Dopo le voci di faide, relazioni sul set, sputi e uno dei red carpet più imbarazzanti della storia, Don’t Worry Darling non è stato all’altezza dell’eccitazione del suo dramma reale. Il thriller psicologico vede la casalinga Alice (Florence Pugh) districarsi nella sua apparentemente idilliaca vita suburbana degli anni ’50 con il marito Jack (Harry Styles).

Già dai trailer era chiaro che ci sarebbe stato una sorta di colpo di scena, simile al film che ha chiaramente ispirato il film, Le mogli di Stepford. Non è lo stesso colpo di scena, ma è abbastanza simile. Combinando questi elementi con The Truman Show, il finale è pieno di lacune, spiegazioni accelerate e una rivelazione che era ovvia fin dall’inizio del film. Se alcuni dei colpi di scena vi sono sfuggiti, non preoccupatevi, cari. Ecco una spiegazione del finale di Don’t Worry Darling in tutta la sua gloria da girlboss, gaslight e gatekeep.

La vittoria è reale?

L’inizio della fine si ha quando Alice viene sottoposta a un’intensa terapia di elettroshock dopo aver provocato un caos tale da sconvolgere la cena, durante la quale affronta Frank (Chris Pine) e viene presa a calci dalla moglie Shelley (Gemma Chan). Alice implora Jack di fuggire con lei e Jack accetta. Ma è tutta una trappola per far salire Alice in macchina e farla trascinare via da uomini che assomigliano alle guardie di Squid Game senza la maschera PlayStation. Vediamo Alice sottoposta a terapia d’urto e finalmente otteniamo tutte le risposte che stavamo cercando.

Nel mondo reale Alice è un chirurgo oberato di lavoro che vive con il suo fidanzato, Jack, alias Harry Styles, con tanto di leccata di capelli e occhiali alla Edward Snowden. Jack, nel mondo reale, ha perso il lavoro, ma Alice è felice di fare altri turni in ospedale per sostenerlo. Quando Alice arriva a casa, Jack, che sembra non aver fatto nulla tutto il giorno se non stare al computer, si aspetta che Alice prepari la cena nonostante abbia appena lavorato 30 ore.

È chiaro che Jack prova risentimento nei confronti di Alice per il suo ruolo di capofamiglia, ma si aspetta anche che sia lei a occuparsi delle faccende domestiche – per aggiungere al danno anche una vita sessuale inesistente. È ormai chiaro che il vero mondo di Jack ha smesso di vivere in un mondo cupo, da girlboss, dove la donna è quella che torna a casa dopo una lunga giornata.

Alice si vendica

Alice rientra a Victory in tutto il suo splendore dopo l’EST, ma qualcosa non va ancora per il verso giusto, poiché ha subito un flashback della sua vita reale. Bunny (Olivia Wilde) è entusiasta di averla di nuovo con sé e di curare la memoria di Alice per riportarla in piena salute. Quando Alice sta preparando la cena per Jack, quest’ultimo canta la canzone ricorrente che fa riaffiorare in Alice il ricordo della sua vita reale, provocandole un esaurimento nervoso che riporta la sua mente al mondo reale.

Viene quindi spiegato come è nata Victory. Il Jack del mondo reale (con un aspetto ancora più incel) segue il processo di selezione per Victory dopo aver ascoltato i nastri del manifesto di Frank. Qualche tempo dopo, Jack si reca nel loro appartamento, che è chiuso a chiave. Si occupa del corpo di Alice, che è collegato a una macchina, con gli occhi aperti in stile Arancia meccanica, confermando che Victory è tutta una simulazione – come se non fosse ovvio dal primo trailer.

Tornata a Victory, l’ormai vera Alice affronta Jack per averla intrappolata. Jack sostiene che lei non era felice, ma lei difende il suo lavoro, le sue scelte e la sua vita libera. Viene poi spiegato che quando gli uomini di Victory vanno a “lavorare”, in realtà stanno rientrando nel mondo reale, in modo da poter lavorare per pagare la simulazione di Victory. Segue un match di urla in cui Pugh si esibisce in una recitazione di altissimo livello. Quando Jack cerca di strangolare Alice (intorno allo stomaco?), Alice rompe un bicchiere sulla testa di Jack, uccidendolo. Bunny scopre la scena insanguinata e Alice le racconta la verità dietro Victory.

Bunny confessa di sapere e di aver scelto questa vita per stare con i suoi figli nella simulazione, sottintendendo che sono morti nella vita reale. Bunny incoraggia Alice a scappare – dato che Bunny è rimasta volontariamente all’interno della simulazione, ben sapendo la verità della loro situazione – e a lasciare Victory prima che la uccidano. Quando Alice esce in strada con il sangue di Jack spalmato addosso, i sospetti di tutte le mogli sembrano essere confermati, svegliandosi finalmente alla realtà della loro esistenza e del tradimento dei loro mariti, compresa Shelley che accoltella Frank, affermando che ora è “il mio turno”. La Vittoria soccombe al caos che ha sempre cercato di evitare.

Alice si libera dalla vittoria

Assistiamo quindi a un inseguimento in auto tra Alice e le guardie di Squid Game. Alice corre verso il quartier generale in cui l’abbiamo vista andare in precedenza nel film, che l’ha inspiegabilmente riportata in camera da letto con lo zapping, senza che ricordasse di esserci arrivata. È chiaro che questo è un modo per… resettare? Lasciare il gioco? Trasportarsi magicamente? Morire? Chi lo sa, perché la sceneggiatura di certo non lo sa. Alice corre per uscire da Victory e tornare al suo vero corpo. Alice fa precipitare le guardie e il dottor Collins (Timothy Simons) e, poco prima di lasciare Victory, ricorda l’amore autentico che pensava di avere con Jack, con un ricordo di loro che si dicono che saranno sempre insieme. Alice lascia la simulazione prima che le guardie possano raggiungerla. Lo schermo diventa nero, ma sentiamo il mondo di Alice che si risveglia, ansimando.

Don’t Worry Darling in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

Animali notturni (Nocturnal Animals) è arrivato su Netflix e, se non l’avete mai visto prima, non vi biasimiamo se siete un po’ confusi. Basato sul romanzo Tony e Susan di Austin Wright, il dramma psicologico del 2016 Animali notturni (Nocturnal Animals, la nostra recensione), interpretato da Jake Gyllenhaal e Amy Adams, è noto per un finale ambiguo che lascia allo spettatore il compito di trarre le proprie conclusioni – anche se ci sono alcuni indizi su cosa significhi tutto questo e su come finisca.

Il film ci presenta la gallerista di Los Angeles Susan (Adams), sola nel suo lavoro e nel suo matrimonio con l’infedele uomo d’affari Hutton. Le arriva un pacco che contiene un manoscritto del suo primo marito, Edward (Gyllenhaal), con cui non parla da quasi 20 anni. Si tratta di un libro intitolato Animali notturni che lui ha scritto e dedicato a lei. Con esso c’è un biglietto che dice che lui sarà a Los Angeles e vorrebbe incontrarla.

