Jensen Ackles parla della sconvolgente
cancellazione di Countdown.
Ackles era il protagonista di Countdown nel ruolo del
detective Mark Meachum. Dopo essere stato chiamato a indagare e
rintracciare il responsabile dell’omicidio di un agente del
Dipartimento della Sicurezza Nazionale, scopre un’enorme
cospirazione.
La
prima stagione si è conclusa con un grande colpo di scena dopo
il rapimento dell’agente speciale Amber Oliveras (Jessica
Camacho). Ackles e lo showrunner Derek Haas avevano
precedentemente espresso il desiderio di continuare la serie. La
serie ha continuato ad avere un buon successo su Prime Video, dove è ancora al 10°
posto nella classifica statunitense dello streamer a più di un mese
dall’uscita del finale.
Poche ore dopo la notizia della
decisione di Prime Video di cancellare Countdown, Ackles ha
condiviso la sua reazione su Instagram. Ha espresso il suo
disappunto, descrivendo questo risultato come “una
delusione” e affermando che questa è “la fine per Mark
Meachum” e gli altri personaggi.
Ackles ha anche sottolineato quanto
fosse grato di aver realizzato una serie che è stata un’esperienza
così positiva e ha ringraziato sia Prime Video che l’ex capo di
Amazon Global Television, Vernon Sanders, per aver sostenuto la
serie. Leggi la risposta di Ackles qui sotto:
Le recensioni di Countdown
non sono state positive, con lo show che ha ricevuto un punteggio
critico del 35% su Rotten Tomatoes. L’alto numero di spettatori
negli Stati Uniti e l’immensa popolarità di Ackles rendono la
cancellazione ancora più sorprendente, anche se secondo quanto
riferito il numero di spettatori globali è il motivo per cui Prime
Video ha deciso di terminare la serie.
Probabilmente anche il riferimento
di Ackles al sostegno di Sanders alla serie ha influito sulla
decisione di Prime Video. Sanders ha lasciato Amazon MGM Studios il
17 settembre e il suo posto è stato preso dall’ex dirigente di
Netflix Peter Friedlander, e questo cambio della
guardia probabilmente non ha giovato a Countdown, dato che
il futuro della serie era già stato deciso.
La notizia della cancellazione di
Countdown ha coinciso con quella di un’altra serie d’azione
della scorsa estate, Butterfly, anch’essa cancellata dopo
una sola stagione. La chiusura di Countdown e
Butterfly e il rinnovo di altre serie come lo spin-off di
Bosch, Ballard, stanno già plasmando questa nuova era
di leadership di Prime Video.
Le osservazioni di Ackles sul fatto
che questa sia la fine per Meachum, Oliveras e gli altri personaggi
indicano che si tratta di un finale definitivo per la serie e che
al momento non ci sono piani per cercare di rilanciarla altrove.
Per quanto riguarda il cliffhanger della prima stagione, ciò
significa che il destino di Oliveras rimarrà irrisolto.
Anche senza
Countdown, però, ci sono ancora molti programmi con
Jensen Ackles in arrivo, anche su Prime Video.
Ha ripreso il ruolo di Soldier Boy per la quinta stagione di
The
Boys durante l’estate 2025, e lo interpreterà anche nella
serie prequel di The Boys, Vought Rising. È stato
anche confermato il ritorno di Ackles nel ruolo di Russell Shaw
nella terza stagione della serie della CBS Tracker.
In copertina: Jensen Ackles
partecipa alla premiere della serie Countdown — Foto di Mlmattes
via DepositPhotos.com
L’introduzione di un nuovo
antagonista più minaccioso di qualsiasi criminale per Morgan nella
seconda stagione di High
Potential potrebbe distruggere l’intera premessa della
serie poliziesca. L’aggiunta di Morgan alla squadra Major Crimes
del tenente Soto come consulente è sempre stata in contrasto con
l’avversione di Morgan per le figure autoritarie. La
seconda stagione di High Potential ha continuato a
mettere in evidenza i problemi di Morgan attraverso il suo
arresto.
High Potential ha spesso dipinto il primo
impulso di Morgan di colorare fuori dalle righe come un grave
svantaggio, pur riconoscendolo come un vantaggio che la aiuta a
risolvere i crimini. Ciò è diventato evidente nella corsa contro il
tempo del finale della prima stagione di High Potential per
sventare il primo complotto del Game Maker, ma l’episodio 4 della
seconda stagione ha indicato che potrebbe porre fine alla carriera
di Morgan.
La perdita del lavoro di
consulente potrebbe costringere Morgan ad ammettere che in realtà
lo ama
L’apparizione di Solomon degli
Affari Interni dopo che Karadec ha sparato con la sua arma
nell’episodio 4 della seconda stagione di High Potential ha
evidenziato quanto la collaborazione con Morgan abbia influenzato
il cambiamento di Karadec, che ha respinto il suo suggerimento di
seguire la politica. Tuttavia, è stato l’interesse di Solomon per
la collaborazione di Major Crimes con Morgan che ha introdotto una
minaccia non troppo velata alla sua posizione attraverso la sua
ammissione di controllare le loro indagini.
L’ammissione di Solomon di
aspettare che Morgan commettesse un errore lo ha reso un chiaro
antagonista di Morgan, considerando la sua mancanza di rispetto per
le regole e le procedure come un ostacolo, indipendentemente
dall’importanza del suo contributo. Questo rende Solomon la più
grande minaccia alla collaborazione di Morgan con la polizia di Los
Angeles, danneggiando potenzialmente Morgan e la sua carriera
in un modo che nessun criminale avrebbe mai potuto fare.
L’occhio vigile di Solomon che
porta Morgan a perdere il lavoro potrebbe anche costringerla ad
ammettere finalmente quanto lo ama. La premiere della serie High
Potential ha stabilito che Morgan si è unita alla squadra di
Soto perché le avrebbe garantito uno stipendio fisso e avrebbe
potuto risolvere il caso irrisolto di Roman. Tuttavia, a Morgan
è sempre piaciuto usare le sue capacità per risolvere i
casi.
Il fatto che Solomon impedisca a
Morgan di fare il suo lavoro potrebbe cambiare la traiettoria della
sua storia più di quanto il Game Maker abbia mai potuto fare con le
sue minacce dirette a Morgan.
L’interesse di Morgan nel
proteggere le vittime e le loro famiglie e il suo apprezzamento per
aver ottenuto una scrivania nella prima stagione hanno già
dimostrato che far parte della squadra è importante per lei. Le sue
preoccupazioni riguardo al fatto che Soto diventi capitano,
cambiando le dinamiche nella seconda stagione di High
Potential, episodio 4, lo hanno ribadito. Tuttavia, Morgan non
ha mai espresso quanto il suo lavoro sia importante per lei.
Ogni volta che il ruolo di Morgan
veniva messo in discussione dal capitano Pacheco o dal tenente
Melon, Soto la difendeva. Il team di Morgan ha spiegato più volte
quanto Morgan sia importante per il successo di Major Crimes, ma
Morgan non ha mai riconosciuto espressamente di tenere al suo
ruolo e di volerlo mantenere. La minaccia di Solomon potrebbe
finalmente costringerla a farlo e rivelare un problema di lunga
data.
Morgan che accetta il suo ruolo
cambia il suo approccio all’autorità
Morgan non ha nascosto la sua
avversione per l’autorità in High Potential, e la sua
tendenza a infrangere le regole non è mai scomparsa. Tuttavia,
il suo ruolo di consulente rende Morgan effettivamente vicina
all’autorità. High Potential è riuscito finora a
mantenere un equilibrio tra i problemi di Morgan con l’autorità e
il suo aiuto, ma ammettere di amare il suo lavoro cambierebbe
inevitabilmente la posizione di Morgan.
Ciò potrebbe causare un cambiamento
importante nella premessa di High Potential, secondo
cui una persona come Morgan, che segue le regole quando le
conviene, aiuta la polizia di Los Angeles. Infatti, l’accettazione
da parte di Morgan del suo amore per il ruolo la spingerebbe a
continuare a stare vicino all’autorità, cambiando necessariamente
il suo comportamento, oppure creerebbe una forte dissonanza.
The New
Force, originariamente intitolato ‘Skiftet’, è un
dramma storico svedese Netflix ambientato nel 1958, quando Klara, a
Stoccolma, introduce una nuova iniziativa e include agenti di
polizia donne nelle forze dell’ordine. Tuttavia, sebbene l’idea
rimanga nobile, la realtà di essere una poliziotta, o “gonne”, come
vengono alla fine chiamate, presenta una realtà molto più
complicata. Le amiche e coinquiline Carin, Siv e Ingrid iniziano a
rendersene conto quando vengono accolte nella stazione di polizia
locale, solo per essere accolte con riluttanza, scherno e disprezzo
dai loro colleghi maschi. Ciononostante, le tre donne rimangono
salde nelle loro aspirazioni anche nei momenti più bui.
Tuttavia, le cose iniziano a
cambiare quando Carin si imbatte in un mistero più grande che
coinvolge la morte di una giovane prostituta, Monica. I possibili
collegamenti di quest’ultima con il famigerato criminale Jack
Hellman, che a sua volta sembra avere un infiltrato nelle forze
dell’ordine, promettono di condurre Carin al centro di una più
grande cospirazione. Tuttavia, con il suo lavoro e quello delle
altre poliziotte in bilico, è solo questione di tempo prima che la sua
indagine segreta la metta in guai seri. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in The
New Force?
Klara, Stoccolma, è sull’orlo di un
grande cambiamento quando il capo della polizia Gunnar Svärd
introduce un nuovo esperimento: sfruttare la manodopera ancora
inutilizzata delle donne poliziotto. Così, un piccolo gruppo di
donne viene ammesso all’addestramento e entra a far parte del
distretto locale come agenti. Il loro primo giorno, vengono
affiancate da agenti maschi come partner in un pattugliamento
condiviso per tutta la durata del periodo di valutazione. Tuttavia,
nonostante queste donne abbiano ricevuto lo stesso addestramento di
jiu-jitsu degli uomini, la maggior parte dei poliziotti maschi è
infastidita dalla loro presenza. Infatti, molti di loro si
rifiutano persino di parlare o di riconoscere le loro partner
femminili durante il pattugliamento. Il partner di Carin, Johan
Reimer, sebbene educato, inizialmente sembra essere dello stesso
tipo.
Durante il loro primo
pattugliamento insieme, i due inseguono alcune prostitute che
esercitano attività illecite. Sebbene l’operazione sia vana, porta
anche alla perdita del distintivo da parte di Carin, un reato che
lei teme le costerà il licenziamento il primo giorno. Per lo stesso
motivo, Carin decide di prendere in mano la situazione e va alla
ricerca di Monica, la prostituta, convinta che sia stata lei a
rubarle il distintivo. Di conseguenza, si ritrova infiltrata in un
bordello con la scusa di essere una delle lavoratrici. Questo la
porta faccia a faccia con Jack, il proprietario del locale, che si
rivela essere un criminale pericoloso. Anche se riesce a trovare
Monica, la donna, che sembra essere in gravi condizioni di salute,
insiste nel dire che non ha nulla a che fare con la scomparsa del
distintivo di Carin. Anzi, sembra spaventata dalla presenza di
quest’ultima, convinta che la farebbe uccidere.
Alla fine, l’agente riesce a
fuggire da quel luogo squallido con la vita salva. Tuttavia, il
giorno successivo, durante il pattugliamento, quando lei e Reimer
scoprono un cadavere nel lago, si rende conto che lo stesso non si
può dire per Monica. Anche se Carin rimane convinta che la morte
della prostituta abbia qualcosa a che fare con Jack Hellman, il
detective incaricato del caso, Fischer, si rifiuta di prendere in
considerazione le sue teorie. Di conseguenza, Carin finisce per
infrangere alcune regole per indagare sul caso di Monica,
desiderosa di ottenere giustizia per la giovane donna. Nel
frattempo, nel tentativo di entrare nelle grazie del detective
Oscar, con l’intenzione di trovare un mentore, Siv spaccia la
storia della sua amica per sua. Ben presto, il dipartimento fa
irruzione nel bordello, effettuando diversi arresti. Tuttavia, Jack
riesce a scappare grazie al suo informatore sotto copertura, Svärd.
Nello stesso periodo, una delle amiche di Monica costringe Carin ad
aiutarla accompagnandola durante il suo tentativo di fuga.
A sua insaputa, la poliziotta
finisce per aiutare la donna a scappare con parte del denaro di
Jack. Di conseguenza, il criminale finisce per prendere di mira
Carin, costringendola a pagare il debito di Katina. Alla fine, Jack
diventa imprudente nella sua ricerca e finisce per aggredire il
fidanzato della poliziotta, Aren, il che inevitabilmente lo porta
all’arresto. Tuttavia, la minaccia di Jack sulla vita di Carin
rimane. Per lo stesso motivo, Reimer le consiglia di andare da
Svärd con tutta la verità. Tuttavia, una volta che la poliziotta
viene a conoscenza del coinvolgimento del capo nella chiusura
prematura del caso di Monica, si rende conto che non ci si può
fidare dell’ufficiale superiore. Di conseguenza, finisce per
ricadere nelle vecchie abitudini, indagando sulle circostanze
dietro la morte della vittima. Alla fine, finisce per scoprire una
minacciosa connessione tra Monica, il suo protettore Jack e il capo
della polizia, Svärd.
Il nuovo finale: come è morta
Monica?
Il mistero dietro la morte di
Monica rimane al centro della narrazione di Carin sin dal suo primo
giorno di lavoro. In un certo senso, lei incolpa se stessa per il
destino della prostituta a causa della loro interazione la notte
prima della sua morte. Dal momento in cui viene scoperto il suo
cadavere, l’agente di polizia sembra convinta che Jack Hellman
debba avere qualcosa a che fare con il suo omicidio. Dopotutto, la
donna aveva insistito che Jack l’avrebbe uccisa se avesse scoperto
che lei aveva portato un poliziotto a scoprire le sue attività.
Pertanto, durante la sua indagine investigativa, opera partendo dal
presupposto che Jack sia al centro del caso. Tuttavia, tutto cambia
quando trova una pista sulla posizione di Monica presso il losco
locale Solveigs Salon, poche ore prima della sua morte.
Dopo alcune indagini, Carin riesce
a prenotare un appuntamento fuori orario presso il salone. Durante
la sua visita, sotto le spoglie di una cliente, si rende conto che
il locale gestisce un’attività illegale di aborto. Inoltre, riesce
a rubare un registro dal locale, che le fornisce la prova che la
prostituta aveva visitato il salone pochi giorni prima della sua
morte. Tuttavia, l’informazione più interessante che trova proviene
dal contatto di emergenza che la donna aveva registrato durante la
visita. Chiamando il numero, Carin viene indirizzata al numero
civico di nientemeno che il capo Svärd. Quando condivide le sue
scoperte con il suo partner, Reimer, lui insiste per riferire tutto
al detective Fischer, incaricato del caso chiuso di Monica. Dopo
che il poliziotto segue con riluttanza il suo consiglio, le cose,
come prevedibile, non portano a nulla, poiché il detective ritiene
che le prove concrete e inconfutabili non siano sufficienti.
Carin capisce quindi che deve
prendere in mano la situazione se vuole che il caso di Monica
giunga a una conclusione definitiva. Da quel momento in poi, alza
la posta in gioco, diventando più spericolata nella sua ricerca di
prove. All’ultimo momento, riesce a trovare un testimone che può
confermare che il capo della polizia era andato a prendere Monica
al salone quando aveva un disperato bisogno di cure mediche. In
seguito, quando arriva il momento per Carin di presentarsi davanti
ai capi dipartimento insieme a Svärd per una valutazione che
determinerà il futuro dell’esperimento sulle agenti donne, lei
rivela tutto sull’uomo ai suoi superiori. Questo mette Svärd in una
posizione emotivamente compromessa, che a sua volta lo porta a
confessare la verità sulla notte della morte della donna. Monica
aveva effettivamente cercato aiuto medico presso la clinica
abortiva illegale. Tuttavia, pochi giorni dopo l’intervento, ha
avuto una complicazione che richiedeva l’attenzione di un vero
ospedale piuttosto che di una clinica clandestina. Per lo stesso
motivo, il proprietario della clinica ha chiamato il suo contatto
di emergenza, Svärd, il padre di Monica. Nonostante le differenze
tra il padre e la figlia, probabilmente dovute alla professione di
quest’ultima, Svärd ha fatto del suo meglio per salvarla.
Purtroppo, Monica è morta sul sedile posteriore della sua auto. Per
lo stesso motivo, al fine di prendere le distanze dall’incidente,
il capo della polizia ha scelto di insabbiare la morte della
donna.
Carin denuncia Svärd? Cosa gli
succede?
Svärd ha un ruolo complicato nella
narrazione. È lui a guidare l’iniziativa che permette a Carin e
alle altre donne di entrare nelle forze di polizia. Pertanto,
qualsiasi minaccia alla sua reputazione rischia di smantellare
l’intero esperimento. Ciò significa che, denunciando il suo
superiore, l’agente donna dovrebbe rassegnarsi alla possibilità
molto concreta di vedere i propri sogni andare in fumo. Tuttavia,
incapace di tollerare ulteriormente l’ingiustizia, finisce per
vuotare il sacco durante il colloquio di valutazione. In precedenza
era riuscita a ottenere la testimonianza della donna che gestiva la
clinica abortiva, che aveva riconosciuto Svärd come l’uomo che era
andato a prendere Monica la notte della sua morte. Inoltre, se ne
avesse l’opportunità, potrebbe anche costringere Fischer a
presentare il registro come parte delle prove.
Tuttavia, mentre Carin è pronta ad
agire contro Svärd, indipendentemente dalle ripercussioni che ciò
potrebbe avere sulla sua carriera, lo stesso non si può dire per il
dipartimento di polizia. Rivelare il legame del capo della polizia
con Monica, sia come suo padre che come uomo che ha abusato del suo
potere per insabbiare il caso, esporrebbe il dipartimento a
critiche diffuse. Il suo superiore, Thullin, ne è consapevole.
Pertanto, finisce per offrire alla poliziotta una scelta. Carin può
andare avanti con il suo caso contro Svärd e rovinare la sua
reputazione, compromettendo così la sua iniziativa sulle donne
poliziotto, oppure può tacere e spianare la strada a un nuovo
gruppo di agenti che potranno entrare nel distretto. In definitiva,
la scelta è una tangente offerta per comprare il silenzio di Carin,
facendole capire che lei e le altre donne non possono realizzare i
loro sogni nelle forze dell’ordine senza essere “giocatrici di
squadra”, complici dei crimini degli altri agenti.
Alla fine, Carin prende la
decisione che le è più favorevole, tacendo sul coinvolgimento di
Svärd nella morte di Monica. Sono diversi gli elementi che portano
la donna a questa decisione. Da un lato, crede che l’esperimento
sia dannoso per la progressione delle donne nei campi
professionali. Non vuole privare le sue colleghe e le future agenti
donne della possibilità di dimostrare il loro valore. Inoltre, non
si può negare che la sua filosofia abbia un lato egoistico.
Tuttavia, la decisione che prende finisce per essere un’arma a
doppio taglio. Mentre l’esperimento può continuare, portando un
nuovo gruppo di agenti donne alla stazione di polizia, Thullin
trasferisce anche Svärd fuori dal distretto, sostituendo Fischer
come suo successore. Di conseguenza, le donne del distretto
rimangono sotto la guida di un capo sessista e tradizionalista, che
non ha alcun interesse reale a far progredire la loro carriera.
Ingrid denuncia Wallin?
Proprio come Carin, sua amica e
collega, anche Ingrid si trova in una situazione difficile in cui
deve scegliere tra la sua moralità e la sua carriera nella polizia.
Fin dal suo primo giorno di lavoro, viene affiancata a Wallin, un
agente della vecchia scuola pieno di pregiudizi razziali e
xenofobi. È anche fin troppo felice di abusare del suo potere di
agente di polizia per maltrattare e discriminare coloro che
considera inferiori a lui. Inutile dire che è fermamente contrario
alle iniziative di Svärd a favore della parità di genere. Durante i
primi giorni di addestramento, Wallin ignora ostinatamente Ingrid o
addirittura arriva a osteggiarla. Lei, dal canto suo, continua a
stringere i denti e a sopportare tutto come una sfortunata realtà
del suo lavoro. Tuttavia, le cose prendono una piega diversa dopo
un’irruzione notturna in un locale dove vengono proiettati
illegalmente film per adulti. Mentre raduna gli uomini presenti nel
locale, la poliziotta finisce per puntare la pistola contro uno di
loro.
Sebbene le sue azioni siano state
alimentate dalla sua stessa paranoia e paura, Wallin le interpreta
come una volontà di abusare del suo potere di agente delle forze
dell’ordine. Questo lo porta ad avvicinarsi a Ingrid, invitandola a
fare delle pause durante i loro pattugliamenti e a uscire con gli
altri agenti dopo il lavoro. Di conseguenza, lentamente ma
inesorabilmente, finisce per reclutare la donna nel suo gruppo di
poliziotti corrotti, che abusano regolarmente del loro potere
torturando e forse uccidendo individui appartenenti a gruppi
minoritari. Quando Ingrid si rende conto di ciò che sta accadendo,
è già troppo tardi e si ritrova di fronte a un uomo legato, con
l’incarico di dargli un paio di pugni. In quel momento, obbedisce
agli ordini di Wallin, troppo spaventata per provocare la sua ira
contro di lei. Tuttavia, in seguito si pente profondamente delle
sue azioni e considera di lasciare il lavoro come penitenza.
Tuttavia, sua nonna la aiuta a capire che deve sistemare le cose
non scappando, ma piuttosto prendendo posizione.
Così, la mattina seguente, Ingrid
decide di denunciare Wallin e il suo gruppo a Berg. Tuttavia,
entrambe le donne sanno dove porterà questa linea di condotta.
Essendo una donna in un distretto pieno di uomini, la parola di un
agente di polizia ha già poco valore. Pertanto, la sua unica
testimonianza non sarebbe mai stata sufficiente per incriminare il
gruppo razzista della stazione. Al contrario, avrebbe solo finito
per etichettarla come una spia, distruggendo il suo futuro
lavorativo. Nonostante ciò, dopo aver taciuto per troppo tempo,
Ingrid decide di impegnarsi per ottenere un vero cambiamento. Per
lo stesso motivo, decide di continuare la sua collaborazione con
Wallin per guadagnarsi la sua fiducia e raccogliere ulteriori
informazioni sul suo gruppo sovversivo. Con Berg dalla sua parte,
decide di giocare una partita a lungo termine, mettendo forse a
rischio la propria vita per avere una possibilità di giustizia.
Carin è incinta?
Nella storia, la gravidanza rimane
un argomento cruciale a cui la maggior parte delle agenti donne
deve prestare attenzione quando pensa al proprio futuro.
All’inizio, la gravidanza di un’agente la costringe a svolgere
mansioni d’ufficio. Poco dopo, viene licenziata dalla polizia con
la motivazione insignificante della sua incompetenza sul lavoro.
Naturalmente, il suo destino diventa un monito per Carin, che
all’inizio della serie ha una relazione seria con Aren. Per questo
motivo, si sottopone a un test di gravidanza, desiderosa di
scoprire se i metodi contraccettivi utilizzati da lei e dal suo
ragazzo sono abbastanza sicuri. Nel corso delle settimane
successive, la sua vita subisce un drastico cambiamento: la sua
relazione con Aren finisce, in gran parte a causa della instabilità
che il suo lavoro porta nella sua vita.
