La rivoluzione culturale iniziata sul finire degli anni Sessanta proseguì poi anche lungo tutto il decennio degli ani Settanta. Nel corso di questo i registi ebbero sempre maggior controllo sui loro film, potendo così portare al cinema storie e tematiche nuove, lasciandosi ispirare dalle novità artistiche provenienti dall’Europa e introducendo anche elementi sino ad allora proibiti come la violenza, la sessualità e molte altre idee non ortodosse. Il cinema statunitense cambiò profondamente volto, dando vita a quella che è oggi chiama la New Hollywood. Gli anni Settanta del cinema statunitense sono dunque un periodo estremamente fervido e ricco di capolavori celebrati ancora oggi. Per scoprire o riscoprire alcuni dei titoli più importanti, ecco un elenco dei migliori film anni 70.

Migliori film anni ’70 americani

Come anticipato, il cinema statunitense degli anni Sessanta si è caratterizzato per produzioni e stili molto diversi tra loro. Nel corso di quegli anni sono infatti arrivati sul grande schermo grandi blockbuster o film più sperimentali e riflessivi della società dell’epoca. Tra i migliori film anni 70 qui di seguito proposti si possono infatti ritrovare opere di ogni genere, dirette da importanti registi e interpretate da altrettanto celebri attori.

• Arancia meccanica (1971). In cerca di emozioni forti, Alex quotidianamente compie azioni criminali. Viene arrestato e sottoposto ad un trattamento che lo condiziona alla non violenza. Uscito di galera tutte le persone che hanno subito da lui violenze gli si ritorcono contro. Uno dei grandi capolavori realizzati da Stanley Kubrick, Arancia meccanica è il racconto di un’umanità resa disumana, attuale all’epoca tanto quanto oggi.
• Il padrino (1972). Il film segue la vita di Vito Corleone, impegnato nel difficile compito di tenere unita la famiglia e come anche il suo l’impero mafioso, minato da numerosi nemici. Francis Ford Coppola dirige uno dei più grandi capolavori del cinema, interpretato da attori come Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton e James Caan, offrendo un ritratto epico della mafia e del suo ruolo nella società statunitense.
• Il padrino – Parte II (1974). Nel 1958 l’impero costruito negli Stati Uniti dalla famiglia Corleone inizia a sgretolarsi, modificando anche i legami tra i suoi componenti. Micheal, il figlio di Vito, diventa il nuovo Padrino, ma il potere lo rende un uomo solo. Secondo capitolo della trilogia, ove si seguono in parallelo le vite di Michael Corleone interpretato da Al Pacino e quelle di Don Vito Corleone, interpretato stavolta da Robert De Niro.
• Chinatown (1974). L’investigatore privato Jake Gittes viene assunto dalla bella Evelyn Mulwray per indagare sul presunto adulterio del marito. Più va avanti con le indagini, però, più vedrà emergere una vicenda più complessa del previsto. Roman Polanski dirige Jack Nicholson in questo noir che ha fatto scuola, un capolavoro senza tempo a cui in molti ancora oggi si ispirano.
• La conversazione (1974). L’intercettatore Harry Caul spia la moglie di un potente uomo d’affari e del suo giovane amico, finendo per essere coinvolto in un intrigo più grande e pericoloso del previsto. Gene Hackman recita in questo film vincitore della Palma d’oro a Cannes, un racconto che analizza il concetto di colpa e paranoia, anticipatore dello scandalo Watergate.
• Lo squalo (1975). Un feroce squalo terrorizza una spiaggia del New England. Ad affrontarlo ci sono un poliziotto locale e degli scienziati, che devono lottare anche contro l’ostruzionismo del sindaco. Steven Spielberg realizza quello che è considerato il primo blockbuster della storia. Un capolavoro iconico di tensione, dove meno si vede il pericolo più questo fa paura.
• Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975). Dopo una condanna Murphy arriva in un ospedale psichiatrico. Cerca di farsi passare per matto con un obiettivo in testa: la fuga. Ma la capo infermiera non la pensa come lui. Suo prezioso alleato un gigantesco pellerossa da tutti creduto sordomuto. Jack Nicholson recita in questo film dove per la prima volta si tratta un argomento molto delicato, cioè il disagio presente negli ospedali psichiatrici statali, denunciando il trattamento inumano riservato ai pazienti ospitati in tali strutture.
• Rocky (1976). Il pugile dilettante Rocky Balboa ha l’opportunità di raggiungere il successo quando è chiamato a sfidare il campione dei pesi massimi, Apollo Creed. Primo capitolo della fortunata serie, Rocky ha vinto tre premi Oscar nel 1977, oltre ad aver definitivamente consacrato Sylvester Stallone come una delle personalità più importanti del cinema statunitense.
• Taxi Driver (1976). Un tassista di New York dal carattere sensibile e solitario scivola lentamente in una spirale di follia che lo spinge a ribellarsi in maniera violenta alle ingiustizie di una società corrotta e alienante. Sceneggiatura di Paul Schrader, regia di Martin Scorsese e interpretazione di Robert De Niro per uno dei film più importanti di sempre, specchio delle crescenti nevrosi e alienazioni avvertite dall’uomo. Un film ancora spaventosamente attuale.
• Apocalypse Now (1979). Durante la guerra in Vietnam un agente dell’esercito americano si avventura in Cambogia alla ricerca di un pericoloso tiranno, il colonnello Kurtz, un tempo soldato modello poi convertitosi alla causa del nemico. Francis Ford Coppola dirige Marlon Brando e Martin Sheen in uno dei film più ambiziosi mai realizzati, caratterizzato da innumerevoli problemi produttivi ma infine rivelatosi come uno dei grandi capolavori del cinema.

I film polizieschi usciti negli anni ’70

Uno dei generi divenuti più popolari nei film anni ’70 è quello del poliziesco, in cui si offrono personaggi e contesti inediti alle prese con la giustizia, la criminalità e, cosa più importante, con le riflessioni derivate dall’abuso di potere. I film appartenenti a questo genere sono spesso cupi, impegnati a porre dubbi morali su quanto avviene poi realmente tra le strade delle grandi città. Appartengono al poliziesco alcuni dei maggiori capolavori cinematografici di sempre.

• Il braccio violento della legge (1971). Popeye, un poliziotto della squadra narcotici, ha la soffiata giusta per scoprire chi si cela dietro una grossa partita di eroina e decide di lavorare sul caso insieme al collega Lo Russo. Vincitore dell’Oscar al miglior film e al miglior attore Gene Hackman, questo film propone un duro ritratto della polizia e del contesto urbano, con un finale amarissimo. È ancora oggi considerato uno dei capolavori di questo genere.
• Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo! (1971). A San Francisco l’ispettore Callaghan rende la vita difficile ai criminali. Ma un giorno un killer si apposta sui tetti della città e spara ai passanti. Poi invia un biglietto alla polizia firmandosi Scorpio: si tratta di un assassino psicopatico. Il caso viene affidato a Callaghan. Clint Eastwood lascia i panni del cowboy per assumere quelli del detective, in questo crudo film ispirato all’attività del killer dello zodiaco. Un classico del genere.
• Shaft il detective (1971). Un detective molto in voga indaga su un rapimento e viene coinvolto in una guerra tra la mafia ed una gang locale. Modello di film blaxploitation, dedicati primariamente ad un pubblico afroamericano, è questo il primo di diversi lungometraggi dedicati al detective Shaft, vera e propria icona del cinema black.
• Milano calibro 9 (1972). Un malvivente esce di prigione e deve guardarsi le spalle sia dalle autorità che dal suo ex boss che sospetta di lui. Anche in Italia il genere poliziesco ebbe grande importanza e Milano calibro 9 è uno dei più importanti esempi a riguardo. Un cult che riflette sulle tensioni politiche vigenti in quegli anni in Italia.
• Serpico (1974). Il film racconta l’esperienza del poliziotto italo americano Frank Serpico, in servizio nel dipartimento di polizia di New York dal 1959 al 1972. Il regista Sidney Lumet dirige Al Pacino in questo racconto basato su un vero poliziotto, dando vita ad uno dei più apprezzati film polizieschi del decennio, oggi considerato un cult con pochi eguali.

La fantascienza nei film anni ’70

Per la fantascienza gli anni ’70 segnano una vera e propria rivoluzione. Si assiste in questo decennio all’entrata in scena di nuovi effetti speciali, realizzati grazie ai primi esperimenti con la computer grafica. In quegli anni, inoltre, si iniziano ad affrontare nuovi temi in film divenuti veri e propri precursori di opere realizzate ancora oggi. Elementi come la ribellione delle macchine, i virus, le società distopiche e i contatti alieni trovano in quel decennio ampio spazio sul grande schermo.

• 1975: Occhi bianchi sul pianeta terra (1971). A seguito di una guerra batteriologica, New York è plagiata da un’epidemia che distrugge l’umanità. L’unico uomo sopravvissuto grazie a un vaccino lotta per combattere gli zombi e per trovare un antidoto che possa salvare il resto della popolazione. Charlton Heston recita in questo classico della fantascienza tratto dal romanzo Io sono leggenda, di Richard Matheson, da cui sarà poi tratto anche l’omonimo film del 2007 con Will Smith.
• L’uomo che fuggì dal futuro (1971). In un lontano futuro l’umanità vive all’interno di vaste città sotterranee e viene sottoposta a cure farmacologiche obbligatorie che hanno lo scopo di eliminare qualsiasi emozione o sentimento. Prima di Guerre Stellari, George Lucas diresse nel 1971 questo film di fantascienza, dimostrando tutto il suo talento e le sue idee visionarie relative a questo genere.
• Il mondo dei robot (1973). In un futuristico parco dei divertimenti popolato da androidi, due turisti americani vengono coinvolti, loro malgrado, in una rivolta delle macchine scatenata da un guasto informatico. Interpretato da Yul Brynner, questo film cult è un precursore del tema della macchina che si ribella all’uomo. Nel film si ritrovano anche i primi esperimenti sulla grafica computerizzata, che fanno di Il mondo dei robot un importante precursore della CGI.
• Incontri ravvicinati del terzo tipo (1977). La vita ordinaria di Roy Neary prende una svolta inaspettata dopo un incontro ravvicinato con un UFO. Steven Spielberg torna alla fantascienza per dar vita ad un cult memorabile. Costruito intorno all’attesa dell’incontro con una specie aliena, il film è un capolavoro di regia, effetti speciali ed emozioni, sempre alla base di ogni opera di Spielberg.
• Guerre Stellari (1977). Con l’aiuto di robot e altri alleati, Luke Skywalker deve salvare la principessa ribelle Leila e sconfiggere le forze del male, rappresentate dal temibile Dart Vader. Con Guerre Stellari il regista George Lucas contribuì per sempre a cambiare la fantascienza, dando vita ad un racconto epico portato avanti ancora oggi. Primo di diversi sequel, questo film del 1977 è il capostipite di un nuovo modo di pensare la fantascienza e gli effetti speciali.