Susan inizia a leggere il romanzo e gli eventi del libro, cupo e avvincente, vengono riprodotti sullo schermo: è la storia di un uomo di nome Tony (interpretato anche da Gyllenhaal), che è in viaggio con la moglie Laura e la figlia adolescente India quando vengono buttati fuori strada nel Texas occidentale da tre uomini.

Questi uomini – Ray, Lou e Turk – rapiscono Laura e India e lasciano Tony sul ciglio della strada. Tony riesce a raggiungere una casa e a contattare la polizia, ma quando Tony e il detective Andes (Michael Shannon) scoprono una baracca abbandonata durante le ricerche della sua famiglia, vi trovano i corpi di India e Laura, violentati e uccisi.

Mentre viene assorbita dal romanzo di Edward, Susan ricorda come lei ed Edward si sono conosciuti e come è nata la loro relazione e il loro matrimonio, nonostante le obiezioni della madre di Susan, che l’aveva avvertita che Edward non sarebbe stato in grado di darle lo status e la stabilità di cui avrebbe avuto bisogno.

Ripensa al modo in cui lo ha trattato, facendogli sentire che lo considerava un debole per la sua presunta mancanza di volontà di raggiungere il suo obiettivo di scrittore, e i suoi ricordi ci rivelano che non solo ha tradito Edward con Hutton (che poi ha sposato), ma ha anche abortito il bambino che Edward portava in grembo.

Le due storie raggiungono il culmine quando Susan si rende conto di essere stata tradita da Hutton e, nella storia del romanzo, il detective Andes offre a Tony l’opportunità di vendicare la morte della moglie e del figlio. Continuate a leggere per scoprire l’avvincente dramma. E attenzione, ci sono importanti spoiler in arrivo.

Il finale di Animali notturni (Nocturnal Animals): Cosa succede a Edward e Susan?

Susan continua a leggere il romanzo di Edward. Nella storia, uno dei tre uomini che hanno rapito e ucciso Laura e India è stato ucciso in una rapina, ma due – Ray e Lou – devono ancora affrontare la giustizia per il loro crimine. Il detective Andes rivela di essere in fin di vita a causa del cancro e il suo desiderio è quello di porre fine al caso, al di fuori della legge, se Tony è d’accordo. I due rapiscono Ray e Lou, ma mentre Lou viene colpito a morte mentre tenta di fuggire, Ray riesce a scappare.

Tony rintraccia Ray nella baracca dove sono state uccise la moglie e la figlia e lo affronta con una pistola. Ray gli dà del debole e Tony fa fuoco, sparandogli al petto, ma Ray riesce a colpire Tony in faccia con un attizzatoio, facendolo crollare a terra. Si risveglia qualche ora dopo, incapace di vedere. Incespicando, si rende conto che Ray è morto durante la notte del suo ferimento, così un Tony privo di emozioni prende la sua pistola e esce barcollando dalla baracca. Spara in aria – presumibilmente per far sapere ad Andes dove si trova – e poi cade a terra. Rotola sulla pistola, facendola accidentalmente esplodere, e muore.

Sconvolta dal finale del romanzo, Susan risponde all’e-mail di Edward che le chiede di suggerirle un luogo e un’ora in cui incontrarsi mentre lui si trova a Los Angeles. Si prepara – togliendosi la fede – e va in un ristorante per incontrarlo. Nella scena finale del film, Susan aspetta da sola nel ristorante per ore, ma Edward non si presenta.

Animali notturni, la spiegazione: Cosa è successo a Edward?

Allora perché Edward non incontra Susan nel ristorante alla fine del film? Per rispondere a questa domanda bisogna considerare che uno dei temi principali del film è la vendetta. Il romanzo di Edward parla di Tony che cerca di vendicarsi degli uomini che hanno ucciso la sua famiglia, e anche nelle parti “reali” del film ci sono accenni al fatto che questo è un tema pertinente.

A un certo punto, Susan vede nella sua galleria un’opera d’arte che non ricorda, in cui è scritta la parola “vendetta” (il che è una specie di grande indizio), e quando riceve per la prima volta il manoscritto di Edward, si procura un taglio con la carta – un’indicazione che il libro è destinato a farle del male.

Il libro di Edward parla della famiglia di un uomo – la moglie e il figlio – che gli viene portata via, così come Susan gli porta via se stessa e il bambino che porta in grembo nella vita reale. Scriverlo è il suo modo di vendicarsi, così come la sua decisione di non presentarsi al ristorante. Vuole che Susan si senta sola e abbandonata, come lui si è sentito 20 anni fa quando lei si è allontanata da lui e ha sposato Hutton.

Tuttavia, non ci sono veri vincitori nella storia. Nel romanzo di Edward, Tony non trae alcuna soddisfazione dalla morte di Ray, perché non potrà mai riavere la sua famiglia, quindi non ha più nulla per cui vivere ora che la sua vendetta è finita. Allo stesso modo, Edward non sta meglio: può anche essersi vendicato di Susan, ma l’ossessione per la loro relazione passata che ha alimentato il suo romanzo significa che è ancora perseguitato da quei fantasmi, nonostante abbia completato il suo libro.

È possibile che gli ex coniugi si incontrino di nuovo? Nel romanzo originale di Austin Wright Tony e Susan, da cui è tratto il film, c’è un’ultima aggiunta alla storia. Dopo aver ricevuto un bidone da Edward, Susan scrive una nota di critica sul libro che getta via, e poi ne scrive una più gentile che invia, dicendo che vorrebbe dirgli i suoi pensieri di persona – se lui li vuole ascoltare. Forse un giorno si incontreranno di nuovo, dopo tutto.

Se avete mai setacciato NETFLIX alla ricerca di un thriller solido, ma sottovalutato, è molto probabile che vi siate già imbattuti in Safe House. Il film del 2012 vede Ryan Reynolds nei panni dell’agente della CIA alle prime armi Matt Weston. All’inizio del film, Weston vive una vita relativamente tranquilla gestendo un rifugio a Città del Capo, in Sudafrica. Non è soddisfatto del suo incarico, perché ritiene che non gli dia la possibilità di fare carriera.

Tutto cambia quando Weston incontra l’ex agente della CIA diventato criminale internazionale Tobin Frost (Denzel Washington). Frost arriva al rifugio di Weston dopo essersi consegnato agli americani per evitare di essere ucciso da un gruppo di mercenari che erano sulle sue tracce. Tuttavia, i mercenari scoprono la sua posizione e distruggono il rifugio, costringendo Weston e Frost a darsi alla fuga.

Weston viene aiutato dal suo supervisore, David Barlow (Brendan Gleeson), e dalla collega Catherine Linklater (Vera Farmiga). I due cercano di capire non solo perché Frost abbia organizzato un incontro con un ex agente dell’MI6 prima di consegnarsi, ma anche perché ora sia braccato da questo misterioso gruppo di mercenari. Inoltre, Linklater sospetta di Weston e teme che possa rischiare di disertare.

Mentre la sua fedeltà viene messa in discussione e la sua missione diventa sempre più pericolosa, Weston inizia a chiedersi dove sia la verità di tutta la situazione. Ecco come si conclude questa storia straziante.

