsabilità inattese fanno precipitare una situazione già fragile, costringendo tutti a confrontarsi con scelte difficili.

Prodotto da Movimenti Production, parte di Banijay Kids & Family, in collaborazione con BAO Publishing, scritta e diretta da Zerocalcare, la serie arriverà a Maggio solo su Netflix.

Netflix presenta l’offerta italiana 2026: è l’anno delle Stelle!

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Netflix presenta l’offerta italiana 2026: è l’anno delle Stelle!

Dopo l’annuncio della slate globale del 2026 con l’aiuto dei tarocchi nella campagna What Next?, oggi Netflix Italia ha svelato il futuro dell’offerta locale pensata per il pubblico italiano.

Nel 2026, per la prima volta nell’offerta di un solo anno, Netflix ha riunito le stelle più luminose del cinema e dell’audiovisivo italiano, tra nomi affermati e stelle emergenti, ma anche protagonisti dello sport, della musica, creator e talenti che hanno conquistato il pubblico del nostro paese. Segnaliamo, tra gli altri: Luca Argentero, Massimiliano Caiazzo, Sergio Castellitto, Matilda De Angelis, Elodie, Fabri Fibra, Pierfrancesco Favino, Anna Ferzetti, Alessandro Gassmann, Geolier, Elio Germano, Francesco Gheghi, Maria Chiara Giannetta, Guè, Maurizio Lastrico, Andrea Lattanzi, Edoardo Leo, Matteo Martari, Giulia Michelini, Francesco Montanari, Federica Pellegrini, Alvise Rigo, Barbara Ronchi, Rose Villain, Serena Rossi, Luis Sal, Vanessa Scalera, Edoardo Scarpetta, Pietro Sermonti, Pierpaolo Spollon, Sarah Toscano, Zerocalcare, Luca Zingaretti.

Sono davvero orgogliosa della spettacolare aggregazione di talenti che quest’anno darà il volto e l’anima alle nostre storie italiane, uniche e autentiche. – dichiara Tinny Andreatta, Vice Presidente per i contenuti italiani a Netflix – Una collaborazione che celebra non solo la notorietà dei talenti, ma soprattutto il valore distintivo e unico dei loro percorsi artistici. Netflix si impegna a offrire a questi celebri interpreti l’occasione di restituire al pubblico versioni sfidanti e inedite della loro identità artistica. E questo è un plus, di cui siamo davvero fieri.

Un elemento distintivo della programmazione 2026 è la significativa produzione di film originali italiani. Oltre a Il Falsario di Stefano Lodovichi (che abbiamo visto in ateprima alla Festa di Roma 2025) con Pietro Castellitto e Giulia Michelini in uscita nei prossimi giorni, Netflix ha annunciato oggi quattro nuovi titoli inediti che spaziano tra i generi: l’action movie Senza volto di Fabio Guaglione con Edoardo Leo e per la prima volta sullo schermo sua figlia Anita, le dramedy Non abbiam bisogno di parole di Luca Ribuoli con Sarah Toscano e Serena Rossi e Campioni di Jacopo Bonvicini con Alessandro Gassmann e Anna Ferzetti, la commedia sentimentale Noi un po’ meglio di Daniele Luchetti con Elio Germano e Maria Chiara Giannetta. Un’offerta cinematografica che eleva la qualità produttiva mantenendo lo sguardo saldamente rivolto ai gusti e alle sensibilità del pubblico italiano e affiancando i titoli originali ai film italiani che debutteranno in prima finestra su Netflix dopo l’uscita in sala.

Ricca e varia anche l’offerta seriale con Motorvalley action drama con Luca Argentero e Giulia Michelini, l’adult animation Due Spicci di Zerocalcare, Chiaroscuro il light crime con Pierpaolo Spollon e Andrea Lattanzi, Minerva – La scuola young adult con i giovani Ciro Minopoli, Biagio Venditti, Margherita Buoncristiani, Nemesi il thriller con Pierfrancesco Favino, Barbara Ronchi e Elodie, Il capo perfetto comedy con Luca Zingaretti e SuburraMaxima, nuovo capitolo dell’universo Suburra. Il 2026 vedrà anche il ritorno di tre serie molto amate dal pubblico: Maschi veri, Storia della mia famiglia e la stagione finale de La Legge di Lidia Poët.