L’horror nei film Film anni ’70

Negli anni ’70 l’horror statunitense ha vissuto un periodo d’oro proseguito poi anche nel decennio successivo. Il genere ha infatti inglobato nuovi temi prima considerati tabù, giungendo a livelli di violenza e orrore mai raggiunti prima. Grazie alla comparsa sulla scena cinematografica di nuovi brillanti autori, come William Friedkin e John Carpenter, vennero realizzati film a basso costo che facevano dei loro limiti punti di forza per genere ulteriore paura. È in questi anni che vengono realizzati alcuni dei più grandi capolavori horror di sempre.

• L’esorcista (1973). Regan McNeil, una ragazzina di 12 anni, viene posseduta dal demonio. Un giovane prete in crisi di fede, aiutato dal proprio anziano mentore, affronta la presenza demoniaca in un mortale duello. Diretto da William Friedkin con Ellen Burstyn, Linda Blair e Max von Sydow, è questo uno dei film più spaventosi di sempre, tra i primi a portare l’elemento satanico al cinema. Candidato a dieci premi Oscar, è ancora oggi uno dei più grandi capolavori del cinema horror.
• Non aprite quella porta (1974). Due fratelli decidono di andare in Texas per visitare la tomba del nonno insieme a tre amici. Sfortunatamente, una volta giunti sul posto, il gruppo si ritrova a dover sfuggire ad una famiglia di psicopatici. Tobe Hooper dà vita ad uno degli horror più celebri di sempre, anch’esso seguito poi da diversi sequel. Ispirato ad eventi reali, Non aprite quella porta è ancora oggi particolarmente disturbante da vedere.
• Carrie – Lo sguardo di Satana (1976). Tormentata da una madre nevrotica e tirannica, Carrie affrona una difficile adolescenza. Inoltre la ragazza è oggetto di scherno delle sue compagne di scuola, fino a quando scopre di possedere dei poteri soprannaturali. Sissy Spacek interpreta la protagonista di questo adattamento dell’omonimo romanzo di Stephen King. Un racconto di formazione ricco di sentimenti e orrore, reso visivamente straordinario dal regista Brian De Palma.
• Halloween (1978). Un criminale già condannato per l’omicidio della sorella scappa di prigione e torna nella città natale in cerca della prossima vittima durante la notte di Halloween del 1978. Diretto da John Carpenter, Halloween è considerato uno dei migliori slasher di sempre, capace ancora oggi di provocare puro terrore. Si tratta inoltre del primo capitolo di una lunghissima saga attiva ancora oggi.
• Alien (1979). Dei marines devono scoprire perché la colonia del pianeta Archeron abbia misteriosamente interrotto i contatti con la base. Una volta atterrati, si trovano ad affrontare una creatura mostruosa che si prepara a sferrare l’attacco decisivo. Ridley Scott dirige Sigourney Weaver in questo classico dell’horror misto alla fantascienza. Un’opera straordinaria che ha dato vita ad una saga ancora oggi viva e vegeta.

La comicità nei film anni ’70 italiani

Negli anni ’70 la commedia italiana ha visto modificarsi alcuni dei propri canoni, mantenendo la tradizione dei decenni precedenti ma aggiungendo temi e contesti al passo con i tempi. Sullo sfondo delle commedie di quegli anni si ritrova dunque un’Italia segnata dai tanti sconvolgimenti sociali e politici e le storie raccontate hanno spesso un che di amaro o evasivo. Nascono nuovi filoni, come la commedia erotica, mentre si consolidano nuovi autori e attori, che daranno vita ad alcuni dei più grandi capolavori del nostro cinema.

• Lo scopone scientifico (1972). Ogni anno, Peppino lo stracciarolo e la moglie Antonia attendono l’arrivo a Roma dell’eccentrica miliardaria statunitense, che li sfida periodicamente a giocare a scopone scientifico. Con Alberto Sordi, Silvana Mangano e Bette Davis, questo film è considerato come uno dei più grandi capolavori della commedia italiana, sul cui sfondo si ritrovano temi e agitazioni proprie dell’Italia di quegli anni.
• La poliziotta (1974). Giovanna, stanca della propria vita e del proprio fidanzato, vince un concorso come vigile e si trasferisce in un paesino della Lombardia dove si dimostra severa ed inflessibile con chiunque. Mariangela Melato, Alvaro Vitali e Renato Pozzetto recitano in questo film indicato come uno dei padri della commedia erotica italiana.
• Amici miei (1975). Quattro inseparabili amici toscani cercano di affrontare la propria crisi di mezza età con scorribande a base di scherzi a poveri malcapitati. Mario Monicelli dirige attori del calibro di Ugo Tognazzi e Philippe Noiret in questa straordinaria commedia dal retrogusto amaro, dove si riflette sull’amicizia, la vita e il tempo che passa.
• Fantozzi (1975). Il ragionier Ugo Fantozzi, perennemente inseguito dalla mala sorte, cerca di sopravvivere alla vita di impiegato per una grande azienda, vivendo una serie continua di eventi comici e sfortunati. Paolo Villaggio e Luciano Salce danno vita con questo film al primo capitolo di una lunga serie cinematografica dedicata a Fantozzi, uno dei personaggi più popolari di sempre, specchio dell’italiano medio dell’epoca.
• Febbre da cavallo (1976). Il film usa una serie di flashback per raccontare le vicende di tre amici, Mandrake, Pomata e Felice, la cui vita ruota attorno al mondo delle corse dei cavalli e alle scommesse. Gigi Proietti, Francesco De Rosa ed Enrico Montesano sono i protagonisti di questa popolarissima commedia italiana, diretta da un maestro del genere, ovvero Steno.

Su Netflix ci sono molto Film anni ’70

Nei cataloghi delle piattaforme streaming oggi disponibili si possono ritrovare, oltre a titoli a noi più vicini nel tempo, anche opere meno recenti, spesso sconosciute ma meritevoli di essere riscoperti. Questi film permettono infatti di entrare in contatto con mondi cinematografici oggi non più in vigore ma che hanno sempre molto da insegnare. Ecco allora i migliori film anni 70 in streaming su Netflix:

• … altrimenti ci arrabbiamo! (1974). Bud e Kid si vendicano di un criminale i cui scagnozzi hanno distrutto la loro nuova dune buggy. Dietro l’episodio, però, si celano losche manovre per una speculazione edilizia e le scarse capacità di uno psicologo tedesco. Bud Spencer e Terence Hill recitano in questo film di culto nonché tra i loro maggiori successi cinematografici. Un’opera tanto divertente quanto appassionante oggi come nell’anno in cui fu distribuita.
• L’uomo del fiume (1977). Il capitano di una nave desidera incontrare per l’ultima volta un eroe di guerra che ha tradito anni prima. Tratto dal romanzo di Pierre Schoendoerffer del 1977, è questo uno dei film francesi più apprezzati degli annni ’70, con protagonista uno straordinario Jean Rochefort.
• Fuga di mezzanotte (1978). Un ingenuo americano, ad Istanbul con la fidanzata per una vacanza, viene arrestato per possesso di droga. Nonostante l’intervento dei diplomatici, viene condannato a quattro anni di galera e con due altri reclusi tenta poi la fuga. Film di culto candidato a sei premi Oscar, Fuga di mezzanotte è basato su una storia vera ed offre un duro ritratto del carcere e del desiderio di libertà.
• Brian di Nazareth (1979). Nell’anno zero, Brian Cohen si innamora di una giovane ribelle e si unisce ad un movimento di indipendenza dai Romani. Nel tentativo di nascondersi da questi ultimi, viene confuso con il Messia. Si tratta del terzo lungometraggio, scritto, diretto e interpretato dal gruppo comico inglese Monty Python. Al centro delle loro follie creative e satiriche, vi è qui l’ambito religioso.
• Kramer contro Kramer (1979). Un pubblicitario scopre che la moglie ha deciso di lasciare lui e il figlio piccolo. Questo evento avrà un impatto notevole sulla vita di tutti e richiederà all’uomo di dover coordinare la propria vita sulla base delle esigenze del bambino. Tra i più celebri film degli anni ’70, Kramer contro Kramer affronta il tema del divorzio divenendo un modello a riguardo. Il film, vincitore di 5 premi Oscar, è impreziosito dalla presenza di Dustin Hoffman e Meryl Streep.

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Celebre per i suoi film sulla figura e l’attività dei gangster, il regista Martin Scorsese ha sempre raccontato attraverso di essi sentimenti e tematiche universali come il desiderio di appartenenza, la violenza, il tradimento e il senso di colpa. Il suo capolavoro a riguardo è senza dubbio Quei bravi ragazzi (qui la recensione), distribuito nel 1990 e che insieme a Mean Streets e Casinò forma una vera e propria trilogia sulla mafia, divenuta poi quadrilogia con la recente realizzazione di The Irishman. Considerato uno dei migliori film sui gangster ma anche uno dei migliori film della storia del cinema, ha cambiato il modo di approcciarsi a questa tipologia di storie.

Questo perché non solo il film è la summa di tutti gli interessi stilistici e tematici di Scorsese, ma anche perché propone una rappresentazione della vita criminale estremamente dettagliata e realistica. La storia è tratta dal romanzo Il delitto paga bene, di Nicholas Pileggi e basato sulla vita del gangster pentito Henry Hill. Nel leggere tale libro, dunque, lo stesso Scorsese si accorse di quanto il racconto proponesse situazioni, personaggi ed ulteriori elementi raramente visti al cinema fino a quel momento. Trovandolo la descrizione più accurata e onesta mai letta dei gangster newyorkesi, decise dunque di farne un film.

Proponendo una struttura narrativa non tradizionale, che si muove avanti e indietro nel tempo, Scorsese è dunque riuscito a dar vita ad un film unico, che procede per episodi e mostra dettagliatamente la vita e il lavoro dei gangster, le modalità con cui si approcciano ai problemi, il tedio e il pericolo delle loro esistenze e l’irrefrenabile sete di potere. Il risultato è ancora oggi ineguagliato. Candidato poi a sei premi Oscar, Quei bravi ragazzi rimane ancora oggi il film che meglio di molti altri di Scorsese descrive la sua idea di cinema, proponendo un’esperienza cinematografica con pochi eguali.