Frost spinge Weston a mettere in discussione la sua linea di lavoro in Safe House

Durante il tempo trascorso insieme, Frost cerca continuamente di convincere Weston a non fidarsi dei suoi superiori alla CIA. Egli nota che i mercenari sapevano come trovare il suo rifugio, il che significa che probabilmente hanno ricevuto una soffiata da qualcuno all’interno dell’agenzia. Ciò viene confermato in seguito quando Weston interroga uno dei mercenari.

Frost fornisce a Weston anche un resoconto di prima mano di quanto possano essere ambigui i vertici della CIA. Gli racconta di come, quando era un giovane agente, sia stato ingannato da uno dei suoi superiori per uccidere un uomo innocente. Ancora più inquietante è l’ammissione di Frost di aver lasciato correre l’inganno e di aver continuato a lavorare per la CIA. Spiega: “Se pratichi qualcosa per molto tempo, diventi bravo. Se dici cento bugie al giorno, ti sembra la verità“.

Gli avvertimenti di Frost non riguardano solo la situazione specifica in cui si trovano. Sta anche dando a Weston un’anteprima di ciò che gli accadrà se continuerà ad avanzare nella CIA.

Quando i due sono in viaggio verso il prossimo rifugio, Weston ha chiaramente interiorizzato le parole di Frost. Quando arrivano, punta una pistola contro l’agente che gestisce il rifugio. Ne nasce una lotta sanguinosa che lascia l’agente morto e Weston gravemente ferito.

Dopo lo scontro, Weston chiede di sapere cosa ha fatto Frost per essere braccato sia dalla CIA che da un gruppo di mercenari. Frost rivela di aver acquisito un microchip contenente file che descrivono la massiccia corruzione di tutte le principali agenzie di intelligence del mondo. Tra cui, ovviamente, la CIA.

Le vere intenzioni di Barlow vengono rivelate

Nel frattempo, sia Barlow che Linklater sono arrivati in Sudafrica per indagare sulla situazione. Linklater continua a sospettare fortemente di Weston. Anche se Barlow sostiene che il suo protetto non sta lavorando con Frost, le prove sempre più evidenti di fronte a Linklater le rendono difficile ignorare la sensazione che qualcosa non vada bene. Come si scopre, ha ragione ad essere sospettosa. Tuttavia, non è Weston la persona di cui dovrebbe preoccuparsi.

Mentre si recano all’appuntamento con Weston al rifugio, Linklater viene a conoscenza del microchip di informazioni sensibili su cui Frost ha messo le mani. Quando lo dice a Barlow, questi risponde sparandole e uccidendola. Frost aveva ragione sul fatto che i mercenari provenissero da qualcuno all’interno della CIA. Quel qualcuno è Barlow, che sa che in quel microchip ci sono informazioni rovinose su di lui.

Al rifugio, Weston si sveglia dopo essere svenuto per le ferite riportate. Frost è sparito e Barlow è al suo fianco. Dopo aver messo insieme tutti gli indizi, Weston sa che dietro a tutto c’è Barlow. Confrontato con lui, Barlow confessa di aver “fatto qualcosa di cui non vado fiero” e di aver fatto di tutto per tenerlo nascosto.

Il tradimento di Barlow è una manifestazione letterale dei precedenti avvertimenti di Frost sul vivere una vita di bugie e inganni. Weston ora capisce quanto tutto ciò sia insidioso. Anche dopo che Barlow gli offre la promozione che prima desiderava ardentemente, i suoi sentimenti nei confronti del suo mentore e della CIA si sono inaspriti.

Weston si rende conto di ciò che è veramente importante per lui…

Frost arriva e ne segue una sparatoria. Sebbene Frost uccida i mercenari di Barlow, viene ferito a morte. Prima che Barlow abbia la possibilità di finire Frost, Weston si alza dal letto e spara al suo ex mentore.

Tornato negli Stati Uniti, Weston presenta un rapporto al vicedirettore della CIA Harlan Whitford (Sam Shepard). Whitford ringrazia Weston per il suo rapporto e dà seguito alla promessa di Barlow di una promozione offrendogli di diventare un agente senior. Tuttavia, chiarisce anche che cancellerà dal rapporto ogni riferimento alle malefatte di Barlow, in modo che l’informazione non trapeli. Secondo Whitford, “la gente non vuole più la verità, amico. È troppo incasinata. Li tiene svegli la notte“.

Ma dopo il suo calvario, Weston ha imparato ad apprezzare la verità. Per tutto il film si trova in un mare torbido di bugie e spesso non riesce a capire quale sia la strada giusta. Quando Whitford cerca di coprire la situazione, è il momento finale di chiarezza. Weston sa che, se continuerà a lavorare per la CIA, perderà completamente la speranza di una vita onesta. Alla fine, comincerà a credere a tutte le bugie che racconta a se stesso e agli altri per mantenere la farsa, proprio come aveva avvertito Frost.

Tuttavia, dice un’altra bugia. Quando Whitford chiede a Weston del microchip, questi dice al vicedirettore di non essere al corrente di nulla. Ma dopo aver lasciato l’incontro, Weston fa trapelare i file ai media. La mossa lo mette in una posizione precaria, ma almeno è una posizione in cui ha il controllo della verità.

Anche se non tutti i film usciti negli anni Novanta sono stati un successo, si può dire che è stato un decennio complessivamente forte per il cinema. Tra il 1990 e il 1999 sono usciti moltissimi grandi film e, tra questi, la selezione è sorprendentemente varia. È stato un decennio che ha visto l’uscita di molti blockbuster iconici, di piccoli film indipendenti e di molti classici internazionali non in lingua inglese.

I migliori film degli anni ’90 sono anche alcuni dei migliori film di tutti i tempi, dato che si è trattato di un decennio così forte per il cinema. Chi è alla ricerca di alcuni dei migliori film degli anni ’90 dovrebbe trovare nei titoli che seguono un punto di partenza fantastico e comprensivo di molti dei più grandi del decennio. Quella che segue è una classifica di alcuni dei migliori tra i migliori film usciti negli anni Novanta.

Quel periodo di 10 anni può essere ormai lontano nel tempo, ma i migliori film degli anni ’90 continuano a vivere, e probabilmente continueranno a farlo all’infinito. La classifica che segue mira a mettere in evidenza i film veramente grandi e/o quelli che hanno riassunto in qualche modo il decennio e la sua atmosfera generale. Tutti questi film hanno resistito e sono invecchiati bene fino a oggi, e ognuno di essi è una visione essenziale per gli appassionati di cinema, sia occasionali che fanatici.

L.A. Confidential (1997)

Esempio iconico di neo-noir, L.A. Confidential è un avvincente film poliziesco/misterioso, scritto con maestria e interpretato da un ottimo cast. La trama vede diversi detective che cercano di venire a capo di un brutale omicidio di massa in una tavola calda a tarda notte, commesso da qualcuno armato di fucile.

Il film trasuda stile e trae vantaggio dal fatto di ricreare in modo molto convincente la Los Angeles degli anni Cinquanta per la sua ambientazione, oltre ad essere uno dei migliori film mai diretti da Curtis Hanson. Sebbene la trama sembri semplice all’apparenza, è il modo in cui si svolge (e diventa sempre più complessa) che mantiene il film avvincente, e aiuta anche il fatto che, a un certo punto, la storia e la sua progressione diventano piuttosto imprevedibili.