Sul fronte unscripted, dopo il recente lancio della docu-serie Fabrizio Corona: io sono notizia, nel nuovo anno assisteremo alle sfide incredibili di Physical Italia: da 100 a 1 con, tra gli altri, Federica Pellegrini, Alvise Rigo e Luis Sal e alle sfide rap della terza stagione di Nuova Scena. E dal primo aprile arriva in Italia la WWE con RAW, Smackdown, NXT e tutti i premium live event, incluso Wrestlemania, che saranno disponibili in Italia in diretta esclusiva solo su Netflix, con il commento italiano di “Il Godzilla” Luca Franchini e “Il Bardo” Michele Posa.

Dopo aver recentemente festeggiato i 10 anni dal debutto del servizio in Italia, Netflix guarda quindi al futuro con un nuovo slancio, continuando a costruire uno storytelling guidato dai principi di varietà, qualità e ambizione. Un viaggio tra serie, film, documentari e contenuti unscripted, capace di intercettare un pubblico ampio e curioso.

Vogliamo continuare ad investire con convinzione nel nostro Paese mantenendo una prospettiva a lungo termine conclude Tinny Andreatta – e valorizzando il lavoro fondamentale e ispirato degli autori, dei registi e dei produttori indipendenti che collaborano con noi e che sono gli incubatori e gli artefici delle emozionanti storie a cui potremo assistere sullo schermo”.

Mercy: Sotto Accusa, recensione del film di Timur Bekmambetov con Chriss Pratt

Cosa succederebbe se l’Intelligenza Artificiale diventasse il giudice di un tribunale supremo che, osservando esclusivamente i fatti oggettivi e rinunciando a qualsiasi forma di personalità, decretasse la vita o la morte di un essere umano? La domanda sembra semplice. La risposta, invece, non lo è affatto. È su questo interrogativo che Timur Bekmambetov costruisce Mercy: Sotto Accusa, un thriller fantascientifico che interroga lo spettatore dall’inizio alla fine, ponendo al centro un sistema che da anni si sta imponendo con forza crescente e che, in un futuro tutt’altro che remoto, potrebbe prendere definitivamente il sopravvento.

Il film è più vicino a noi di quanto vorremmo ammettere. Non soltanto per quella data – 2029 – che compare sugli schermi elettronici del racconto, ma perché ciò su cui insiste Bekmambetov è qualcosa che stiamo già vivendo, spesso senza rendercene conto. Scritto da Marco van Belle, Mercy: Sotto Accusa naviga per gran parte del tempo in acque torbide, sorretto da un Chris Pratt qui chiamato a un vero e proprio assolo attoriale, e affiancato da una Rebecca Ferguson mai stata così algida, inquietante, “disumana”.

Mercy: Sotto Accusa, la trama

Los Angeles. In un futuro prossimo, la città degli angeli è stata divisa in zone rosse a causa dell’elevata concentrazione di criminalità. Insieme ad alcuni colleghi, il detective Chris Raven ha ideato Mercy, un programma giudiziario evoluto affidato all’Intelligenza Artificiale. Davanti al giudice artificiale Maddox, il sospettato viene sottoposto a un’indagine serrata fondata esclusivamente su dati e fatti incontrovertibili. Qui non esistono interpretazioni. Il sistema sembra funzionare per un po’, finché Raven non si risveglia e scopre di essere accusato dell’omicidio della moglie. Rinchiuso su una poltrona al centro di una stanza buia, circondato da schermi che fungono da aula di tribunale, ha novanta minuti di tempo per dimostrare la propria innocenza. Novanta minuti reali, novanta minuti narrativi, in un conto alla rovescia che non si può arrestare.

Il potere dell’algoritmo

Mercy Sotto Accusa film

Che l’Intelligenza Artificiale sia ormai predominante è un dato di fatto. È il nostro braccio destro in numerosi ambiti lavorativi, in alcuni casi persino in medicina. È, a tutti gli effetti, una riproduzione avanzata del cervello umano: rapidissima, precisa al millimetro, lineare. Ciò che le manca è “solo” il lato umano, quello legato all’identità, all’intuito, alla costruzione della personalità. Ed è esattamente qui che van Belle alla sceneggiatura e Bekmambetov alla regia concentrano il loro discorso. Mercy mostra cosa accade quando si delega tutto a un sistema tecnologico, dimenticando che la perfezione algoritmica non equivale alla capacità di giudizio. Raven lo ripete più volte: chiede a Maddox di uscire dal percorso prestabilito, di smettere di accumulare dati come unica verità possibile, di provare – anche solo per un istante – a usare l’intuito.