La trama e il cast di Quei bravi ragazzi

Ma di cosa parla dunque Quei bravi ragazzi? Protagonista è Henry Hill, mezzosangue italo-irlandese, che all’età di tredici anni ha già le idee ben chiare: vuole diventare un gangster, affascinato dalla vita di quei loschi signori che vede ogni giorno sotto casa, a Brooklyn. Il sogno presto diventa realtà, tra pallottole, rapine e amicizie fraterne. Con la protezione del boss mafioso Paul Cicero e all’oscuro dai genitori, si specializza in furto e contrabbando, insieme ai compagni Jimmy Conway e Tommy De Vito. I tre, divenuti ormai inseparabili, hanno il mondo criminale ai loro piedi. Qualcosa però si incrina nelle convinzioni di Henry, che sarà costretto a fare scelte che cambieranno per sempre il resto della sua vita.

Ad interpretare Henry Hill Scorsese ha voluto l’attore Ray Liotta, il quale fece di tutto pur di ottenere la parte. Una volta ottenutala, gli fu però impedito di incontrare il vero Hill, in quanto Scorsese temeva che quest’ultimo avrebbe potuto influenzare l’interpretazione dell’attore. Liotta poté però ascoltare alcune registrazioni di Hill, studiandone il modo di parlare Robert De Niro, frequente collaboratore di Scorsese, ricopre invece il ruolo del gangster Jimmy Conway. Anche De Niro fece approfondite ricerche, parlando con Hill per comprendere al meglio il carattere e il modo di pensare del vero gangster rappresentato dal suo personaggio.

Joe Pesci interpreta invece Tommy De Vito, ruolo grazie al quale ha poi vinto il premio Oscar come miglior attore non protagonista. Stando a quanto dichiarato in seguito da Hill, l’interpretazione che l’attore ha dato del gangster Tommy DeSimone (il gangster a cui è ispirato il suo personaggio) è accurata al 99%. Nel film recita poi anche Lorraine Bracco nei panni di Karen Hill, moglie di Henry. Di sua spontanea volontà non ha incontrato la vera Karen e ha basato la propria interpretazione sulla sua immaginazione e sull’istinto, guadagnando poi una nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista. Completa il cast principale l’attore Paul Sorvino nei panni del boss Paul Cicero.

La vera storia dietro al film

Ma chi era davvero Henry Hill? Cresciuto in un poverissimo quartiere di Brooklyn, Henry sviluppò sin da giovanissimo una forte ammirazione per i mafiosi locali, tra i quali spiccava Paul Vario, capo della famiglia criminale dei Lucchese. Crescendo, Hill si guadagnò il rispetto di un membro di quella famiglia mafiosa, Jimmy Burke, che lo prese sotto la sua protezione. I due non potevano diventare veri e propri affiliati della mafia per via delle loro origini irlandesi, ma erano ad ogni modo membri esterni di forte fiducia. Insieme anche a Tommy DeSimone, i tre iniziarono a dedicarsi ad attività come rivendita di merci rubate, contrabbando di sigarette e all’usura.

Nel 1967 pianificarono una rapina all’Air France, mentre nel 1978 realizzarono il celebre colpo alla Lufthansa, così come furono implicati in molti omicidi legati alla mafia, prevalentemente consistenti nell’eliminazione di complici scomodi o inaffidabili. Nel mentre, nel 1965 Hill conobbe la futura moglie Karen Freid, dalla quale ha poi avuto due figli. I guai per Henry iniziarono quando propose a Vario di estendere le loro attività anche al business del traffico di droga. Il boss però era fermamente contrario a tale attività e non diede il suo consenso a riguardo. Hill continuò dunque segretamente a spacciare droghe di vario tipo, divenendo poi sempre più paranoico.

Nel 1980 venne infine arrestato con l’accusa di traffico di stupefacenti. L’FBI lo convinse che l’unico modo di salvarsi era quello di dire ciò che sapeva su Vario, Burke e gli altri membri dei Lucchesi. Dopo lunghe riflessioni a riguardo, Hill decise infine di diventare un collaboratore di giustizia e poco dopo, sulla base di quanto da lui rivelato, Burke e altri componenti della famiglia vennero arrestati. Nel mentre, Hill entrò nel programma di protezione testimone ma venne espulso da questo nei primi anni Novanta per via di ulteriori crimini da lui commessi legati al mondo della droga. Grazie alla fama ottenuta, Hill si godé però gli ultimi anni come una vera e propria celebrità, spegnendosi infine il 12 giugno del 2012 all’età di 69 anni.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Quei bravi ragazzi grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Prime Video e Netflix. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 28 ottobre alle ore 21:00 sul canale Iris.

Fonte: IMDb, Allthatsinteresting

Negli ultimi anni l’attore Bruce Willis si è dedicato senza sosta a partecipare ad una serie di film di genere d’azione e thriller. Tra questi si ritrovano titoli come Survive the Night, Trauma Center, Hard Kill, Fire with Fire e Resa dei conti – Precious Cargo. Un altro film simile a quelli qui citati è Paradise City, distribuito nel 2022 per la regia di Chuck Russell, celebre per essere stato il regista di Nightmare 3 – I guerrieri del sogno, The Mask – Da zero a mito e L’eliminatore – Eraser. È però bene notare che, nonostante sia indicato come protagonista del film, Willis abbia in realtà un ruolo molto ridotto.

Tutto nasce nel 2006, quando il co-sceneggiatore e produttore Corey Large ha avuto l’idea di riunire gli attori Bruce Willis e John Travolta, entrambi protagonisti di Pulp Fiction (1994), dove in realtà condividevano una sola scena. Paradise City è poi stato annunciato però solo nel maggio del 2021. Le riprese, svoltesi a Maui, nelle Hawaii, si sono concluse dopo solo tre settimane. Per via del breve preavviso con cui il tutto si è però svolto, la sceneggiatura è stata riscritta più volte sulla base delle location disponibili.

Paradise City è principalmente ricordato come uno degli ultimi film interpretati da Willis, che si è ritirato dalla recitazione a seguito della diagnosi di demenza frontotemporale. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Paradise City. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Paradise City

Protagonista del film è il cacciatore di taglie Ryan Swan. Quando suo padre Ian, anche lui un cacciatore di taglie, viene misteriosamente assassinato, decide di allearsi con un detective locale e un suo ex socio, per scoprire chi l’abbia ucciso e potersi vendicare. Ryan e la sua squadra si infiltrano così nell’ambiente della malavita di Maui nella speranza di ottenere informazioni utili alle loro indagini. Viene a galla una fitta rete di corruzione politica che controlla il territorio. Il vero nemico da combattere è però lo spietato Buckley, potente boss mafioso responsabile della morte di Ian Swan, una minaccia per l’intera comunità dell’isola.

Il cast di attori

A recitare nei panni di Ian Swan vi è dunque Bruce Willis, il quale data la brevita del ruolo ha potuto girare tutte le scene previste per lui in pochi giorni. Nel panni di Arlene Buckley, invece, vi è John Travolta. I due si sono così riuniti a ventisette anni dopo Pulp Fiction, ma come in quell’occasione il loro è un incontro piuttosto breve. Vero protagonista di Paradise City, con il ruolo di Ryan Swan è dunque Blake Jenner, noto principalmente per essere il vincitore della seconda edizione del reality show The Glee Project, ma visto anche in Tutti vogliono qualcosa! e American Animals.

Nel film recita anche Stephen Dorff nel ruolo di Robbie Cole. L’attore si è imposto all’attenzione del grande pubblico per il ruolo di Deacon Frost in Blade ma anche grazie al film Somewhere, di Sofia Coppola. Completano il cast Praya Lundberg nel ruolo di Savannah, Corey Large in quello di Zyatt Dean, Branscombe Richmond nel ruolo del Senatore Kane, Laird Akeo in quello di Koa Kahale e Lorenzo Antonucci nel ruolo di Scorpion. Amber Abara, infine, interpreta Gerry.

La spiegazione del finale

Gerry, socio di Ryan, lo porta sul luogo della morte del padre e scopre il cellulare di Ian. C’è la possibilità che i rapporti che Ryan ha visto siano falsi e che siano stati messi in giro da qualcuno per chiudere il caso. Ma chi? Forse lo stesso Buckley. Se così fosse, forse Ian è vivo ed è stato in realtà rapito da Buckley.  Scopre così che Ian conosceva le vere intenzioni di Buckley e progettava di impedirgli di sfruttare le risorse delle Hawaii. Per questo sarebbe stato messo a tacere per sempre. Tuttavia, gli abitanti di Paradise City hanno salvato Ian e lo hanno aiutato a fingere la sua morte per aiutarlo a sconfiggere Buckley.

In realtà, Buckley non è altro che Terrance Billford, che ha cambiato aspetto grazie alla chirurgia plastica. Buckley non è solo un politico corrotto che abusa dei suoi poteri per riempirsi le tasche, ma è anche un assassino incallito. Buckley intende controllare Maui e trasformarla in un porto internazionale della droga. Ritrovando dunque suo padre vivo, Ryan, Gerry e Ian va incontro a Buckley per porre fine alla vicenda una volta per tutte. Dopo un inseguimento, riescono a neutralizzarlo e Buckley viene arrestato dalle autorità, che scoprono così la sua vera identità.

Ian è stato sulle tracce di Terrance per anni e la sua ricerca è terminata quando ha incontrato Buckley, che governava Maui con il pugno di ferro. Ha a cuore i suoi cari, ma disprezza i suoi avversari con la stessa intensità. Il suo unico desiderio è quello di vedersi in cima al mondo e non si fermerà davanti a nulla finché non avrà conquistato quel posto. Ma grazie a Ryan e Ian, Maui è stata liberata da Buckley. Donano poi la loro parte della taglia ottenuta per la cattura del criminale per ricostruire Paradise City.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Paradise City grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Infinity+ e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 28 ottobre alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

L’uomo nel buio – Man in the Dark (qui la recensione) si conclude con un finale sanguinoso e un’anticipazione di ciò che potrebbe accadere in seguito. Sequel del film di grande successo del 2016, questo si svolge circa otto anni dopo gli eventi del primo film. Ritroviamo il Norman Nordstrom di Stephen Lang, che si è completamente ripreso dall’incontro quasi fatale con Rocky e i suoi amici. Egli vive ancora a Detroit e sta crescendo una figlia di nome Phoenix (Madelyn Grace), che si tiene per lo più in casa e crede che Norman sia suo padre e che sua madre sia morta in un incendio.