 L.A. Confidential in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

Scream (1996)

Alcuni film si muovono su una linea sottile tra l’interpretazione diretta di alcuni tropi e la parodia di altri, e l’originale Scream del 1996 è un ottimo esempio di film che fa questo per il genere horror. Una premessa slasher familiare viene presa un po’ sul serio, ma anche discussa e satireggiata, soprattutto grazie al fatto che i personaggi sono consapevoli delle “regole” dei film horror.

È il tipo di approccio che potrebbe sembrare meschino o accondiscendente nelle mani sbagliate, ma fortunatamente il regista Wes Craven aveva le mani giuste per un film come questo. Riprende ciò che aveva fatto in New Nightmare del 1994 e ne perfeziona la formula, rendendo Scream uno dei film horror più essenziali del suo decennio.

Trainspotting (1996)

Negli anni Novanta sono usciti molti film grintosi e con i piedi per terra, ma pochi si sono rivelati altrettanto grintosi e con i piedi per terra come Trainspotting. È un film ambientato in Scozia, che segue un gruppo di giovani nella scena della droga di Edimburgo, descrivendo onestamente gli alti e i bassi (letterali) della tossicodipendenza.

Trainspotting può essere divertente in una scena, teso in quella successiva, terrificante pochi minuti dopo, e poi tremendamente triste poco dopo. Mostra il caos delle vite dei personaggi in modo avvincente e straordinariamente equilibrato, senza mai sottrarsi alla realtà di uno stile di vita come questo, sia nel bene che nel male. Il film ha avuto anche un sequel sorprendentemente buono nel 2017, che vale la pena di vedere.

Thelma & Louise (1991)

Anche se si conosce il suo famoso finale, Thelma & Louise è comunque un viaggio che vale la pena di fare, visto che in definitiva riguarda tanto il viaggio quanto la destinazione. Si tratta di uno dei più grandi road movie di tutti i tempi, che segue due donne che si danno alla fuga dopo che una delle due ha ucciso un uomo per autodifesa, portando le due a legare mentre la legge cerca di rintracciarle.

Susan Sarandon e Geena Davis sono entrambe bravissime nei panni delle protagoniste, mentre il film vanta un cast di supporto di tutto rispetto che comprende Harvey Keitel e un (giovanissimo) Brad Pitt. Scritto e diretto con maestria dallo spesso affidabile Ridley Scott, il film è ancora divertente ed emozionante da guardare a distanza di anni.

Hong Kong Express (1994)

C’è una trama concreta in Hong Kong Express? È difficile dirlo. Si potrebbe affermare che ci sono due storie in gioco, una delle quali prende bruscamente il sopravvento sull’altra a circa metà strada.

Forse la domanda migliore sarebbe “Chungking Express ha bisogno di una trama?”, visto che si tratta di un film di Wong Kar-wai da cui si esce senza sapere come riassumere, ma ben consapevoli di aver vissuto un’esperienza grandiosa. Dalle sue immagini oniriche al grande uso della musica, fino al suo contenuto emotivo sorprendentemente duro, è un film poliziesco/romanzo/drammatico che affronta i temi della solitudine, della nostalgia e dell’appartenenza meglio di qualsiasi altro ed è meritatamente considerato un classico.

Forrest Gump (1994)

Forrest Gump è uno dei film più famosi degli anni Novanta e, sebbene non sia assolutamente perfetto, le sue qualità positive lo rendono probabilmente anche uno dei migliori degli anni Novanta. Il film segue il personaggio principale mentre attraversa la vita alla deriva, affrontandone a modo suo gli alti e bassi e influenzando inconsapevolmente numerosi (e significativi) eventi storici della seconda metà del XX secolo.

È un film molto sentimentale e forse anche a tratti smielato, ma è straordinariamente guardabile e molti dei suoi contenuti emotivi sono adeguatamente commoventi. Per l’ottimo equilibrio tra commedia, dramma e cuore e per la leggendaria interpretazione di Tom Hanks, Forrest Gump è sicuramente un film di successo.

Ragazze a Beverly Hills (Clueless, 1995)

Le commedie adolescenziali degli anni ’90 non sono molto più iconiche di Clueless, ed è comprensibile il motivo per cui viene spesso considerato un punto di forza nel genere delle commedie adolescenziali. Il film segue una popolare studentessa del liceo di nome Cher che influenza le vite di coloro che la circondano, per poi sentirsi minacciata da un’altra ragazza che diventa più popolare di lei dopo che Cher le ha fatto un restyling.

È uno di quei film che sono sempre stati popolari, ma che sembrano diventarlo un po’ di più ogni anno, al punto da diventare un classico intoccabile degli anni Novanta. Fa un ottimo lavoro di aggiornamento di Emma di Jane Austen per gli anni ’90, in modo simile a come un’altra commedia adolescenziale classica degli anni ’90, 10 cose che odio di te, funzionava come aggiornamento de La bisbetica domata di William Shakespeare.

Jurassic Park (1993)

Jurassic Park potrebbe essere il film campione d’incassi degli anni Novanta. Così come Steven Spielberg ha realizzato l’oggettivamente miglior film sugli squali di tutti i tempi con Lo squalo del 1975, allo stesso modo ha finito per realizzare il film sui dinosauri a cui tutti gli altri sarebbero stati paragonati, visto che a 30 anni dall’uscita, nulla si è avvicinato a Jurassic Park.

Stranamente, per quanto grande, non è nemmeno il miglior film di Spielberg del 1993 (di cui parleremo più avanti), a dimostrazione di come il regista fosse davvero al top della sua carriera. Con effetti speciali che reggono ancora oggi, un ritmo perfetto, grandi scene d’azione e di suspense e personaggi memorabili, Jurassic Park è intrattenimento di massa al suo meglio.

La vita è un sogno (Dazed and Confused, 1993)

Richard Linklater è stato uno dei migliori registi degli anni ’90 per quanto riguarda i film di piccole dimensioni e incentrati sui personaggi (Before Sunrise del 1995 ne è un buon esempio), ma il suo migliore di quel decennio potrebbe essere Dazed and Confused del 1993. Il film segue un gruppo di personaggi durante il primo giorno delle vacanze estive ed è intensamente nostalgico, grazie al fatto che è ambientato nel 1976.

Si tratta principalmente di una commedia e di una trama piuttosto leggera, ma i personaggi diventano molto accattivanti e gradualmente più stratificati man mano che il film va avanti. La vita è un sogno è molto divertente e anche molto sentito, in grado di commuovere chiunque ricordi anche solo con un pizzico di affetto com’era essere un adolescente o chiunque si senta ancora un po’ giovane.

Tre colori – Film rosso (1993)

Tra il 1993 e il 1994, l’acclamato regista polacco Krzysztof Kieślowski ha realizzato quella che oggi viene definita la trilogia dei tre colori. Ogni film (Blu, Bianco e Rosso) era incentrato su una serie diversa di personaggi e tutti affrontavano i temi dell’amore, della perdita e della nostalgia, anche se con toni diversi.

