Il regista francese Thomas Cailley ha aperto la sezione Un Certe Regarde di Cannes 2023 con il suo The Animal Kingdom. che arriva nelle sale italiane il 13 giugno con I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection. Il genere umano è in piena mutazione, un virus sta trasformando gli uomini in animali. Queste creature però non sono considerate malvagie, anzi fin da subito il film di Cailley racconta una certa integrazione tra le due parti. Queste creature però sono accompagnate in un percorso di adattamento in dei centri specializzati.

Queste mutazioni sono lente e imprevedibili e colpiscono gli esseri umani di qualsiasi età. È quanto accaduto alla mamma di Émile (interpretato da Paul Kircher) e suo padre, François (interpretato Romain Duris) che cercano di gestire la situazione facendo vedere alla donna – ormai completamente trasformata in un lupo – che è tutto normale. Non si conosce l’entità delle mutazioni, né se sono contagiose, ma una cicatrice sulla guancia di Émile, si trasforma presto in un problema da risolvere.

The Animal Kingdom, la trama

Il film di Cailley cambia immediatamente prospettiva quando un furgone con a bordo le creature deraglia. Émile e François si recano subito sul posto per apprendere la notizia: la madre era sul furgone e adesso è scappata. Padre e figlio iniziano la ricerca con il tentativo maldestro di comprendersi meglio l’un l’altro. François però non sa che il figlio è in fase di trasformazione. The Animal Kingdom attraverso la mutazione da uomo ad animale racconta del passaggio di Émile all’età adulta, mischiando finzione e realtà in quello che si presenta come un film fantasy.

Per questo una parte della pellicola è dedicata anche al rapporto teen tra Émile e Nina (interpretata da Billie Blain) e tra François e Julia (interpretata da Adèle Exarchopoulos). Due rapporti diversi e generazioni nati dalla disperazione della ricerca di una via di fuga dalla realtà anche se nel film verrà approfondito maggiormente il primo. Due rapporti che devono lottare contro il tempo perché più passa più le trasformazioni si evolvono, non lasciando la possibilità alla parte umana di emergere. Per Émile il destino è già segnato. Volutamente il regista ci mostra le parti più crude della sua trasformazione: gli artigli, la forza e l’olfatto potenziati.

I mutanti

Oltre alla madre che vediamo riapparire in seguito, gli altri mutanti protagonisti di The Animal Kingdom mostra l’uomo-uccello mutante (interpretato da Tom Mercier), Fix (come si fa chiamare) l’uccello che imparerà a volare. Insieme a lui Froggy, una ragazza che si arrampica sugli alberi e sembra trasformarsi in un camaleonte. Ma non sono i soli, esiste tutta una comunità nel bosco – creata proprio dopo il deragliamento del furgone – dove vive anche la madre di Émile.

Ma sul finale, The Animal Kingdom si perde anche quella che doveva essere la premessa originaria del film del rapporto tra uomo e natura. L’idea che queste creature possano coesistere con gli esseri umani viene lasciata all’immaginazione dello spettatore, senza concretezza, perché alla fine questa convivenza non si concretizza. Per il resto il film porta alta la bandiera del coming of age senza esitazione e anzi la trasformazione di Émile e i suoi cambi repentini di umore, dalla rabbia alla gioia, costituiscono un punto a favore della narrazione nel romanzo di formazione che fa Cailley con The Animal Kingdom. La mutazione è trama fantastica ma è anche metafora del cambiamento che l’adolescente affronta.

Luc Jacquet, l’esploratore e regista che ha vinto l’Oscar per La marcia dei Pinguini nel 2006, porta la sua macchina fotografica e il suo amore per il Polo Sud in un viaggio in un luogo dove bastano pochi passi per circumnavigare il globo. Un viaggio prima di tutto interiore che va a decifrare il fascino di Jaquet per un continente magnetico: l’Antartide. Con Viaggio al Polo Sud, nelle sale italiane dal 13 giugno con Movies Inspired, Luc Jaquet condivide con il pubblico la lunga strada verso l’Antartide; dalla Terra del Fuoco e da Capo Horn, ci mostra che raggiungere questa terra ostile richiede una grande forza di volontà e di sacrificio.