Maddox non comprende cosa significhi. Quando tenta di farlo, il sistema va in tilt. Non è programmata per questo. Il film diventa così un monito importantissimo: ciò di cui facciamo uso quotidianamente non può essere la nostra unica fonte di certezza. Il cervello umano resta più complesso di qualsiasi AI, perché è capace di un ragionamento che nasce dall’esperienza, dagli errori commessi ogni giorno, dalla sfera emotiva. Ed è così che Raven riesce a intuire la verità: non solo grazie alle competenze professionali, ma perché porta con sé un vissuto che nessuna banca dati può avere con sé. E l’Intelligenza Artificiale resta un enorme bacino di informazioni, vincolato al materiale e alla struttura su cui è stata costruita.

Una lotta contro il tempo

Mercy Sotto Accusa

Mercy: Sotto Accusa si dipana così all’interno di una composizione filmica estremamente compressa, ma funzionale a restituire l’adrenalina del protagonista e il suo senso di impotenza di fronte a un sistema che lui stesso ha contribuito a creare. Pratt lavora quasi esclusivamente di sguardi ed espressioni, costretto a recitare su una sedia per l’intera durata del film. Il tempo extradiegetico, qui, coincide con quello diegetico: lo spettatore vive l’indagine – novanta minuti precisi – in simultanea con Raven, mentre il conto alla rovescia procede inesorabile.  L’alternanza tra soggettive – video da telefoni, telecamere di sorveglianza, riprese del traffico di Los Angeles – e inquadrature oggettive costruisce un ritmo frenetico, incalzante, che accompagna il pubblico fino all’ultimo minuto, salvo poi cambiare improvvisamente registro, saltando dal giallo al thriller.

Il senso di claustrofobia è amplificato da una scenografia essenziale: una stanza buia, dominata da una parete di schermi luminosi che finiscono per soffocare il protagonista. Mercy: Sotto Accusa si rivela un racconto vibrante, concepito per intrattenere ma anche per interrogare. Un film che riflette sulla direzione che stiamo prendendo e sul rischio concreto che libertà e identità umana vengano progressivamente erose da strumenti che, se non gestiti bene, potrebbero sfuggirci di mano.

The Night Agent – Stagione 3 Trailer: Peter dà la caccia a un agente governativo ribelle in episodi ad alta tensione

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Netflix ha rilasciato il secondo trailer di The Night Agent – stagione 3, anticipando una missione ad altissimo rischio che porta Peter Sutherland in una caccia globale a un agente governativo fuori controllo. Dopo le conseguenze esplosive del finale della seconda stagione, i nuovi episodi alzano ulteriormente la posta in gioco, mettendo Peter al centro di una cospirazione capace di minacciare la stabilità stessa del governo degli Stati Uniti.

La terza stagione riprende direttamente dagli eventi di The Night Agent 2, che avevano spinto Peter sempre più a fondo nel mondo opaco dell’intelligence, tra insabbiamenti politici e verità scomode. Basata sul romanzo di Matthew Quirk e sviluppata per la TV da Shawn Ryan, la serie si è affermata come uno dei thriller d’azione più solidi di Netflix, capace di fondere spionaggio, complotti e conflitti personali.

Cosa aspettarsi da The Night Agent – Stagione 3

Secondo la logline ufficiale diffusa da Netflix, la stagione 3 vedrà l’agente Peter Sutherland “incaricato di rintracciare un giovane agente del Tesoro fuggito a Istanbul con informazioni governative sensibili dopo aver ucciso il suo superiore”. Da qui prende il via una spirale di eventi che conduce Peter a indagare su una rete di finanziamenti illeciti, schivando assassini a pagamento e scontrandosi con una giornalista determinata. Insieme, i due porteranno alla luce segreti sepolti e rancori irrisolti che rischiano di far crollare l’intero sistema — e di costare loro la vita.

Il trailer prepara il terreno per quella che si preannuncia come la stagione più adrenalinica della serie. Tra inseguimenti internazionali, alleanze ambigue e verità pericolose, The Night Agent 3 sembra pronta a spingere al massimo tensione, spettacolo e crescita del personaggio, confermando la direzione sempre più ambiziosa del racconto.