Infatti, la goccia che fa
traboccare il vaso nella loro relazione è la decisione di Carin di
stare al gioco del dipartimento e proteggere la reputazione di
Svärd in cambio del posto di lavoro suo e delle altre agenti donne.
Di conseguenza, quando la clinica chiama per confermare la
gravidanza, è l’ultima cosa di cui Carin ha bisogno. Una gravidanza
significherebbe la fine del suo lavoro e un’ulteriore complicazione
nella sua relazione con Aren, che tecnicamente non esiste più.
Ironia della sorte, è lei la diretta responsabile della chiusura di
una clinica abortiva illegale, che avrebbe potuto aiutarla a fare
una scelta diversa per il suo futuro, se lo avesse voluto. Alla
fine, la notizia mette il suo futuro in una situazione
precaria.
La serie NetflixBoots,
creata da Andy Parker, è un dramma militare che racconta la storia
unica di un
adolescente non dichiarato omosessuale nel Corpo dei Marines,
vista attraverso una lente comica. Negli anni ’90, il diciottenne
Cameron Cope non ha idea di dove lo porterà la vita. Decide quindi
di seguire il suo migliore amico, Ray, e di arruolarsi nel Corpo
dei Marines, nonostante la sua politica discriminatoria nei
confronti dell’omosessualità. Tuttavia, una volta arrivato al campo
di addestramento e entrato a far parte del suo plotone, il 2032, si
rende conto di quanto la sua scelta possa essere stata poco
informata.
Circondato da un gruppo eterogeneo
di reclute che hanno tutte scheletri da nascondere nell’armadio,
Cameron inizia lentamente a imparare il costo e la ricompensa di
diventare un marine. Con un tono umoristico, la serie approfondisce
la realtà quotidiana del campo di addestramento militare, in
particolare per reclute come Cameron, che sono state costrette a
nascondere una parte di sé per un motivo o per l’altro. Pertanto,
data l’autentica credibilità della storia, non sorprende che trovi
una base tangibile nella realtà.
Boots è in parte ispirato alle
memorie di Greg Cope White
Boots traccia una narrazione che
rimane radicata nella realtà, almeno in parte. La serie trae
ispirazione da The Pink Marine, le memorie biografiche di Greg Cope
White, ex marine statunitense diventato scrittore e produttore
televisivo. L’autore si arruolò nell’esercito statunitense nel
1979, in un periodo in cui l’omosessualità era illegale nelle forze
armate. Pur non rivelando la propria omosessualità, prestò servizio
come specialista delle comunicazioni e ottenne persino il grado di
sergente e un congedo onorevole. Dopo sei anni di servizio, iniziò
a perseguire una carriera nella scrittura e nella produzione
cinematografica e televisiva. Cope White fece coming out all’inizio
degli anni ’80, inizialmente in cerchie private e poi in modo più
pubblico. Tuttavia, solo nel 2016 ha deciso di scrivere la verità
sulle sue esperienze di marine gay che viveva nell’ombra in
un’epoca di palese intolleranza.
Dopo aver lavorato per qualche
tempo come sceneggiatore televisivo, Cope White ha deciso di
raccontare la sua storia attraverso la penna di uno scrittore.
Tuttavia, secondo quanto riferito, è stato anche spinto a
pubblicare il suo lavoro in risposta alle storie di giovani
adolescenti che sono stati spinti a misure estreme a causa di
violenti episodi di bullismo. Secondo quanto si dice, l’autore
voleva scrivere qualcosa che ispirasse nei lettori sentimenti di
resilienza e speranza. Alla fine, il libro è stato scelto per un
adattamento cinematografico, dopo aver superato notevoli ostacoli.
È stato deciso che la serie “Boots” avrebbe attinto solo in parte
ispirazione dal materiale originale e avrebbe creato una
controparte fittizia delle esperienze di vita reale dell’autore.
Ciononostante, Cope White era determinato a mantenere i
collegamenti fondamentali con alcune parti della sua opera.
In particolare, uno di questi era
il significato importante che le amicizie hanno avuto nel suo
percorso. Di conseguenza, il rapporto tra Cope White e il suo
migliore amico eterosessuale, Dale, che si è arruolato insieme
all’autore nel sistema di affiancamento, si riflette nella serie
attraverso la dinamica tra Cameron e Ray. Inoltre, l’ex marine era
anche determinato a mostrare il ruolo trasformativo dei marine
nella sua vita attraverso la narrazione della sua controparte
fittizia, Cameron. In definitiva, questi stessi aspetti rimangono
intrecciati nella trama della serie, in parte grazie allo stesso
Cope White, che è sceneggiatore e co-produttore esecutivo. Di
conseguenza, mantenendo una fonte di ispirazione reale, questa
storia parzialmente fittizia riesce a conservare un evidente senso
di realismo.
Il creatore Andy Parker poteva
identificarsi con la storia grazie alla sua quasi arruolamento nei
Marines
Simile a Greg Cope White, il
creatore del materiale originale, anche il creatore e showrunner
della serie, Andy Parker, ha un legame personale con la storia e il
suo protagonista principale. Sebbene non sia mai stato un vero
marine, c’è stato un periodo nella sua tarda adolescenza in cui ha
quasi arruolato nell’esercito. Secondo quanto riferito, alla fine
degli anni ’90, un reclutatore del Corpo dei Marines si recò a casa
di Parker mentre quest’ultimo cercava di convincere i suoi
genitori. Anche se i suoi genitori non erano contrari all’idea, ma
piuttosto confusi, alla fine non si arruolò. In una conversazione
con Rolling Stone, il
creatore della serie ha parlato di questa esperienza.
Parker ha raccontato: “(Sì,) volevo
assicurarmi che nessuno sapesse che ero gay, e ho cercato
attivamente il Corpo dei Marines in particolare. Quale modo
migliore per dimostrare la propria mascolinità se non arruolarsi
nei Marines? È l’istituzione nella nostra cultura che ti dà quel
marchio, l’approvazione che dice che ora sei un uomo. Sono stato
conquistato dalla loro straordinaria pubblicità, in particolare dal
famoso spot sugli scacchi del 1990, che ho potuto usare nel pilot.
Ancora oggi lo trovo divertente perché quello spot è così gay“.
Naturalmente, quando Parker ha letto il libro di memorie di Cope
White ”The Pink Marine“, gli è sembrata una narrazione di una
”strada non presa”, che era ansioso di adattare quando se ne è
presentata l’occasione. In definitiva, le esperienze personali del
creatore hanno conferito autenticità alla storia di Cameron, in
particolare in relazione all’epoca degli anni ’90 in cui è
ambientata la serie.
Boots cerca di rappresentare
accuratamente i marines senza essere polemico o
propagandistico
Data la premessa della storia,
“Boots” rimane intimamente legato al suo background militaristico,
presentando un’influenza rilevante sia sulla narrazione che sullo
sviluppo dei personaggi. Per lo stesso motivo, Parker e la sua
squadra di sceneggiatori hanno voluto mantenere un legame con la
realtà attraverso la consulenza di esperti. La presenza dei
veterani dei Marines Nick Jones Jr. e Megan Ferrell Burke nel team
di sceneggiatori ha sicuramente aiutato in questo senso. Inoltre,
Parker si è avvalso dell’aiuto di altri veterani dei Marines,
consiglieri militari e consulenti per la serie. Tuttavia, queste
misure sono state prese solo per garantire l’autenticità. Parker
era molto determinato a garantire che il progetto non diventasse
un’opera di propaganda con temi apertamente pro-Marines o
pro-militari.
Allo stesso tempo, Parker non
voleva diffondere sentimenti antimilitaristi. Al contrario, era
interessato solo a presentare un’interpretazione realistica,
fondata e accurata delle esperienze di un vero marine queer come
recluta in un’epoca in cui l’arruolamento comportava il sacrificio
della propria identità visibile. Il creatore ha approfondito questo
aspetto in un’intervista al New
York Times, dove ha detto: “Senza diventare polemici, penso che
quello che stiamo cercando di fare sia mettere in luce il costo
personale di queste politiche. Possiamo vedere quali sono le
conseguenze psicologiche, spirituali ed emotive per le persone che
devono distorcere se stesse, mentire, allontanarsi o essere
emarginate da un’organizzazione che amano e da un paese che
vogliono servire”.
Boots
di Netflix è una serie comico-drammatica in cui
un
ragazzo adolescente cerca di sfuggire alla sua vecchia vita
arruolandosi nei Marines. Cameron Cope è un adolescente che
nasconde la propria omosessualità e vive nella società omofoba
degli anni ’90. Quando il suo migliore amico Ray decide di
arruolarsi nel campo di addestramento dei Marines, Cameron vede
l’occasione per dare una svolta alla sua vita. Tuttavia, solo
quando arriva al campo di addestramento di Parris Island e scopre
cosa significa davvero diventare un marine, comincia a rendersi
conto di aver commesso un grave errore. Di conseguenza, ora il
giovane deve affrontare le 13 settimane più dure della sua vita,
piene di addestramento incessante sotto l’occhio vigile di sergenti
istruttori militaristi. Fortunatamente, nonostante l’inizio
difficile, il cameratismo che circonda Cameron e Ray finisce per
essere il lato positivo che promette di portarli al traguardo.
SPOILER IN ARRIVO!
La trama di Boots
A 18 anni, Cameron Cope si trova in
un momento di svolta nella sua vita senza avere alcuna idea di come
andare avanti. La sua vita sociale consiste principalmente
nell’interagire con bulli spietati, e la sua famiglia è composta da
un fratello indifferente e una madre narcisista, i cui intrighi
continuano a costringerli a lasciare la città ogni pochi anni. In
realtà, l’unica cosa positiva nella sua vita, a parte la sua
mancanza di omofobia interiorizzata, è Ray McAffey, il suo migliore
e unico amico, disposto a stargli accanto nella buona e nella
cattiva sorte. Tuttavia, con l’inevitabile trasferimento della sua
famiglia e il progetto di Ray di arruolarsi nei Marines, anche
quell’amicizia rischia di essere strappata via a Cameron. Pertanto,
l’adolescente ha la brillante idea di arruolarsi nei Marines
insieme al suo migliore amico nel tentativo di trovare uno scopo
nella vita. Questo, ovviamente, significa che dovrà tenere ancora
più segreta la verità sulla sua sessualità, poiché l’omosessualità
è severamente illegale nell’esercito.
Inizialmente, Cameron si convince
che l’esperienza non sarà peggiore di un campo estivo. Tuttavia,
l’errore delle sue supposizioni gli diventa evidente subito dopo il
suo primo giorno come recluta. I sergenti e gli istruttori
assegnati al suo plotone gestiscono la truppa con pugno di ferro,
non lesinando insulti. Così, rendendosi conto che il campo di
addestramento non è migliore del mondo omofobo che lo circonda,
l’adolescente decide di fallire l’esercizio di iniziazione delle
trazioni per assicurarsi un biglietto di sola andata per tornare a
casa. Tuttavia, finisce per cambiare idea, soprattutto nel
tentativo di ispirare il suo compagno recluta, John Bowman.
Tuttavia, i sentimenti di insicurezza permangono. Queste emozioni
diventano più forti quando il loro sergente istruttore razzista,
Knox, viene trasferito, portando il sergente Sullivan al campo.
Sfortunatamente per Cameron, è abbastanza sicuro che il nuovo
sergente riesca a vedere attraverso il suo proverbiale armadio con
le pareti di vetro.
Così, nei giorni seguenti, il
regime di addestramento di Sullivan rimane spietato, soprattutto
quando inizia a mettere Cameron e Ray l’uno contro l’altro, nel
chiaro tentativo di accendere una rivalità tra loro. Inoltre, il
primo ottiene anche la posizione di scriba, il che comporta una
buona dose di problemi. Tuttavia, a poco a poco, Cameron impara a
difendersi, nel bene e nel male. Inoltre, inizia anche a legare con
alcune delle altre reclute, come Nash e il suo compagno di
cuccetta, Ochoa. Allo stesso tempo, sembrano arrivare guai per
Sullivan sotto forma dell’NCIS che ficca il naso su di lui e sui
suoi precedenti. Inoltre, continua anche a prendere le distanze dal
rapporto stretto tra Cameron e Ray. Questo diventa un problema
importante quando scopre che Cameron ha rubato la carta igienica
dal plotone vicino nel tentativo di creare una rivalità che potesse
sollevare il morale di Ray, dandogli una missione per cui lottare.
Il conseguente confronto tra il sergente e la recluta diventa un
punto di svolta nella loro dinamica, in cui quest’ultimo si rende
conto che l’intensità del primo è il suo contorto tentativo di
plasmare l’adolescente nella forma richiesta per affrontare i
Marines.
Questo porta Cameron a
interiorizzare l’idea che deve uccidere il suo vecchio io per
sopravvivere nel mondo. Alla fine, il plotone 2032 viene portato ad
addestrarsi al tiro con il fucile, che si conclude in una tragica
tragedia. Ochoa viene a sapere della relazione extraconiugale della
sua amata moglie, che lo porta ad avere un episodio che
inevitabilmente lo uccide. Naturalmente, questo diventa un momento
di riflessione per il resto delle reclute, che piangono la morte
del loro fratello senza alcuna tregua dal loro addestramento e dai
loro doveri. Nel frattempo, l’agente dell’NCIS arriva al campo del
capitano Fajardo per porre a Sullivan alcune domande mirate su uno
dei suoi compagni Marines, il maggiore Wilkinson, che ha prestato
servizio con lui a Guam. Nello stesso periodo, il plotone 2032
accoglie una nuova recluta, Jones, un giovane ribelle che
ovviamente vuole lasciare i Marines. Non ci vuole molto perché
Cameron o Sullivan si accorgano dell’identità omosessuale della
nuova recluta, il che spinge il sergente a seminare zizzania tra i
due per tenerli lontani l’uno dall’altro. Alla fine, tutto questo
culmina nella prova finale che determinerà il futuro delle reclute
nei Marines: il Crucible.
La fine di Boots: cosa succede al
plotone 2032? Cosa significa per loro la notizia del
dispiegamento?
Il Crucible diventa la fase finale
che determinerà se le reclute del plotone 2032 diventeranno
ufficialmente Marines. Ogni membro ha una ragione unica per
arruolarsi e intraprendere la carriera militare. Santos è padre di
due figlie piccole ed è stato trasferito più volte a causa di un
infortunio al ginocchio. Pertanto, è ansioso di completare il campo
di addestramento questa volta e tornare finalmente a casa dalla sua
famiglia con un nuovo titolo da mostrare. Nel frattempo, Nash si
arruola solo per realizzare il suo grande sogno di diventare un
giorno il presidente del paese. Essendo un uomo di colore, sa che
in futuro la gente metterà in discussione la sua legittimità in
politica semplicemente a causa dei propri pregiudizi. Di
conseguenza, nel tentativo di evitare le critiche che hanno dovuto
affrontare quelli prima di lui, si arruola nei Marines, nonostante
i desideri dei suoi genitori, per dimostrare il suo valore e
servire il suo Paese.
D’altra parte, John e Cody Bowman,
fratelli in perenne contrasto, desiderano continuare la tradizione
di famiglia. Per quanto riguarda Slovacek, la sua presenza al campo
di addestramento ha poco a che vedere con le sue intenzioni e molto
più con il processo che gli ha dato la possibilità di scegliere tra
i Marines e la prigione. Sebbene questi diversi percorsi di vita
inizialmente mettano tutti questi recluti, insieme a Cameron e Ray,
in contrasto tra loro, col tempo imparano a fidarsi e a sostenersi
a vicenda. Sebbene non sia un segreto che il regime intenso del
campo di addestramento e la guida severa dei superiori abbiano
effetti negativi su ogni recluta, l’esperienza complessiva diventa
anche trasformativa in un modo diverso da qualsiasi altro.
Alla fine, le reclute completano il
Crucible, dimostrando una fratellanza segreta. Quando il problema
al ginocchio di Santos minaccia di deluderlo ancora una volta, Ray
e gli altri accettano di distribuire il peso del suo zaino per
assicurarsi che tutti completino la sfida insieme. Così, una volta
terminate le 13 settimane di addestramento, i ragazzi si ritrovano
tutti battezzati come marines, legati per la vita. Tuttavia, il
loro viaggio non finisce semplicemente lì. Sebbene sia vero che la
maggior parte delle reclute ha le proprie ragioni per arruolarsi
nei marines, tutti affrontano una responsabilità simile: difendere
il proprio paese in tempo di guerra. A quanto pare, quel momento
potrebbe essere più vicino di quanto questi uomini abbiano mai
immaginato. Cameron e Ray se ne rendono conto durante una visita
celebrativa al bar, dove le notizie in TV li informano dei piani
del Segretario alla Difesa di schierare le truppe statunitensi in
Medio Oriente per quella che diventerà la guerra in Iraq. Pertanto,
sembra che i peggiori incubi del Plotone 2032 stiano per diventare
realtà, poiché probabilmente saranno catapultati nel cuore di una
guerra spietata.
Cameron diventa un marine? Perché
sceglie di restare?
Il giorno del Crucible finisce in
modo molto diverso per Cameron rispetto ai suoi compagni reclute.
Tuttavia, nonostante le sfide uniche che deve affrontare, riesce a
completare il corso e a guadagnarsi la permanenza nei Marines. Alla
fine, però, tutto questo rischia di essere stato inutile.
Inizialmente, quando Cameron ha lasciato casa per il campo di
addestramento, sua madre Barbara (Vera
Farmiga), distaccata, non ha prestato molta attenzione
all’intera faccenda. Tuttavia, una volta capito cosa è successo,
cerca di riportare a casa suo figlio, ma finisce per essere
travolta dai propri vizi. Tra un reclutatore attraente e
un’opportunità redditizia in un gruppo di sostegno per madri in
lutto, sta quasi per rinunciare a cercare suo figlio e ad aiutarlo
a lasciare i Marines. Anche se non lo ha mai dato a vedere, Barbara
è a conoscenza dell’orientamento sessuale di suo figlio. Pertanto,
è consapevole di quanto sarà difficile per suo figlio una carriera
nell’esercito.
È proprio questa ansia che spinge
Barbara a recarsi al campo di addestramento di Parris Island con
una scialuppa di salvataggio per suo figlio. A quanto pare, alcuni
anni fa, la madre aveva manomesso alcuni documenti per far entrare
suo figlio all’asilo in anticipo. Pertanto, mentre tutti credevano
che Cameron avesse 18 anni, compreso lo stesso adolescente, la sua
età reale è in realtà ancora 17 anni. Questo lo rende minorenne e
quindi non idoneo per i Marines senza il permesso dei suoi tutori
legali. Una volta che Barbara informa il capitano Fajardo della
stessa cosa, suo figlio si trova di fronte a due alternative:
lasciarsi alle spalle l’intera esperienza del campo di
addestramento come un sogno febbrile o accettare le sue scelte a
testa alta. Cameron sa che sua madre sta cercando di offrirgli una
via d’uscita praticabile.
Se continuasse a perseguire una
carriera nell’esercito, finirebbe come Sullivan, che ha dovuto
nascondere la sua sessualità fino a quando non è stato scoperto.
Poiché essere omosessuale nell’esercito è un reato, diventare un
marine gli impedirebbe di vivere apertamente la sua vera identità
senza correre il rischio di essere congedato con disonore e
incarcerato. Inoltre, come sostiene la sua voce interiore,
l’incarnazione delle parti di sé che tiene nascoste al mondo, il
campo di addestramento aveva già servito al suo scopo. Cameron
voleva un nuovo inizio, che gli permettesse di affrontare meglio il
mondo. Essere una recluta gli ha già insegnato la fiducia, il
cameratismo e altro ancora. Tuttavia, l’adolescente si rende conto
che questo lo ha anche esposto a un mondo che ora desidera per sé
stesso. Nelle ultime settimane ha iniziato a identificarsi come
marine, un titolo a cui non era disposto a rinunciare così
facilmente. Per lo stesso motivo, costringe sua madre a firmare la
rinuncia, che alla fine lo aiuta a legittimare il suo periodo al
campo di addestramento.
Cosa è successo a Sullivan? Dove è
andato?
La narrazione di Sullivan nel corso
della storia rimane tragica ma intrigante. Viene introdotto nella
storia come una figura autoritaria e severa che sembra avere una
particolare fissazione per Cameron. Cerca continuamente di creare
una frattura tra sé e Ray, il suo unico sostegno nel campo, che
divide la sua attenzione tra il dare il meglio di sé e l’aiutare il
suo amico. Allo stesso tempo, mentre continua a prendere di mira
Cameron, sembra anche sinceramente interessato alla sua crescita
come recluta, ispirandolo e guidandolo verso il successo. Pertanto,
non ci vuole molto prima che diventi evidente che il legame del
sergente con l’adolescente deriva probabilmente da un senso di
auto-riflessione. Il motivo per cui è fissato con Cameron è che
vede in lui il suo passato. Proprio come il protagonista, anche
Sullivan è un uomo che nasconde la propria omosessualità
nell’esercito. Una delle uniche differenze tra loro è che
quest’ultimo ha sperimentato il costo di sopprimere la propria
identità a favore della carriera.
Prima di arrivare a Parris Island,
Sullivan ha prestato servizio nella ricognizione a Guam. Lì, dietro
porte chiuse, ha avuto una relazione con un maggiore della base,
Wilkinson. I due uomini prenotavano camere di motel insieme,
trascorrevano le notti insieme e si innamoravano lentamente ma
inesorabilmente. Tuttavia, ben presto iniziano a diffondersi voci
sul maggiore, costringendo il suo compagno di camerata, Rob, ad
avvertirlo di non farsi vedere con quell’uomo. Questo scatena in
Sullivan una reazione di lotta o fuga. Inizialmente, lui e
Wilkinson avevano deciso di lasciare insieme i Marines per provare
a costruire una vita insieme. I sentimenti che provavano l’uno per
l’altro erano reali, ma lo erano anche le paure del sergente. Alla
fine, ha scelto la via della codardia.
Sullivan presenta una richiesta di
trasferimento da Guam per sé stesso e inventa una storia secondo
cui Wilkinson gli avrebbe fatto delle avance per spiegare la sua
improvvisa decisione a Rob. In una crudele svolta degli eventi, Rob
finisce per denunciare il maggiore per comportamento omosessuale,
una violazione apparentemente legittima nell’esercito dell’epoca.
Per lo stesso motivo, l’NCIS ha cercato Sullivan al campo di
addestramento per interrogarlo sulla sua relazione con Wilkinson.
Sebbene egli abbia negato tutte le accuse, il tatuaggio sul cuore,
identico a quello del maggiore, diceva tutto. Così, pochi giorni
dopo, ha ricevuto la notizia dell’arresto e della detenzione di
Wilkinson. Da quel momento, ha capito che era solo questione di tempo prima che venissero a
cercare lui, cercando di verificare accuse simili.