Viaggio al Polo Sud: il ritorno a casa di Luc Jaquet

Con Viaggio al Polo Sud, presentato alla scorsa edizione del Locarno Film Festival, Luc Jacquet torna nelle terre australi sotto forma di diario di viaggio introspettivo. Sin dalla sua prima visita, il continente bianco ha agito come una calamita per il regista, che non è riuscito a staccarsene una volta tornato dalla sua spedizione. Il viaggio dell’esploratore inizia in Patagonia, sulla punta delle Ande. Lì ritrova l’atmosfera e i suoni di un tempo: il sussurro delle ali dei condor sopra la sua testa, lo scricchiolio del ghiaccio al passaggio della barca. Il decennio trascorso lontano dall’Antartide rivela l’impronta dannosa dell’uomo sulla natura: dove un tempo c’era una foresta, ora la terra è arida e decimata.

In ogni momento, sente la presenza dei grandi esploratori che hanno compiuto il viaggio prima di lui, come Magellano e la sua squadra nel XVI secolo. A Capo Horn, il documentarista si imbatte nelle balene blu. La barca ha fatto il suo primo scalo su una terra vergine: il ghiacciaio Larsen, che un tempo si estendeva per chilometri, è praticamente scomparso. Arrivato nel cuore dell’Antartide, Luc Jacquet incontra i tanto attesi pinguini imperatore, che non vedeva da 10 anni. Con questo nuovo film sul continente australe, il documentarista non enfatizza più le sue percezioni fisiche, ma concentra la narrazione sulle sue sensazioni emotive. Guidato dalle sue emozioni, racconta in modo esoterico la nostalgia del viaggiatore che non smette di voler tornare in Antartide per vedere l’animale che lo ha reso un successo.

Come non rimanere affascinati dall’andatura goffa dei pinguini – Papua, Adélie o Imperatore? Questi abitanti non hanno altra verità da proclamare che la loro capacità di domare questi territori dove l’uomo rimane una presenza intermittente; da qui, la necessità di accettare ciò che la natura è disposta a dare loro.

Jaquet si racconta viaggiando

Viaggio al Polo Sud di Luc Jacquet è un lungometraggio molto personale, raccontato con le parole e la voce del regista, che lo dirige in prima persona. Esattamente trent’anni dopo aver messo piede per la prima volta in Antartide, l’uomo che ha ottenuto un enorme successo e ha vinto l’Oscar per il miglior documentario nel 2006 con La marcia dei pinguini torna a cercare di spiegare la sua dipendenza emotiva dal continente magnetico.

Così, Jaquet torna a viaggiare nelle profondità del Polo Sud, in questi spazi superbi, tanto temibili quanto fragili, dove solo le specie animali abituate al freddo estremo riescono a sopravvivere. Il viaggiatore accompagna il suo racconto in barca e poi in slitta con una pagina di letteratura accurata, dove le parole si fondono con i paesaggi sontuosi. Questo viaggio interiore nel cuore di una natura inaridita è come un ritorno all’infanzia e una riconciliazione con i demoni che rodono il regista.

Pensieri da un diario di bordo ghiacciato

Quello di Viaggio al Polo Sud è un viaggio a senso unico attraverso le sue emozioni, girato in un bianco e nero artistico e talvolta astratto, scelta che permette alla natura di respirare e al suo silenzio di farsi sentire. Luc Jacquet segue i suoi desideri piuttosto che un copione stabilito: nessuna erudizione o grandi discorsi in quest’ora e venti minuti in terra incognita, ma le parole di un uomo che riesce a condividere la sua passione e i suoi pensieri sullo stato del pianeta.

A stretto contatto con la fauna dei ghiacci, Luc Jacquet si meraviglia della tenerezza dei pinguini e della nascita di una giovane foca leopardo. Viaggio al Polo Sud è un’esperienza orale e intima che richiede una certa sensibilità e che potrebbe tenere a distanza chi desidera lasciarsi incantare in silenzio dalla poesia delle immagini. Un male minore che non toglie nulla alla grazia di questo continente magnetico e al messaggio ecologico di Luc Jacquet.