Gabriel Basso torna nei panni di Peter Sutherland, affiancato da un cast corale che include Louis Herthum, Stephen Moyer, Callum Vinson, David Lyons, Fola Evans-Akingbola, Jennifer Morrison, Albert Jones, Ward Horton e Genesis Rodriguez. Con così tanti “power players” in gioco, la nuova stagione promette di complicare ulteriormente le relazioni di Peter, mettendo alla prova la sua lealtà verso l’istituzione che serve.

Assente in questa stagione è invece Rose Larkin, interpretata da Luciane Buchanan. Il personaggio, amatissimo dai fan, era uscito di scena alla fine della seconda stagione, quando Peter aveva deciso di allontanarla dalla propria vita dopo essere stato arrestato.

Shawn Ryan ha inoltre lasciato intendere che The Night Agent potrebbe proseguire anche oltre la storia di Peter Sutherland. Strutturando la serie attorno all’istituzione dei Night Agents, si apre infatti la possibilità di future stagioni con protagonisti diversi, soprattutto considerando che Gabriel Basso ha accennato all’idea di prendersi una pausa dopo la terza stagione.

Con l’uscita ormai imminente, il pubblico non dovrà attendere molto per scoprire fino a che punto la nuova missione metterà alla prova limiti e convinzioni di Peter. Tra complotti sempre più profondi e verità destabilizzanti, la stagione 3 promette di colpire al cuore il concetto stesso di potere e fiducia.

The Night Agent – Stagione 3 debutta il 19 febbraio, in esclusiva su Netflix.

Landman, Jacob Lofland commenta l’addio di Taylor Sheridan dopo le reazioni divise alla stagione 2

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La seconda stagione di Landman si è ufficialmente conclusa, lasciando dietro di sé un acceso dibattito tra pubblico e critica. Mentre alcuni spettatori hanno apprezzato l’evoluzione più cupa e riflessiva della serie, altri hanno mostrato perplessità sulle scelte narrative. In questo clima di reazioni contrastanti, l’attenzione si è spostata anche sul futuro creativo dello show, soprattutto alla luce dell’imminente uscita di Taylor Sheridan dall’universo Paramount.

Sebbene Sheridan resterà coinvolto in Landman per la stagione 3, il suo addio a Paramount è ormai ufficiale. Alla scadenza del contratto, fissata per il 2028, il creatore di Yellowstone si trasferirà a NBCUniversal a partire dal 2029, segnando la fine di un’era per la piattaforma streaming. Una decisione che ha inevitabilmente diviso fan e addetti ai lavori: c’è chi guarda con curiosità ai suoi prossimi progetti e chi teme un ridimensionamento creativo delle serie che ha ideato.

Jacob Lofland: “Mi fido del team, vedremo cosa succederà”

Landman

A commentare la situazione è stato Jacob Lofland, interprete di Cooper Norris, in un’intervista rilasciata a ScreenRant. L’attore ha ammesso di provare dispiacere all’idea di un futuro senza Sheridan, ma ha anche chiarito di voler mantenere le distanze dalle dinamiche contrattuali. Secondo Lofland, l’aspetto più importante resta la solidità del team creativo che continuerà a lavorare sulla serie.

L’attore ha espresso fiducia in figure chiave come Christian Wallace, che dovrebbe restare coinvolto anche oltre la terza stagione. Un elemento che, secondo Lofland, garantisce continuità e coerenza narrativa, indipendentemente dalla presenza diretta di Sheridan. “Cerco di non pensarci troppo – ha dichiarato – mi fido delle persone che sono lì. Vedremo cosa succederà”.

Sheridan ha confermato il suo passaggio a NBCUniversal nell’ottobre 2025, firmando un accordo quinquennale che coprirà cinema, televisione e streaming. Con lui si sposterà anche il suo storico partner David Glasser, che porterà 101 Studios sotto un accordo di first-look dopo aver completato gli impegni in corso con Paramount.

Durante il suo periodo allo studio, Sheridan ha costruito un vero e proprio impero televisivo, con titoli regolarmente in cima alle classifiche di visione di Paramount+ e un ruolo decisivo nell’acquisizione di nuovi abbonati. Landman, con le sue prime due stagioni, si inserisce pienamente in questa eredità, ora chiamata a dimostrare di poter reggere anche un futuro senza il suo creatore principale.

Le stagioni 1 e 2 di Landman sono attualmente disponibili in streaming su Paramount+.