Si tratta di una trilogia tematica affascinante nel suo complesso e, sebbene sia difficile individuarne uno come il migliore, il terzo film, Red, potrebbe essere quello che finisce per avere il maggior impatto. È un film lento ma coinvolgente che analizza lo strano legame che si forma tra una modella part-time e un giudice in pensione, con una tonalità che si colloca a metà strada tra lo straziante Blue e lo stranamente comico White.

Il grande Lebowski (1998)

Un film giallo, cupo e forse anche esistenziale, interamente giocato sulle risate, Il grande Lebowski è senza dubbio uno dei film più divertenti degli anni Novanta. Segue The Dude – uno scansafatiche stranamente accattivante che va alla deriva nella vita – mentre intraprende un viaggio bizzarro e caotico per farsi sostituire il tappeto dopo essere stato scambiato per un milionario.

La trama è selvaggia e il film riconosce consapevolmente l’assurdità di tutto ciò, rendendo esilaranti cose che altrimenti potrebbero sembrare confuse e frustranti. È un punto culminante nella filmografia straordinariamente forte dei fratelli Coen e vanta interpretazioni iconiche da parte di tutto il cast, in particolare di Jeff Bridges e John Goodman.

Fight Club (1999)

Gli anni Novanta di David Fincher hanno avuto un inizio un po’ difficile quando ha diretto il discutibile (anche se non irredimibile) Alien 3, ma le cose hanno cominciato a girare per lui negli anni successivi. Nel 1995 ha realizzato il cupo e coinvolgente film giallo/thriller Se7en e poi, nel 1999, ha realizzato uno dei più amati classici di culto di tutti i tempi con Fight Club.

Si tratta di un thriller psicologico molto cupo (e sorprendentemente divertente) su un uomo apparentemente mite che viene coinvolto in un club di lotta clandestino (e alla fine rivoluzionario). Con una narrazione iconicamente tortuosa, un ritmo incalzante e un’abbondanza di immagini creative, Fight Club è giustamente considerato uno dei migliori del decennio.

Will Hunting – Genio ribelle (1997)

Un sentito dramma sull’adolescenza che ha dato a Robin Williams forse il suo miglior ruolo e che si è rivelato un successo per le star/sceneggiatori Matt Damon e Ben Affleck, Will Hunting – Genio ribelle è davvero bello. Si tratta di una storia semplice sulle difficoltà della giovane età adulta e sulle amicizie improbabili, ma che sfrutta con competenza un territorio familiare.

Il risultato è un film decisamente sentimentale e molto ampio, al quale è tuttavia difficile resistere. La sceneggiatura è appassionata e sincera e la vittoria di Williams come miglior attore non protagonista agli Academy Awards è stata meritatissima (anche la sceneggiatura ha vinto l’Oscar).

Terminator 2 – Il giorno del giudizio (1991)

The Terminator del 1984 è stato un ottimo film sui viaggi nel tempo, con una donna che cerca di sfuggire a un cyborg futuristico che non si fermerà davanti a nulla pur di vederla morta. In qualche modo, il sequel del 1991, Terminator 2: Il giorno del giudizio, ha finito per essere ancora migliore, funzionando altrettanto bene del primo quando si trattava di un film di fantascienza, pur avendo un budget maggiore e un’azione più spettacolare.

Qui, Sarah Connor ritorna, anche se suo figlio – la cui nascita stava cercando di essere impedita dal cyborg nel primo film – è cresciuto e deve essere protetto da un altro nemico del futuro. Il film ha cuore, umorismo e sequenze d’azione esplosiva e la star Arnold Schwarzenegger non è mai stata così brava.

Boogie Nights – L’altra Hollywood (1994)

Un dramma di ampio respiro, ambientato negli anni ’70 e ’80, che trae chiara influenza dalle opere di Robert Altman e Martin Scorsese, Boogie Nights è un film divertente e da rivedere all’infinito. È incentrato sull’industria del cinema per adulti e mostra gli alti e bassi del lavoro al suo interno e intorno ad essa seguendo un ampio cast di personaggi.

Sebbene il regista Paul Thomas Anderson prenda ampiamente in prestito dai citati registi, fa comunque suo questo film, e il fatto che la qualità sia paragonabile a quella dei suoi predecessori spirituali rende i riferimenti più facili da digerire. Anderson lo ha seguito nel 1999 con un altro grande (e vasto) dramma con un enorme cast di personaggi, Magnolia.

The Matrix (1999)

Dite quello che volete sui sequel (dopotutto dividono), ma è difficile negare che Matrix del 1999 sia un classico dell’azione e della fantascienza. Il film racconta di un uomo che viene informato che la sua realtà è un’illusione e gli viene data la possibilità di unirsi alla lotta contro le forze che mantengono l’illusione e che di fatto tengono l’intera razza umana in schiavitù, addormentata e ignara della verità.

Il film solleva interessanti questioni filosofiche e allo stesso tempo è una storia fantasticamente divertente, ricca di sequenze d’azione impressionanti. L’uso del rallentatore è stato parodiato fino alla morte, ma è ancora fantastico e il mix di scontri a fuoco e combattimenti corpo a corpo di Matrix, all’interno di un mondo fantascientifico così unico, è ancora diverso da qualsiasi altra cosa.

 The Matrix in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

Principessa Mononoke (1997)

Certo, ha una concorrenza agguerrita, ma Principessa Mononoke è senza dubbio uno dei migliori film diretti da Hayao Miyazaki. Il film segue un giovane che cerca di liberarsi da una maledizione e la sua avventura lo coinvolge in un drammatico conflitto tra un villaggio industriale e gli esseri che abitano una foresta vicina.

Combinando fantasia e avventura con una trama emozionante e un messaggio ambientale ben argomentato, Princess Mononoke è ambizioso ma riesce a legare il tutto. Anche chi non è un fan abituale dell’animazione giapponese dovrebbe cercarlo, perché offre un’esperienza di visione innegabilmente unica, commovente ed emozionante.

 Principessa Mononoke in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

Gli spietati (Unforgiven, 1992)

Tra i vari western in cui è apparso il leggendario Clint Eastwood, Gli spietati è forse il suo migliore. È un film cupo e intenso che segue un cacciatore di taglie in pensione che intraprende un ultimo lavoro dopo che uno sceriffo corrotto di una piccola città non riesce a fare giustizia sugli autori di un crimine brutale.

È comprensibile il motivo per cui il film è stato premiato così bene agli Academy Awards, aggiudicandosi anche il premio per il miglior film. È semplicemente un western difficile da criticare a qualsiasi livello, con una storia ben raccontata, ottime interpretazioni e una grafica eccellente. Si distingue anche per il modo in cui commenta – e decostruisce – i western americani di un tempo.

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Lezioni di piano (1993)

Jane Campion è stata la prima regista donna a vincere la Palma d’Oro al Festival di Cannes per la regia di Lezioni di piano. La vittoria è stata meritatissima, perché Il pianoforte è un film struggente e indimenticabile, che racconta la storia di una donna muta che arriva in Nuova Zelanda con la figlia dopo essere stata venduta per sposarla.