Anche se Fajardo cerca di
rassicurarlo dicendogli che avrebbero affrontato il problema se si
fosse presentato, Sullivan sapeva che le sue parole erano ben
intenzionate ma alla fine vuote banalità. Ben presto, si ritrova
coinvolto in una rissa in un bar come modo per affrontare il suo
crescente dolore. Poiché questo incidente lascia un civile in coma,
il sergente rischia una grave causa legale. Nello stesso periodo,
il plotone 2032 si reca nei boschi per il Crucible, da dove Jones,
che ha l’abitudine di camminare nel sonno, scompare. Sullivan si
assegna quindi la missione di trovare il giovane, e Cameron finisce
per seguirlo. Una volta che i due riescono a salvare Jones, il
sergente si rende conto che Cameron ha davvero le qualità per
diventare un marine. Pertanto, considerando il suo lavoro concluso,
Sullivan decide di lasciarsi questa vita alle spalle e si dà alla
macchia. Alla fine, dopo anni di carriera decorata, Sullivan fugge
dai marine, sapendo che il peso del suo segreto lo affogherà
inevitabilmente.
Ray diventa un uomo d’onore?
Nel corso della storia, la
motivazione principale che spinge Ray ad arruolarsi nei Marines
deriva dal suo rapporto con il padre. Quest’ultimo è sempre stato
una figura autorevole nella vita dell’adolescente, che nutre grandi
aspettative nei suoi confronti. In realtà, la sua educazione ha
portato direttamente a una mentalità che trasforma anche il più
piccolo errore in un fallimento schiacciante nella sua mente. Di
conseguenza, è rimasto sconvolto quando i suoi problemi di ansia
hanno rovinato le sue possibilità di entrare nell’Aeronautica
Militare. Tuttavia, vuole rendere orgoglioso suo padre diventando
un marine. Ancora più importante, vuole guadagnarsi il titolo di
Honor Man, dimostrando di essere il migliore tra i migliori del suo
plotone. Per lo stesso motivo, Ray continua a spingersi al limite
in ogni ambito dell’addestramento, dal combattimento al tiro, alla
navigazione.
Tuttavia, verso la fine del
percorso, quando arriva il momento del Crucible, si trova ad un
bivio. La mattina della sfida, Jones scompare, costringendo Cameron
ad andare a cercarlo nel bosco. Anche se dice al suo migliore amico
di restare indietro, Ray finisce per seguirlo. Nonostante tutto
quello che è successo tra loro al campo di addestramento, la loro
amicizia rimane forte, impedendo al giovane di lasciare il suo
amico ad affrontare una missione da solo. Alla fine, Cameron lo
convince a rientrare nel plotone e a finire il Crucible da solo. È
solo quando si rende conto che il suo amico è davvero in grado di
badare a se stesso che Ray decide di andarsene. Tuttavia, questa
iniziale insubordinazione finisce per costargli la sua serie di
successi. Di conseguenza, perde il posto di Honur Man a favore di
Nash. Anche così, alla fine, non si pente di nessuna delle sue
azioni, felice di aver messo le sue amicizie al di sopra di
tutto.
Il film NetflixLa donna nella cabina
10 vede Keira Knightley nei panni di Laura “Lo”
Blacklock, una giornalista invitata su una lussuosa nave da
crociera da una coppia di miliardari. Loro vogliono che lei
racconti le loro iniziative filantropiche e anche lei ha bisogno di
una pausa. Tuttavia, le cose prendono una piega drammatica quando
assiste alla caduta di una donna dal balcone accanto alla sua
cabina. Quando denuncia il caso, nessuno è in grado di identificare
la donna e le viene detto che la cabina accanto alla sua non ospita
nessuno. Tutti cercano di convincerla che probabilmente ha avuto
un’allucinazione e che non è successo nulla di grave. Tuttavia, le
prove suggeriscono il contrario. SPOILER IN ARRIVO.
La coppia di miliardari Anne
Lyngstad e Richard Bullmer (Guy
Pearce) sta organizzando una festa e la giornalista
Laura Blacklock è invitata a unirsi a loro e ad altre persone
ultra-ricche nel viaggio inaugurale della loro lussuosa nave da
crociera. Vogliono che Laura si concentri sulla loro missione
filantropica, che consiste nel donare una notevole somma di denaro
alla ricerca sul cancro. Viene anche rivelato che Anne ha il
cancro, e che la malattia ha assunto una forma così grave che ogni
giorno la avvicina alla morte. Laura, che ha un disperato bisogno
di una pausa dopo aver riportato notizie su questioni serie, decide
di accettare il lavoro, credendo che potrebbe aiutarla a scoprire
un lato migliore del mondo.
Quando arriva sulla nave, scopre
che anche il suo ex fidanzato, Ben Morgan, è a bordo come
fotografo. Ci sono un sacco di altre persone ricche che la fanno
sentire fuori posto, ma Laura è più concentrata sulla ricerca di
una storia. La prima sera, mentre sta andando a cena, vede Ben che
attraversa il corridoio e, per nascondersi da lui, entra nella
cabina 10, dove vede una giovane donna bionda. Si scusa per essere
entrata nella stanza in quel modo e se ne va immediatamente. Anne
non partecipa alla cena a causa della sua cattiva salute, ma vede
Laura, alla quale comunica la sua intenzione di donare tutta la sua
ricchezza alla ricerca sul cancro e ad altre nobili cause
attraverso la sua fondazione.
Laura è commossa dalla decisione di
Anne, ma prima che possa rifletterci ulteriormente, accade
qualcos’altro. Quella notte, viene svegliata dai rumori di una lite
proveniente dalla cabina 10. Quando esce sul balcone, vede una
donna cadere in acqua e chiama immediatamente i soccorsi. Tutto il
personale si mette in allerta, ma quando viene fatto l’appello, non
si trova nessuno che manchi. Inoltre, a Laura viene detto che non
può aver visto nessuno sul balcone della cabina 10 perché nessuno
lo occupava. Anche se cerca di presentare il suo caso, non ci sono
prove a sostegno della sua storia. Le viene consigliato di
smettere, ma lei continua a indagare e arriva al cuore della
questione.
Dopo che le viene ripetuto più
volte che nessuno è caduto dalla passerella e che si è sbagliata,
Laura finalmente trova la donna della cabina 10. La segue in una
parte appartata della nave, dove la donna rivela di essere Anne. La
supplica di rinunciare alla sua ricerca, altrimenti verrà uccisa.
Mentre Laura è ancora confusa, Anne la chiude nella cabina,
dicendole che è per la sua sicurezza. Quella notte, mentre la
giornalista riflette sulla situazione, si rende conto che la Anne
con cui ha parlato non è affatto Anne. Il giorno dopo, quando
arriva la donna che si finge Anne, Laura la affronta. Ha capito che
è stata Anne a cadere dalla nave quella notte e che l’impostora ha
preso il suo posto. La donna rivela di chiamarsi Carrie.
Laura scopre che quando Anne disse
a Richard che avrebbe donato tutto il suo patrimonio, lui non la
prese bene. Decise di cambiare il suo testamento, ma il problema
era che lei non lo avrebbe fatto di sua spontanea volontà. Così
trovò una ragazza che le assomigliava abbastanza da convincere le
persone intorno a lei che fosse Anne. Carrie era perfetta per
questo ruolo, quindi Richard la fece salire di nascosto sulla nave.
Nessuno dei loro amici ne era a conoscenza e quando Carrie si
presentò davanti a loro come Anne, nessuno fece domande. La prima
notte, mentre Richard cercava di avere un rapporto intimo con
Carrie, Anne entrò nella stanza e capì cosa stava succedendo.
Spaventato che il suo segreto
venisse scoperto e che avrebbe perso tutto, Richard cercò di
fermare Anne e finì per ferirla e gettarla in mare. Fece
rapidamente prendere il posto di Anne a Carrie in modo che nessuno
sospettasse nulla e, con l’aiuto del suo fidato staff, si sbarazzò
di tutto. Carrie dice a Laura che non avrebbe mai pensato che Anne
sarebbe stata uccisa e che ora non vuole avere le mani sporche del
sangue di un’altra persona. Dice a Laura di restare ferma e di
scappare quando tutti lasceranno la nave alla fine del viaggio.
Grazie a Carrie, Laura non viene trovata da Richard, che decide di
lasciare il dottor Robert e il capitano Addis a prendersi cura di
lei.
L’assenza di Laura viene notata
anche da Ben, che si preoccupa per lei e ora è convinto che ci sia
qualcosa di strano. Anche lui rimane indietro, e questo si rivela
una fortuna per Laura. Quando esce dal suo nascondiglio, il dottore
e il capitano la trovano. La mettono alle strette e riescono a
catturarla. Robert sta per iniettarle qualcosa quando Ben
interviene. Ne segue una colluttazione, in cui Ben finisce per
essere iniettato con il veleno destinato a Laura. Tuttavia, anche
con l’ultimo respiro, fa tutto ciò che è in suo potere per salvare
Laura. Nelle sue ultime parole, le dice di scappare e di rivelare
la verità, ed è proprio quello che lei fa. Si tuffa in acqua,
mentre il veleno fa effetto, il sangue esce dalla bocca di Ben, che
crolla a terra e muore.
Quando Laura si tuffa nelle acque
gelide, Robert crede che lei non avrà la forza di sopravvivere alla
caduta o al freddo. Crede che annegherà e morirà. Quindi lascia la
nave e si unisce al gruppo di Richard, dove lo aggiorna sulla morte
di Ben e sul destino di Laura. Richard non è contento del
pasticcio, ma ora il suo unico obiettivo è quello di convincere
Carrie a firmare i documenti e ucciderla la stessa notte. Il
problema è che Carrie sa che il suo tempo scadrà non appena firmerà
il nuovo testamento, ma non ha altra scelta, quindi lo fa.
Fortunatamente per lei, Laura riesce a raggiungere la riva e decide
di smascherare Richard.
Si intrufola nella sua casa, ma
viene scoperta da Sigrid, il capo della sicurezza. Rendendosi conto
che Sigrid non è coinvolta nella cospirazione, Laura le racconta
tutto. Mostra a Sigrid il discorso di Anne in cui la donna, ormai
morta, parlava del contenuto del suo vero testamento. Anche se
Sigrid è scettica, dà a Laura la possibilità di dimostrarlo. Così,
Laura partecipa alla festa e si fa strada tra la folla per leggere
il discorso di Anne. Quando lui cerca di fermarla, Carrie
interviene nei panni di Anne e tutti si schierano con lei nel
lasciare che Laura legga il discorso. Quando lei menziona la parte
in cui Anne dona tutta la sua fortuna, Richard si infuria e finisce
per confessare che Carrie non è Anne.
Mentre il resto delle persone è
confuso su ciò che sta accadendo, Carrie scappa e Richard la segue.
Sapendo che lui la ucciderà, Laura corre dietro a loro, ma quando
cerca di impedirgli di salire sulla barca, lui punta un coltello
alla gola di Carrie. Sigrid interviene sparando a Richard al petto,
ma il colpo non è mortale e non lo rallenta. Lui attacca Carrie e
questa volta Laura lo colpisce alla testa, lui cade, sbattendo la
testa e morendo sul colpo. Con lui fuori dai giochi, Carrie è al
sicuro e, ora che la verità è venuta a galla, tutti sanno cosa
Richard ha cercato di fare. Poiché è stata Carrie a firmare il
nuovo testamento, questo viene dichiarato nullo e, con Anne morta,
viene messo in atto il suo testamento originale. Come da lei
desiderato, tutta la sua fortuna viene dedicata al servizio degli
altri, poiché la sua fondazione diventa interamente senza scopo di
lucro.
Ciò che rende Laura una giornalista
di successo è la sua dedizione nel cercare di arrivare al fondo
della verità e nel renderla nota al mondo intero. Anne ha visto la
sua integrità attraverso il suo lavoro ed è stata lei a chiedere
espressamente che fosse portata sulla nave per coprire le notizie
sulla fondazione e i suoi piani per il futuro. Sapeva che Laura
avrebbe visto la verità nella storia e che le sue parole avrebbero
avuto più risonanza tra la gente perché ha una buona reputazione in
materia. Durante tutto questo, Anne non avrebbe mai pensato che
portare Laura con sé sarebbe diventato essenziale per salvare la
fondazione e ottenere giustizia.
Quando la verità viene a galla, i
collaboratori di Richard, Robert e Addis, vengono arrestati per
aver tentato di uccidere Laura e Carrie e per aver aiutato e
favorito l’omicidio di Anne. Con Richard fuori dai giochi, non c’è
più nulla che trattenga Carrie. Torna a casa per stare con sua
figlia. È stato per la bambina che Carrie ha accettato i soldi che
Richard le ha offerto in cambio di fingersi Anne e firmare un
testamento che avrebbe lasciato tutto il patrimonio di sua moglie a
lei. Ma dopo che le cose sono andate male e delle persone sono
state uccise, Carrie si rende conto che non ha bisogno di altro che
stare con sua figlia. Grazie a Laura, la verità viene a galla e
Carrie torna a casa. Lei e Laura rimangono in contatto e lei manda
alla giornalista un messaggio per confermare che lei e sua figlia
stanno bene. Invita anche Laura a far loro visita qualche
volta.
Quando Laura è salita a bordo della
nave, era con l’intenzione di trovare una storia umana in un mondo
sempre più disumano. Un miliardario che investe in un’impresa
filantropica le sembrava una buona cosa. Ma nel corso della
settimana, vede un lato più violento della storia. Tuttavia, quando
arriva il momento di presentarla al mondo, si rifiuta di togliere i
riflettori da Anne e dal suo desiderio di aiutare il mondo. Sebbene
i crimini di Richard rimangano una parte importante della storia,
Laura si assicura che l’articolo sia incentrato su Anne e sulla sua
fondazione. Nonostante tutta l’oscurità, si concentra sulla parte
positiva, dimostrando quanto sia stata cambiata dalla sua
esperienza. In tutto questo, non dimentica di parlare del
contributo di Ben nel far emergere la verità e nel salvarle la
vita.
La serie drammatica d’azione
francese di NetflixNéro (Néro the Assassin) racconta una storia di
coraggio, magia, fede e famiglia. Ambientata nella città di
Lamartine, nel sud della Francia del XVI secolo, la serie segue
Néro, un assassino, mentre viene coinvolto in un conflitto. Mentre
lavora per un importante personaggio locale di nome Rochemort, la
vita di Néro viene sconvolta dalla figlia quattordicenne Perla, da
cui è separato, che si ritiene essere “l’ultima discendente del
Diavolo”. Mentre le forze del male cercano di catturare Perla a
causa del suo “sangue corrotto”, Néro si trova di fronte a un
dilemma tra la sopravvivenza e l’amore. Avendo sempre vissuto come
un assassino solitario e libero, la responsabilità di prendersi
cura di una figlia ricercata stravolge completamente la sua
esistenza.
Il protagonista e sua figlia
viaggiano attraverso il sud della Francia colpito dalla siccità,
incontrando vari individui e gruppi pericolosi alle prese con le
proprie crisi. La serie sviluppa un’intensa narrazione del
difficile viaggio di un uomo attraverso paesaggi insidiosi,
incorporando elementi soprannaturali lungo il percorso. Mentre la
stagione volge al termine, Perla e Néro si trovano ad affrontare
minacce esistenziali nella città di Ségur. Mentre varie forze
convergono per conquistare il vuoto di potere a Ségur, il destino
dei personaggi principali è in bilico.
Néro l’assassino Sinossi della
trama
La narrazione introduce Néro, un
assassino che lavora per Rochemort, vice console di Lamartine,
durante una siccità in corso nella Francia del XVI secolo. Egli
uccide la fidanzata di Hortense, figlia del vice console, in modo
che lei possa essere data in sposa al principe di Ségur. Il capo
console di Lamartine viene ucciso da Touissaint, un altro assassino
che lavora per Rochemort, con l’aiuto della Strega Tassella. Quando
il vice viene promosso alla carica di console, rivela che la strega
vuole Néro come pagamento per la sua stregoneria. Lei intende
sacrificare il protagonista, credendolo l’“ultimo discendente del
Diavolo”. Tuttavia, quando scopre che Néro ha segretamente una
figlia, interrompe il sacrificio e ordina agli uomini di Rochemort
di cercarla.
Néro chiede aiuto a Horace, un uomo
religioso che gestisce un orfanotrofio, dove Perla, la figlia,
viene accudita. Il protagonista, nonostante sia controllato da una
collana magica legata al collo dalla strega, fugge da Lamartine con
sua figlia e l’uomo religioso. Tuttavia, la fuga comporta il
dirottamento della carrozza reale che trasporta Hortense a Ségur.
Con la principessa rapita, il convoglio si dirige verso la sua
destinazione, ma viene fermato dai soldati. Per distrarre i
soldati, Néro pugnala la propria figlia, senza però ucciderla. I
soldati e il convoglio incrociano i Penitenti, un gruppo di
estremisti religiosi, che li catturano. Uno dei Penitenti taglia i
capelli di Hortense come penitenza.
Il gruppo sfugge alla morsa dei
Penitenti distraendoli. Rochemort si reca a Ségur per finalizzare
l’alleanza matrimoniale con il principe e chiede alcuni accordi
commerciali e diritti minerari. L’arcivescovo di Ségur esercita
un’influenza sul principe e controlla le decisioni. Horace affronta
delle difficoltà con i suoi pensieri su Perla a causa delle sue
credenze religiose e propone che lei venga portata a Ségur, in modo
che l’arcivescovo possa decidere il suo destino. Quando viene
rivelato che Horace vuole portare Perla a Ségur per farla uccidere,
Néro lo abbandona e fugge con sua figlia e Hortense. A Ségur,
Rochemort viene processato mentre l’esercito dei Penitenti marcia
verso la città. Il principe di Ségur salva Perla e Hortense, ma
lasciano Néro in mezzo al nulla a causa del suo precedente
tentativo di sfuggire ai fuorilegge senza di loro.
Néro, legato e in fin di vita,
viene avvicinato dalla Strega Tassella, che gli rivela che Perla
non è la discendente del Diavolo, ma l’unica speranza per la
salvezza del mondo. Gli rivela anche che Perla è sua discendente e
gli toglie la collana, guarendo le sue ferite. Un mago, inviato
dalla Chiesa cattolica, dà la caccia a Perla. La Strega Tassella
dice che il Diavolo è una finzione inventata dalla Chiesa per
colpire i suoi nemici. Il mago viene ucciso dal protagonista e
dalla Strega Tassella, che poi si dirigono a Ségur insieme a Horace
per salvare Perla. Néro ha una conversazione con Perla e cerca di
convincerla a fuggire da Ségur.
Proprio mentre il principe di Ségur
e Hortense stanno per sposarsi, l’arcivescovo rivela alla folla che
Perla è l’ultima discendente del diavolo. La strega con un occhio
solo arriva a Ségur per aiutare Néro con la sua magia, mentre
Hortense e Rochemort aspettano la caduta dell’arcivescovo per mano
dei Penitenti invasori. Con grande stupore di tutti, si scopre che
è l’arcivescovo a orchestrare le azioni dei Penitenti e del loro
capo, “Fratello Penitenza”. La strega dice a Perla che lei è
l’unica che può salvare il mondo. I Penitenti uccidono la donna
magica, mentre lei aiuta Néro e gli altri a fuggire dal castello.
Quando Perla si rende conto di possedere poteri magici, deve fare
una scelta.
Néro l’Assassina Finale: perché
Perla si pugnala? La siccità è finita?
Mentre i Penitenti e l’arcivescovo
assumono il controllo totale di Ségur, la città precipita nel caos
e nella violenza. Néro, Hortense e gli altri si rendono conto di
essere tutti in pericolo. Di fronte a una situazione disperata, si
confidano con alcuni soldati fedeli di Ségur e pianificano una
rivolta contro l’autorità dei Penitenti. Perla intuisce che sono
tutti in pericolo e che probabilmente dovrebbe ispirarsi alle
parole della Strega Tassella, che le ha consegnato un pugnale prima
di morire. I Penitenti radunano civili innocenti e ordinano loro di
dare la caccia a Perla, la discendente del Diavolo. Mentre Fratello
Penance, il leader del culto dei Penitenti, sacrifica Horace
decapitandolo, Perla viene individuata da uno dei cultisti.
Perla viene inseguita dai membri
del culto attraverso i vicoli di Ségur e viene salvata da Néro.
Grazie alla confessione di Horace che Perla non è la figlia del
Diavolo, lei capisce che potrebbe avere un ruolo importante nel
salvare il mondo. I soldati fedeli di Ségur propongono di andare
avanti con una rivolta popolare, ma il castello è occupato
dall’Arcivescovo, che rimprovera Fratello Penance per aver lasciato
scappare Perla. Rochemort viene catturato dall’amico di Néro,
Lothar, un soldato di Lamartine, che dice di conoscere un passaggio
segreto che può aiutarli a raggiungere l’arcivescovo e fratello
Penance e ucciderli. Hortense si proclama principessa di Ségur e
accetta di essere il volto della rivolta contro l’arcivescovo. La
rivolta ha inizio, provocando caos e violenza in tutta la
città.
Rendendosi conto che non possono
assassinare l’arcivescovo e fratello Penance, Néro chiede a
Hortense di fuggire dalla città con Perla e Rochemort. Mentre i
Penitenti si scatenano per le strade all’inseguimento di Perla,
Néro capisce che deve fare qualcosa di folle per salvare sua figlia
e dare a Hortense il tempo sufficiente per fuggire. Attacca
fratello Penance e lo smaschera davanti ai suoi seguaci, mentre
Perla cerca di scappare. I Penitenti catturano Néro, dopodiché
Fratello Penance ordina la sua esecuzione. Perla continua a correre
e si rifugia in un’alta struttura simile a una torre di guardia,
che le permette di vedere cosa sta succedendo a suo padre. Quando
vede suo padre impiccato a testa in giù, ricorda le parole della
Strega Toccata, che le aveva detto che lei era l’unica in grado di
salvare tutti.
È in questo momento che Perla
compie il sacrificio definitivo. Estrae il pugnale della strega e
si pugnala, cadendo dalla struttura. Lo fa nonostante Néro la veda
e la supplichi di non sacrificarsi. Non appena il corpo di Perla
tocca terra, si verifica un evento magico. Il cielo soleggiato si
oscura e le nuvole iniziano a convergere su Ségur. Una pioggia
piacevole cade su tutti, placando la loro sete e ponendo fine al
periodo di siccità. Il sacrificio di Perla permette a Néro di
fuggire, poiché Fratello Penance e gli altri vengono distratti
dalla pioggia. La pioggia gentile rinfresca nuovamente la Terra e
la vita ricomincia a crescere, anche se Perla giace morta a
terra.
Perla è viva o morta? È una
strega?
Dopo essersi sacrificata per il
bene del mondo e la vita di suo padre, Perla cade a terra, morta
tra le braccia di Néro. Il suo ultimo desiderio per il mondo viene
trasmesso agli spettatori attraverso una voce fuori campo. Dice
che, nonostante non sia cresciuta con una famiglia, questi giorni
con Néro le hanno dato uno scopo e le hanno fatto capire per la
prima volta il significato della famiglia. Dice che vorrebbe essere
ricordata come Perla, la figlia di un assassino e di una
prostituta. Mentre Néro continua a piangere, guardando il volto
della sua bambina morta, accade qualcosa di inaspettato. Viene
colpito con violenza da un tronco di legno da un individuo
mascherato. L’aggressore porta via il corpo di Perla e si allontana
da Ségur. È in questo momento che viene fatta una rivelazione
scioccante.
Perla si rivela viva quando apre
gli occhi. Viene portata fuori dalla città dallo sconosciuto,
mentre guarda Néro che è stato aggredito. Nonostante si sia
sacrificata per il bene superiore, il destino interviene e permette
a Perla di continuare la sua vita. La serie si conclude con una
sola frase, che segna la fine della voce fuori campo. Perla dice:
“Era l’ultima strega”. Questo indica che la Strega Tassella ha
perseguitato Perla fin dall’inizio perché possiede il potere della
stregoneria.