Landman: spiegata la nuova compagnia petrolifera di Tommy nel finale della stagione 2

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Il finale della seconda stagione di Landman ha segnato un punto di svolta decisivo per il futuro della serie. Dopo il licenziamento da M-Tex, Tommy Norris, interpretato da Billy Bob Thornton, prende una decisione che cambia radicalmente gli equilibri narrativi: fondare una nuova compagnia petrolifera tutta sua, la CTT Oil Exploration & Cattle.

Dopo essere stato estromesso da M-Tex nell’episodio 9, il destino di Tommy sembrava incerto. Il personaggio avrebbe potuto tornare a fare il landman per conto di Cami Miller (Demi Moore) o accettare un incarico presso una major come Chevron. Invece, il finale rivela che Tommy non è disposto a rinunciare al controllo del proprio destino e decide di giocarsi “un ultimo fuoricampo”, scegliendo la strada più rischiosa: mettersi in proprio.

CTT Oil e il nuovo centro narrativo di Landman

La nascita della CTT Oil Exploration & Cattle avviene attraverso una serie di mosse strategiche. Tommy fa annullare il contratto che legava i terreni di Cooper a M-Tex, sfruttando una debolezza legale, e poi si rivolge a Gallino per ottenere i fondi necessari. Riesce così a raccogliere decine di milioni di dollari, sufficienti sia a restituire a M-Tex il buyout dei terreni sia ad avviare nuove perforazioni.

La scelta del nome della compagnia, apparentemente improvvisata, riflette perfettamente il carattere di Tommy: pragmatica, spigolosa e pensata per aggirare le rigidità burocratiche. Anche se il riferimento al “cattle” non è ancora concreto, l’obiettivo è chiaro: costruire qualcosa di autonomo, svincolato dalle logiche delle grandi corporation.

CTT diventa rapidamente un’azienda a conduzione familiare, con Cooper al vertice e Tommy in un ruolo chiave ma defilato, a conferma del passaggio di testimone tra padre e figlio. La serie chiarisce inoltre che il focus della stagione 3 sarà proprio lo sviluppo di questa nuova realtà, destinata a sostituire M-Tex come cuore narrativo dello show.

Il futuro di Cami e della sua compagnia resta invece più incerto. Il progetto offshore, già definito ad altissimo rischio, potrebbe portare M-Tex al collasso finanziario. Anche se Cami dispone di una solida rete di sicurezza economica, tutto lascia intendere che il suo ruolo in Landman verrà ridimensionato.

Con la stagione 3 già confermata, Landman sembra dunque pronta a reinventarsi: meno giochi di potere aziendali, più conflitti diretti sul campo, con la CTT Oil come nuovo motore della storia.

The Beauty: recensione della serie con Evan Peters e Ashton Kutcher

Dal 22 gennaio su Disney+ debutta The Beauty, la nuova serie firmata da Ryan Murphy che, in undici episodi, promette di trasformare l’ossessione contemporanea per la bellezza in un thriller disturbante e profondamente politico. I primi tre episodi saranno disponibili al lancio, seguiti da un’uscita settimanale fino al doppio episodio conclusivo di fine stagione. Un formato che accompagna lo spettatore dentro un racconto che non cerca scorciatoie, ma costruisce con pazienza un universo inquietante, sospeso tra Europa e Stati Uniti.

Un incipit esplosivo

Bastano pochi minuti per capire che The Beauty non ha alcuna intenzione di rassicurare. La serie si apre con una sequenza violentissima: Ruby, una giovane modella interpretata da Bella Hadid, sfila per Balenciaga a Parigi; ma all’improvviso inizia a sudare, ad avere sete, a perdere il controllo. Attacca il pubblico, fugge in strada alla ricerca disperata di acqua e, infine, esplode letteralmente in mezzo alla folla.

È un inizio scioccante, in cui il body horror emerge con forza fin dalle prime immagini. Il corpo diventa subito il campo di battaglia privilegiato di Ryan Murphy, che utilizza l’eccesso visivo per introdurre il tema centrale della serie: la bellezza come desiderio, come mercato, come condanna.

Peters e Hall in The Beauty 2026 Recensione
Cortesia di IMDb

Due agenti dell’FBI nel cuore dell’ossessione

A indagare su quella morte inspiegabile arrivano a Parigi due agenti dell’FBI: Cooper Madsen (Evan Peters) e Jordan Bennett (Rebecca Hall). Lui più istintivo e tormentato, lei più razionale e trattenuta, formano una coppia investigativa classica solo in apparenza. L’indagine sul caso Ruby diventa presto il pretesto per esplorare una rete globale di cliniche, trattamenti estetici, segreti industriali e corpi trasformati.