A volte può risultare pesante da guardare, ma la storia è sicuramente memorabile per il modo crudo in cui viene presentata, ed è anche ben completata da una splendida grafica e da un’ottima colonna sonora. Sembra il tipo di film che continuerà a invecchiare con grazia: Lezioni di piano ha un’innegabile qualità senza tempo e si sente difficile da criticare sotto qualsiasi aspetto.

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Heat – La sfida (1995)

Sebbene la sua filmografia sia piena di film iconici di crimine/azione, Heat è probabilmente il capolavoro di Michael Mann. Si tratta di un film di rapine su scala epica, che dura quasi tre ore e si divide tra il mostrare una banda di ladri che organizza un’ambiziosa rapina in banca e seguire un detective dalla testa calda e la sua squadra che cerca di fermare la banda.

Tutto sta nell’esecuzione e nella portata ambiziosa, che rende quello che altrimenti potrebbe essere un normale film di poliziotti contro rapinatori in qualcosa di grandioso, audace ed emotivamente intenso. Vale la pena guardarlo anche solo per la sequenza d’azione centrale, che si colloca senza dubbio tra le migliori sparatorie della storia del cinema.

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Il silenzio degli innocenti (1991)

Non è stata la prima volta che Hannibal Lecter è apparso sullo schermo, e di certo non è stata l’ultima, ma Il silenzio degli innocenti (1991) è il miglior film che ha visto protagonista l’iconico personaggio fino ad oggi. L’interpretazione di Anthony Hopkins nel ruolo del serial killer/cannibale imprigionato Lecter è leggendaria, e Jodie Foster è altrettanto convincente nel ruolo della giovane agente dell’FBI che deve lavorare con lui per catturare un altro assassino in libertà.

È un thriller nel profondo, ma sembra appartenere anche ai generi poliziesco e horror. Comunque lo si voglia classificare, è grandioso e probabilmente il più vicino alla perfezione di questo genere di film. Ha il raro merito di aver vinto la “cinquina” agli Academy Awards, e lo ha fatto meritatamente.

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Toy Story (1995)

Pur non essendo l’unico grande film d’animazione degli anni ’90, Toy Story è stato forse il più innovativo. È stato il primo lungometraggio realizzato interamente con l’animazione computerizzata e racconta la storia di un giocattolo, Woody, che viene sostituito come preferito dai bambini da un nuovo giocattolo, Buzz Lightyear, con i due che alla fine devono collaborare per tornare a casa dopo che il loro proprietario li ha smarriti.

Sarebbe un’icona per la sua animazione anche se il film in sé non fosse particolarmente bello, ma fortunatamente non è questo il caso. Tutto il resto del film – la sceneggiatura, l’umorismo, il messaggio, il doppiaggio, ecc. – è altrettanto iconico, assicurando che Toy Story rimanga ancora oggi un film d’animazione di riferimento che si rivela anche incredibilmente divertente e sorprendentemente emozionante.

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Titanic (1994)

Un iconico film d’amore e un avvincente film catastrofico in un unico film, Titanic è un film enorme che si è rivelato anche un grande successo. La tragica storia del giovane amore che sboccia su una nave condannata ha risuonato con gli spettatori alla fine degli anni ’90 e, ancora oggi, è uno dei blockbuster di maggior successo di tutti i tempi.

Grazie alla sensibilità registica di James Cameron e alle oltre 3 ore di durata del film, non si ha mai la sensazione che il film sia più lungo di quanto possa masticare, pur essendo due tipi di film molto diversi allo stesso tempo. Se lo si guarda oggi, regge in gran parte bene, rendendo facile lasciarsi coinvolgere dal romanticismo della prima metà e sentirsi tesi e inquieti durante la seconda metà, che è un disastro.

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Salvate il soldato Ryan (1998)

I film sulla Seconda Guerra Mondiale non sono molto più noti di Salvate il soldato Ryan, che ha rappresentato un altro trionfo degli anni ’90 per il regista Steven Spielberg. Si apre con una straziante rappresentazione dello sbarco in Normandia, per poi diventare un film su una squadra di soldati americani inviati in una pericolosa missione per recuperare il giovane soldato Ryan da dietro le linee nemiche.

È un film che vuole essere in qualche modo patriottico e reverenziale nei confronti dei suoi personaggi, ma allo stesso tempo critica la guerra ed è straordinariamente trasparente sugli orrori che contiene. Il bilanciamento non è perfetto, ma Salvate il soldato Ryan rimane comunque viscerale ed emozionante e si impone come uno dei film di guerra più iconici degli anni Novanta.

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Fargo (1990)

Per quanto grande sia Il grande Lebowski del 1998, Fargo del 1996 potrebbe essere un film degli anni ’90 dei fratelli Coen ancora migliore. Si tratta di un film poliziesco dalla comicità cupa che racconta di un piano andato male e di un capo della polizia determinato e pesantemente incinta che sembra essere l’unico ad avere una possibilità di risolvere il ridicolo e caotico caso.

Altri registi avrebbero potuto avere difficoltà a realizzare un film intelligente con personaggi che, per la maggior parte, non sono molto intelligenti, ma i fratelli Coen ci sono riusciti perfettamente. Fargo è semplicemente uno spasso da guardare, con una leggendaria interpretazione della protagonista Frances McDormand e ha ispirato una serie antologica altrettanto coinvolgente che ha iniziato ad andare in onda nel 2014.

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Hoop Dreams (1994)

Documentario di fenomenale fattura che rappresenta il genere al suo meglio, Hoop Dreams è probabilmente il miglior documentario dell’intero decennio. Segue due ragazzi per diversi anni, ognuno dei quali aspira a giocare un giorno nell’NBA, permettendo agli spettatori di vedere gli alti e i bassi delle loro vite mentre cercano di realizzare i loro sogni.

Come molti grandi documentari, utilizza la sua narrazione centrale per esplorare temi più ampi, in questo caso esaminando vari aspetti inerenti alla vita americana nel corso del XX secolo, tra cui l’istruzione, la classe e la razza. Il fatto che lo faccia in modo intelligente, pur essendo una storia avvincente ed emotiva che non annoia mai (anche con una durata di 174 minuti), fa sì che Hoops Dreams sia un classico.

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Pulp Fiction (1994)

Per quanto Le Iene del 1992 e Jackie Brown del 1997 siano grandiosi, Pulp Fiction del 1994 è il più grande film di Quentin Tarantino degli anni Novanta. Ha stabilito che il suo debutto nel 1992 non era un caso e che era una forza cinematografica da tenere in considerazione, visto che Pulp Fiction è uno dei film più imprevedibili, emozionanti, divertenti e creativi degli ultimi decenni.

La sua presentazione non cronologica (e la fusione senza soluzione di continuità di diverse storie) sembra ancora un miracolo di sceneggiatura, e quasi ogni scena è diventata un’icona a sé stante. Non c’è mai stato un film come Pulp Fiction, e probabilmente non ci sarà mai, e la sua unicità lo qualifica come un punto culminante del decennio in cui è uscito.