Le azioni di Perla durante la
rivolta e i suoi poteri magici vengono rivelati anche quando si
taglia e il suo sangue cambia la natura del terreno. Una delle
prove più significative a favore della stregoneria di Perla è il
fatto che ha posto fine alla siccità nel paese sacrificandosi.
Così, Perla, nonostante fosse vista come una persona debole,
diventa il personaggio più importante della stagione, salvando la
vita a migliaia di persone.
Perché fratello Penance uccide
l’arcivescovo?
Quando la siccità finisce grazie al
sacrificio di Perla, fratello Penance e il suo fedele esercito di
cultisti si calmano e si godono la pioggia dopo aver sofferto a
lungo per la siccità. L’arcivescovo è scioccato nel vedere la
pioggia che calma tutti e comincia a chiedersi cosa sia successo.
Fratello Penance si avvicina all’arcivescovo e gli dice che Dio li
ha perdonati, poiché la siccità è finita. Il leader della setta
riconosce che la sua penitenza è stata finalmente esaudita. Questo
fa arrabbiare l’arcivescovo, che rimprovera Fratello Penance per
aver parlato in quel modo. Egli sostiene che la pioggia è caduta
grazie al sacrificio della bambina e non per intervento divino.
Quando fratello Penance ribatte all’arcivescovo, dicendo che è
stata la penitenza della setta a causare la pioggia, l’uomo
religioso lo schiaffeggia.
L’arcivescovo definisce fratello
Penance un “lebbroso” e un idiota che non sa nulla. Il leader della
setta dice di aver sempre dedicato la sua vita a Dio e si rende
conto che l’uomo religioso ha controllato lui e i suoi uomini per
il proprio tornaconto. È a questo punto che fratello Penance prende
una decisione audace. Spinge senza pietà l’arcivescovo dalla cima
del castello, causandone la morte istantanea quando questi colpisce
il suolo con un tonfo. Sebbene l’arcivescovo fosse inizialmente
riuscito a controllare il comportamento e le menti dei membri della
setta, ha avuto ciò che si meritava quando i suoi stessi seguaci si
sono rivoltati contro di lui. L’uccisione dell’arcivescovo,
nonostante sia stata compiuta da un pericoloso leader della setta,
riequilibra la bilancia della moralità e della giustizia.
Néro è vivo o morto? Chi lo ha
attaccato?
Mentre Néro guarda il volto ferito
di Perla, crede che lei sia morta. Mentre piange la sua sorte,
viene improvvisamente colpito violentemente con un tronco di legno
da un individuo mascherato sconosciuto. Lo sconosciuto porta via
Perla, lasciando Néro da solo. Sebbene la narrazione non riveli
esplicitamente il destino di Néro dopo l’incidente, si può
presumere che probabilmente sia sopravvissuto all’attacco. Uno
degli indizi essenziali in questo caso è il fatto che l’aggressore
voleva solo mettere Néro fuori combattimento per un breve periodo e
non ucciderlo. Se l’aggressore avesse voluto uccidere Néro, sarebbe
stato facile. Tuttavia, Néro viene colpito solo con un ceppo e non
con delle armi. Ciò rende molto probabile che Néro sia
sopravvissuto all’aggressione e che sia stato probabilmente
scortato in un luogo sicuro dalla popolazione di Ségur.
Ora che Ségur è stata liberata
dalle grinfie dell’arcivescovo, si può presumere che il principe
tornerà a governare la città e si occuperà della guarigione di
Néro. La probabilità che Néro muoia è minima, poiché non ci sono
prove che suggeriscano il contrario. Néro riceverà molto
probabilmente cure nel castello di Ségur e continuerà a essere un
assassino, al servizio del principe o tornando a Lamartine per
ricongiungersi con Hortense. Per quanto riguarda l’identità
dell’aggressore, non ci sono rivelazioni nella narrazione che la
confermino. Si può presumere che l’aggressore sia probabilmente una
strega che cerca di salvare Perla e di introdurla nella comunità
delle streghe. Poiché Perla è una figura essenziale nel mondo, è
sicuramente possibile che altri esseri magici siano a conoscenza
dei suoi poteri.
È anche possibile che l’individuo
mascherato lavori per diverse forze politiche del paese che
vogliono usare le sue capacità per raggiungere le proprie
ambizioni. Poiché l’identità di Perla è probabilmente nota in
segreto a persone importanti, queste potrebbero aver assunto la
persona mascherata per rapirla da Ségur. Ma, in conclusione, si può
dire che la persona mascherata è molto probabilmente una strega che
cerca di salvare Perla dai pericoli del mondo. Perla diventerà
presumibilmente più potente man mano che scoprirà la piena portata
della sua magia.
La serie drammatica d’azione
francese di NetflixNéro (Néro the Assassin) è una storia di coraggio, magia,
fede e famiglia. Creata da Martin Douaire, Allan Mauduit,
Jean-Patrick Benes e Nicolas Digard, la serie segue le avventure di
Néro, un assassino che lavora in una città del XVI secolo nel sud
della Francia chiamata Lamartine. Mentre è al servizio di un uomo
importante di nome Rochemort, il protagonista viene coinvolto in un
conflitto a causa della figlia Perla, una quattordicenne che si
ritiene essere “l’ultima discendente del diavolo”. Mentre le forze
del male cercano di catturare Perla a causa del suo sangue
corrotto, Néro si trova diviso tra la sopravvivenza e l’amore.
Avendo vissuto tutta la sua vita
come un assassino solitario e libero, le sfide legate alla cura di
una figlia ricercata gli stravolgono la vita. Attraversando il
territorio della Francia meridionale afflitta dalla siccità, il
protagonista e sua figlia incontrano diversi individui e gruppi
pericolosi che affrontano le proprie crisi. La serie racconta
l’intensa storia del viaggio di un uomo attraverso terreni
insidiosi, affrontando anche elementi soprannaturali. SPOILER IN
ARRIVO.
Néro l’assassino è un racconto di
fantasia ambientato nella Francia del XVI secolo
Sebbene “Néro l’assassino” sia un
racconto di fantasia che coinvolge la magia e altri elementi
fantastici, riflette le emozioni umane reali attraverso
l’esplorazione del viaggio di Néro. Scritta dai suddetti creatori
insieme a Raphaëlle Richet, la storia approfondisce gli intrighi
che circondano i miti nella Francia meridionale del XVI secolo. Uno
dei principali elementi della trama della serie è la caccia
all’“ultimo discendente del Diavolo”. Sebbene non ci siano prove
storiche concrete che suggeriscano che il mito sia basato su una
credenza storica reale, esso riflette la paura provata dalle
persone a causa delle loro forti credenze religiose nel periodo in
cui è ambientata la serie.
Perla è braccata da varie forze, in
particolare dalla Strega con un occhio solo, che pensa che il
sangue di Perla sia il sangue del Diavolo e che lei sia in grado di
evocare il Diavolo sulla Terra per scatenare l’Apocalisse. La paura
del Diavolo e di eventi di estinzione di massa come l’Apocalisse è
stata un fattore determinante nella vita religiosa delle persone
nel corso della storia. La Strega con un occhio solo è una figura
importante nella serie, poiché rappresenta la percezione culturale
delle streghe, in particolare nel periodo medievale e nel primo
Rinascimento in Francia.
Secondo la Biblioteca del Congresso, prima della rivoluzione
scientifica, le persone si rivolgevano alla Chiesa per spiegare
misteri mondani come la paralisi, le convulsioni o i difetti
congeniti. Ciò significava anche che non c’erano risposte facili in
termini medici o scientifici. Alcuni elementi all’interno della
Chiesa attribuivano la responsabilità di questi problemi
all’esistenza del Diavolo. Questo spesso portava i fedeli ad
attribuire le condizioni di salute al Diavolo. Il viaggio di Perla
e Néro diventa estremamente pericoloso a causa della convinzione di
alcune frange della Chiesa che esse portino il sangue del Diavolo.
Tra il 1550 e il 1700, in Francia si svolsero circa 2.000 processi
alle streghe. La maggior parte delle donne negò le accuse, anche se
alcune confessarono di avere presunti poteri.
Sebbene non sia esplicitamente
dichiarato, lo spettacolo utilizza questi fenomeni
storico-culturali per mostrare come donne indipendenti come la
Strega Toccata e ragazze adolescenti libere pensatrici come Perla
siano soggette all’ira sociale a causa dei loro presunti poteri
negativi. Il legame padre-figlia tra Perla e Néro diventa
estremamente importante quando quest’ultimo cerca di salvare sua
figlia dalle forze che cercano di controllare il suo destino. In
conclusione, si può dire che la serie, nonostante abbia come
protagonista un assassino maschio, affronta in modo toccante le
prospettive femminili su questioni sociali storiche.
La narrazione commenta il
fondamentalismo religioso
La storia descrive il fervore
religioso di un gruppo di persone chiamato “Penitenti”. Il gruppo è
guidato da un uomo conosciuto solo come “Fratello Penitenza” e
crede nella resa assoluta a Dio. Prende di mira Perla perché crede
che lei abbia il sangue del diavolo. Il gruppo viaggia attraverso
il paese, terrorizzando gli abitanti dei piccoli centri e
biasimandoli per la loro mancanza di fede nel divino. Sebbene
esistano prove che
indicano l’esistenza di gruppi reali chiamati Penitenti nel passato
europeo, questi sono completamente diversi dai Penitenti visti
nella serie.
I veri Penitenti erano divisi in
diverse categorie o confraternite, che credevano principalmente in
idee come il digiuno e la ricerca della disciplina per compiacere
Dio. Nella serie, i Penitenti sono descritti come un gruppo
violento che aderisce a credenze fondamentaliste e all’idea di
salvare l’umanità dal diavolo. Credono fermamente che fenomeni
naturali come la siccità siano il risultato dell’ira di Dio verso
le persone irreligiose e che la penitenza sia necessaria per
placare l’eterno divino. Sebbene la serie sia ambientata nel XVI
secolo e coinvolga elementi fantastici e soprannaturali, essa getta
una luce significativa su questioni socio-religiose reali.
Eccoci di nuovo qui, con un’altra
uscita Lifetime. Questo film si intitola Ti vorrei come
mia figlia (The Replacement Daughter) e ha
tutto ciò che ci si aspetta da un thriller Lifetime: una
protagonista ingenua, personaggi stereotipati e un cattivo
assolutamente stupido che alla fine viene arrestato. Ma come
sempre, è molto guardabile in un modo “così brutto da essere
bello”. Questa è la vita!
Cosa succede nel film?
Jessica, studentessa con il massimo
dei voti, è in attesa di una borsa di studio completa dalla
prestigiosa Stelford University. Ne ha assolutamente bisogno,
poiché la sua situazione finanziaria non è delle migliori. La madre
di Jessica, Liza, gestisce un salone di bellezza. La sua attività
non va particolarmente bene e a peggiorare le cose c’è il
proprietario dell’immobile, Ray, che minaccia costantemente Liza di
sfrattarla. Non si sa molto della vita scolastica di Jessica,
tranne che ha una migliore amica molto solidale, Vanessa, e un
compagno di classe, Shane, che continua a guardarla in modo
strano.
Cosa succede a Liza?
Seguendo la formula classica della
maggior parte dei film Lifetime, Liza subisce un terribile
incidente e finisce in coma. La sua amica e socia Helen si assicura
che Jessica sia accudita, ma presto un misterioso sconosciuto
attacca e uccide Helen. Questo offre a Eva, una ricca cliente di
Liza, l’occasione per intervenire come tutrice di Jessica, dato che
ha diciassette anni, cioè è ancora minorenne. Jessica sembra un po’
preoccupata per l’intervento di Eva, ma non c’è motivo per cui non
debba fidarsi di questa donna e della sua generosità. Eva promette
anche a Jessica di aiutarla finanziariamente con la sua istruzione,
il che dimostra solo quanto questa persona sia una perla rara. Ma
non fatevi ingannare, questo è un thriller Lifetime e nulla è come
sembra.
Qual è il piano di
Eva?
La cosa migliore di qualsiasi film
Lifetime è decifrare ciò che è “sbagliato” in ciò che sembra
normale. Si sa per certo che c’è qualcosa che non va in qualcuno,
ed è divertente cercare di indovinare di cosa si tratta. In
Ti vorrei come mia figlia (The
Replacement Daughter), è ovviamente Eva a non essere ciò che
sembra. Il titolo del film è fin troppo ovvio e svela la trama. Nel
momento in cui Eva menziona sua figlia Sarah, che apparentemente
sta viaggiando in Europa durante il suo anno sabbatico, ci si rende
conto che sta mentendo. Sarah è ovviamente morta, e ciò che Eva
vuole fondamentalmente fare è sostituire Jessica con Sarah, per
quanto assurdo possa sembrare. C’è però un intoppo: Sarah e Jessica
sono molto simili fisicamente. E perché? Perché entrambe sono in
realtà figlie di Liza. È perfettamente logico che Liza abbia dato
in adozione una delle sue figlie, data la sua difficile situazione
finanziaria. È così che Sarah è finita con Eva, che desiderava
disperatamente avere un figlio ma non poteva averne. Sarah è
diventata il mondo di Eva fino a quando il destino non ha preso una
brutta piega e lei è morta di cancro. Anche il marito di Eva, un
uomo d’affari, è morto poco dopo per un infarto, lasciandola sola
al mondo. Tuttavia, questo chiaramente non giustifica le sue
azioni: stringere amicizia con Liza con il pretesto di essere una
cliente, per poi assumere un fallito per ucciderla. E quel fallito
non è altro che il padre giocatore d’azzardo di Shane, che ha
mandato all’aria il lavoro. Ha provato di nuovo all’ospedale, ma
anche questo tentativo è fallito. Shane, tuttavia, non fa parte
delle attività losche di suo padre. È riuscito a imbattersi nella
foto di Sarah, che lo ha lasciato perplesso perché la ragazza morta
assomigliava proprio alla sua compagna di classe, Jessica.
Cosa succede a Jessica alla
fine?
Grazie all’avvertimento di Shane,
Jessica affronta Eva riguardo a Sarah. Ma Eva ribalta la situazione
raccontando a Jessica l’intera storia con tono piuttosto
comprensivo. Per non parlare del fatto che omette la parte in cui è
lei la mente dietro l’incidente di Liza e l’omicidio di Helen.
Almeno per un po’, Eva riesce a presentarsi come una donna triste
che voleva solo far sapere a Liza della morte di sua figlia, ma non
ha avuto il coraggio di farlo.
Per un po’, Jessica stringe un
legame con Eva, grazie al gelato, al pianoforte e al bowling. Le
cose sarebbero andate bene per Eva se solo non avesse perseguito
questo piano terribilmente imperfetto! Eva ovviamente si rifiuta di
riconoscere che Jessica non è Sarah, ma solo la figlia di Liza.
Quindi l’idea di sostituire Sarah con Jessica solo perché le
assomiglia è decisamente stupida! Anche la signora Durant, la
vecchia governante che si è presa cura di Eva fin da quando era
bambina, cerca di farle capire questo. Ma Eva era destinata a
fallire fin dall’inizio, dato che è una cattiva di Lifetime.
Quindi Eva fa tutto ciò che una
persona sensata non dovrebbe mai fare. Quando Jessica trova il
mucchio di passaporti falsi, suoi e di Eva, con nomi diversi, ne
parla di nuovo con Eva. Questa volta Eva la droga (è la signora
Durant a farlo, nonostante tutte le sue riserve) e la rinchiude
nella stanza. Non è che Eva non avesse considerato il fatto che
qualcuno avrebbe cercato Jessica, soprattutto dopo che Vanessa era
venuta a casa loro in passato, in tempi più felici. Ma Eva aveva
già messo in atto il suo piano e pensava che quando la polizia
sarebbe venuta a cercarla, lei sarebbe stata già lontana. Questo è
esattamente il tipo di cosa che farebbe un cattivo di Lifetime, ed
Eva segue solo le norme. Come ci si potrebbe aspettare, Vanessa
diventa sospettosa e lei e Shane alla fine capiscono cosa sta
realmente succedendo. Non che Jessica abbia bisogno dell’aiuto di
qualcuno, dato che dimostra di essere abbastanza forte da
sconfiggere Eva.
Pensavo che le cose sarebbero
finite così, ma Ti vorrei come mia figlia
(The Replacement Daughter) ha un piccolo epilogo. Dopo
tutte le difficoltà che ha dovuto affrontare, Liza meritava di
risvegliarsi dal coma. Questa è sicuramente una buona notizia per
Jessica, anche se non so cosa ne sarà della sua istruzione alla
Stelford ora che Eva è fuori dai giochi. Troviamo anche Eva in
manicomio, vestita di arancione e che scambia il dottore per sua
figlia Sarah. Povera donna, ha davvero bisogno di una terapia
migliore, immagino!
Lorenzo Zurzolo è stato già mille e uno volti.
E’ stato Lodo, Vincenzo, Alessandro, è stato Niccolò e Daniele
(nella splendida serie Prisma), ma è stato anche un giovane
Diabolik e addirittura Italo Balbo. Lo aspettiamo in sala, a
partire dal 16 ottobre, quando arriverà sul grande schermo il suo
Max, protagonista di Squali,
nuovo film distribuito da Eagle Pictures.
Nonostante i soli 25 anni, Lorenzo Zurzolo è un volto che si è
trasformato tante volte e ha già raccontato moltissime storie, al
cinema, in tv e in streaming, mettendosi ogni volta alla prova con
ruoli sempre differenti che riuscissero a mettere in luce le sue
doti: volto pulito, da bravo ragazzo, ma accogliente verso le ombre
e gli aspetti più oscuri da mettere al servizio dei personaggi che
interpreta.
25 anni ma idee chiarissime,
soprattutto quando si tratta di recitazione. Il suo metodo è
decisamente istintivo e immediato, si potrebbe definire “umorale”,
ma più che altro sembra attingere a una grande sensibilità, nutrita
da continue letture e visioni (si definisce un collezionista di dvd
e di fumetti, come suo padre), e sul “metodo”, non ha molto da
aggiungere se non che va sul set… e recita.
“Tengo sempre presente
l’osservazione di Laurence Olivier a Dustin Hoffman, che – durante
le riprese di Il maratoneta – si ammazzava di fatica per
essere credibile: perché non ti limiti a recitare? (ride). Non
credo ci sia una strada assoluta per tutti e per tutto: a volte
alcune interpretazioni ti richiedono di entrare dentro l’emozione,
in altri casi ci puoi arrivare con la tecnica. Non è che se
interpreto un tossico, devo drogarmi…” ha dichiarato nel 2022
a Iodonna.it.
Sembra quindi improbabile che per
Squali,
di Daniele Barbiero, abbia approfondito
l’effettiva progettazione di applicazioni e altri device
tecnologici, ma non per questo non è stato in grado di portare
sullo schermo un Max convincente, un giovane di 19 anni pieno di
speranze e di talento, che insieme ai suoi amici ha pianificato
l’estate perfetta: un viaggio in Spagna, simbolo di libertà e fuga
dalla noia dopo l’esame di maturità. Un viaggio interrotto da
quella e-mail che ti cambia la vita: la possibilità di vedere
sviluppata e realizzata la propria idea, il proprio sogno che si
realizza.
Senza farsi intimidire dalla
presenza sul set di James Franco, che divide la scena con lui in
Squali, Zurzolo ha dato a un giovane che forse impreparato a quello
che sta per accadergli impara a navigare nell’oscurità e a non
fermarsi mai, pur di sopravvivere, proprio come gli squali del
titolo.
Insieme a Francesco
Centorame, Francesco Gheghi, Ginevra
Francesconi e ovviamente a James Franco,
Lorenzo Zurzolo sarà al cinema in
Squali dal 16 ottobre, grazie a Eagle
Pictures.
Si
è conclusa oggi l’undicesima edizione del MIA | Mercato Internazionale Audiovisivo,
promosso da ANICA
(Associazione Nazionale Industrie Cinematografiche, Audiovisive e
Digitali), presieduta da Alessandro Usai, e APA (Associazione Produttori Audiovisivi),
presieduta da Chiara
Sbarigia, sotto la direzione di Gaia Tridente.
L’edizione 2025 ha confermato il ruolo del MIA come punto di
riferimento centrale per l’industria audiovisiva internazionale,
con circa 2.800
partecipanti provenienti da 64 Paesi e una crescita
qualitativa che si è tradotta in incontri mirati, maggiore presenza
di stakeholder strategici e programmi pensati per generare impatti
concreti a supporto dei processi creativi e produttivi.
A
sottolineare l’espansione globale della manifestazione, tra i Paesi
rappresentati figurano, oltre all’Italia, Regno Unito, Francia,
Stati Uniti, Brasile, Corea del Sud, Sudafrica, Giappone,
Australia, Germania, India, Spagna e molti altri, a testimonianza
della dimensione sempre più internazionale e intercontinentale del
mercato.
Il MIA continua inoltre a crescere anche sul piano digitale e
social: nell’ultimo anno i follower sono aumentati del
30,5% su
Instagram, 22,7%
su Facebook e 12% su LinkedIn, mentre il sito ufficiale ha
registrato un incremento del 5,3% nelle visualizzazioni di pagina e del
6,7% negli utenti
attivi, molti dei quali con profilo internazionale.
Quest’anno sono stati presentati oltre 100 progetti tra le varie sezioni
ufficiali del mercato, di cui 62 selezionati per il
Co-Production Market and
Pitching Forum (suddivisi in Animation, Documentaries,
Drama e Film) e 44 titoli inclusi nei cinque showcase dedicati.
Complessivamente, il MIA ha ricevuto circa 500 candidature, confermando la sua
centralità come piattaforma per lo sviluppo e la coproduzione
internazionale.
Nel corso della giornata conclusiva sono stati assegnati i
MIA Awards 2025,
tra cui i prestigiosi MIA
Development Awards, suddivisi per categoria.
Miglior progetto di animazione:The Golden Butterfly di
Goce Cvetanovski (Macedonia del Nord, Argentina, Brasile, Colombia,
Spagna).
Miglior progetto documentario:Edition 96 (Libano) di
Ahmad Naboulsi.
Miglior progetto drama:Aïnta! prodotto da Andreas Zoupanos
Kritikos, con una menzione speciale a Dyouf / Guests.
Miglior progetto film:I Have to Fuck Before the World Ends,
diretto da Andrea Benjamin Manenti.
Tra i riconoscimenti speciali anche il Sony Pictures Television Award (assegnato
a The Roaring Banshees),
il Paramount New Stories
Award (vinto dal progetto italiano POV – Point of View), il GEDI Visual Award (assegnato a
Pestiferus Lupus con
menzione a I pesci non
chiudono gli occhi di Audrey Gordon), lo Screen International Award (vinto
da The Circle / Cercul)
e il WIFTMI
Award (assegnato alla serie animata Roc e Lola di Andrea Giro).
Nel commentare i risultati, Alessandro Usai (ANICA) e Chiara Sbarigia (APA) hanno espresso
soddisfazione per la partecipazione e per la crescita qualitativa
dell’evento, sottolineando come il MIA rappresenti “uno dei
principali hub di networking per l’industria audiovisiva mondiale”
e una “piattaforma strategica per la collaborazione e lo sviluppo
di progetti internazionali”.