L’ambientazione internazionale – tra Francia, Stati Uniti, Italia – contribuisce a dare alla serie un respiro ampio, quasi da cospirazione globale. La bellezza non è più un fatto individuale, ma un sistema economico e culturale che attraversa confini, lingue e classi sociali.

I primi due episodi: buoni, cattivi e zone grigie

Evan Peters and Rebecca Hall in The Beauty 2026 Recensione
Cortesia di FX

Nei primi due episodi, unici mostrati in anteprima, fanno il loro ingresso anche i personaggi interpretati da Ashton Kutcher, Jeremy Pope e Anthony Ramos. Le linee morali iniziano subito a sfumare: chi appare inizialmente dalla parte dei ‘buoni’ rivela presto zone d’ombra inquietanti, mentre alcuni presunti antagonisti emergono come vittime – o conseguenze – dello stesso sistema che li ha creati e poi condannati.

Al centro rimane costantemente una domanda: quanto ci costa l’ossessione per la bellezza? Non solo in termini economici, ma psicologici, relazionali, esistenziali. “Beauty is pain, my friend” (“La bellezza è sofferenza, caro mio”) non è soltanto una battuta, ma una dichiarazione programmatica che attraversa tutta la narrazione.

Corpi imperfetti, corpi riparati in The Beauty

Uno degli elementi più interessanti introdotti fin da subito è il pensiero di Cooper Madsen, che cita una dottrina giapponese secondo cui è meglio ricomporre ciò che è rotto invece di distruggerlo, per creare qualcosa di più forte e più bello. Un’idea che suona quasi come un manifesto alternativo all’industria della perfezione.

In parallelo, la serie mostra le conseguenze più estreme dell’insoddisfazione corporea. In New Jersey incontriamo un giovane incapace di accettare se stesso, convinto che tutti i suoi problemi derivino dal proprio aspetto fisico. Arriva persino a tentare un intervento fai-da-te per allungarsi i genitali, prima di rivolgersi a una clinica estetica. È qui che lo spettatore inizia a intravedere i primi sintomi di un virus misterioso, lo stesso che ha già colpito Parigi e che sembra destinato a diffondersi sempre di più.

Il virus della bellezza

L’idea più potente di The Beauty è proprio questa: trasformare l’ossessione estetica in una malattia letale. Un virus che si trasmette attraverso il desiderio di perfezione, che promette corpi migliori e finisce per distruggerli. Ryan Murphy utilizza il linguaggio del thriller e dell’horror per parlare di un fenomeno profondamente contemporaneo: la medicalizzazione dell’insoddisfazione, la promessa di felicità venduta sotto forma di trattamento.

Il body horror non è mai gratuito, ma sempre funzionale a un discorso più ampio sul controllo dei corpi, sul potere delle industrie cosmetiche, sull’illusione che basti correggere un difetto per risolvere una vita intera.

Ashton Kutcher The Beauty 2026 Recensione
Cortesia di FX

The Beauty: una serie ambiziosa, tra eccesso e lucidità

Nei primi due episodi The Beauty mostra già tutti i tratti distintivi del cinema e della serialità di Ryan Murphy: gusto per l’eccesso, immagini forti, personaggi larger than life, dialoghi carichi di simbolismo. A tratti il rischio è quello di una sovrabbondanza visiva e tematica, ma l’impressione iniziale è che l’ambizione del progetto riesca a sostenere la complessità del discorso.

La bellezza, qui, non è mai neutra: è arma, moneta di scambio, strumento di potere. Ed è soprattutto una promessa ingannevole, capace di trasformarsi in condanna.

Prime impressioni

Dopo i primi due episodi, The Beauty si presenta come una delle serie più provocatorie della stagione. Un thriller horror che utilizza il genere per interrogare il presente, mettendo in scena un futuro che sembra distante solo “cinque minuti”. Se la serie saprà mantenere questa tensione narrativa e questa lucidità critica fino al finale, potrebbe diventare uno dei titoli più interessanti dell’anno nel catalogo Disney+.

Per ora, una cosa è certa: Ryan Murphy ha trovato un nuovo modo per parlarci delle nostre paure più intime. Quelle che abitano il nostro corpo, lo specchio e lo sguardo degli altri.