La vita solitaria di Phoenix e Norman viene però messa in pericolo dopo che lui accetta di lasciarla andare in città con un’amica. È qui che un gruppo di uomini inquietanti mette gli occhi su Phoenix e organizza un piano per sottrarla al padre non vedente. Nessuno dei due sa che il leader del gruppo, Raylan (Brendan Sexton III), è il vero padre di Phoenix, prima che Norman la trovasse dopo l’incendio della sua casa originaria. L’uomo nel buio – Man in the Dark si sviluppa così verso un finale complicato che mette Norman nella posizione di dover salvare Phoenix, il cui vero nome è Tara, dai suoi veri genitori.

Gli antagonisti rivelano che la vera madre di Tara è ancora viva, ma sta lentamente morendo per gli effetti dell’incendio della casa e dell’avvelenamento causato dalla cottura regolare di metanfetamine. Il piano è dunque quello di usare il cuore di Tara come trapianto per la madre, in modo che lei e la loro attività di spaccio possano rimanere in vita. Tuttavia, Norman arriva prima dell’inizio dell’operazione illegale e toglie la corrente. Procede a quel punto uccidere la maggior parte degli scagnozzi di Raylan. Nel finale, tuttavia, avvengono una serie di imprevisti colpi di scena, che analizziamo qui di seguito.

La spiegazione del finale di L’uomo nel buio – Man in the Dark: Norman è morto?

La domanda più grande che L’uomo nel buio – Man in the Dark lascia agli spettatori riguarda il destino di Norman. Sorprendentemente, il pubblico potrà giungere a due conclusioni diverse a seconda della durata della visione. La fine del film indica pesantemente che Norman è morto, ma la scena post-credits mostra il contrario. Dopo aver subito un pestaggio da parte di Raylan e dei suoi scagnozzi, il film si conclude con lui che giace senza vita nel quartier generale della banda, apparentemente morto tra le braccia di Phoenix. Ha un’enorme ferita da taglio nel fianco che sgorga sangue.

La scena post-credits, invece, mostra il cane con cui Norman ha fatto amicizia tornare al quartier generale della banda, dove inizia a leccare la mano di Norman e poi si sdraia tranquillamente accanto a lui. Proprio in quel momento, le dita dell’uomo iniziano a contrarsi prima che il film diventi nero per l’ultima volta. Questo è tutto ciò che serve al film per far capire che Norman è vivo. L’inversione a sorpresa del suo destino offre al franchise l’opportunità di riportare Norman in vita nell’annunciato terzo film.

Perché Tara mantiene il nome Phoenix

Alla fine di L’uomo nel buio – Man in the Dark c’è un momento che potrebbe confondere alcuni: Tara dice con orgoglio che il suo nome è Phoenix quando va a stare in una casa di cura per bambini. Ciò che rende questo momento potenzialmente strano è che Tara ha ricevuto questo nome solo da Norman, che le ha mentito negli ultimi otto anni. Avrebbe potuto decidere di scegliere un nome completamente nuovo, ma la decisione di chiamarsi Phoenix la dice lunga. È un segno che Tara considera Norman come la sua vera famiglia e sa che ha contribuito a salvarle la vita.

Come ha fatto Raylan a trovare Tara?

Un aspetto della trama di L’uomo nel buio – Man in the Dark che non trova una risposta diretta è come Raylan sia riuscito a trovare la figlia scomparsa dopo tutto questo tempo. È stato in prigione per la maggior parte degli ultimi otto anni e Phoenix ha lasciato raramente la casa di Norman durante questo periodo. Dal momento che l’inizio del film inquadra lui e i suoi amici come predatori, è solo molto più tardi che si fa un po’ di chiarezza. Phoenix si reca nella sua vecchia casa quando Norman la lascia uscire per la giornata e alla fine si scopre che Raylan era lì nello stesso momento. È possibile, anzi probabile, che abbia intuito che si trattava della figlia perduta da tempo e che sia riuscito a seguirla per poi rintracciarla.

Che cosa significa il finale e la scena post-credits per un sequel?

Il finale e la scena post-credits di L’uomo nel buio – Man in the Dark lasciano dunque aperta la porta a un sequel, ma in circostanze molto diverse. Phoenix crede che Norman sia morto, ma lo considera chiaramente il suo vero padre. Quando la polizia troverà i numerosi cadaveri nel quartier generale di Raylan, potrebbe scoprire che Norman è riuscito a sopravvivere. Questo potrebbe spingerla a cercarlo, ma nel finale lui le ha detto che deve stargli lontano. Questo probabilmente non impedirà a Phoenix di cercare di rintracciarlo per avere almeno la conferma che è ancora vivo. La ricerca di Phoenix potrebbe però essere solo una parte della storia di un terzo film.

Con la notizia che Norman è vivo, è possibile che una versione più adulta della Rocky di Jane Levy venga a sapere cosa è successo. Se venisse a sapere che Norman ha rapito un’altra ragazza, questo potrebbe essere il motivo per cui torna a Detroit e si scontra di nuovo con lui. L’aspetto interessante di questo scenario è il ruolo di Phoenix. Rocky potrebbe voler allontanare Phoenix da Norman e mostrarle il mostro che è veramente. Tuttavia, Phoenix ha sempre visto un lato completamente diverso di Norman e potrebbe collaborare con lui per combattere Rocky. Se né Phoenix né Rocky saranno presenti nel sequel, allora l’idea che Norman sia vivo offre ai registi l’occasione per farlo incontrare con un altro gruppo di ignari criminali.

Come il finale cerca di riscattare Norman

Uno dei punti più controversi di L’uomo nel buio – Man in the Dark, da quando è stata rivelata la trama, è il tentativo di riqualificare Norman come un eroe. Sebbene abbia fatto cose spregevoli nel primo film, è il personaggio centrale del sequel e il finale di questo sequel tenta di redimerlo. Il film lo pone come il minore dei due mali, rendendolo responsabile di aver salvato Phoenix dalla morte. Questo comporta comunque un gran numero di uccisioni e ignora in gran parte il fatto che ha rapito Phoenix quando era solo una bambina. La sua “redenzione”  avviene quando si pente essenzialmente dei suoi peccati, riconoscendo di aver ucciso e violentato in passato, prima di definirsi un mostro.

Questo avrebbe dovuto spaventare Phoenix, ma l’espiazione è compromessa dal fatto che la scena si svolge come se il pubblico dovesse pensare che Norman non può essere così cattivo, perché sta dichiarando le proprie colpe. Se c’era qualche dubbio sul fatto che il finale vuole che il pubblico provi empatia per Norman e lo veda come un eroe, il suo scambio finale con Phoenix lo chiarisce. Lei vuole impedirgli di morire, ma lui rifiuta di farsi aiutare. Poi dice che Phoenix lo ha già salvato. Tuttavia, il pubblico potrebbe essere ancora incerto sull’effettiva bontà di Norman, per cui sarà necessario vedere come il terzo film affronterà la cosa.

Il vero significato del finale di L’uomo nel buio – Man in the Dark

Con un suo modo contorto, il finale di L’uomo nel buio – Man in the Dark parla di famiglia, di trovare una casa al di fuori di quella in cui si è nati e persino di perdono. L’intero film è costruito intorno alle due figure paterne di Phoenix, molto diverse tra loro. Mentre si contendono il suo affetto, Phoenix sta anche pensando di prendere una direzione completamente diversa per ricominciare la sua vita. Alla fine, sceglie di farlo, ma mantiene anche una parte del suo passato con Norman, scegliendo deliberatamente il nome che gli ha dato, in quanto si rende conto che la sua vita con Norman era migliore di quella che avrebbe avuto altrove.

Il regista Osgood Perkins ha parlato delle origini della creazione del nuovo boogeyman dell’horror con un incantesimo occulto e glam-rock per infestare i vostri sogni. Perkins ha detto che il personaggio era un’idea che ha “cercato di inserire in altri progetti”, finché non si è rivelato quello giusto: Longlegs. L’inserimento del pallido demone in questo film sovverte le aspettative del pubblico legate alla struttura procedurale di un agente dell’FBI che cerca di catturare un serial killer. Longlegs si avvita in una spirale cupa e sinistra fino a quando il pubblico si rende conto che il serial killer di Nicolas Cage non è l’unico personaggio che l’agente dell’FBI Lee Harker (Maika Monroe) dovrebbe temere.

La madre solitaria di Lee, Ruth (Alicia Witt), è una persona che ha accettato da tempo il sangue sulle sue mani. Ci sono bambole inquietanti che nemmeno l’icona dello slasher Chucky oserebbe affrontare. Perkins si impegna al massimo per raggiungere un livello di paura tale da far impennare i contenitori di Monsters Inc. e non è ancora soddisfatto. È qui che entra in gioco Kiernan Shipka. Non è la star di Longlegs, ma lascia una grande impressione sul pubblico che fa venire i brividi se si sente ancora una volta “Felici come pesche”. Con una sola scena, Shipka infonde terrore nei panni di una sopravvissuta di Longlegs, ben lontana dalla strega adolescente di Le terrificanti avventure di Sabrina.

Chi interpreta Kiernan Shipka in Longlegs?

Dagli anni ’70, l’FBI sta indagando su uno schema di casi freddi di famiglie scoperte nelle scene del crimine di omicidi-suicidi che sono collegati a un serial killer criptico e sfuggente noto come Longlegs, senza trovare alcuna pista. Negli anni ’90, la nuova recluta dell’FBI Lee Harker sembra avere una capacità psichica che le permette di trovare una nuova pista per scrollarsi di dosso la polvere dei casi irrisolti. La pista porta l’agente dell’FBI alla famiglia Camera, dove un padre ha ucciso la moglie e il prete locale in visita prima di togliersi la vita, lasciando la giovane figlia Carrie Anne (Shipka) come unico membro superstite della famiglia. Durante la perquisizione della proprietà dei Camera, Harker scopre una bambola a grandezza naturale di una bambina, ordinatamente riposta nel fienile.

Nel vicino ospedale psichiatrico, la rimozione della bambola e la visita di Longlegs risvegliano Carrie Anne, la figlia della famiglia Camera. La ragazza è rimasta in stato catatonico per anni, fino agli ultimi eventi. Lee Harker va a trovarla e trova la ragazza stanca, come se stesse ancora cercando di svegliarsi dal “lungo sogno”, come dice lei. Carrie Anne parla dolcemente con Harker, rivelando ciò che è accaduto alla sua famiglia, e diventa sempre più minacciosa nei confronti dell’agente dell’FBI. Tutto ciò che Harker può fare è ingoiare le sue ansie per non contorcersi sulla sedia. Kiernan Shipka ruba la scena nella sua unica scena di Longlegs, in cui gli spettatori osservano cosa succede quando qualcuno si avvicina troppo all’oscurità del serial killer, e non è piacevole.