La direttrice Gaia
Tridente ha infine ricordato come il MIA stia affrontando
le trasformazioni globali del settore con una visione propositiva,
“trasformando la complessità del mercato in opportunità, grazie a
iniziative concrete a sostegno dei professionisti accreditati, dai
programmi dedicati all’intelligenza artificiale alle nuove
tecnologie immersive”.
Fondato nel 2015 come joint venture tra ANICA e APA, il MIA è
organizzato con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione
Internazionale, ITA – Italian Trade Agency, Ministero della Cultura,
Regione Lazio,
con il patrocinio di Eurimages e il supporto di Fondazione Roma Lazio Film Commission e
UniCredit.
L’evento si svolge sia in presenza, a Roma, sia sulla piattaforma
MIADIGITAL,
permettendo la partecipazione e la fruizione dei contenuti anche a
distanza.
Quando nel 2008 uscì Nessuna
verità (Body of
Lies), molti spettatori si chiesero quanto ci fosse di
autentico nella storia raccontata da Ridley Scott. Il film, con Leonardo DiCaprio e
Russell Crowe, racconta le operazioni
segrete della CIA in Medio Oriente durante la guerra al terrorismo,
alternando azione, politica e morale. La precisione dei dettagli, i
riferimenti alla realtà geopolitica e la rappresentazione
verosimile dei metodi di spionaggio indussero molti a credere che
fosse ispirato a fatti realmente accaduti.
In effetti, Nessuna
verità è un film che dialoga costantemente con la realtà.
Scott adotta un linguaggio documentaristico, fatto di colori
polverosi, immagini satellitari e un ritmo narrativo che imita la
complessità del mondo post-11 settembre. Ma, nonostante la
sensazione di verità, la storia di Roger Ferris non è mai esistita
davvero. Il film nasce invece da un romanzo di finzione — scritto
da un autore che conosce però da vicino le dinamiche del potere e
dell’intelligence americana. Se vuoi scoprire come la vicenda si
conclude e cosa significa davvero il gesto finale del protagonista,
leggi la
spiegazione del finale di Nessuna verità.
Questa ambiguità, tra realtà e finzione, è il cuore stesso del
progetto. Nessuna verità
non racconta una storia vera, ma utilizza un contesto autentico per
porre domande vere: fino a che punto possiamo fidarci delle
informazioni che riceviamo? Quanto la verità politica è manipolata
da chi la produce? E cosa resta dell’etica personale in un sistema
che vive di inganno e segretezza?
L’origine della storia e il
romanzo di David Ignatius
Nessuna verità è tratto
dal romanzo omonimo di David Ignatius, giornalista del Washington Post con una lunga esperienza nel
campo della politica internazionale e dei servizi segreti. Ignatius
ha seguito per anni la CIA e la diplomazia americana in Medio
Oriente, costruendo trame di finzione che riflettono fedelmente il
modo in cui l’informazione e la disinformazione operano nelle
guerre contemporanee. Il suo romanzo, pubblicato nel 2007, non
racconta fatti realmente accaduti, ma si ispira a
situazioni
verosimili e a pratiche effettivamente utilizzate nelle
operazioni sotto copertura.
Ridley Scott, attratto dal realismo del
materiale, decide di adattarlo in chiave cinematografica
accentuando la dimensione morale. Pur mantenendo la struttura di
spionaggio e l’intreccio politico, il regista concentra la
narrazione sul conflitto interiore del protagonista, Roger Ferris,
e sulla sua progressiva disillusione nei confronti del potere.
Scott e lo sceneggiatore William Monahan — già vincitore dell’Oscar
per The Departed —
lavorano insieme per trasformare un racconto di intelligence in una
riflessione universale sulla verità.
È
in questo intreccio di realtà e finzione che il film trova la sua
forza. Non c’è un “caso Ferris” documentato, né un’operazione
realmente condotta con le modalità descritte, ma ogni elemento del
film risuona di autenticità. Il linguaggio, i protocolli militari,
le tensioni tra CIA e servizi locali, persino il modo in cui
vengono pianificate le azioni terroristiche, derivano da fonti
giornalistiche e testimonianze dirette. Persino il finale del
film, in cui Ferris sceglie di spegnere il telefono e
tagliare ogni legame con la CIA, diventa un gesto profondamente
realistico: non un atto di eroismo, ma una ribellione morale
plausibile dentro un sistema che vive di menzogne e
compromessi.
Cosa c’è di vero in Nessuna
verità
Sebbene Nessuna verità non
sia tratto da una storia vera, molti dei suoi elementi derivano da
pratiche realmente adottate nel mondo dell’intelligence dopo l’11
settembre. L’uso di droni e sistemi di sorveglianza satellitare, la
creazione di reti di informatori, le alleanze precarie con i
servizi segreti locali e la manipolazione delle informazioni
mediatiche sono aspetti documentati della guerra al terrorismo.
Scott e Monahan li intrecciano in una trama di finzione, ma ogni
dettaglio — dal linguaggio dei briefing alla burocrazia dei
rapporti di missione — restituisce un realismo che va oltre la
cronaca.
Il
personaggio di Ed Hoffman, interpretato da Russell
Crowe, rappresenta in forma quasi simbolica un’intera
generazione di analisti e dirigenti CIA che, grazie alle tecnologie
di sorveglianza, conducevano operazioni globali senza mai spostarsi
dai propri uffici. Il suo modo di gestire la guerra come un
videogioco, alternando una telefonata a Ferris con la vita
domestica americana, non è fantasia: è una caricatura lucida di un
potere che ha smaterializzato la distanza etica dal conflitto. Al
contrario, Ferris, immerso sul campo tra le macerie e i mercati del
Medio Oriente, incarna l’altra faccia del sistema: quella degli
uomini che ancora mettono a rischio la propria vita per un’idea di
missione che non comprendono più fino in fondo.
Anche il finale del
film si inserisce in questo quadro di verosimiglianza. La
scelta di Ferris di spegnere il telefono e abbandonare la CIA,
rifiutando la logica del controllo, non è solo la conclusione di un
arco narrativo: è il gesto realistico di un uomo che decide di
sottrarsi a un potere invisibile ma totalizzante. In un mondo dove
le verità vengono costruite e distrutte in tempo reale, Ridley
Scott suggerisce che l’unico atto autentico possibile è quello del
rifiuto. Non esiste un “fatto vero” dietro Nessuna verità, ma il film riflette una realtà
in cui la menzogna è diventata linguaggio quotidiano del
potere.
Ridley Scott e il realismo
del potere
Ridley Scott ha sempre mostrato un’attenzione particolare per il
rapporto tra individuo e potere, e Nessuna verità ne è una delle espressioni più coerenti.
Anche se la storia non nasce da fatti realmente accaduti, il
regista la mette in scena come se lo fosse: adotta lo stile di un
reportage, alternando l’iperrealismo delle immagini digitali alla
durezza della guerra sul campo. Il suo obiettivo non è raccontare
“una storia vera”, ma mostrare come la verità — in politica come
nei media — sia diventata un terreno di scontro, manipolabile e
negoziabile a seconda di chi la possiede.
In
questo senso, Nessuna
verità appartiene alla stessa linea etica e visiva di film
come Black Hawk Down o
American Gangster, dove
Scott affronta il potere istituzionale smascherandone le
contraddizioni. La sua regia non idealizza mai i protagonisti:
Ferris non è un eroe, ma un uomo costretto a riconoscere la propria
impotenza dentro un sistema che usa la verità come arma. La sua
decisione finale — spegnere il telefono e allontanarsi — diventa il
gesto simbolico di un regista che invita lo spettatore a guardare
oltre la superficie, a dubitare delle versioni ufficiali, a cercare
un senso umano in un mondo dominato dall’informazione.
Proprio per questo, la domanda se Nessuna verità sia o meno una storia vera finisce per
essere secondaria. La forza del film non risiede nella fedeltà ai
fatti, ma nella sua capacità di restituire la verità del presente:
quella di una società che vive connessa, sorvegliata e informata,
ma sempre più distante dalla realtà. Ridley Scott trasforma la
finzione in uno specchio del reale, e ci ricorda che, anche quando
una storia non è vera, può comunque raccontare la verità più profonda del nostro
tempo.
Uscito nel 2008, Nessuna
verità (Body of Lies)
è uno dei film più complessi e sottovalutati di Ridley Scott. Scritto da William Monahan — già
sceneggiatore di The Departed — e
tratto dal romanzo di David Ignatius, il film mette in scena un
intrigo internazionale ambientato nel cuore della guerra al
terrorismo, dove il confine tra verità e manipolazione diventa
sempre più labile. Protagonisti due volti del cinema americano
contemporaneo: Leonardo DiCaprio nel ruolo
dell’agente della CIA Roger Ferris e Russell Crowe in quello del suo
superiore Ed Hoffman, simbolo del potere a distanza e della
spregiudicatezza morale dell’intelligence americana.
Ridley Scott affronta il tema dello
spionaggio in chiave morale e visiva, intrecciando geopolitica e
introspezione personale. Non è soltanto un film d’azione o un
thriller politico, ma una riflessione sul ruolo dell’informazione e
sulla perdita di umanità in un mondo dominato dalla tecnologia e
dal controllo remoto. Il regista costruisce un racconto che alterna
l’immediatezza del campo di battaglia in Medio Oriente con la
distanza emotiva di chi, come Hoffman, coordina tutto da una casa
nei sobborghi americani, mentre porta i figli a scuola.
Nessuna verità è anche
un film sull’inganno sistemico. Ogni personaggio, dal protagonista
agli alleati locali, vive immerso in una rete di menzogne, di
verità parziali, di compromessi che si travestono da scelte etiche.
Scott usa la forma del thriller per interrogare il nostro rapporto
con la realtà: in un mondo dove le immagini — come quelle dei droni
o delle telecamere satellitari — sembrano dirci tutto, la verità
resta un’ombra sfuggente, manipolata da chi ha il potere di
raccontarla.
Cosa succede nel film Nessuna verità
Il
film si apre con una sequenza cruda e immediata che stabilisce
subito il tono realistico dell’opera: un attentato suicida in Medio
Oriente, seguito da un’operazione della CIA per rintracciare il
mandante. Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) è un
agente operativo che agisce sul campo, abituato a muoversi tra
città devastate, mercati affollati e campi profughi. Il suo
superiore, Ed Hoffman (Russell Crowe), coordina
invece le missioni dalla sicurezza del suo salotto in Virginia, tra
una colazione in famiglia e una partita di golf. Questo contrasto
diventa il cuore del film: l’azione sporca e reale contro la guerra
virtuale combattuta attraverso satelliti e telefonate.
Ferris si muove tra Iraq, Giordania e altri teatri di guerra,
cercando di infiltrarsi nelle reti terroristiche per scoprire la
posizione di Al-Saleem, un leader jihadista responsabile di
numerosi attentati. Durante la missione entra in contatto con Hani
Salaam (Mark Strong), capo dei servizi segreti giordani, un uomo
elegante, colto e ambiguo che impone una sola regola: «Mai
mentirmi». Ferris, invece, è costretto a farlo continuamente,
seguendo le istruzioni di Hoffman e costruendo false piste per
manipolare gli avversari. Questa tensione fra lealtà personale e
manipolazione politica diventa sempre più insostenibile.
Per smascherare Al-Saleem, Ferris e Hoffman inventano un piano
rischioso: creare un finto terrorista, Al-Khalid, e simulare
un’organizzazione rivale, diffondendo notizie false sui media e
online. È un inganno su larga scala che coinvolge anche innocenti e
che mette in discussione il concetto stesso di verità nel mondo
della guerra d’informazione. Ma il piano sfugge presto di mano, e
Ferris si ritrova solo, braccato da tutti, mentre le alleanze si
sgretolano e la fiducia viene tradita da entrambe le parti.
Nel frattempo, Ferris si lega sentimentalmente ad Aisha
(Golshifteh Farahani), un’infermiera giordana che
incarna per lui una possibilità di redenzione, un contatto umano
autentico in mezzo al caos. Ma anche questa relazione verrà
sfruttata come leva di potere: Aisha verrà rapita per spingerlo a
confessare, e Ferris capirà fino a che punto Hoffman sia disposto a
sacrificare tutto pur di ottenere risultati. L’ultima parte del
film si muove tra il disincanto e la rivelazione, fino a un finale
in cui il protagonista dovrà scegliere tra continuare a servire un
sistema corrotto o salvare ciò che resta della propria umanità.
Spiegazione del finale di
Nessuna verità
Nelle sequenze finali di Nessuna verità, Roger Ferris si ritrova completamente
isolato. Dopo che il suo piano per creare un falso terrorista è
crollato, l’agente della CIA viene catturato da un gruppo jihadista
legato ad Al-Saleem. Scott costruisce questa parte con un ritmo
serrato ma essenziale, privando Ferris di ogni protezione: non c’è
più copertura, non c’è più tecnologia che possa salvarlo. Le
immagini si stringono, la camera si fa instabile, e la violenza
della tortura diventa metafora visiva del crollo delle illusioni —
personali e politiche — che hanno sostenuto la guerra al
terrorismo.
Mentre Ferris è prigioniero, Hoffman continua a muovere i fili da
Washington, convinto di poter controllare la situazione attraverso
satelliti e microspie. Ma questa volta il potere della tecnologia
non basta: Hani, il capo dei servizi giordani, scopre la doppiezza
della CIA e decide di intervenire per salvare Ferris, non per
lealtà, ma per dimostrare la superiorità della sua intelligenza e
del suo metodo. In una delle scene più emblematiche, Hani organizza
un’operazione di salvataggio che si conclude con un messaggio
tagliente: la verità non può essere manipolata senza
conseguenze.
Dopo la liberazione, Ferris comprende che non può più fidarsi né di
Hoffman né del sistema che rappresenta. Ferito, esausto e
moralmente disilluso, rifiuta di tornare negli Stati Uniti. Chiede
invece di restare in Giordania, lontano dalla CIA, e di iniziare
una nuova vita, forse al fianco di Aisha, l’infermiera che ama. La
scena finale lo mostra camminare in un mercato, circondato dal
rumore della vita quotidiana. Hoffman lo osserva da lontano,
attraverso lo schermo di un computer, e prova ancora una volta a
impartirgli ordini via telefono. Ferris spegne il cellulare e si
allontana: un gesto semplice ma potentissimo, con cui taglia i fili
che lo legavano alla rete di menzogne in cui aveva vissuto.
Il significato del finale
di Nessuna verità
Il
finale di Nessuna verità
rappresenta il momento in cui Roger Ferris si libera, per la prima
volta, da ogni forma di controllo. Il suo gesto di spegnere il
telefono, dopo essere sopravvissuto a torture e tradimenti, è una
dichiarazione d’indipendenza morale. Non è un atto eroico nel senso
classico, ma un rifiuto della menzogna sistemica su cui si fondano
le istituzioni che lo hanno manipolato. Ferris sceglie la realtà —
con tutto il suo dolore, la sua imprevedibilità, la sua umanità —
al posto della verità filtrata dai monitor e dai rapporti di
intelligence. In quel momento smette di essere un soldato e diventa
un uomo.
Ridley Scott costruisce questa liberazione in chiave visiva e
simbolica. L’ultima immagine, quella di Ferris che cammina tra la
folla, contrasta con le inquadrature fredde e controllate che
dominano la prima parte del film. Dove prima c’era distanza e
sorveglianza, ora c’è prossimità e vita. È un ritorno alla terra,
alla materia, alla verità fisica che nessuna tecnologia può
sostituire. Lo sguardo del regista diventa quasi umanista: la
macchina da presa non osserva più da lontano, ma accompagna Ferris
nel suo cammino, come a riconsegnargli la libertà di essere parte
del mondo e non più un suo osservatore mediato.
A
livello tematico, Nessuna
verità è una riflessione sulla crisi dell’informazione e sulla
perdita di fiducia nelle strutture del potere. Hoffman, con la sua
capacità di dirigere operazioni militari mentre porta i figli a
scuola, incarna la disumanizzazione del controllo. È l’archetipo
del potere moderno: onnipresente ma invisibile, capace di decidere
la vita e la morte con un clic. Ferris, invece, attraversa la
parabola opposta: dal cinismo operativo alla consapevolezza morale.
La sua scelta finale mette in discussione il principio su cui si
fonda la guerra al terrorismo — quello della verità come arma — e
lo sostituisce con la verità come scelta personale.
Scott non offre un messaggio consolatorio. Il film termina con un
equilibrio fragile: Ferris è vivo, ma il sistema resta intatto.
Tuttavia, il regista suggerisce che la resistenza individuale è
ancora possibile, anche dentro un mondo che ha trasformato la
verità in merce e la moralità in algoritmo. Nessuna verità diventa così non solo un
thriller di spionaggio, ma una parabola sul nostro tempo,
sull’impossibilità di distinguere tra giustizia e propaganda, e sul
bisogno umano — forse disperato — di ritrovare un significato
autentico dentro un mondo costruito sulle menzogne.
Ridley Scott e la verità
come ossessione del potere
Con
Nessuna verità, Ridley
Scott affronta uno dei nodi centrali del suo cinema: la tensione
costante tra verità e potere, tra individuo e sistema. Fin dagli
anni di Blade Runner, il
regista ha interrogato la percezione della realtà e il modo in cui
essa viene costruita o distorta dal potere — che sia politico,
tecnologico o ideologico. In Body of Lies, questa riflessione assume una forma
contemporanea e terribilmente concreta: la guerra al terrorismo
come teatro di manipolazione globale, dove l’informazione
sostituisce l’esperienza diretta e l’immagine diventa più vera
della realtà stessa.
Ferris è, in questo senso, un discendente ideale dei protagonisti
di Scott: uomini divisi tra dovere e coscienza, tra ciò che il
sistema chiede loro di essere e ciò che vorrebbero diventare. Come
il Rick Deckard di Blade
Runner o il
Massimo Decimo Meridio de Il gladiatore, anche
Ferris è un personaggio in cerca di una verità interiore, costretto
a combattere un nemico invisibile — il meccanismo stesso del
potere. La sua ribellione non consiste nel vincere, ma nel
sottrarsi. Spegnere il telefono, alla fine del film, equivale a
spegnere la macchina del controllo: un gesto piccolo, ma
rivoluzionario.
Dal punto di vista registico, Scott utilizza lo spazio e la
tecnologia come strumenti narrativi per parlare di alienazione. I
droni, i satelliti, i computer che osservano tutto rappresentano la
modernità disumanizzante che trasforma la vita in dati. Ma allo
stesso tempo, il regista lascia spazio all’emozione, al corpo, alla
materia: la sabbia, il sangue, il sudore. È in questi elementi
fisici che Nessuna
verità trova la sua dimensione più autentica, ricordandoci che
la verità, come l’etica, non può essere filtrata attraverso uno
schermo.
In ultima analisi, Nessuna
verità è un film di guerra senza eroi, ma con una profonda
tensione morale. Ridley Scott mette in scena un mondo in cui tutti
mentono — governi, terroristi, agenti, amanti — ma suggerisce che
proprio nella consapevolezza della menzogna si può intravedere un
barlume di libertà. È un’opera che parla al nostro presente,
dominato dall’informazione istantanea e dalla propaganda digitale,
e ci ricorda che la verità, oggi più che mai, è una scelta.
Il conto alla rovescia è iniziato
per i fan di Superman, con l’Uomo d’Acciaio che entrerà ufficialmente
nel pubblico dominio nel 2034. Ma anche se ciò significa che
chiunque potrà creare un fumetto, una serie TV, un film o un
videogioco su Superman, la DC sottolinea un unico vantaggio
che avrà rispetto alla concorrenza futura.
Non è un argomento facile da
sostenere, dato che l’esclusiva proprietà della DC sul supereroe
più iconico (e prezioso) del mondo sta per scadere. Parlando del
futuro della DC durante il NYCC 2025 (tramite PopVerse), il presidente, editore e direttore creativo
della DC Jim Lee ha affrontato l’argomento scottante:
“Sì, i personaggi entreranno nel
pubblico dominio. Sta già accadendo. Abbiamo tutti visto queste
inquietanti imitazioni di Topolino che circolano online. Ma ecco la
verità: il personaggio non è la magia. La magia è la narrazione. La
magia è la costruzione del mondo.Possedere Superman non
è la stessa cosa che capire Superman, sapere come si
muove, come parla, cosa rappresenta.
Chiunque può disegnare un
mantello. Chiunque può scrivere di un eroe. È così da quando
esistono i fumetti, e si chiama fan fiction. Non c’è niente di male
nella fan fiction. Dimostra quanto profondamente questi personaggi
vivano dentro tutti noi. Ma Superman è perfetto solo quando è
nell’universo DC, il nostro universo, il nostro mito. È questo che
resiste. È questo che ci porterà nel prossimo secolo”.
Non è un argomento facile da
sostenere per nessuno, ma Lee offre una posizione chiara da parte
di chi presto non sarà più il proprietario di Superman. Anche se
Superman diventerà di dominio pubblico, l’universo a cui
“appartiene veramente” non lo sarà.
Quando Superman diventerà di
dominio pubblico, la DC continuerà a credere di avere l’unica
versione “giusta”
La chiave di Superman è
tutto tranne il nome del personaggio, sostiene la DC
Indipendentemente dal vostro punto
di vista, il momento in cui la DC perderà il copyright su Superman
e Batman cambierà per sempre il settore, trasformando (come minimo)
la cultura pop. In qualità di volto del marchio e dell’azienda, Jim
Lee non avrebbe mai potuto dare una risposta allarmata, estrema o
preoccupata al modo in cui la DC vedeva la questione.
Detto questo, Lee sottolinea un
aspetto spesso trascurato da chi sogna immediatamente che Superman
entri a far parte dell’universo Marvel o che qualcuno dia il via
libera a un film alternativo su Superman. Anche se ci fosse
un’esplosione di prodotti e intrattenimento non DC dedicati a
Superman, la serie di fumetti e film Superman della DC
continuerebbe come previsto.
È lecito aspettarsi che, una
volta che altri editori di fumetti o studi cinematografici
inizieranno i propri adattamenti (dato che “chiunque può disegnare
un mantello”), i consumatori continueranno a considerare la
versione DC come il Superman “vero, reale, canonico o principale”.
Come Lee ricorda agli scettici, quella sarà ancora l’unica versione
che esiste realmente all’interno del più ampio universo della
Justice League che i fan si aspettano.
Alcuni non saranno d’accordo con
le parole di Lee, indignandosi per l’insinuazione che la “fan
fiction” sia in qualche modo inferiore, intrinsecamente, con uno
scrittore che “conosce Superman”, una qualità che la DC continua a
rivendicare come un’abilità unica da identificare. Un’affermazione
intangibile come l’idea che una storia di Superman con protagonista
solo l’Uomo d’Acciaio possa essere meno preziosa o sembrare “meno
giusta”.
La DC possiede ancora il
Superman moderno per molto più di un decennio
La versione originale di
Superman dimostra che la DC ha ancora tempo per
pianificare
In precedenza, il mente della
DCUJames
Gunn aveva respinto l’ingresso di Superman nel pubblico dominio
come fattore determinante nelle decisioni relative alla trama più
ampia.
E considerando quanto un universo
cinematografico che include Superman possa cambiare in un decennio,
è facile crederci. Ma c’è un fatto che giustifica la mancanza di
panico o preoccupazione sia di Lee che di Gunn all’avvicinarsi del
2034.