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Schindler’s List (1993)

È difficile pensare a molti altri film ambientati durante la Seconda Guerra Mondiale che abbiano lo stesso impatto di Schindler’s List. Questo e Jurassic Park sono stati i due film di Steven Spielberg usciti nel 1993, e mentre Jurassic Park è diventato il miglior blockbuster dell’anno, Schindler’s List è stato probabilmente il miglior film in assoluto dell’anno, e sicuramente il più premiato (ha vinto sette Oscar, tra cui quello per il miglior film).

È giustamente considerato uno dei film più emozionanti di tutti i tempi, in quanto racconta la storia vera di come Oskar Schindler utilizzò la sua fortuna personale per salvare le vite di oltre 1000 rifugiati ebrei durante l’Olocausto. Schindler’s List è un film difficile ma essenziale, che racconta la sua storia in modo impeccabile, con una regia perfetta e numerosi attori che offrono le migliori interpretazioni della loro carriera.

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Le ali della libertà (1994)

I già citati Pulp Fiction e Hoop Dreams non sono stati gli unici film al limite della perfezione usciti nel 1994, perché in quell’anno è uscito anche Le ali della libertà. Il film racconta di due uomini che legano tra loro mentre si trovano in un carcere di massima sicurezza: uno accetta malvolentieri il proprio destino, mentre l’altro mantiene la propria innocenza pianificando la fuga.

Si può tranquillamente affermare che Le ali della libertà è un film che non piace praticamente a nessuno, visto che è attualmente al primo posto della classifica IMDb Top 250, e lo è da anni a questa parte. In effetti, è un film in cui è difficile trovare difetti e, per quanto riguarda i film sulle carceri, è probabilmente il più grande di tutti i tempi e, inoltre, uno dei migliori film del suo decennio.

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Quei bravi ragazzi (1990)

I film di Martin Scorsese non sono migliori di Quei bravi ragazzi. È già qualcosa, considerando che Scorsese è uno dei più grandi registi di tutti i tempi, ma Goodfellas è onestamente intoccabile, prendendo in prestito e rimescolando i tropi familiari dei gangster movie e reinventando al contempo il genere poliziesco stesso, diventando un film estremamente influente nel processo.

Il film segue il membro di basso livello della mafia Henry Hill, con la sua narrazione che dà allo spettatore una visione dello stile di vita di una persona affiliata alla mafia. È un film che riesce a essere divertente, tragico, intenso ed emozionante da guardare, oltre a essere uno dei film polizieschi più veloci e meglio recitati di tutti i tempi. Quei bravi ragazzi è talmente bello che non è esagerato definirlo il più grande film degli anni ’90.

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L’esorcismo – Ultimo atto di Joshua John Miller potrebbe non essere ufficialmente una voce canonica dell’influente franchise dell’Esorcista, ma è chiaramente un omaggio rispettoso. Il film segue le riprese del film horror fittizio “The Georgetown Project“, che sembra seguire una trama molto simile a quella de L’esorcista del 1973. Quando il protagonista del film (Adrian Pasdar) muore sul set in circostanze sospette, viene rapidamente sostituito dall’attore problematico Tony Miller (Russell Crowe).

Tony si cala nel ruolo di un prete assunto per esorcizzare un demone dal corpo di un’adolescente (un riferimento al padre di Joshua John Miller, Jason Miller, che ha interpretato Padre Karras ne L’esorcismo – Ultimo atto (la nostra recensione). Quando iniziano le riprese di “The Georgetown Project”, il set è afflitto da un’attività paranormale che nessuno riesce a spiegare, rispecchiando i decenni di voci intorno ai presunti set maledetti de Il presagio e L’esorcista. Uno spirito diabolico incombe sulle riprese e ha un interesse particolare per il Tony di Crowe. Ma riuscirà a ottenere ciò che vuole? Ecco tutto quello che è successo nel finale del nuovo film horror religioso.

Di cosa parla L’esorcismo – Ultimo atto?

Il film si apre con l’attore principale di “The Georgetown Project” che viene attaccato da una forza invisibile, facendolo precipitare dalla cima del set del film. A sostituirlo è la star d’azione Tony Miller, un vedovo traumatizzato con un rapporto teso con la figlia adolescente e ribelle Lee (Ryan Simpkins). Tony non è la scelta più intuitiva per il ruolo, ma il regista Peter (Adam Goldberg) è convinto che la sua lotta con i demoni interiori, molto pubblicizzata nella vita reale, si tradurrà con successo in una lotta demoniaca fittizia sullo schermo. È un ruolo di ritorno per Tony, la posta in gioco è alta, ma lui lo ottiene e costringe la neo-sospesa Lee a lavorare come P.A., dove entra subito in sintonia con la giovane attrice Blake (Chloe Bailey), che interpreta la vittima della possessione del film nel film.

Veniamo a sapere che Tony ha subito abusi da parte di un prete quando era un chierichetto. Questo spiega il suo gelido e scomodo primo incontro con il consulente ecclesiastico del film, Padre Conor (David Hyde Pierce), e anche il primo giorno di produzione, Tony sente qualcosa che non va. Seduto al trucco, gli sanguina il naso mentre riceve dei flashback di se stesso da ragazzo, ricordando un prete che gli spinge minacciosamente del vino in faccia.

Più tardi, a casa, Tony inizia a comportarsi in modo strano, dando inizio a un ciclo preoccupante: le sue performance non funzionano, innescando un crescente abuso della regia e un comportamento più strano a casa. Mentre Lee attribuisce il suo comportamento preoccupante allo stress, al sonnambulismo e alla mancata assunzione di farmaci, Tony inizia presto a mostrare azioni preoccupanti che non possono essere spiegate così semplicemente. Proprio così: Tony è stato colpito da un caso di possessione demoniaca.

Tony diventa posseduto mentre inizia le riprese di “The Georgetown Project”

Prima che Tony metta piede sul set, c’è una presenza demoniaca. Il cast e la troupe possono discutere sulla morte del loro ex co-protagonista Tom, ma l’apertura a freddo mostra che egli sentiva chiaramente delle voci su un set vuoto (tra cui una mimica demoniaca del “per favore aiutate mia figlia” del copione) poco prima di morire. Quando in seguito Tony trova la copia del copione dell’ex protagonista (accanto a una croce che è esattamente quella dei ripetuti ricordi traumatici di Tony), è ricoperta da variazioni scarabocchiate di “sa che non sarai salvato” (forse riecheggiando la ripetuta esortazione del Principe delle Tenebre di John Carpenter: “Non sarai salvato!”) e da immagini sataniche e simboli occulti. L’influenza demoniaca era già presente prima che Tony fosse assunto.

È un po’ difficile individuare il momento esatto in cui Tony diventa esplicitamente posseduto. Anche nella scena iniziale prima dell’audizione, c’è qualcosa di strano: Tony si confessa a un prete per la prima volta dopo 40 anni, ma la sua voce è improvvisamente molto più profonda e roca di quella della scena precedente. La sua confessione sembra, in un primo momento, inquietantemente simile al suo registro vocale quando il demone si impossessa di lui. È possibile, anche se non confermato, che ci sia un livello di influenza demoniaca in attesa di essere attivato prima che egli partecipi al set infestato.