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La Carrie Anne di Kiernan Shipka è l’unica sopravvissuta di Longlegs

Prima di questa scena, l’accesso di Harker ai casi irrisolti le permette di capire quanto siano macabri e depravati i massacri familiari. Quando entra in una delle scene del crimine più recenti, i corpi non sono stati trovati abbastanza presto e stanno marcendo. Le linee di sangue vengono annientate quando Longlegs prende di mira queste famiglie. L’apparizione di Carrie Anne Camera è la prova vivente che solo perché è sopravvissuta all’incantesimo omicida del serial killer sulla sua famiglia non significa che sia sfuggita alla sua morsa satanica. In fondo al monologo di Shipka c’è il suo legame con la bambola che Harker ha portato alla luce e con la sfera d’argento trovata nella sua testa.

Il giocattolo a grandezza naturale sembra essere responsabile di aver tenuto Carrie Anne in uno stato catatonico per anni. Tutto questo, dalla perdita della famiglia alla bambola inquietante, dovrebbe angosciare Carrie Anne, ma non è così. Quando Harker vuole sapere della recente visita di Longlegs, la ragazza ci ripensa con affetto, con un senso di lealtà verso di lui e verso “l’uomo del piano di sotto”. Per chi non avesse capito questo soprannome, sì, sta parlando del Diavolo. Questa unica sopravvissuta è intrappolata in un empio caso di sindrome di Stoccolma.

Con un taglio di capelli pixie, Carrie Anne assomiglia a Mia Farrow di Rosemary’s Baby, un altro film di culto del diavolo, ma con una distinzione. In quel film horror degli anni ’60, Rosemary non riesce a trovare il sostegno delle persone della sua vita e arriva ad accettare il suo ruolo di madre dell’Anticristo. È stata usata dal marito, dai vicini e dal medico nel loro patto con il Diavolo. La setta di Rosemary’s Baby si nascondeva in bella vista, con John Cassavetes e Ruth Gordon che mascheravano i loro segreti insidiosi dietro un volto piacevole. L’assassino spettrale e campeggiante di Nicolas Cage non nasconde la sua vera natura in pubblico, il che non disturba Carrie Anne, che ha accettato il suo posto con lui e con il Diavolo. Nel suo monologo, il comportamento ritirato della Shipka diventa attento e concentrato su Harker.

Carrie Anne farebbe qualsiasi cosa Longlegs o l’Uomo del Piano di Sotto le ordinino di fare. Si ucciderebbe, “si butterebbe dalla finestra”, come dice lei, e sarebbe “felice come una rosa a guardare la terra che mi viene incontro”. Il suo strano linguaggio, senza dubbio dovuto al fatto che la catatonia non le ha permesso di maturare correttamente, conferisce alla scena un’ulteriore dose di stranezza. Poi Carrie Anne tratta Harker con la massima ostilità. “O se mi dicesse di ucciderti proprio qui”, dice, ‘in questa stanza a mani nude, lo farei sicuramente’. Il comportamento teso di Maika Monroe è più che comprensibile e quando il monologo “felice come una pesca” si conclude, il taglio su Harker che riprende fiato nel bagno è una liberazione catartica. Gli spettatori devono lasciarsi andare a una risata nervosa.

Il monologo di Carrie Annie in Longlegs è indimenticabile

È un compito difficile distinguersi in un film horror in cui gli attori veterani danno il meglio di sé. Kiernan Shipka ci riesce. La teatralità morbosa di Nicolas Cage nei panni di Longlegs è imprevedibile e mette tutti in tensione, dentro e fuori lo schermo. Alicia Witt ritrae una cupa accettazione in Ruth Harker, una suora che è stata complice dell’assassino, costretta a istigare e ad assistere agli omicidi della famiglia. A differenza di queste due, Carrie Annie non diventa mai fisicamente violenta, e non ne ha bisogno. La sua violenza implicita è più che sufficiente a scuotere lo spettatore quanto Lee Harker.

“Piccola puttana angioletto sporcacciona”. L’ultima battuta di Carrie Annie è un dialogo immaturo e sgradevole che si insinua nella materia grigia, proprio come accade a Harker. È un peccato che Carrie Anne abbia una morte fuori campo, ma questa scelta va di pari passo con il modo in cui la storia diventa fuori dalle righe man mano che scende nell’infernale finale. Il regista Osgood Perkins ha dato tutto quello che poteva a Longlegs, e l’unica scena di Kiernan Shipka è la più inquietante in un film che include un sound design snervante, una suora peccatrice e un serial killer occulto. Come se non bastasse, a rendere ancora più inquietante la scena di Carrie Anne è il fatto che il personaggio non assomiglia per niente a quello che l’attrice ha fatto di recente.

L’interpretazione di Kiernan Shipka in “Longlegs” non ha nulla a che vedere con le sue precedenti interpretazioni

L’attrice ha fatto molta strada dal suo ruolo di successo in Mad Man, nel ruolo di Sally, la figlia con un rapporto complicato e teso con il padre Don Draper (Jon Hamm). Negli ultimi due anni, Shipka si è fatta conoscere per i suoi ruoli da protagonista, feroce e decisa, in due progetti a tema horror. In Chilling Adventures of Sabrina, la sua interpretazione della strega adolescente Sabrina Spellman ha reinventato il personaggio con un mordente più oscuro, che combatte per la sicurezza dei suoi amici mortali e allo stesso tempo si oppone alle forze infernali patriarcali che vogliono farla ascendere a Regina dell’Inferno. Shipka porta la stessa energia in Totally Killer nel ruolo di Jamie, che viaggia nel passato per invertire gli omicidi commessi dall’assassino di Sweet Sixteen che ha preso di mira sua madre. Sabrina e Jamie sono eroine coraggiose che gli spettatori vogliono vedere vincere alla fine. In Longlegs, Shipka ti sconvolge molto di più di qualsiasi assassino o demone che le sue eroine passate hanno dovuto affrontare.

Twisters e Longlegs danno a Kiernan Shipka due personaggi diversi

Sebbene un film horror satanico e un blockbuster catastrofico non abbiano molto in comune, entrambi hanno un cameo di Shipka che permette all’attrice di fare un salto di qualità. Nella stessa estate di Longlegs, Shipka compare in Twisters per l’apertura.

L’attrice interpreta Addy, un membro vivace e caloroso della squadra di cacciatori di tempeste di Kate (Daisy Edgar-Jones), un personaggio molto più simile a Sabrina o Jamie. Le sue battute scherzose con un collega cacciatore aiutano il film a stabilire le dinamiche del gruppo e noi facciamo il tifo per loro mentre eseguono il loro studio sul campo. Tuttavia, nulla va secondo i piani: un EF-5 avvolto dalla pioggia uccide tutti tranne Kate. Vedere Addy che viene sbattuta dai detriti e trascinata nell’enorme imbuto è profondamente scioccante e sconvolgente, nonostante Shipka abbia avuto solo pochi minuti di schermo.

Shipka è una regina dei camei che ha la possibilità di mostrare la sua gamma sul grande schermo in due dei più grandi film estivi del 2024. È eccellente nel tipo di ruoli visti in Twisters o in Chilling Adventures of Sabrina, ma ha le carte in regola per evitare di essere un personaggio atipico.

Longlegs non è nemmeno la prima volta che Shipka appare in un film di Osgood Perkins. Nel suo debutto, The Blackcoat’s Daughter, l’attrice interpreta un altro personaggio oscuro che accetta felicemente un’entità demoniaca nella sua vita, con uno spazio di tempo più lungo che arriva lentamente ai suoi atti sanguinosi per compiacere il demone. L’apparizione di Kiernan Shipka in Longlegs può durare solo cinque minuti, ma fa valere ogni singolo estenuante secondo.

The Substance di Coralie Fargeat è uno dei film horror più ambiziosi del 2024. Le sue immagini vibranti e psichedeliche creano dipendenza, rendendo il film implacabile e coinvolgente sia per le immagini che per l’argomento trattato. Demi Moore è la protagonista nel ruolo di Elizabeth Sparkle, una donna di successo di Hollywood, la cui carriera sta cominciando ad affievolirsi a causa dell’età. Sebbene sia bellissima e chiaramente in ottima forma fisica, i produttori del suo programma di fitness vogliono che qualcuno di nuovo e, soprattutto, giovane la sostituisca.

Dopo aver scoperto un nuovo misterioso trattamento, la sostanza del titolo, le viene data l’opportunità di trascorrere sette giorni come Elizabeth e sette giorni come una versione più giovane e “migliore” di se stessa, nota come Sue (Margaret Qualley). Tuttavia, man mano che le due passano più tempo nei rispettivi corpi, le loro intenzioni si allontanano sempre di più e iniziano a dimenticare la regola d’oro: ricordati che sei una sola persona. L’atto finale è uno dei più sanguinosi e sorprendenti body horror che il 21° secolo abbia mai visto ed esplora fino a che punto qualcuno si spingerebbe per rimanere rilevante nei modi più estremi.

Di cosa parla The Substance?

The Substance si apre con un silenzio tombale. Lo schermo è scarno, a parte un uovo rotto al centro che viene iniettato con una sostanza luminosa. Questo fa sì che l’uovo produca un tuorlo identico. La visione semplicistica ispirata a Stanley Kubrick permea l’intero film e stabilisce il tono che tutto ciò che si sta per vedere è innaturalmente scientifico; è un ossimoro contorto. Il film introduce Elizabeth Sparkle e ricorda la sua carriera attraverso la sua stella sulla Hollywood Walk of Fame.

Attraverso un’unica inquadratura in movimento, la stella viene collocata, adorata, respinta, incrinata e deturpata da un fast food rovesciato. Elizabeth viene licenziata dal suo popolare programma di aerobica, poiché le viene detto dal suo produttore sciovinista Harvey (Dennis Quaid) che hanno bisogno di un volto nuovo e più giovane. Mentre torna a casa, Elizabeth rimane coinvolta in un brutto incidente d’auto. In ospedale, le viene consegnata una misteriosa USB dal giovane assistente medico. Le dice che è la candidata perfetta e che è la cosa migliore che abbia mai fatto.

La curiosità ha la meglio su di lei e, quando inserisce l’hard disk, si trova di fronte a uno spot televisivo abrasivo e audace, trasmesso con la colonna sonora techno compulsiva che accompagna anche il trailer del film. Alla fine, sentendo che la sua situazione è così ineluttabile, decide di provare la sostanza. Il prodotto viene fornito con istruzioni chiare: attivare una sola volta, stabilizzare ogni giorno e cambiare ogni sette giorni. Dopo essersi iniettata la sostanza, si assiste al primo momento di orrore corporeo: Elizabeth è costretta a far nascere il suo duplicato più giovane; è fetale e appiccicoso, a dimostrazione del fatto che The Substance si impegna nella realtà medica della procedura.