Sebbene il copyright di Superman
raggiungerà il suo limite di 95 anni nel 2034, l’attuale versione
di Superman che ha debuttato nel 1938 è significativamente diversa
da quella odierna. Il famoso simbolo di Superman, le sue origini, i
personaggi secondari e persino la sua capacità di volare sono
ancora fuori discussione, e potranno essere utilizzati solo quando
scadrà il limite di 95 anni per ciascuna delle loro prime
apparizioni.
In questo senso, Lee ha ragione a
trasmettere pazienza da parte della DC. Ci vorranno ancora diversi
anni prima che gli aspetti più iconici di Superman possano essere
utilizzati dalla concorrenza. E anche se le basi di “ciò che
Superman rappresenta” erano già presenti fin dal primo giorno, la
maggior parte dei suoi fan non era ancora nata.
Il tempo continua a scorrere, il
che significa che la logica di Lee sarà messa alla prova prima o
poi. E non è possibile prevedere cosa significherà “Superman” per
il mondo quando non sarà più solo la DC a decidere quali storie
raccontare con questo personaggio.
Come riportato per la prima volta
da Page Six, Mel
Gibson sta attualmente incontrando alcuni attori a Roma per
affidare loro i ruoli di Gesù, originariamente interpretato da
Jim Caviezel, e Maria Maddalena, interpretata da
Monica Bellucci. La notizia arriva mentre la produzione dei
sequel di La Passione di Cristo si prepara a iniziare le
riprese per una data di uscita prevista nel 2027.
La Passione di Cristo
descriveva le ultime ore di vita di Gesù, compresa la sua
crocifissione. Ora, Gibson racconterà la
storia della resurrezione di Gesù nel corso di due film:
La resurrezione di Cristo: Parte prima, in uscita il 26
marzo 2027, e La resurrezione di Cristo: Parte seconda, il 6 maggio
2027; queste date corrispondono al Venerdì Santo e al giorno
dell’Ascensione nel calendario cristiano del 2027.
Una delle ragioni addotte per il
cambio di cast era legata a ciò che sarebbe stato necessario
fare per ringiovanire digitalmente gli attori. Come è noto, la
resurrezione di Gesù avvenne tre giorni dopo la sua crocifissione,
ma sono passati 21 anni dall’uscita di La Passione di Cristo. Anche la programmazione è stata
citata come un ostacolo.
Al momento della sua uscita,
La Passione di Cristo è stato il film vietato ai minori
con il maggior incasso di tutti i tempi al botteghino statunitense,
con 370 milioni di dollari. Ha mantenuto questo record fino a
quando Deadpool & Wolverine non lo ha
quasi raddoppiato nel 2024.
Sebbene il film di Gibson abbia
chiaramente colpito il pubblico, i critici sono stati meno
favorevoli. Il film ha ottenuto un punteggio del 49% su Rotten
Tomatoes. Tra le critiche mosse al film c’è il livello di
violenza utilizzato da Gibson. Il film ha comunque ricevuto tre
nomination agli Oscar per la migliore fotografia, la migliore
colonna sonora originale e il miglior trucco.
Oltre alla regia, Gibson sta
co-scrivendo la sceneggiatura di The Resurrection of the
Christ con Randall Wallace, che ha già lavorato con Gibson
in Braveheart e We Were Soldiers, ricevendo una
nomination all’Oscar per la sceneggiatura del primo film. Gibson ha
descritto la sceneggiatura come un “viaggio acido”.
Gibson è stato dietro la macchina
da presa come regista per l’ultima volta nel 2025 con Flight Risk. È degno di nota il fatto che abbia
realizzato The Resurrection of the Christ così rapidamente
dopo, considerando che prima di Flight Risk Gibson aveva
diretto solo due film nei 21 anni successivi alla Passione d
Cristo: Apocalypto nel 2006 e Hacksaw Ridge nel
2016.
In quel periodo, Gibson si è
trovato coinvolto in diverse controversie fuori dallo schermo a
causa del suo alcolismo e dei suoi commenti odiosi. Nel 2020 Gibson
ha dichiarato di essere sobrio da 10 anni. Lionsgate è la casa di
produzione che distribuisce i film The Resurrection of the
Christ.
Il gioco d’azzardo non è
solo un intrattenimento per appassionati, un passatempo che, con i
siti di gioco, è sempre più popolare e che, negli anni, è diventata
una vera e propria industria. L’azzardo è adrenalina pura e,
proprio per questa ragione, ha ispirato, e ispira, l’immaginario
cinematografico mondiale che ha dedicato, al tema e alle atmosfere
che vengono fuori, tanti e tanti film. Quali sono, dunque, i 10
migliori film sul gioco d’azzardo?
Il gioco d’azzardo è
emozione. Questo si percepisce nel crescente interesse nel
settore e nella diffusione gioco d’azzardo online che, da qualche
anno, copre più del 50% della spesa complessiva annua in Italia e
nel mondo. L’attrazione, però, nei confronti del gambling, della
scommessa, della partita di poker o del tentativo fugace alla slot
viene da lontano. Non abbiamo, infatti, solo i
migliori siti per giocare d’azzardo in Italia secondo il
metodo di classificazione utilizzato da Truffa.net, comodissimi,
popolarissimi, legali e protetti da ogni tipo di situazione
spiacevole grazie all’analisi delle piattaforme.
Abbiamo il mito,
l’adrenalina, la tensione, le storie da raccontare dentro e fuori
un casinò, gli intrighi, la vita. E questo, negli anni, il cinema
lo ha fatto più volte regalando storie di azzardo con grandi
protagonisti. In un anno come il 2025 che vede, tra gli altri,
DiCaprio e Del Toro attori principali di quello che viene già
definito il film dell’anno come “Una battaglia dopo l’altra” è bene
ricordare, ai più cinefili, i 10 film che hanno fatto la storia di
quello che può essere definito un vero e proprio sottogenere
cinematografico.
I 10 film che hanno
fatto la storia dell’azzardo nel cinema
La stangata
Questo film, diretto da
George Roy Hill nel 1973, è uno dei più famosi film sulle
truffe, vincitore di 7 Oscar. I due protagonisti, Paul Newman e
Robert Redford recentemente scomparso,
sono due imbroglioni che cercano di organizzare un grosso colpo per
fregare un noto gangster. Indimenticabile la colonna sonora di
Scott Joplin, molto divertenti e tensive le immagini al tavolo
verde, un cult per gli appassionati del genere.
California Split
La pellicola, meno
conosciuta al grande pubblico ma molto amata dai cinefili, è stata
diretta dal grande Robert Altman nel 1974. La trama segue le
vicissitudini di due giocatori compulsivi che seguono corse dei
cavalli, provano a vincere al casinò e hanno varie disavventure
amare. Nel tipico stile di Altman, il film è corale e alienante,
lontano dalle luci di Las Vegas.
Cincinnati Kid
Questo è considerato,
dagli appassionati, il film sul poker per eccellenza e vede un
giovanissimo Steve McQueen sfidare il vecchio campione in una
partita che è leggenda. Il film, diretto da Norman Jewison
nel 1975 ha reso iconico il Texas Hold’em per la prima volta, con
immagini ravvicinate del tavolo da gioco e le facce, appunto da
poker di McQueen che hanno ispirato un’intera generazione di
giocatori.
Atlantic City
Questo film, diretto
dallo straordinario Lous Malle nel 1980, vede insieme Burt
Lancaster e Susan Sarandon, mettendo in evidenza il lato
più poetico e malinconico delle scommesse. In una Atlantic City,
solitaria e tenera, l’uomo anziano Lancaster prova a ritrovare se
stesso e a rifarsi una vita grazie alle scommesse e alla vicinanza
della giovane Sarandon. Candidato a 5 Oscar, è una variazione molto
raffinata sul tema.
Casinò
Il film, un vero
capolavoro diretto da Martin Scorsese nel 1995, vede Robert De Niro, Sharon Stone e Joe Pesci,
gestire un casinò con le regole della criminalità organizzata. Come
tutti i film di Scorsese, la pellicola denuncia un certo modo di
vivere Las Vegas da malavitosi tra lusso, violenza e tanto gioco.
Ancora oggi, alcune scene girate nel casinò sono considerate le
migliori in questo genere.
Rounders – Il giocatore
Questo film, diretto da
John Dahl nel 1998, vede Matt
Damon ed Edward Norton giocare partite clandestine di
poker in una cupa New York della fine degli anni Novanta. Il film,
pieno di strategie e tecnicismi, è molto amato dagli appassionati e
la partita finale, contro John Malkovich, è una delle più belle e
amate nella storia del poker.
The cooler
La pellicola, diretta da
Wayne Kramer nel 2003, vede William H. Macy (diventato
successivamente famosissimo nel ruolo di Frank Gallagher in
Shameless) essere un “cooler” cioè un uomo che viene usato nei
casinò, come portasfortuna per frenare i clienti troppo vincenti.
Questo ruolo, per la prima volta, mostra, sul grande schermo, tutte
le piccole e grandi superstizioni che fanno parte del gioco
d’azzardo e che popolano, da sempre, le sale da gioco.
21
21, diretto da Robert
Luketic nel 2008, è una di quelle pellicole di cui si è molto
parlato e di cui si parla ancora (perché racconta una storia vera).
Un gruppo di studenti del MIT di Boston, supportati dal loro
professore, vincono milioni di dollari in un casinò di Las Vegas
contando le carte al tavolo del blackjack. Il film è stato così
tanto un successo che, successivamente, sono stati rafforzati i
sistemi di sicurezza contro il card counting.
Molly’s game
Questo film, diretto d
Aaron Sorkin nel 2017, è tratto dall’autobiografia di Molly
Bloom e vede Jessica Chastain nei panni di questa ex
sciatrice olimpica che diventa l’organizzatrice delle partite di
poker più esclusive di New York. La Chastain, già vincitrice di un
Oscar nel 2013 per Zero Dark Thirty, è stata nominata alla
prestigiosa statuetta per la sua interpretazione in questa
pellicola.
10.Uncut Gems
Il film, diretto da
Josh e Benny Safdie nel 2019, vede Adam Sandler alle prese con un ruolo drammatico
e molto intenso. Un gioielliere, compulsivo nelle scommesse
sportive, rischia anche la sua vita per raggiungere i suoi
obiettivi a costo di uccidere e di imbrogliare. La parabola, tra
droga e dipendenza, è molto intensa e ha confermato la propensione
di Sandler verso i personaggi difficili, quelli con cui un attore,
anche comico, può confrontarsi e uscirne assolutamente
credibile.
Anna Sawai, star
di Shogun, e Aimee Lou Wood,
rivelazione di The White Lotus (ma che ricordiamo bene anche
in Sex Education!), si candidano per i ruoli di
Yoko Ono e Pattie Boyd nel
prossimo biopic in quattro parti sui Beatles
diretto da Sam Mendes.
Ono, artista e cantautrice, è la
vedova di John Lennon e una delle sue più grandi
influenze creative. Sawai reciterà al fianco di Harrison
Dickinson nel ruolo di Lennon, sposato con Ono dal 1969
fino alla sua morte nel 1980. Lennon fu ucciso a colpi di arma da
fuoco da un fan squilibrato fuori dal loro condominio nell’Upper
West Side, il Dakota Building.
Boyd, modella, incontrò
George Harrison (che sarà interpretato da
Joseph Quinn) quando aveva 19 anni sul
set del film dei Beatles del 1964 “A Hard Day’s Night”, e divenne
una star a pieno titolo nella Swinging London degli anni ’60. Si
sposarono nel 1966; dopo lo scioglimento dei
Beatles nel 1970, il loro matrimonio iniziò a
deteriorarsi e alla fine divorziarono nel 1977. Successivamente fu
sposata con Eric Clapton dal 1979 al 1989. Il 10
ottobre, ha pubblicato sui social media che la prospettiva di avere
Wood come interprete era una “grande novità” e che “non vedeva
l’ora (sperando) di incontrare” l’attore “in futuro”.
I contratti per Sawai e Wood non
sono ancora stati firmati e non è certo che saranno scelti. Un
rappresentante della Sony Pictures non ha rilasciato
dichiarazioni.
Sappiamo ormai che gli attori
Harris Dickinson,
Paul Mescal,
Barry Keoghan e Joseph
Quinn sono ufficialmente stati scelti per
interpretare rispettivamente John
Lennon, Paul
McCartney, Ringo Starr
e George Harrison nei quattro biopic che
racconteranno la storia dei Beatles ognuno dal punto di vista di
uno dei membri della band. Keoghan, che è stato scelto per
interpretare Starr, ha raccontato in precedenza il suo incontro
“assolutamente incantevole” con il vero percussionista,
che “ha suonato la batteria per me”, ricordandolo come
“uno di quei momenti in cui rimani semplicemente a bocca aperta
e ti blocchi”.
Con l’uscita dei quattro film
attualmente fissata al 2028, è ancora presto per avere maggiori
novità su questo ambizioso progetto. La curiosità di scoprire come
il regista premio Oscar porterà al cinema la storia dell’iconica
band è però già alle stelle.
Prime Video ha pubblicato il primo teaser di
Invincible
– Stagione 4, la cui uscita è prevista per marzo 2026, in occasione
del New York Comic Con. È stato anche annunciato il ruolo di uno
dei cattivi più pericolosi della serie a fumetti: Lee
Pace darà la voce al malvagio Viltrumite Thragg.
La terza stagione di Invincible
è andata in onda con i suoi otto episodi a febbraio 2025 e ha
ricevuto un rinnovo anticipato per una quinta stagione a luglio al
San Diego Comic Con. È stato anche rivelato che Matthew
Rhys darà la voce a un personaggio sconosciuto nella
quarta stagione.
Dopo una pausa di quasi tre anni
tra le prime due stagioni della serie (più un’impopolare pausa a
metà stagione nella seconda), la terza stagione ha segnato un
ritorno in grande stile per la serie e ha entusiasmato i fan con la
sua azione ultra-violenta e le sue avvincenti trame tratte dai
fumetti.
La terza stagione si è conclusa con
diversi colpi di scena per Mark Grayson, alias Invincible,
interpretato da Steven Yeun. È sopravvissuto alla Guerra
degli Invincibili, in cui il cattivo Angstrom Levy
(Sterling K. Brown), che saltava da un universo
all’altro, ha reclutato un esercito di Invincibili provenienti da
dimensioni alternative per combattere sulla Terra. L’Invincibile
originale ha salvato la situazione, ma Rex Splode (Jason
Mantzoukas) è morto e diversi eroi sono rimasti gravemente
feriti. Si scopre anche che Angstrom Levy è sopravvissuto
teletrasportandosi in un altro universo.
Proprio mentre il mondo si sta
ricostruendo, un Viltrumite squilibrato di nome Conquest (doppiato
dall’ex co-protagonista di Yeun in “The Walking Dead” Jeffrey Dean Morgan) arriva
sulla Terra per assistere alla conquista del pianeta da parte di
Invincibile, non ancora iniziata. I due si affrontano in una feroce
battaglia, con la fidanzata di Mark, Atom Eve (Gillian
Jacobs), che si ritrova coinvolta nel fuoco incrociato.
Proprio quando sembra che Conquest abbia inferto un colpo fatale
sia a Eve che a Invincible, i poteri di Eve ricostruiscono il suo
corpo e lei neutralizza il malvagio Viltrumite. Con Conquest
sconfitto, Invincible rivela che adotterà una posizione più
favorevole all’uccisione per sconfiggere i suoi nemici. C’è anche
un esercito alieno di Sequid che si sta lentamente formando, Cecil
Stedman (Walton Goggins) tiene segretamente
incarcerato Conquest, la Bestia da Battaglia assetata di battaglia
è viva e il detective demoniaco Damien Darkblood sta evocando un
mostro infernale per combattere Invincible.
“Yellowjackets”
si concluderà con la sua quarta stagione, secondo quanto riporta
Variety. La serie Showtime/Paramount+ Premium, prodotta da Lionsgate TV, ha
debuttato originariamente nel 2021, e la terza stagione è andata in
onda tra febbraio e aprile 2025.
La quarta stagione debutterà nel 2026, con una data di uscita
precisa che verrà rivelata in seguito. La sala degli sceneggiatori
per la quarta stagione è ora aperta.
“Dopo tre stagioni incredibili
e un’attenta valutazione, siamo entusiasti di annunciare che
porteremo la storia di Yellowjackets alla sua contorta conclusione
in questa quarta e ultima stagione”, hanno dichiarato i creatori
della serie e co-showrunner Ashley Lyle e
Bart Nickerson. “Abbiamo sempre saputo che
sarebbe arrivato un momento in cui la storia ci avrebbe detto che
voleva finire, e crediamo che il nostro compito – la nostra
responsabilità – sia ascoltare. Raccontare questa storia
emozionante, selvaggia e profondamente umana è stata un’esperienza
profondamente significativa e un vero onore per noi, e siamo
profondamente grati al brillante cast, alla troupe e agli
sceneggiatori che hanno coraggiosamente intrapreso questo viaggio
con noi per darle vita. Soprattutto, vogliamo ringraziare i fan che
ci sono rimasti accanto in ogni momento, mistero e pasto: l’Alveare
non è nulla senza di voi! Non vediamo l’ora di condividere il
capitolo finale con voi e speriamo che lo troviate… delizioso. Un
caro saluto, A & B.”
Secondo una persona a conoscenza
della situazione, sono in corso trattative per la prosecuzione del
rapporto tra Lyle e Nickerson con Paramount anche dopo la fine
della serie.
Yellowjackets
è l’ultima serie di Showtime ad annunciare la sua conclusione in
seguito alla fusione tra Paramount e Skydance. Più di recente, è
stato riferito che “The Chi” sarebbe terminato dopo otto stagioni,
mentre Variety ha riferito in esclusiva che la serie prequel
“Dexter: Original Sin” era stata cancellata.
Pertanto, gli unici due originali Showtime rimasti al momento sono
“The
Agency”, che sta preparando la sua seconda stagione, e “Dexter:
Resurrection”, che ha recentemente annunciato il rinnovo per la
seconda stagione.
Megan Fox si è unita al cast di
Five Nights at Freddy’s 2 e interpreterà Toy
Chica, prestandole la voce. Il film, un sequel horror ambientato
nel locale infestato in stile Chuck E. Cheese noto come
Freddy Fazbear’s Pizza, arriverà nelle sale il 5
dicembre.
Tra i nuovi membri del cast
annunciati per il film Universal e Blumhouse figurano
MatPat come voce di Toy Bonnie e Kellen
Goff come Toy Freddy.
Per
Five Nights at Freddy’s 2, Emma
Tammi torna alla regia. Josh Hutcherson, protagonista del
primo film, torna anche per il sequel, che include membri del cast
come Matthew Lillard, Elizabeth Lail e
Piper Rubio.
Hutcherson ha recitato
nell’originale come guardia di sicurezza notturna al Freddys
Fazbear’s Pizza, dove le mascotte animatroniche sono inclini a
commettere omicidi. Lo studio non ha chiarito quali mostri
meccanici torneranno nel sequel, ma ha condiviso il nuovo slogan:
“Chiunque può sopravvivere a cinque notti. Questa volta, non ci
saranno seconde possibilità”.
La notizia del casting è stata
annunciata durante il panel di Jason
Blum al BlumFest al New York Comic-Con, che ha
celebrato diversi titoli in arrivo della Blumhouse, tra cui “Black
Phone 2”, il videogioco “Sleep Awake” e “Five Nights at Freddy’s
2”.
Megan Fox ha recentemente recitato al fianco
di Michele Morrone nel thriller di Millennium
Media “Subservience” ed è apparso nella serie
comica di Amazon “Overcompensating“. Altri suoi
recenti crediti degni di nota includono la commedia dark “Till
Death”, “Night Teeth”, “Big Gold Brick” e “The Expendables 4”.
Jean-Claude Van Damme torna su un terreno
familiare con Darkness of Man (2024), un
thriller di vendetta ambientato sullo sfondo crudo dei cartelli
della droga e di una giovane fuggitiva. In questo film, Van Damme
interpreta Russell, un agente speciale segnato dal
tempo e oppresso da una promessa inquietante fatta a un informatore
morente: proteggere suo figlio a tutti i costi. Diretto da James Cullen Bressack,
il film si affida naturalmente alla nostalgia per il periodo
d’oro di Van Damme come eroe d’azione, con titoli
come Lionheart
– Scommessa vincente o Hong
Kong colpo su colpo.
La trama di Darkness of
Man
La scena iniziale di
Darkness of Man ci catapulta nel cuore
dell’azione. Troviamo Russell disteso sul pavimento, tormentato dal
dolore per una ferita da arma da fuoco. Il film torna poi indietro
di due anni, rivelando un netto contrasto. Vediamo Russell,
apparentemente pulito, che aspetta pazientemente una donna di nome
Esther in un bar. Rifiuta educatamente un’offerta di alcolici,
alludendo a una lotta passata. Esther arriva, portando informazioni
che potrebbero smantellare un’operazione della mafia locale.
Tuttavia, questo atto di coraggio ha un prezzo mortale. Esther
viene messa a tacere proprio dalla mafia che intendono smascherare,
e Russell rimane gravemente ferito, con il peso della sua missione
che ora è un fardello pesante.
Durante il loro ultimo incontro,
Esther chiede a Russell di prometterle che, se le dovesse succedere
qualcosa, lui si assicurerà che suo figlio Jayden sia sempre
accudito. Due anni dopo, Russell riceve una telefonata dal nonno di
Jayden, il signor Kim, che gli dice che Jayden non è tornato a
casa. Russell chiama Jayden e va a prenderlo. Frustrato, Jayden
affronta Russell, chiedendogli di smettere di controllare ogni
aspetto della sua vita. Vede Russell solo come un autista, ignaro
del legame più profondo che li unisce. Russell, tuttavia, nasconde
un segreto pesante: il suo amore passato per la madre di
Jayden.
Russell consegna una scatola di
donazioni alla chiesa, dando una mano al signor Kim nel suo lavoro.
Ma sotto la superficie ribolle la tensione, poiché Russell
percepisce una frattura tra il signor Kim e suo figlio, Dae Hyun,
lo zio di Jayden. Dae, d’altra parte, non ama Russell perché pensa
che sia responsabile della morte di sua sorella Esther. Quando gli
viene chiesto del loro rapporto (il signor Kim e Dae), Jayden dice
a Russell che non sa molto delle questioni familiari. Tuttavia, più
tardi, vediamo Jayden incontrare Dae in segreto e persino uscire
con la sua banda, che fa uso di droghe continuamente.
Un giorno, il negozio del signor
Kim viene attaccato da due membri di una gang russa locale.
Fortunatamente, Russell è lì per intervenire. Russell ferisce un
uomo e insegue l’altro, affrontando poi la banda di Dae. Subito
dopo la rissa, Russell si siede a tavola con Dae e i suoi ragazzi,
che hanno preso una bella batosta da Russell. Dae racconta a
Russell di Lazar, che controlla la mafia russa e sta cercando di
prendere il controllo di tutti i negozi del quartiere. Lazar ha già
minacciato il signor Kim un paio di volte di vendergli il suo
negozio. Tuttavia, Dae e i suoi uomini stanno cercando di tenerlo
fuori dai loro affari.
Sapendo tutto questo, Russell
decide di aiutare Dae a porre fine alla situazione con Lazar una
volta per tutte. La preoccupazione di Russell per la sicurezza di
Jayden si intensifica. Avendo scoperto il legame di Jayden con la
banda di Dae Hyun, Russell teme che l’escalation del conflitto tra
Lazar e Dae Hyun possa mettere Jayden nel mirino. Il rischio di
gravi lesioni, o addirittura di morte, spinge Russell ad agire in
modo protettivo. Quindi, per tenere Jayden al sicuro da tutto
questo, Russell decide di prendere in mano la situazione e
mantenere la pace nel quartiere causando lui stesso un po’ di
caos.