Quando Blake fa fare a Lee il suo primo tour del set, viene intervallato da Tony che si fa tagliare i capelli in modo stranamente inquietante. Blake spiega che sul set viene colpita perché “quando facevano film sul diavolo, come Il presagio o L’esorcista o Poltergeist, succedevano un sacco di casini“. Torniamo a Tony, che riceve un breve flashback di un ricordo traumatico della sua infanzia come chierichetto. I casi di evidente possessione di Tony sono regolarmente accompagnati da flashback di quel momento, quindi sappiamo che questi ricordi e la possessione di Tony sono profondamente collegati.

Nella scena successiva, il pubblico può vedere brevemente che le mani della donna che sta sistemando il costume di Tony sono coperte da un enorme serpente tatuato insieme a simboli occulti (gli stessi che si trovano nell’inquietante copia del copione di Tom che Tony scopre in seguito). Tra il set maledetto, il passato di Tony e il possibile equipaggio sospetto, non c’è un modo chiaro per decifrare quale di questi fattori abbia causato la possessione (non c’è il momento “hai letto dal Necronomicon!”).

Il passato traumatico di Tony lo rende vulnerabile alla possessione

All’inizio del film, scopriamo che Tony ha un rapporto teso con Lee a causa del suo forte consumo di alcol e della sua assenza generale mentre la madre di Lee stava morendo. È chiaro che l’ormai sobrio Tony (che beve ancora qualche birra) ha profondi rimpianti per quel periodo della sua vita. Ogni volta che il regista Peter richiama alla mente quei momenti di rammarico, si verifica un aumento dell’attività demoniaca. Quando questo accade sul set, una luce si avvicina pericolosamente alla testa di Peter, e da lì in poi la situazione non fa che peggiorare. È chiaro che la vergogna di quei momenti è in qualche modo legata alla presa del demone su di lui. Purtroppo, questa non è l’unica fonte di emozioni represse con cui Tony deve fare i conti.

Quando Lee e Blake si consultano con Padre Conor, questi suggerisce che Tony potrebbe avere un trauma non riconosciuto che il demone sta portando in superficie. Lee afferma che sua madre le ha parlato di “cose sconvolte” accadute nell’infanzia di Tony. Man mano che il demone si insinua nell’animo di Tony, si ha uno sguardo più chiaro e profondo sul flashback che tormenta Tony dal periodo in cui era chierichetto: un prete costringe il giovane Tony a bere del vino, precedendo un momento di abuso chiaramente implicito.

Tony ha poi lasciato la chiesa cattolica e prova ancora un profondo disagio alla vista di un prete come padre Conor. È chiaro che quel tragico momento ha instillato in Tony una vergogna ancora più profonda. Il demone usa i ricordi e la vergogna per quel momento per aumentare la sua influenza su Tony. È possibile che questi ricordi a lungo repressi abbiano alimentato alcune delle abitudini più distruttive di Tony, esacerbate dalla morte della moglie, e che l’entità usi queste fonti di vergogna e di disprezzo di sé per aumentare la vulnerabilità di Tony alla sua possessione.

Chi è il demone che possiede il Tony di Russell Crowe?

La storia dell’horror sulla possessione ha mostrato una varietà di demoni, entità o altri terrori cosmici come forza antagonista che abita una vittima, dal Pazuzu di derivazione assira de L’esorcista al re dell’inferno di Hereditary, Paimon, o persino Satana stesso in Prince of Darkness e molti altri. In questo caso, l’equipaggio si confronta con il demone dalla testa di toro Molech, il demone scelto per il film di finzione e un elemento reale della tradizione demonologica. Molech è profondamente associato al sacrificio rituale dei bambini.

Nel film viene nominato esplicitamente, ma la sua iconografia è presente in tutto il film. Nel cold open del film, l’attacco demoniaco subito dalla prima star del film comporta il flash di un dipinto di una figura con la testa di toro (un dipinto che vedremo più tardi sul set) con entrambe le mani alzate verso il cielo. Quando Tony scruta la vecchia copia del copione dell’attore deceduto, ci sono immagini di Molech che tiene in braccio un bambino. L’associazione con Molech è particolarmente preoccupante data la storia travagliata di Tony con la figlia e la crescente minaccia fisica che egli rappresenta per lei man mano che la possessione prende piede.

Una possibilità scioccante e pesante (anche se non confermata esplicitamente) è che Molech possa essere collegato agli abusi sessuali nella storia della chiesa cattolica. Con l’aumentare della possessione demoniaca su Tony, aumentano anche i flashback. Il pubblico ha la visione più dettagliata di quel momento inquietante in cui Padre Conor legge di Molech in un antico tomo, e c’è una regolare giustapposizione tra le immagini cattoliche (la croce del prete violento) e quelle di Molech (il dipinto con la testa di toro). In effetti, la croce che Tony trova tra le cose dell’ex star deceduta è la stessa croce specifica dei suoi ricordi traumatizzati. L’associazione di Molech con una terribile storia di sacrifici di bambini amplifica il terrore dell’uso gioioso di quei ricordi per tormentare Tony. Anche se non è confermato, è possibile che il film associ l’influenza di Molech a un modello di abuso efferato nella vita reale.

Come finisce L’esorcismo – Ultimo atto?

A 18 giorni dall’inizio delle riprese, la possessione demoniaca è in piena regola. Tony è chiaramente malato, ma Peter cerca di sollecitare una performance intensa da parte del suo attore principale facendo disgustosamente riferimento ai suoi abusi infantili. Ciò fa comprensibilmente precipitare Tony in una spirale di odio e il demone lo abita mentre si dirige al piano di sotto, contorcendosi a livelli disumani e terrorizzando la troupe. Tornati a casa di Tony, Lee e Blake trovano sostegno l’uno nell’altro prima che Tony attacchi i due con oscenità omofobe (per usare un eufemismo) e lasci la casa. Lee intuisce che è tornato sul set e lo scopre in pieno possesso nella camera da letto costruita per il confronto finale del film nel film, con Blake e Padre Conor in ginocchio in una posizione di preghiera congelata. Lee ottiene un vantaggio attaccando Tony con una croce.

Padre Conor, ormai sveglio, sfida il demone a usare lui come ospite e Molech lo fa. Il transfert libera Tony e i suoi ricordi traumatizzati ritornano completamente. Ferisce il potere del demone invocando i santi, poi sferra un colpo letterale al demone trafiggendolo con la croce, incendiando padre Conor mentre il demone viene sconfitto, Tony vince i suoi demoni interiori vincendo quelli esterni. Poiché il demone era così intimamente legato al dolore di Tony e da esso alimentato, scacciarlo porta a un futuro più luminoso e pieno di speranza; e, in modo appropriato, un futuro in cui il suo rapporto con Lee è migliore che mai. Tuttavia, mentre il film si conclude con una nota di speranza (Tony sembra persino essersi riconciliato con le sue radici cattoliche), chi può dire se il demone sia stato sconfitto una volta per tutte? Una cosa è certa, però: Tony dovrebbe limitarsi ai film d’azione.