Anche se la sensazione è molto distopica, la crudezza dell’orrore fa sentire l’intero concetto come una possibilità contorta. La forma più giovane di Elizabeth, Sue, la ricuce e le attacca il liquido di alimentazione attraverso un tubo prima di andare a fare un’audizione come nuovo volto dello spettacolo di aerobica. Sue racchiude tutto ciò che a Elizabeth manca della sua giovinezza : fama, adorazione e opportunità. Dopo aver ottenuto il vecchio lavoro di Elizabeth, Sue viene catapultata a livelli enormi di fama e ammirazione, guadagnandosi persino un cartellone pubblicitario proprio davanti alla finestra di Elizabeth.

The Substance illustra i pericoli della fama

Elizabeth riesce a rispettare le linee guida della sostanza, cambiando ogni sette giorni, ma alla fine lo stile di vita di Sue diventa compulsivo e difficile da abbandonare, così prolunga il suo tempo nel corpo di Sue iniettando altro fluido da Elizabeth a Sue. Tuttavia, questo tempo supplementare ha conseguenze devastanti, in quanto la donna scopre che ciò che viene usato da una parte deve essere preso dall’altra, come dimostra il rapido invecchiamento di una delle dita di Elizabeth. Sulla via del ritorno dal ritiro di una delle sue ricariche, Elizabeth teme di essere seguita e finisce in una tavola calda. L’atteggiamento di Moore è agitato e inquieto, a dimostrazione del crescente stato di disorientamento e sfiducia di Elizabeth. Quando un uomo più anziano e dall’aspetto trasandato cerca di parlare con lei, la telecamera passa a una voglia sulla sua mano che conferma che si tratta della giovane e bella infermiera che ha fatto conoscere la sostanza a Elizabeth. L’uomo cerca di avvertire Elizabeth che la versione più giovane di lei continuerà a toglierle la vita, ma lei è talmente scossa che scappa, ignara di quanto sarebbe stato importante quell’avvertimento.

Con il passare del tempo, Elizabeth diventa sempre più depressa nel suo stesso corpo, guardando Sue che ha successo in TV mentre si abbuffa di quantità eccessive di cibo. La Sostanza si abbandona a una sequenza in cui Moore prepara violentemente il cibo mentre guarda Sue alla televisione a tarda notte, rivolgendo commenti sprezzanti e beffardi alla sua versione più giovane, mentre Sue sminuisce il lavoro di Elizabeth nella sua intervista. Questo ciclo continua, così ogni volta che Sue si sveglia, l’appartamento viene distrutto e, alla fine,diventa così stufa di tutto questo che decide di essere la forma più giovane per tutto il tempo che può, pompando stabilizzatore dal corpo di Elizabeth in barattoli. Durante questo periodo, le viene affidato anche il più grande ingaggio della sua carriera, quello di conduttrice della trasmissione di Capodanno.

The Substance spinge i limiti del body horror

Sue si gode il suo nuovo stile di vita per settimane, mentre Elizabeth deperisce in un armadio appositamente costruito. Avendo costruito una vita perfetta per se stessa, Sue dimentica le principali avvertenze della sostanza. Questa totale negligenza nei confronti del suo corpo originale la porta a esaurire il fluido stabilizzatore proprio prima della vigilia di Capodanno e la costringe a cambiare per consentire una maggiore quantità di fluido da rigenerare.

A questo punto The Substance raggiunge il punto di non ritorno, perché elimina tutti i lati patinati e stilizzati della fama e della notorietà e si butta a capofitto in un brutale orrore corporeo. Elizabeth si sveglia e Demi Moore è completamente trasformata, il suo corpo è invecchiato rapidamente ed emerge dal bagno in un modo che ricorda la famigerata vecchia di Shining. La sua pelle è fragile e i pochi capelli rimasti sulla testa sono fragili.

Decidendo di averne abbastanza, Elizabeth decide di porre fine all’esperimento. Telefona alla compagnia, trascina Sue dal bagno e le inietta il liquido di terminazione appena consegnato. Tuttavia, guardando fuori dalla finestra il cartellone dello spettacolo di Capodanno, Elizabeth si rende conto che Sue è la sua unica possibilità di rivivere il suo periodo di massimo splendore.

Il rammarico la spinge a rimuovere rapidamente l’ago, riportando in vita Sue, ma il processo separa comunque i due duplicati. Vedendo il liquido di terminazione sul pavimento, Sue si indigna e inizia a inseguire Elizabeth, ovviamente in vantaggio grazie alla sua giovinezza e alla sua fisicità (e al fatto che ha distrutto lentamente il corpo di Elizabeth per mesi). La donna sbatte il volto di Elizabeth contro lo specchio del bagno e la picchia brutalmente a morte, mentre lo schermo ricorda al pubblico di “ricordare che sei una sola persona”.

Come finisce The Substance?

Sue si dirige rapidamente alla registrazione dello spettacolo di Capodanno con la speranza di salvare la serata, ma l’abuso di sostanza provoca il rapido decadimento del suo corpo. Si dirige in bagno e sputa un dente, le unghie iniziano a staccarsi e, mentre tenta di andarsene, le cade un orecchio. Decide di usare di nuovo l’attivatore per cercare di creare una nuova versione di se stessa. Tuttavia, crea inavvertitamente una fusione mostruosa di Elizabeth e Sue. Il mostro cerca di prepararsi per lo spettacolo, indossando il vestito e gli orecchini di Sue prima di ritagliare l’immagine del volto di Elizabeth dal suo autoritratto di 3 metri e incollarla sul suo viso.

Il mostro si dirige allo studio per apparire sul palco al posto di Sue, ma viene accolto dalle urla di orrore del pubblico. La creatura implora e tenta di guadagnarsi l’ammirazione del pubblico urlando “Sono io”, ma viene attaccata da una delle guardie di sicurezza che le taglia la testa di netto. Tuttavia, con il fluido attivatore ancora in circolo, la testa ricresce. Segue un macabro bagno di sangue, mentre la creatura si rigenera continuamente e il pubblico viene ricoperto di sangue. Alla fine, la creatura riesce a fuggire all’esterno prima di esplodere in pezzi sul marciapiede. Tra le macabre interiora, il volto di Elizabeth è ancora intatto e cerca di strisciare via per mettersi in salvo. In un momento ciclico, il suo volto finisce sulla stella di Hollywood dell’apertura del film ed Elizabeth ha un’allucinazione di scintille che cadono dal cielo prima di sprofondare nella stella. Tutto ciò che rimane di Elizabeth Sparkle è un mucchio di sangue che viene rapidamente ripulito da una spazzatrice il mattino seguente.

The Substance è un macabro ammonimento sui pericoli che si corrono quando si cerca la fama, a prescindere dalle conseguenze, ma rappresenta anche la ruota del criceto della cultura della celebrità e come la notorietà possa svanire con la stessa rapidità con cui appare.

Con il film del 2016 Man in the Dark si ribalta la dinamica per cui, quando qualcuno si introduce in una dimora altrui, sono i proprietari di questa ad essere in pericolo. In questo caso, invece, è il padrone di casa il personaggio più pericoloso e folle in circolazione. Il film, diretto da Fede Álvarez e prodotto da Sam Raimi, si è affermato come uno dei titoli più apprezzati del suo anno per il genere thriller, ottenendo grande popolarità proprio per le sue novità narrative come anche per la grande suspense offerta. Nel 2021 è poi stato portato al cinema un sequel, dal titolo italiano L’uomo nel buio – Man in the Dark (qui la recensione).

Questo secondo capitolo è però diretto non più da Álvarez, che figura in ogni caso come produttore accanto a Raimi, bensì da Rodo Sayagués, qui al suo debutto alla regia dopo essere stato lo sceneggiatore di Álvarez per il film del 2016 e per La casa. La principale differenza, in ogni caso, sta nel fatto che l’uomo nel buio del titolo non è più l’antagonista, bensì l’eroe di questo nuovo racconto. Data la popolarità da lui riscontrata con il primo film, si è infatti deciso di spostare su di lui, il suo passato e le sue abilità tutte le attenzioni del caso. Una scelta che ha decretato il successo anche di questo sequel.

Per chi ha apprezzato il primo film, dunque, L’uomo nel buio – Man in the Dark è un titolo decisamente da non perdere, capace di regalare intrattenimento, spaventi e colpi di scena degni del primo film. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e all’annunciato sequel. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di L’uomo nel buio – Man in the Dark

Protagonista del film è Norman Nordstrom, l’ex marine cieco che, dopo gli eventi del precedente film, si è ritirato in una capanna isolata tra i boschi, dove vivere in pace. Sono trascorsi 8 anni e nonostante la sua cecità, Norman è riuscito a sopravvivere e a ricreare quella famiglia agognata, che ha perso a causa di un incidente d’auto per mano di un autista ubriaco. Insieme a lui, infatti, vive la undicenne Phoenix, rimasta orfana dopo che i suoi genitori sono morti in un incendio. Norman, inoltre, sottopone la giovane ad allenamenti in pieno stile marine per far sì che possa difendersi da sola.

Quando in casa irrompe però una banda di malvivente, il cui obiettivo è rapire Phoenix, le cose si complicheranno per Norman. Il gruppo, tuttavia, sottovaluterà l’uomo, convinti che essendo cieco non darà loro alcun problema. Naturalmente non sanno cosa li aspetta e Norman si dimostrerà subito pronto a tirar fuori ancora una volta il suo lato più selvaggio e la sua natura sanguinaria, pur di salvare Phoenix. L’età avanzata, però, rappresenteranno un problema per lui, che stavolta potrebbe non essere in grado di difendersi né di difendere chi a lui caro.

Il cast di attori

Ad interpretare Norman Nordstrom vi è naturalmente ancora una volta Stephen Lang, il quale ha dichiarato che, in preparazione per riprendere il personaggio, ha lavorato con la Northeastern Association for the Blind ad Albany, per rappresentare accuratamente i manierismi di una persona non vedente. Anche stavolta, Lang ha ricevuto numerose lodi per la sua interpretazione. L’attrice Madelyn Grace è invece qui presente nei panni di Pheonix, la giovane adottata da Norman. I due attori hanno lavorato a lungo per costruire l’intesa presente tra i loro personaggi.