Una notte, quando Russell torna a
casa, scopre che tutte le sue cose sono sparse ovunque. Attraverso
la sua telecamera di sicurezza, scopre che è stato Jayden a farlo.
Porta il suo vicino Chris a incontrare il suo fornitore perché
Russell sa che alla fine incontrerà gli uomini di Dae, dato che
sono loro a fornire la droga in questa zona. Immagina solo che
Jayden potrebbe essere con loro. Quando lo trova con loro, li
affronta e riporta Jayden a casa sua. Più tardi Russell si rende
conto che Jayden non aveva idea di chi fosse la persona a cui era
stato mandato.
Poco dopo, Jayden lascia il posto
correndo, molto deluso da se stesso. Pochi istanti dopo, un paio di
membri della banda russa entrano nella casa di Russell, ferendolo
gravemente. La veterinaria di Russell, Claire, lo porta in
ospedale. Il giorno seguente, Russell si scaglia contro la mafia
russa, cercando di scoprire dove si trova Jayden. Quando Russell
finalmente affronta Lazar, si rende conto di aver fatto parte del
piano fin dall’inizio, poiché lavorava solo per il signor Kim e
Dae.
Lazar gli spiega che non avevano
alcun motivo di rapire Jayden, poiché non avevano alcun problema
con Dae e il signor Kim. Sono loro che non vogliono condividere il
mercato e vogliono che i russi vengano eliminati. Questo è il
motivo per cui c’è una disputa tra loro. Ora, grazie a Russell, Dae
e Mr. Kim, non hanno più concorrenza sul mercato. Le cassette delle
offerte che Russell consegnava alla chiesa sono piene di Flakka, un
tipo di droga prodotta da Mr. Kim e dalla sua banda.
La spiegazione del finale del
film: Russell riesce a trovare Jayden?
Dopo aver ucciso Lazar, Russell
rimane sotto osservazione per un paio di giorni e viene accudito da
Claire e Chris. Quando finalmente riprende conoscenza, va
direttamente ad affrontare Dae e lì trova Jayden. Dae dà a Jayden
una pistola, dicendogli che Russell è responsabile della morte di
sua madre e che dovrebbe sparargli. Tuttavia, Russell dice a Jayden
che tutto questo è successo a causa di Dae, poiché è stato lui a
uccidere il padre di Jayden. Solo dopo questo episodio, Esther va
da Russell per chiedergli aiuto e distruggere questa banda per
salvare Jayden.
A questo punto, Jayden ha già
capito che Russell non farebbe mai nulla che potesse fargli del
male, quindi alla fine spara a Dae e inizia una sparatoria. Russell
spara a tutti gli uomini di Dae. Purtroppo, durante la sparatoria,
viene colpito anche lui. Con voce roca, Russell ordina a Jayden di
trovare Claire se lui non dovesse riprendere conoscenza. Rivela di
aver concordato con Claire che lei si sarebbe presa cura di Jayden
nel caso gli fosse successo qualcosa. Russell chiude gli occhi
mentre Claire prende il controllo della situazione, forse.
Cosa fa Russell al signor
Kim?
Alla fine del film, Russell fa
visita al signor Kim e gli dice che la sua presenza non è più
necessaria. Dopo la morte di suo figlio, il signor Kim si prenderà
cura di Jayden e non avrà più bisogno della protezione di Russell.
Mentre se ne va, Russell affronta il signor Kim. Sospetta che le
scatole delle donazioni contenessero Flakka, una droga pericolosa.
Il signor Kim, incoraggiato dall’apparente partenza di Russell e
dal loro controllo sul mercato, conferma i suoi sospetti. Poco
dopo, vediamo Russell consegnare questa confessione a uno dei suoi
colleghi, che farà in modo che il signor Kim finisca in
prigione.
Poiché non c’è più nessun tutore
che si prenda cura di Jayden, il ragazzo segue Russell mentre
lasciano la città. Nella scena a metà dei titoli di coda, vediamo
Jayden che si diverte con Russell. Le risate riempiono l’aria
mentre Jayden, Russell e Claire condividono un momento di calore,
un senso di famiglia che sboccia nonostante le difficoltà. Russell
è riuscito a mantenere la promessa che aveva fatto alla sua amata
Esther. Ha tenuto Jayden al sicuro e, non solo, gli ha dato una
nuova famiglia, che è ciò che Jayden ha sempre meritato.
Scopri anche il finale di altri film simili a Darkness
of Man con Jean-Claude Van
Damme
Shooter del 2007 è tratto dal romanzo
Point of Impact di
Stephen Hunter, noto per la sua precisione nella
rappresentazione del mondo dei tiratori scelti e della caccia. Il
film riprende la struttura del
thriller
d’azione con un protagonista solitario, concentrandosi sulla
preparazione meticolosa degli attacchi e sul gioco di inganni e
tradimenti che caratterizza la narrativa di Hunter. La
trasposizione cinematografica mantiene intatta l’intensità del
materiale originale, aggiungendo sequenze d’azione spettacolari e
un’attenzione particolare alla caratterizzazione del protagonista,
offrendo agli spettatori un’esperienza adrenalinica ma
credibile.
Per il regista Antoine Fuqua,
Shooter si colloca in un filone della sua
filmografia dedicato a thriller d’azione con protagonisti forti e
tormentati, simile a Training
Day e King Arthur. Il
regista si conferma abile nel mescolare tensione narrativa e
sequenze d’azione calibrate, dando grande risalto alla costruzione
dei personaggi. Mark Wahlberg, già noto per ruoli in action e
drammatici, interpreta il tiratore scelto Bob Lee
Swagger, riuscendo a coniugare il fisico atletico
necessario alle scene d’azione con la complessità emotiva del
personaggio. Il film segna quindi un momento significativo sia per
il regista sia per l’attore, rafforzando le loro credenziali nel
genere action-thriller.
Il film si inserisce
dunque nel genere action-thriller con forte componente
investigativa e suspense militare. I temi principali riguardano la
giustizia, il tradimento e la vendetta, esplorando le tensioni tra
l’individuo e le istituzioni governative, oltre al prezzo personale
della lealtà e dell’onore. Attraverso la vicenda di Swagger, il
film indaga anche la psicologia del tiratore scelto e il rapporto
tra abilità tecnica e morale. Nel resto dell’articolo si proporrà
una spiegazione dettagliata del finale, chiarendo come le scelte
del protagonista risolvano la vicenda e portino a compimento i temi
cardine della storia.
La trama del film
Shooter
Protagonista del film è Bob
Lee Swagger, un sergente dei Marines specializzato come
cecchino da campo. La sua carriera militare finisce quando, durante
una missione in Etiopia, perde il suo compagno, il caporale Donnie
Fenn. L’uomo decide a quel punto di ritirarsi sulle alture del
Wyoming e dar luogo ad una vita più tranquilla. Il suo isolamento
però dura poco, poiché ben presto viene contattato dal colonnello
Isaac Johnson della CIA. Questi vuole assumerlo
per proteggere il presidente degli Stati Uniti durante l’incontro
con l’arcivescovo etiope. Quello che gli viene chiesto, in pratica,
è di pianificare un ipotetico attentato per prevenire le mosse di
un eventuale cecchino.
L’ex marine accetta, inconsapevole
che in realtà quello che intendono fare è incastrarlo, accusandolo
di aver progettato l’omicidio in cui resterà ucciso l’uomo di
chiesa, il vero e unico bersaglio fin dall’inizio. Durante
l’operazione Swagger viene così ferito, riuscendo però lo stesso a
fuggire, trovando rifugio nell’appartamento di Sarah
Fenn, la compagna del suo amico scomparso Donnie. È qui
che, dopo essersi ripreso dalle ferite, progetterà la sua vendetta
contro coloro che hanno complottato nei suoi confronti. Il soldato
dovrà prima riuscire a dimostrare la propria innocenza,
smascherando i reali colpevoli e riabilitando così il proprio
nome.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Shooter, Bob Lee Swagger prende
pieno controllo della situazione, mettendo in atto il suo piano per
smascherare e fermare i responsabili del complotto contro il
Presidente. Dopo aver raccolto tutte le informazioni necessarie e
aver identificato i mandanti, Swagger affronta direttamente il
tiratore serbo Mikhaylo Sczerbiak e il manipolatore della vicenda,
il colonnello Isaac Johnson, scoprendo il coinvolgimento del
senatore Meachum e delle compagnie petrolifere. L’azione culmina in
un assalto alla proprietà di Sczerbiak, dove Swagger libera Sarah,
affronta le guardie nemiche e ottiene le prove cruciali
dell’inganno, mentre Sczerbiak si suicida, incapace di sopportare
la verità e il tradimento subito.
La
vicenda si risolve con Swagger e l’agente Nick Memphis che,
insieme, organizzano l’incontro finale sulla montagna innevata,
dove il complotto viene definitivamente smascherato. Swagger
neutralizza i cecchini nemici, disarma Payne e permette a Sarah di
eliminare quest’ultimo. Meachum e Johnson vengono rivelati come i
veri artefici, ma poiché i loro crimini rientrano in giurisdizioni
extraterritoriali, la giustizia legale non può colpirli
direttamente. Swagger distrugge la registrazione compromettente,
pur assicurandosi che il dipartimento di giustizia sia informato,
mantenendo al tempo stesso la sua libertà e quella di Sarah.
Il finale porta a compimento i temi principali del film, incentrati
sulla giustizia, la vendetta e la morale personale. Swagger incarna
il giustiziere che agisce al di fuori delle regole per smascherare
la corruzione e proteggere gli innocenti, sottolineando il
conflitto tra legittimità istituzionale e responsabilità
individuale. La sua astuzia e le competenze da tiratore scelto gli
permettono di ribaltare la situazione, dimostrando come conoscenza,
preparazione e determinazione possano superare il potere dei
potenti e dei corrotti, portando a compimento la ricerca di verità
e giustizia.
Inoltre, il finale mette in luce la riflessione etica del film: la
giustizia legale non sempre coincide con la giustizia morale.
Swagger sceglie di prendere decisioni estreme per proteggere Sarah
e fermare i colpevoli, pur sapendo che la legge non interverrà. La
scena dell’esplosione finale rappresenta la chiusura simbolica
della corruzione, un atto catartico che libera il protagonista dal
peso della menzogna e della manipolazione. Il film evidenzia così
la necessità di bilanciare abilità, etica personale e pragmatismo
quando le istituzioni falliscono.
Il messaggio che
Shooter lascia agli spettatori è quindi
quello della resilienza, della giustizia individuale e della
responsabilità personale. Il film mostra come la conoscenza e la
preparazione possano ribaltare situazioni apparentemente
impossibili, e come la determinazione morale permetta di proteggere
gli innocenti anche in contesti dove le regole ufficiali non
bastano. Swagger diventa un simbolo di eroismo consapevole, un uomo
che affronta la corruzione con azioni concrete e calcolate,
ricordando al pubblico che il coraggio e la giustizia personale
sono strumenti fondamentali in un mondo complesso e spesso
ingiusto.
Il finale di Into Darkness – Star Trek è stato uno
spettacolo ricco di azione ma sconcertante, simile a una versione
distorta di Star Trek II: L’ira di Khan, in cui i ruoli
del capitano Kirk (Chris
Pine) e Spock (Zachary
Quinto) erano stranamente invertiti. Dopo aver ucciso
l’ammiraglio Alexander Marcus (Peter
Weller), Khan (Benedict
Cumberbatch) ha preso il controllo della USS Vengeance
e ha minacciato di distruggere la USS Enterprise se Spock non gli
avesse consegnato i 72 siluri fotonici contenenti i suoi seguaci
geneticamente modificati.
Spock ingannò Khan inviandogli i
siluri senza le persone criogenicamente congelate al loro interno e
fece esplodere le armi per danneggiare la Vengeance. Una volta che
Kirk, Scotty (Simon
Pegg) e la dottoressa Carol Marcus
(Alice
Eve) si teletrasportarono sull’Enterprise, l’astronave
perse potenza e iniziò a precipitare sulla Terra. Kirk entrò nel
nucleo di curvatura e lo allineò, ricevendo una dose letale di
radiazioni. Mentre Spock assisteva alla morte di Kirk, Khan fece
schiantare la USS Vengeance su San Francisco e cercò di
fuggire.
Spock si teletrasportò per uccidere
Khan, ma durante l’inseguimento il dottor Leonard “Bones”
McCoy (Karl
Urban) si rese conto che il “super sangue” di Khan
poteva riportare in vita Kirk, che aveva messo in una criocamera.
Uhura (Zoe
Saldana) si teletrasportò per aiutare Spock a
catturare Khan, e McCoy riuscì a sintetizzare un siero dal sangue
di Khan per salvare la vita di Kirk. Un anno dopo, la USS
Enterprise è stata rilanciata in una missione quinquennale con il
capitano Kirk al comando. Alla fine di Into Darkness – Star Trek, Kirk ha imparato
che la vendetta non è ciò che contraddistingue la Flotta Stellare e
la sua esperienza contro Khan, che è stato rimesso in criogenesi,
lo ha fatto maturare come capitano dell’Enterprise.
Khan era il cattivo principale di
Into Darkness – Star Trek, anche se per gran parte
del film si ribellava al fatto di essere vittima del corrotto
ammiraglio Marcus. L’obiettivo principale di Khan era uccidere
Marcus, distruggere la Flotta Stellare e riunirsi con i suoi 72
seguaci, ma la trama del film ha reso i suoi metodi confusi. Nel
primo atto del film, Khan, con la sua identità fittizia di
comandante John Harrison, ha orchestrato l’attentato dinamitardo
all’Archivio storico Kelvin di Londra. Ma l’archivio era una
copertura per la Sezione 31, l’agenzia segreta della Flotta
Stellare, che stava usando Khan per sviluppare armi per la Flotta
Stellare sotto gli ordini di Marcus.
Khan ha bombardato la Sezione 31
perché sapeva che il protocollo della Flotta Stellare imponeva a
Marcus e allo staff senior di riunirsi nella sala conferenze
Daystrom presso il quartier generale della Flotta Stellare. A bordo
di una nave da salto rubata, Khan ha attaccato i vertici della
Flotta Stellare, ma non è riuscito a uccidere Marcus. Invece, il
mentore di Kirk, il capitano Christopher Pike
(Bruce Greenwood), è morto nell’attacco. Khan ha
quindi utilizzato la tecnologia transwarp di Scotty per
teletrasportarsi su Kronos, il pianeta natale dei Klingon.
Kirk si è offerto volontario per
portare l’Enterprise nello spazio klingon e uccidere Khan, ma
quando il suo equipaggio ha contestato l’immoralità di questa
missione, Kirk ha cambiato idea e ha deciso di arrestare Khan per
sottoporlo a un processo. Khan, a sua volta, salvò la squadra di
Kirk dai Klingon e si arrese a Kirk, avendo intuito che il capitano
non sapeva di essere stato incastrato dall’ammiraglio Marcus e che
la Sezione 31 aveva sabotato il nucleo di curvatura
dell’Enterprise. Fingersi prigioniero era il modo più veloce per
Khan di arrivare a Marcus. Khan sapeva che Marcus sarebbe venuto di
persona quando avesse saputo che Kirk aveva disobbedito agli
ordini.
Quando Marcus arrivò a bordo della
USS Vengeance per distruggere l’Enterprise, Khan accettò di
collaborare con Kirk per infiltrarsi nella nave stellare di Marcus.
Ma Kirk tradì Khan per primo e fece stordire Khan da Scotty. Quando
Khan si risvegliò rapidamente, attaccò e uccise Marcus. A quel
punto, l’obiettivo di Khan era quello di riprendere i suoi seguaci
dall’Enterprise e usare la Vengeance per distruggere la Flotta
Stellare. Ma dopo che Spock lo ingannò e danneggiò la Vengeance,
Khan si accontentò di schiantare l’astronave di Marcus contro il
quartier generale della Flotta Stellare prima di fuggire. Se Khan
avesse avuto successo, lui e i suoi seguaci avrebbero usato la
Vengeance per distruggere sistematicamente la Flotta Stellare, ma
invece il tiranno geneticamente modificato fu riportato in
animazione sospesa.
Il piano malvagio dell’ammiraglio
Marcus
L’ammiraglio Alexander Marcus era
l’altro cattivo di Star Trek Into Darkness e, in un certo senso,
era peggiore di Khan. La storia di Marcus è che dopo che
Nero (Eric
Bana) distrusse Vulcano in Star Trek del
2009, l’ammiraglio temeva che la Flotta Stellare non fosse
preparata per una futura guerra con i Klingon. Marcus ha utilizzato
la Sezione 31 per cercare modi per “militarizzare” la Flotta
Stellare e hanno scoperto la nave che conteneva Khan e i suoi
seguaci nello spazio. Quando Marcus si rese conto che Khan era il
signore della guerra geneticamente modificato di 300 anni prima, lo
riportò in vita e lo costrinse a sviluppare armi e tattiche per
realizzare la sua visione di una Flotta Stellare militarizzata.
Come incentivo, Marcus tenne
prigionieri i seguaci di Khan e minacciò di ucciderli se non avesse
collaborato. Nei panni del “Comandante John Harrison”, Khan
contribuì allo sviluppo della USS Vengeance e degli speciali siluri
fotonici che finirono per ospitare i seguaci di Khan in animazione
sospesa. Ma quando Khan decise di vendicarsi di Marcus, distrusse
la struttura della Sezione 31 e gli agenti nell’Archivio Kelvin e
attaccò il quartier generale della Flotta Stellare, Marcus vide il
desiderio di vendetta di Kirk come un’opportunità per sbarazzarsi
di Khan.
Tuttavia, Marcus non aveva mai
avuto intenzione di far tornare Kirk e l’Enterprise dalla missione
su Kronos, e l’ammiraglio voleva iniziare una guerra con i Klingon,
ma alle condizioni della Flotta Stellare. Marcus fece sabotare
dalla Sezione 31 il nucleo di curvatura dell’Enterprise in modo che
la nave rimanesse bloccata nello spazio klingon dopo che Kirk
avesse compiuto la sua missione originale di lanciare 72 siluri
fotonici su Kronos dal confine della Zona Neutrale. Quando Marcus
scoprì che Kirk aveva disobbedito agli ordini e aveva catturato
Khan, guidò personalmente la Vengeance per distruggere Kirk, Khan e
l’Enterprise.
L’ammiraglio non aveva mai avuto
alcuna intenzione di lasciare Kirk in vita, e nemmeno le suppliche
di sua figlia Carol Marcus riuscirono a dissuaderlo. Se Marcus
avesse potuto fare a modo suo, avrebbe annientato l’Enterprise e
tutti quelli a bordo, compresi Khan e i suoi seguaci, rimediando
all’“errore” che aveva commesso risvegliandoli dal sonno
criogenico. Marcus avrebbe così ottenuto la guerra con i Klingon
che desiderava e l’ammiraglio era convinto che la Flotta Stellare
avrebbe sconfitto i nemici grazie alla Vengeance e alla tecnologia
della Sezione 31.
Cosa è andato storto in
Into Darkness – Star Trek
Into Darkness – Star
Trek presenta interpretazioni straordinarie da parte del
cast e scene d’azione emozionanti. I difetti del film derivano dai
suoi numerosi passi falsi creativi e da un errore fatale nel modo
in cui è stato commercializzato questo sequel di Star
Trek. J.J. Abrams e i suoi sceneggiatori,
Damon Lindelof, Alex Kurtzman e
Roberto Orci, hanno deciso che, nonostante
avessero carta bianca per fare ciò che volevano nella linea
temporale alternativa di Kelvin, avrebbero reso Khan Noonien Singh
il cattivo principale del film. L’inclusione di Khan ha quindi reso
necessario riproporre diversi aspetti di Star Trek II: L’ira di
Khan.
Ma la novità di questa scelta è
stata persa dalla maggior parte dei fan di Star Trek, che
hanno visto l’uso di Khan nel sequel come una decisione
creativamente fallimentare. Inoltre, non ha aiutato il fatto che
Khan, un personaggio di colore originariamente interpretato
dall’iconico Ricardo Montalbán, sia stato
“imbiancato” dalla scelta di Benedict Cumberbatch per il ruolo. A
difesa di Into Darkness – Star Trek, uccidere Kirk
e mettere Spock contro Khan aveva il vantaggio che il vulcaniano
era fisicamente all’altezza del superuomo geneticamente modificato,
cosa che Kirk semplicemente non era.
Ma alla fine del film, lo Spock
affranto che si scaglia come un pazzo violento contro Khan era
troppo lontano dal vulcaniano freddo e logico che Spock dovrebbe
essere. Molte altre scelte creative sconcertanti, come Kirk così
immaturo da infrangere senza scrupoli la Prima Direttiva e così
assetato di vendetta da impegnare l’Enterprise in una caccia
all’uomo immorale, la controversia scatenata da una scena inutile
in cui Carol Marcus si spoglia in mutande davanti a Kirk senza
motivo, Spock interpretato da Leonard Nimoy che
dice a Spock interpretato da Zachary Quinto come sconfiggere Khan, e la
morte di Kirk che viene immediatamente annullata grazie al “sangue
magico” di Khan hanno affossato il film agli occhi del pubblico,
nonostante i punti di forza del film.
Un viaggio intenso e personale nei
mesi che tra il 1981 e il 1982 portarono il Boss a comporre il suo
disco più intimo, Nebraska. E’ questo il centro
emotivo di Springsteen: Liberami dal
Nulla, nuovo film di Scott Cooper
che si avvale della performance di Jeremy Allen White e della benedizione di
Bruce Springsteen in persona per portare sul
grande schermo quel momento nella vita dell’icona del New Jersey in
cui tutto sembrava cadere a pezzi e lui trovò nella tranquillità di
Long Branch, luogo
della sua infanzia, l’ispirazione per un disco che ha fatto storia,
trai più importanti degli ultimi 50 anni.
Un disco che parla della solitudine
e dello smarrimento del Boss, che per tutta la vita ha combattuto
con lo spettro della depressione, tratto determinato e ereditato
dalla famiglia e dal rapporto conflittuale con il padre. Un disco
(e una condizione) che ancora oggi parla al presente:
“Il disco che Bruce ha
scritto nel 1982 potrebbe averlo scritto oggi, parla di malessere,
di una mancanza spirituale, di una ambiguità morale. Bruce
Springsteen è politico ma non dal punto di vista
partitico, da quello umano. Parla delle persone che vivono ai
margini della società, di quelli che non hanno nulla, che vivono
una vita di quieta disperazione. Persone che lottano per
raggiungere il sogno americano, ma non ci riescono. E queste cose
erano valide nel 1982, così come oggi. Credo che questo sia il
motivo per cui l’album è così pertinente per il periodo che stiamo
vivendo oggi in America.” Ha dichiarato il regista, alla presenza
della stampa romana.
“Credo che questo
disco sia il risultato dell’isolamento – aggiunge Jeremy Allen White – Ma quando lo ascolto
mi sento capito, c’è molta empatia in questo disco. C’è molta
rabbia e confusione, ma sento anche molta speranza.”