A partire dal 12 giugno è disponibile in streaming su Netflix Ricchi a tutti i costi, una commedia irriverente, come la piattaforma l’ha definita, prodotta nel 2024 e sceneggiata e diretta da Giovanni Bognetti, qui al suo quarto lungometraggio. La stessa firma di Natale a tutti i costi, il film campione di incassi del 2022, remake italiano della pellicola francese Mes très chers enfants diretta da Alexandra Leclère nel 2021: un film che parla di sé attraverso le cifre, dal momento che dalla sua uscita ha totalizzato circa 22 milioni di spettatori. Ricchi a tutti i costi riprende tutti i personaggi di questo film per trasportali in un sequel ‘estivo’ della storia. Ritroviamo infatti la famiglia Delle Fave al completo: il padre Carlo, interpretato da Christian De Sica, la madre Anna, a cui presta il volto Angela Finocchiaro, e i due figli, Emilio e Alessandra, interpretati da Claudio Colica e Dharma Mangia Woods.

Ricchi a tutti i costi: caldo estivo e toni noir

La commedia assume stavolta toni noir, ribaltando il copione del precedente film di Bognetti: dalle atmosfere del Natale si passa infatti al caldo di una delle più belle e vacanziere isole del Meditarraneo e da un plot improntato alla separazione scopriamo in Ricchi a tutti i costi una famiglia più unita che mai. Fin troppo, verrebbe da dire, dal momento che la copiosa dose di cinismo che caratterizza i Delle Fave stavolta potrebbe portare addirittura a un omicidio.

La famiglia si riunisce intorno a uno dei meccanismi più classici (e più belli) utilizzati dal cinema per innescare ua storia e l’arco di cambiamento dei personaggi, ovvero il viaggio. Ma andiamo per ordine: i sei milioni di euro ereditati dalla nonna Giuliana (Fioretta Mari) nel primo film non sono più al sicuro. L’anziana ereditiera, infatti, è stata circuita da Nunzio, un latin lover tanto rampante quanto sospetto interpretato da Nini Bruschetta, una vecchia fiamma di Anna con un passato fumoso e due mogli decedute alle spalle. La coppia ha annunciato alla famiglia di voler convolare a nozze nell’isola di Minorca per poi trasferirsi in Brasile. 

Quale che sia la natura della preoccupazione dei familiari, la vita della nonna o i sei zeri del suo conto in banca, la miccia ha preso fuoco e con essa la girandola di gag più o meno riuscite. A compattarle e dare loro una consistenza che rappresenta poi il vero punto forte della trama, è il doppio binario che innesta la follia di un piano omicida, ovvero eliminare Nunzio per proteggere la nonna (e i sei zeri del conto in banca) da un matrimonio fatale, sulle relazioni veritiere di una famiglia che non smette mai di essere vera, quotidiana.

Lo sfondo di insanìa, infatti, rimane sempre in equilibrio con le dinamiche padri-figli, il divario generazionale, le difficoltà legate alla ricerca del lavoro e l’insoddisfazione che spesso caratterizza i giovani adulti di oggi. E su tutto, la mamma chioccia italiana, che come nel primo film percorre contro tutto e tutti ogni possibilità di unione anche, come in questo caso, la più malsana: “Era dalla vacanza in Grecia che non facevamo qualcosa tutti e quattro insieme”, esclama felice. Il desco familiare è riunito sotto l’egida del crimine, alla ricerca di un modo ‘pulito’ per far fuori Nunzio. 

Il genere commedia: le gag e il politically correct

Ricchi a tutti i costi si sviluppa intorno agli stessi argomenti che avevano decretato il successo del primo film, ovvero quel rapporto di odio-amore che anima tutte le famiglie e che coinvolge gli spettatori in una carambola di liti quotidiane e situazioni paradossali, alla ricerca di una comicità tuttavia standardizzata: si lavora di sponda per affilare battute e dialoghi nell’ambito di un tipo di scrittura che il politically correct ha reso oggi, se possibile, ancora più complesso rispetto alla trasparente audacia degli autori degli anni Cinquanta e Sessanta, la cui libertà ha fatto della commedia all’italiana un vero e proprio genere.