Brendan Sexton III interpreta invece Raylan, capo del gruppo intenzionato a rapire Phoenix e dunque principale antagonista del film. Accanto a lui, si ritrovano gli attori Adam Young nel ruolo di Jim Bob, Bobby Schofield in quelli di Jared e Rocci Williams in quelli di Duke. L’attore Steffan Rhodri interpreta Il chirurgo, mentre Stephanie Arcila è Hernandez. Infine, Diana Babnicova interpreta Billy, mentre Fiona O’Shaughnessy ricopre il ruolo di Josephine.

Confermato il sequel L’uomo nel buio – Man in the Dark 3

Nell’agosto 2021, Álvarez ha espresso interesse nello sviluppo di un sequel, riconoscendo che ci sono piani per esplorare personaggi aggiuntivi del primo film, affermando che alla fine di quello le storie di Norman Nordstrom e della Roxanne “Rocky” di Jane Levy sono state intenzionalmente lasciate aperte. Il regista ha dichiarato che intende esplorare le conseguenze che entrambi i personaggi affrontano per le loro azioni criminali, con ciascuno dei loro passati che li raggiunge in film diversi. Nell’agosto del 2022, è stato riferito che un terzo film è ufficialmente in fase di sviluppo.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming

È possibile fruire di L’uomo nel buio – Man in the Dark grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Infinity+ e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 28 ottobre alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Fonte: IMDb

Immaginate cosa ci vuole per far sì che un film venga acclamato da alcuni come il più grande lavoro di una carriera che comprende Un pugno di dollari, Il buono, il brutto e il cattivo e C’era una volta il West.

Se gli spaghetti western del maestro italiano Sergio Leone erano epopee dello spazio, senza mai mancare di collocare i loro cowboy e truffatori nell’ampia distesa del deserto “western” che fa da cornice alle loro imprese e alla loro fame di sopravvivenza, allora il suo film di gangster del 1984 C’era una volta in America è un’epopea del tempo, che salta costantemente avanti e indietro tra le versioni dei suoi personaggi durante tre distinti periodi della loro vita: giovani delinquenti nel 1918, gangster incalliti nei primi anni ’30 e uomini più anziani, da tempo fuori dal giro, nel 1968.

È uno sguardo ampio e brutale sull’esperienza degli immigrati e sul sogno americano, con protagonisti molto più anti che eroi. Eppure, è stato stroncato alla sua uscita in America, vittima di tagli imposti dallo studio che hanno sottratto il film al controllo di Leone e lo hanno quasi dimezzato per l’uscita negli Stati Uniti, secondo il New York Times. Il resto del mondo ha ottenuto qualcosa di più vicino alla visione originale del regista, un film vasto con una durata di circa quattro ore. Gli Stati Uniti ricevettero la versione dimostrativa, che ha influenzato le reazioni per decenni e ha lasciato il pubblico completamente confuso da ciò che aveva visto.

Questo potrebbe essere vicino alle intenzioni di Leone, ma non in senso positivo. Il finale originale del film, la visione di Leone, sovrappone un paio di misteri, ma lascia al pubblico il compito di determinare le risposte, nonché il modo in cui potrebbero combaciare o divergere. Ecco come lo fa.

Qual è la trama del finale di C’era una volta in America?

Prima di tutto, qualche retroscena. Il punto di vista del pubblico per tutto il film è il gangster Noodles Aaronson (Scott Tiler, poi Robert De Niro). Dopo aver formato una banda con l’amico Max (Rusty Jacobs, poi James Woods) quando erano ancora ragazzini emergenti del Lower East Side, Noodles viene arrestato per aver accoltellato un boss locale.
Quando Noodles viene rilasciato, la banda si è trasformata in un’operazione di contrabbando di successo. Tuttavia, il loro successo è di breve durata: l’impero crolla dopo l’abrogazione del proibizionismo, pochi anni dopo. Noodles viene convinto da Carol, la fidanzata di Max (Tuesday Weld), a denunciare la banda per un reato minore, che li manderà in prigione per un periodo più breve, riducendo il rischio di conseguenze più gravi.

Il piano però fallisce e Max e Noodles litigano, con Noodles che stende Max prima dell’arrivo della polizia. Quando si riprende, scopre che i suoi amici sono tutti morti in una sparatoria con i poliziotti. Fugge, anestetizza il dolore nella fumeria d’oppio che il pubblico ha visto per la prima volta nella scena iniziale del film e fugge a Buffalo, dove vive la sua vita in clandestinità.

O almeno così fa, finché qualcuno del suo passato non lo ritrova nel 1968. Viene a sapere che Max ha inscenato la propria morte con l’aiuto della polizia e ha trascorso gli ultimi 30 anni a scalare la classifica del sindacato dei Teamsters sotto l’identità di Christopher Bailey, arrivando così in alto da diventare Segretario al Commercio degli Stati Uniti. Ma ora Max si è inimicato le persone sbagliate e ha contattato Noodles per ucciderlo prima che lo facciano i Teamsters.

Max muore alla fine di C’era una volta in America?

È qui che entra in gioco il primo dei doppi misteri del film. Noodles rifiuta l’incarico: per lui Max è morto con il resto della banda e questa è un’altra persona a cui non deve nulla. Lascia la casa di Bailey, ma Max, o qualcuno, lo segue nel buio. Mentre Max si dirige verso di lui, un camion della spazzatura passa tra i due uomini e quando riparte, Max non si vede da nessuna parte. La telecamera segue invece il camion, mostrando il retro dove una lama rotante taglia e compatta i rifiuti.

L’immagine del camion che fa il suo lavoro sembra sicuramente un po’ protagonista. Qualcuno che ha già ingaggiato un amico per ucciderlo ed è stato respinto, potrebbe cogliere la prossima occasione disponibile per fare il lavoro da solo. O forse il camion faceva parte di un piano di assassinio e Max non aveva scelta. Ma anche le alternative sono possibili. Max potrebbe essere fuggito, o potrebbe anche non essere stato Max. Secondo quanto riportato da Cinephilia & Beyond, Woods stesso non sapeva che fine avesse fatto il suo personaggio. Leone, per preservare l’ambiguità, avrebbe girato la scena con la controfigura di Woods anziché con l’attore.

Quanto di C’era una volta in America potrebbe essere stato il sogno di Noodles?

La questione potrebbe essere irrilevante. La sequenza finale del film, dopo che Noodles assiste all’atto di sparizione di Max, ritorna a un Noodles più giovane nella fumeria d’oppio dopo la “morte” dei suoi amici negli anni Trenta. Egli assume la droga e il film termina con un sorriso beato che gli si disegna sul volto.

Una teoria, avanzata da OtakuKart.com, sostiene che questo potrebbe essere il giovane Noodles che si rende conto di ciò che Max sta facendo e decide di fare la sua parte. Egli “finalmente capisce il piano di Max per sfuggire alla misera vita da gangster”. Ma il sito Aural Crave avanza un’altra teoria, più spesso ripresa: “Forse è all’interno di quel sorriso che Noodles immagina ciò che vediamo nel film, come una proiezione inconscia del suo desiderio che il suo amico sia ancora vivo, e lui [non] dovrebbe avere alcun rimorso per la sua morte”.

La sequenza suggerisce quindi che tutto ciò che è accaduto dopo l’ingresso di Noodles nel covo – la fuga a Buffalo, il ritorno a New York, l’ascesa alla ribalta e l’imminente caduta di Max – è il prodotto di un sogno indotto dall’oppio. La versione di Noodles di un lieto fine è che il suo amico sopravviva abbastanza a lungo da rivelare un tradimento durato 30 anni, per poi tornare di nuovo sotto il potere di Noodles facendo quella richiesta. Forse l’ambiguità del destino finale di Max è dovuta all’indecisione di Noodles stesso. Non sa se vuole che il suo amico sopravviva o meno; sa solo che non vuole essere lui a ucciderlo.

Final Girl, letteralmente “L’ultima ragazza”. Questo termine, coniato da Carol J. Glover nel suo libro del 1992 Men, Women, and Chainsaws: Gender in the Modern Horror Film, si riferisce al tropo, visto prevalentemente nei film slasher, che vede l’eroe e colei che sconfigge il cattivo come una ragazza timida, intelligente e buona a cui viene risparmiata la vita perché non fa sesso e non si droga come i suoi amici. La ragazza finale è stata vista ovunque alla fine degli anni ’70 e per tutti gli anni ’80, prima di essere risuscitata nella seconda metà degli anni ’90. Le tre più popolari sono probabilmente Jamie Lee Curtis nel ruolo di Laurie Strode in Halloween del 1978, Heather Langenkamp nel ruolo di Nancy Thompson in A Nightmare on Elm Street del 1984 e Neve Campbell nel ruolo di Sidney Prescott in Scream del 1996. Il tropo dell’ultima ragazza ha dominato talmente tanto i film horror degli anni ’80 che alla fine del decennio il pubblico si era stufato di questa formula banale. Scream è riuscito a riportarlo in auge solo grazie al suo approccio metaforico che cercava di esaminare i tropi di questo tipo di film.

Dopo Scream c’è stata una seconda vita per i film slasher con film come So cosa hai fatto l’estate scorsa e Urban Legend, ma si è rapidamente esaurita. Per un po’ di tempo, l’horror è diventato di nuovo stantio e, quando è tornato, è stato per film pieni di sangue come Saw o film di possessione e case infestate come Insidious o The Conjuring. Poi, nel 2014, è arrivata Maika Monroe e l’attrice è diventata una ragazza definitiva per le generazioni Millennial e Gen Z, con una grande differenza rispetto alla maggior parte dei film precedenti. 10 anni dopo, la Monroe è ancora una delle migliori final girl di Hollywood. Se volete una prova di ciò, non guardate oltre il successo horror di quest’estate, Longlegs.

The Guest ha mostrato per la prima volta come potrebbe essere una nuova final girl

Prima è arrivato The Guest. Si tratta di un thriller, ma con molti elementi horror, diretto da Adam Wingard, reduce dal successo a sorpresa di You’re Next nel 2011. Il film, interpretato da Dan Stevens, che stava vivendo un momento di gloria grazie al suo ruolo da star in Downton Abbey, racconta la storia di un veterano dell’esercito della guerra in Afghanistan, David Collins, che si presenta a casa della famiglia di un soldato ucciso, sostenendo di essere suo amico. La madre e il padre del soldato caduto accolgono David, ma quando le persone iniziano a morire, la figlia Anna (Monroe) crede che David sia il responsabile.