Foto di Chiara Guida
Springsteen:
Liberami dal Nulla è un biopic insolitamente
“autorizzato”. Mai prima di ora il Boss aveva dato il suo
appoggio completo a un film che intendesse raccontare la sua vita o
parte di essa. In merito a questo supporto, Cooper commenta: “È
incredibilmente gratificante. Dal 1986 gli viene chiesto di farsi
raccontare in un film, lui è molto geloso della sua storia, non la
concede facilmente ad altri. Jon Landau
(interpretato da Jeremy Strong) mi ha detto che questa
è la prima volta in 50 anni che Bruce ha lasciato il comando a
qualcun altro. Questo mi ha messo molta pressione, anche perché
questo album, per me, ha un valore affettivo molto importante: mio
padre, a cui è dedicato il film, mi ha fatto conoscere Springsteen
proprio attraverso Nebraska e lo ascoltavo ogni volta che avevo
bisogno di ispirazione. Poi incontrando di persona Jon e Bruce, ho
scoperto che sono entrambi cinefili, Bruce guarda tantissimi film,
Jon Landau è un ex critico cinematografico. Nel nostro primo
incontro abbiamo parlato di film, di cinema e di vita, e solo dopo
abbiamo messo sul tavolo il progetto di questo film, ed è stato un
rapidissimo “sì”. Sono molto grato.”
Non solo Cooper ha
avuto l’ok del Boss, ma anche Allen White è stato benedetto dal cantante,
che ha accettato la proposta e ha chiesto espressamente all’attore
di accettar ela parte. “È incredibile, all’inizio l’ho
immaginato come un compito molto pesante. Io sono intervenuto nel
progetto molto dopo, quando la storia e la sceneggiatura erano già
stati concordati da Jon, Bruce e Scott. Credo che abbia molto senso
che Bruce abbia scelto di raccontarsi in questo periodo della sua
vita, perché era a un crocevia. Credo che le scelte che ha fatto in
quel momento gli abbiano condizionato la vita. E poi il fatto che
mi abbiano voluto, che lui e Scott siano venuti da me per
coinvolgermi… mi sono sentito molto fortunato. Sono molto felice
del suo supporto al film.”
Bruce Springsteen ha
lavorato in solitudine per Nebraska, in condizioni insolite,
decisamente contrarie alle regole discografiche del tempo. Sarebbe
possibile, oggi?
Scott
Cooper:“Il processo creativo all’epoca era diverso,
bisognava andare in studio e li si componeva e si registrava.
Lavorare da solo a casa è stato non convenzionale. Oggi le cose
sono differenti. Non è raro trovare musicisti che registrano in
autonomia i loro brani e poi in studio perfezionano e ripuliscono.
Lui non voleva passare attraverso questo processo di rifinitura,
aveva catturato dei suoi unici, particolari. Era ossessionato dalla
ricerca di quel tipo di suoni che aveva creato nella sua camera da
letto.”
“All’epoca, il
comportamento di Bruce era radicale, pertanto il suono, l’intimità
di questo disco è diventata unica – ha dichiarato Jeremy Allen White – Non so se oggi fare
un disco così sia tanto radicale, ma questo è il disco più
punk realizzato da Bruce, non in termini di suono, ma di
spirito. E credo che questo distingua questo album da tutti gli
altri suoi lavori.”
Foto di Chiara Guida
Oltre alla musica di
Springsteen, il film si arricchisce di una colonna sonora originale
molto particolare, realizzata inseguendo l’imperfezione, per così
dire, grazie al lavoro di Jeremiah Fraites di The Lumineers, che ha
lavorato con Cooper alla ricerca di un suono che potesse emulare la
musica che accompagna Badlands, il film di Terrence
Malick, film che ha ispirato direttamente la composizione di
Nebraska. Come ha spiegato Cooper: “Essendo cresciuto in New
Jersey, Jeremiah Fraites è fan di Springsteen sin da piccolo.
Mentre scrivevo la sceneggiatura, nella narrazione sentivo che la
musica doveva venire fuori da Badlands di Terrence
Malick e sono stato fortunato perché Malick mi ha dato il
permesso di usare alcune scene del suo film. E così io e Jeremiah
abbiamo lavorato sulla base della colonna sonora di quel film,
usando solo un pianoforte di legno scordato. Il suono che sentivo
era imperfetto, molto simile alla ricerca di Bruce nel realizzare
Nebraska. La colonna sonora del film è quindi stata molto scarna, e
Bruce mi ha detto che anche se non c’è nessun piano nel suo disco,
lui ascoltava il pianoforte che veniva dalla colonna sonora
del film di Malick.”
L'attore Jeremy Allen White a Roma per l'anteprima italiana
di
Ma com’è stato diventare fisicamente e vocalmente il Boss? Jeremy Allen White racconta così il suo primo
incontro con Bruce Springsteen: “Quando ho
conosciuto Bruce, era già d’accordo con l’idea del film. Io l’ho
incontrato nel suo elemento, mentre si esibiva davanti a 90mila
persone e per me essere presente è stato un dono, ma mi ha anche
intimidito perché sapevo che di lì a pochi mesi avrei dovuto
catturare alcune delle cose che lui era in grado di trasmettere.
Conoscerlo e parlargli mi ha dato la possibilità di vedere la sua
performance sul palco, da vicino, e vedere tutta la passione e la
violenza che mette nelle sue interpretazioni. Ma quando gli parli
vedi che c’è anche tanta delicatezza nella sua presenza. Per me ha
avuto molto coraggio a metterci alla guida del racconto della sua
vita, permettendoci anche di parlare con persone a cui lui è stato
molto vicino. Lo abbiamo scoperto come cantante e artista ma anche
come persona.”
Ma come mai Bruce
Springsteen che da quasi 40 anni rifiuta di farsi
raccontare dal cinema di finzione ha detto sì al progetto di Scott
Cooper? “Bruce non avrebbe mai accettato di raccontare un film
che parlava di lui che compone Born in the USA o Born to Run –
ha spiegato il regista – Nebraska è il suo lavoro più personale
e lui lo considera il migliore. Per lui è il capitolo più doloroso
della sua vita e il pubblico ha capito questo dolore di Bruce nel
1982, quando è uscito il disco. Per questo ha detto di sì a questo
film con questo taglio.”
Lady Gaga ha messo a segno un altro colpo da
maestra! La vincitrice di Oscar e Grammy apparirà nel prossimo
Il Diavolo Veste Prada 2,
inserendo un’apparizione nel fashion film durante il suo
Mayhem Ball Tour.
Dopo aver concluso quattro serate
sold-out all’O2 Arena di Londra, Gaga è stata avvistata dai fan a
Milano, dove si sta girando il sequel della commedia di successo
del 2006 con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt e Stanley Tucci. Il Diavolo Veste Prada
2 segna la prima apparizione sul grande schermo della
poliedrica superstar
dai tempi di Joker: Folie à Deux. All’inizio
di quest’anno, Gaga è
apparsa in un cameo in Mercoledì – Stagione 2
di Netflix. La sosta produttiva arriva prima
del concerto di Gaga all’Avicii Arena di Stoccolma, previsto per
domenica sera.
Cosa sappiamo su Il
diavolo veste prada 2?
Il
film originale del 2006, un cult classico per la sua satira
tagliente sul mondo spietato della moda, si concludeva con Andy che
lasciava Runway per un lavoro in un giornale di New York. Ora, i
fan potranno finalmente vedere cosa stanno facendo Miranda e Andy
in un panorama mediatico profondamente cambiato. Nel sequel,
Miranda, interpretata dalla Streep, si ritrova coinvolta in una
competizione ad alto rischio per ottenere importanti introiti
pubblicitari, trovandosi sorprendentemente a dover affrontare la
sua ex assistente dalla lingua tagliente Emily Charlton (Emily
Blunt), che ora è una potente dirigente nel settore
della moda.
David Frankel, che
ha diretto il primo film, è tornato alla regia di
Il diavolo veste Prada 2, lavorando su una
sceneggiatura di Aline Brosh McKenna, che ha
scritto anche l’originale. Le produttrici Wendy
Finerman e Karen Rosenfelt sono a bordo,
con la 20th Century Studios che ha in programma di distribuire il
film il 1° maggio 2026. Oltre a Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt, nel cast si ritrovano anche
Stanley Tucci, che riprende il ruolo del
sempre solidale Nigel Kipling, insieme a Simone
Ashley, Pauline Chalamet e Helen
J. Shen. Tracie Thoms e Tibor
Feldman tornano sul set, mentre diversi volti nuovi si
uniscono al cast, tra cui Kenneth Branagh, che interpreterà il marito di
Miranda, insieme a Lucy Liu, Justin Theroux, B.J. Novak,
Pauline Chalamet, Rachel Bloom e
Patrick Brammall.
Il regista di Tyler Rake 3,
Sam Hargrave, fornisce un nuovo aggiornamento sul
sequel con Chris Hemsworth, rivelando finalmente quando
dovrebbero iniziare le riprese del film. Dopo aver debuttato nel
ruolo di Tyler Rake nel film del 2020, la star di Thor ha
ripreso il suo ruolo anche per il sequel di Netflix del 2023. Poi, il terzo film è stato
successivamente confermato, ma è stato difficile ottenere una
tempistica precisa per la sua realizzazione.
Ora, Hargrave ha dichiarato a
Collider che il piano è quello
di iniziare le riprese di Tyler Rake 3 nel corso del
prossimo anno. Tuttavia, non è chiaro esattamente quando nel 2026,
poiché il regista afferma che il coinvolgimento di Hemsworth
nell’MCU e nel prossimo film degli
Avengers complica la programmazione. “Il piano è di iniziare
nel 2026. […] Inizieremo le riprese nel 2026 e vedremo come
andrà”.
“Molto dipende dal suo
programma con Avengers, che ha molte variabili, ma il piano è di
girare nel 2026 e presumo che l’uscita sarà nel 2027. Ma,
ovviamente, non posso né confermare né smentire ufficialmente
queste date!“, ha concluso Hargrave. Se le riprese dovessero
iniziare il prossimo anno, l’uscita nel 2027 è probabile, ma il
momento specifico in cui il film potrebbe arrivare nel 2027 dipende
da quando inizieranno le riprese nel 2026.
Se le riprese non inizieranno prima
della fine del 2026, ad esempio, il film probabilmente non arriverà
prima della fine del 2027. In primavera, come noto, è stato
confermato che Hemsworth riprenderà il ruolo di Thor nel cast di
Avengers: Doomsday. Questo
ritorno nei panni del supereroe segna la sua ultima apparizione
nell’MCU dopo Thor: Love and Thunder nel
2022.
Le riprese di Doomsday sono
terminate il mese scorso, ma il modello di produzione Marvel
prevede solitamente molte riprese aggiuntive, quindi è possibile
che Hemsworth torni sul set all’inizio del prossimo anno per girare
altro materiale nei panni di Thor. Le “parti in movimento” a cui si
riferisce Hargrave includono probabilmente il tempo necessario per
le riprese aggiuntive, così come la promozione obbligatoria del
film da parte di Hemsworth prima della sua uscita il 18
dicembre.
L’aggiornamento di Hargrave, in
ogni caso, segue un commento dell’attrice Golshifteh
Farahani, che nei film interpreta Nik, che sembra aver
accennato al fatto che il terzo film potrebbe puntare a un inizio
delle riprese nell’aprile 2026. L’attrice non ha però descritto
questa finestra temporale come una certezza, e il commento di
Hargrave rafforza l’idea che la situazione sia ancora piuttosto
fluida. Questo nuovo sviluppo relativo al film sarà sicuramente una
buona notizia per molti, vista la risposta positiva a Tyler Rake
2.
Il sequel non ha eguagliato
l’originale in termini di audience su Netflix, ma ha ottenuto
risultati migliori dalla critica, con un punteggio dell’80% su
Rotten Tomatoes e dell’84% su Popcornmeter. Non sono ancora state
rivelate sinossi o logline per il terzo capitolo, ma il finale di
Tyler Rake 2 fornisce alcuni indizi su come potrebbe
svilupparsi la trama, che include un ruolo per il nuovo arrivato
Idris
Elba. Con le riprese previste per il prossimo anno,
nei prossimi mesi potrebbero essere rivelati ulteriori dettagli su
Tyler Rake 3.
Continuano le domande su chi altro
dell’universo cinematografico Marvel apparirà in Avengers:
Doomsday nel 2026, e Andrew Garfield è ancora una volta al centro
delle speculazioni. In una nuova intervista con GQ, Garfield ha infatti risposto a un fan che gli ha
chiesto se lui e il collega Tobey Maguire, anche lui interprete di
Spider-Man, torneranno nel prossimo grande evento Marvel. La star
britannica ha risposto: “No, inequivocabilmente, cazzo,
no!”. I due, come noto, sono apparsi l’ultima volta nel film
Spider-Man:
No Way Home del 2021.
Tuttavia, in un’intervista con MTV
il 7 ottobre 2025, il protagonista di The Amazing
Spider-Man ha affrontato la questione di un suo possibile
ritorno nell’altro film dedicato agli Avengers: Avengers:
Secret Wars. In questo caso Garfield non ha dato una
risposta definitiva, né positiva né negativa, e si è limitato a
dire al giornale: “Lo scoprirete!”. Il 19 settembre 2025,
il cast di Avengers: Doomsday ha
ufficialmente concluso le riprese principali, dirette da
Anthony e Joe Russo, dopo diversi
mesi di lavoro. Non è stata ancora fissata una data per le riprese
di Avengers: Secret Wars.
Il cast iniziale di
Avengers: Doomsday è stato rivelato il 26 marzo
2025, durante un live streaming a sorpresa della Marvel Studios che
ha svelato il ritorno di diversi personaggi della timeline MCU, ma
nessuno dei precedenti Spider-Man faceva parte dell’annuncio.
Tuttavia, Kevin Feige ha confermato che ci sono altri
personaggi che saranno aggiunti al film del 2026. Durante il
CinemaCon del 3 aprile 2025, alla presenza di ScreenRant, il
presidente della Marvel Studios ha sottolineato che sono in arrivo
ulteriori notizie sul cast di Avengers: Doomsday.
Non resta che attendere di scoprire se Garfield e Maguire saranno
tra le aggiunte.
Al cinema dal 16 ottobre con Eagle
Pictures, Squali di Daniele
Barbiero fa parte della selezione di Alice nella Città
2025, Panorama Italia Concorso. Il film, un coming of age del XXI
secolo, vede protagonisti alcuni dei giovani volti del cinema
italiano più importanti della loro generazione, insieme a
James Franco, star internazionale che sembra
sempre più a suo agio nel nostro Paese.
Ambientato tra la provincia veneta
e la frenesia di Roma, Squali esplora le tensioni adolescenziali
tra noia e ambizione, attraverso lo sguardo disincantato del
giovane Max (Lorenzo
Zurzolo) e l’incontro-scontro con il carismatico
Robert Price (James Franco). Con una messa in scena
visivamente potente e un respiro internazionale, Squali si
interroga sul futuro di un’intera generazione.
Lorenzo Zurzolo –
è protagonista del film. Volto caratteristico e impossibile da
dimenticare Zurzolo è stato una presenza constante nel cinema e
nella tv degli ultimi anni, passando da produzioni molto importanti
per grandezza e ambizione a progetti più piccoli e ricercati. In
ognuna di queste avventure, Lorenzo si è distinto per la sua
presenza scenica e il suo talento.
James Franco – la
guest d’eccezione. Conosciuto in tutto il mondo per la sua
partecipazione al franchise di Spider-Man di
Sam Raimi, ha poi costruito per sé una carriera
diversa, lontana dai blockbuster e più vicina a un cinema di
sperimentazione e ricerca, senza mai rinunciare a titoli leggeri e
divertenti, che hanno contribuito a rafforzarne lo status di star.
In particolare, negli ultimi anni della sua carriera, sta
acquisendo una grande familiarità con il nostro cinema, tanto che
Squali è il secondo film italiano a cui partecipa nell’arco di tre
anni.
Francesco
Centorame – diventato famosissimo grazie alla sua notevole
interpretazione di Elia in Skam, Centorame è
conosciuto ora principalmente per la sua partecipazione a C’è Ancora Domani di Paola Cortellesi. Volto pulito e
sveglio, ha già spaziato trai generi e i toni, passando dalla
spensieratezza frivola della commedia a ruoli in cui interpreta un
vero e proprio villain (nel successo di Cortellesi, ad
esempio).
Ginevra
Francesconi – reduce dall’incredibile successo della serie
Sara e Marti, fa il salto al cinema con
The Nest, film che le apre nuove possibilità sul
grande schermo. Nonostante la giovane età, è classe 2003, ha già
avuto la possibilità di collaborare con molti registi e autori,
spaziando dalla commedia al dramma con grande disinvoltura.
Francesco Gheghi – è forse il
giovane volto italiano più interessante di questo momento storico,
protagonista di Familia, film che rappresenterà l’Italia alla corsa
agli Oscar per il Miglior film Internazionale del 2026. Nonostante
sia ancora molto giovane, l’intensità delle sue interpretazioni gli
permettono un range che raramente è credibile in interpreti così
relativamente inesperti. Nel 2024 è stato premiato alla Mostra di
Venezia con il
Premio Orizzonti per
la miglior interpretazione maschile
per Familia.
Rapunzel avrebbe dovuto
essere
uno dei prossimi remake live-action della Disney, parte del
passaggio alla rivisitazione delle proprietà davvero moderne della
Disney, con nessun film degli anni 2010 che aveva ancora ricevuto
questo trattamento. Tuttavia, il progetto è stato accantonato a
tempo indeterminato nell’aprile 2025, nonostante le voci su diverse
star prese in considerazione per i ruoli principali di Rapunzel e
Flynn Rider.
Ora, Deadline riporta che il
live-action della Disney è di nuovo in fase di sviluppo, con la
star di Hollywood che ha incassato di più in trattative per
interpretare il cattivo: si tratterebbe di Scarlett Johansson, che sta valutando il ruolo
di Madre Gothel. Secondo quanto riferito, Michael
Gracey di The Greatest Showman è ancora alla
regia, sulla base della sceneggiatura di Jennifer Kaytin
Robinson.
Di cosa parla Rapunzel?
Rapunzel è stato distribuito
dalla Disney nel 2010 ed è una nuova versione della classica fiaba
di Raperonzolo. Il film d’animazione segue le vicende di una
giovane principessa, ignara del suo status reale, che fugge dalla
torre dove è cresciuta con un ladro che la incontra per caso e che
vuole realizzare il sogno di una vita. Il film vede protagonisti
Mandy Moore, Zachary
Levi e Donna Murphy, che offrono
fantastiche interpretazioni vocali.
I remake live-action dei classici
animati Disney del XXI secolo, tra cui Cenerentola, La
bella e la bestia, Aladdin e Lilo & Stitch, hanno
incassato miliardi in tutto il mondo. Tuttavia, dopo il drammatico
flop di Biancaneve del 2025, la Disney ha sospeso lo
sviluppo di Rapunzel. Ora le cose sarebbero
ripartite grazie al successo di Lilo & Stitch, il che
suggerisce che i remake di film più moderni potrebbero avere più
successo.
Le novità sul cast di Rapunzel
Precedenti notizie hanno rivelato
che la top model Gigi Hadid avrebbe fatto un
provino per il ruolo di Rapunzel, mentre Corey
Mylchreest di Bridgerton avrebbe sostenuto quello per il
ruolo di Flynn nel live-action, ma non è noto se saranno loro a
ricoprire i due ruoli. Madre Gothel, nel frattempo, sarebbe una
nuova sfida per la Johansson. Gothel è astutamente manipolatrice ed
è stata precedentemente interpretata dall’incredibile voce canora
di Murphy.
Tuttavia, la Johansson è anche due
volte candidata all’Oscar, una star del botteghino e ha esperienza
nel campo musicale. In precedenza ha recitato in un altro remake
live-action della Disney, doppiando Kaa nel film Il libro della
giungla del 2016. Secondo quanto riferito, la Johansson sta
anche lavorando a un nuovo film della Disney intitolato Tower
of Terror, confermando che il team era ancora al lavoro nel
luglio 2025.
La Disney, nel frattempo, ha in
programma il remake live-action di Oceania per il prossimo
anno. Rapunzel, ora nuovamente in fase di
sviluppo, segnala dunque l’intenzione della Disney di portare
avanti questa nicchia della tendenza dei remake live-action,
concentrandosi sulle principesse Disney degli anni 2010. Lilo &
Stitch è stato un buon segno per questi progetti, ma è ancora
un territorio nuovo e impegnativo per la Disney.
Il sequel di Minecraft
ha ora una data di uscita. Il film originale, che adatta il
popolare videogioco omonimo, ha debuttato il 4 aprile ed è
attualmente il terzo film di maggior incasso del 2025 a livello
mondiale. L’imminente Minecraft 2 è stato
annunciato in fase di sviluppo iniziale l’11 aprile, anche se per
qualche tempo non sono arrivate ulteriori notizie.
L’account ufficiale X ha però
confermato che il sequel debutterà nelle sale il 23 luglio
2027. Il loro post (lo si può vedere qui), che
include un riferimento al videogioco descrivendo il lavoro sul
sequel come “costruzione del terreno”, presenta anche un
poster teaser che mostra due picconi in stile Minecraft. Se fosse
vero, questa data di uscita significherebbe che il sequel arriverà
solo due anni e tre mesi dopo il debutto del primo film.
Si tratta di un tempo relativamente
breve per un blockbuster moderno che dà inizio a un franchise. Ad
esempio, mentre il sequel di Sonic del 2020 ha richiesto
solo due anni e due mesi per arrivare sul grande schermo, il sequel
di Dune del 2021 ha richiesto due anni e cinque mesi.
Nel frattempo, il sequel di The
Batman del 2022 è previsto per la prima più di cinque anni
dopo, mentre il sequel di Super Mario Bros. del 2023
dovrebbe debuttare tre anni dopo il grande successo originale.
Al momento della stesura di questo
articolo, i dettagli della trama del progetto rimangono
sconosciuti. Tuttavia, Deadline conferma che il regista
Jared Hess (Napoleon Dynamite, Nacho
Libre) tornerà alla regia del progetto, oltre a co-scrivere la
sceneggiatura con Chris Galletta. Non è ancora
noto se tornerà qualcuno del cast originale di
Minecraft. Il cast stellare del grande successo
originale includeva Jack Black, Jason Momoa, Danielle Brooks,
Rachel House, Matt Berry,
Jemaine Clement, Sebastian
Hansen, Emma Myers e Jennifer
Coolidge.
In ogni caso, questa data di uscita
garantisce al titolo della Warner Bros. un posto d’onore nel bel
mezzo della stagione cinematografica estiva del 2027, che potrebbe
farlo accedere ad incassi ancora maggiori. Uscendo nella primavera
di quest’anno, il film ha incassato ben 957,8 milioni di dollari a
fronte di un budget dichiarato di 150 milioni. Tuttavia, se il
programma attuale verrà rispettato, il sequel dovrà competere con
una serie di colossi in quello stesso periodo. Infatti, il 23
luglio è anche la data di uscita promessa per I Simpsons 2.
Questa data arriva anche poche
settimane dopo il debutto, il 9 luglio, di Man
of Tomorrow, il sequel di James
Gunn del film Superman del 2025.
Indipendentemente da questa concorrenza, il sequel di
Minecraft sembra destinato al successo, dati i
tempi di realizzazione rapidi e l’accoglienza commerciale
travolgente del film originale, che è diventato virale grazie alla
sua cavalcata di riferimenti al popolare gioco.