Si capisce, attraverso le battute familiari, che Anna è destinata a diventare una final girl, ma non è una ragazza tradizionale. Ha un fidanzato che nasconde ai genitori, va alle feste e si droga. È un personaggio basato su come sono molti adolescenti reali, non solo attualmente, ma anche decenni fa. L’unica differenza è che decenni fa Hollywood pensava che i suoi eroi, soprattutto quelli femminili, dovessero essere innocenti. Il pubblico di oggi desidera vere ragazze definitive, con tutti i loro difetti.

Ciò che rende The Guest particolarmente inquietante è che, mentre nel momento culminante i genitori di Anna sono morti e lei sta lottando per la sua vita, David è tranquillo e fa battute. Anna spara a David, ma in pura tradizione slasher, lui scappa e lo si vede allontanarsi nell’ultima inquadratura. Se da un lato è la comicità eccentrica che ha aiutato The Guest a distinguersi da film simili, dall’altro ha fatto sì che la Monroe venisse vista come una potenziale nuova scream queen.

It Follows ha cambiato il modo in cui guardiamo i personaggi femminili nei film horror

Più tardi, nel 2014, la Monroe è stata la protagonista dell‘innovativo It Follows, scritto e diretto da David Robert Mitchell. Come The Guest, It Follows è in parte uno slasher simile a Halloween, ma con una dose di qualcosa di più simile a A Nightmare on Elm Street, pur essendo completamente originale. La trama segue un gruppo di amici adolescenti sulle tracce di una forza invisibile che si trasmette attraverso il sesso. C’è un punto di vista intelligente sul fatto che il sesso può uccidere. Nei film slasher tradizionali, era un tropo che portava all’uccisione, ma qui sarà letteralmente la ragione della vostra morte.

Monroe interpreta Jay, che non è il tipico stereotipo di ragazza del college. Vive a Detroit, suo padre è morto, sua madre è un’alcolizzata (questo aspetto è accennato piuttosto che giocato in modo melodrammatico) e Jay frequenta un community college. Anche se si può vedere che lei lotta tranquillamente, questa lotta non rappresenta il suo personaggio. È ancora una persona, a cui piacciono i ragazzi, si eccita agli appuntamenti e fa persino sesso sul sedile posteriore di un’auto al primo appuntamento. Non vedreste mai Laurie Strode fare una cosa del genere. Questo è ciò che rende Jay così reale e relazionabile, perché non è un personaggio stereotipato. È una giovane donna che non rientra in nessun archetipo idealizzato di ciò che una giovane donna dovrebbe essere.

Dopo aver fatto sesso con il suo nuovo ragazzo, Hugh (Jake Weary), lui le rivela di averle trasmesso un’entità sessualmente trasmissibile che la ucciderà se non la trasmetterà a qualcun altro attraverso il sesso. Si tratta di un caso estremamente raro di un film horror che ci dice che il sesso può salvarci – ma si richiama comunque a vecchie storie dell’orrore, poiché il sesso è il modo in cui Jay si mette in pericolo in primo luogo.

It Follows ritrae la complessità del sesso in tutte le sue forme, presentandolo come una sorta di punizione e come una grazia salvifica. Anche Jay, o una qualsiasi delle donne della storia, non sono soggetti esclusivamente a questo: ogni personaggio rischia di essere preso di mira dall’entità, basta che faccia sesso. Jay fa sesso con più personaggi nel film (anche se alcuni sono suggeriti fuori dallo schermo) e questo non definisce la sua persona. It Follows, e Maika Monroe sovvertono le aspettative della brava ragazza finale, che di solito veniva definita in base alla sua verginità o meno.

Sono le sottigliezze che rendono Maika Monroe la perfetta final girl Gen Z

Mentre il film è stato lodato per la sua premessa intelligente, per l’emozionante colonna sonora di sintetizzatori e per le domande che crea nel corso del film, la Monroe ha ricevuto alcune critiche da parte di coloro che ritenevano che non fosse abbastanza emotiva. Per essere una final girl, non ha urlato abbastanza, non si è fatta prendere dal panico. Non ha sorriso e riso costantemente nelle scene iniziali come avrebbe fatto qualche scrittore maschio degli anni Ottanta.

Al contrario, nel primo atto c’è una tranquillità in lei che possiamo percepire senza che ci venga spiegata o esagerata. Borbotta. Sembra stanca. È una ragazzina che cerca di sopravvivere alla vita. Questo non significa che quando accadono momenti terribili, il suo personaggio non reagisca. Lo fa di sicuro. Non avremmo paura del mostro invisibile se lei non lo fosse. Piange, urla, si fa prendere dal panico e corre per salvarsi, ma senza esagerare e quando lo fa, lo fa con una certa stanchezza, come se avesse già abbastanza da fare nella sua vita, e ora deve anche affrontare un demone sessuale che la perseguita.

La stanchezza e la sensazione di essere sopraffatti che vivono le generazioni di oggi sono avvertite anche da Jay e dai suoi amici. Non c’è una grande ed eroica ultima battaglia in cui una forte Jay distrugge il cattivo. Al contrario, non sanno cosa fare. Sono solo adolescenti. Il piano migliore che riescono a escogitare è quello di attirare l’entità in una piscina, farle seguire una Jay spaventata nell’acqua, poi lanciarle addosso tostapane e asciugacapelli collegati, sperando che rimanga fulminata. È un piano sciocco, ma realistico, perché cosa fareste voi se foste al loro posto?

Villains ha preso il tropo della final girl e l’ha stravolto

Cinque anni dopo, Monroe sarebbe diventata un’altra final girl atipica in Villains, iniziando proprio come tale, il cattivo. Insieme a Bill Skarsgård, i due attori interpretano una giovane coppia di nome Mickey e Jules che ha appena rapinato una stazione di servizio. Fuggono in quella che pensano essere una casa abbandonata, ma nel seminterrato trovano una bambina legata. Vogliono salvarla, ma poi arrivano i proprietari della casa (Jeffrey Donovan e Kyra Sedgwick) e Mickey e Jules devono lottare non solo per la vita della bambina, ma anche per la loro.

È un’impresa rara trasformare un cattivo in un eroe nel corso dello stesso film, ma qui funziona, grazie alla presenza e all’abilità recitativa della Monroe. C’è una fragilità nei suoi lineamenti che ci fa fare il tifo per lei, a prescindere dal personaggio iniziale. Se il tropo della final girl deve essere portato avanti con successo nell’era della Gen Z, la strada da percorrere è quella di un’eroina stratificata e realistica, che rifiuta gli ideali della “brava ragazza”; e Maika Monroe ha già dimostrato come farlo.

Longlegs dimostra che Maika Monroe è qui per restare

Nel 2022, Maika Monroe ha recitato in Watcher della scrittrice e regista Chloe Okuno. Sebbene si tratti di un film minore che ha fatto il giro del mondo in streaming piuttosto che al cinema, è un film che richiede di essere visto. In Watcher la Monroe interpreta Julia, un’americana che vive a Bucarest, dove il marito Francis (Karl Glusman) si è trasferito per lavoro.

Julia non conosce nessuno e non parla la stessa lingua di tutti gli altri, e non possiamo fare a meno di provare pena per lei. Non è solo la trama a suscitare questa emozione, ma anche lo sguardo di Julia. Maika Monroe sembra sempre avere questa capacità naturale di trasmettere una profonda tristezza sul suo volto. Sarà anche una giovane donna bellissima, ma c’è anche qualcosa di imbarazzante in lei, come se non si sentisse a proprio agio nella sua pelle.

Questo la rende un’attrice ideale per interpretare un personaggio vulnerabile, come Julia è sicuramente in Watcher, dove è perseguitata da un uomo inquietante dall’altra parte della strada di nome Daniel (Burn Gorman), che potrebbe essere un serial killer. Watcher è volutamente frustrante, perché nessuno crede a Julia che qualcuno le stia dando la caccia. Viene costantemente trattata come una donna stressata e paranoica da tutti i suoi conoscenti, compreso il suo stesso coniuge.

Questo la rende un bersaglio debole per Daniel, che può gettare benzina sulle sue accuse e allo stesso tempo pedinarla all’aperto. In una scena, arriva persino a portare con sé una borsa con dentro una testa umana decapitata, perché chi crederà a questa giovane donna americana isterica? Julia combatte per la sua vita da sola, ma non importa se vince o perde la battaglia contro il suo aggressore maschio, una parte di lei è già stata sconfitta per sempre dal fatto di non essere veramente vista. Julia è davvero la ragazza finale, tutta sola.

Watcher è un film più tranquillo, fino al suo finale strampalato, ma non si può dire lo stesso di Longlegs. L’incubo creato da Osgood Perkins è diventato un fenomeno già prima della sua uscita, grazie alla brillante campagna di marketing che ha coinvolto Nicolas Cage nei panni del protagonista, un serial killer selvaggio e scatenato. Queste aspettative mettono sotto pressione la Monroe, che è la vera star di Longlegs perché Cage è presente solo in una manciata di scene. A lei spetta il compito di portare avanti la narrazione, che sarebbe potuta crollare con un’attrice meno brava.

La Monroe interpreta Lee Harker, un’agente dell’FBI a caccia dello squilibrato serial killer “Longlegs”, ma questo non è un clone de Il silenzio degli innocenti e la Monroe non cerca di replicare la Clarice Starling di Jodie Foster. Entrambe possono essere donne forti e indipendenti con un trauma passato, ma la Monroe lo interpreta in modo diverso. In quasi tutte le scene, Harker si mostra sicura di sé e coraggiosa, ma allo stesso tempo sembra distrutta e spaventata.

Non parla molto, e quando lo fa la sua voce è spenta dal dolore che porta con sé, e l’espressione del suo viso cambia raramente. Dietro i suoi occhi si cela un mistero, intrigante quanto chi sia Longlegs e come uccida. Questo la rende la migliore controparte possibile: un assassino che esteriorizza la sua follia in modo spaventoso, che si scontra con una donna che interiorizza le sue forze e debolezze, portando a uno scontro terrificante nella loro unica scena insieme.

Per decenni, il tropo della final girl ha avuto le sue regole su come l’eroina avrebbe dovuto comportarsi. Maika Monroe, con la sua giovinezza, il suo bell’aspetto e i suoi capelli spesso biondi, potrebbe sembrare una final girl stereotipata, ma non lo è mai stata. I suoi personaggi hanno molto di più che essere delle semplici vergini intelligenti, santarelline e timide che non sono capaci di nulla finché non vengono spinte al limite. La Monroe interpreta ragazze finali che sono state spinte al limite molto prima di conoscerle. C’è una tristezza in loro, e un potere che aspetta di essere scatenato sulla povera entità o sul selvaggio serial killer che commette l’errore di inseguirla.