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The Beast in Me, la spiegazione del finale: Nilo è morto?

In The Beast in Me di Netflix, l’immaginazione di una scrittrice si scatena quando scopre che il suo nuovo vicino è un magnate immobiliare la cui prima moglie è scomparsa in circostanze misteriose. La protagonista è Aggie Wiggs interpretata da Claire Danes, una scrittrice vincitrice del Premio Pulitzer che sta lottando per iniziare il suo secondo libro, già in ritardo di due anni. L’ispirazione arriva quando incontra Nile Jarvis, che inizialmente disprezza, ma più lo conosce, più si rende conto che la sua storia è più complessa di quanto avesse immaginato. Alla fine, però, la verità viene a galla e, man mano che i segreti di Nile vengono svelati, lo stesso accade per quelli di Aggie, che deve affrontare la verità, per quanto dolorosa.

Cosa succede in The Beast in Me

Aggie Wiggs è bloccata dal blocco dello scrittore. Sono passati anni da quando ha pubblicato il suo primo libro, che le è valso sia riconoscimenti che notorietà. Ma ora non ha idea di cosa fare con il suo secondo libro. Allo stesso tempo, il suo matrimonio è andato in pezzi sulla scia della morte di suo figlio. Le cose cambiano quando arriva un nuovo vicino, Nile Jarvis. Lui e Aggie entrano in conflitto quando lui propone di creare un percorso ben definito per correre e fare jogging nel bosco. Mentre lei è fermamente contraria, lui sembra determinato a farle cambiare idea. È interessante notare che, mentre Aggie affronta il trauma della perdita di suo figlio, Nile è tormentato dalla morte di sua moglie, Madison. È morta alcuni anni fa, ma la sua misteriosa scomparsa è stata la causa di uno scandalo che Nile non riesce a scrollarsi di dosso, per quanto ci provi.

Quando Aggie propone l’idea di scrivere un libro su di lui, che lui le aveva suggerito per scherzo, tra loro si instaura un nuovo rapporto. Uno dei motivi principali per cui Aggie si avvicina a Nile è perché sospetta che lui sia dietro la misteriosa scomparsa di Teddy, il giovane che Aggie ritiene responsabile della morte di suo figlio. Crede che Nile abbia fatto qualcosa al ragazzo nel tentativo di impressionarla e farle cambiare idea sul sentiero. Questo la porta a indagare sulla morte di sua moglie, il che apre un altro vaso di Pandora di guai. Nella sua missione è affiancata da un agente dell’FBI di nome Brian, che da tempo sta dando la caccia a Nile ed è desideroso quanto Aggie di scoprire la verità.

Aggie viene rilasciata dalla prigione?

Claire Danes in The Beast in Me
© Netflix

Dopo molti tentennamenti, in cui le opinioni di Aggie su Nile vengono messe in discussione, alla fine scopre la verità. Si scopre che Nile ha effettivamente ucciso Madison ed è anche responsabile dell’improvvisa scomparsa di Teddy. Il problema è che nel momento in cui lo capisce, Aggie manda un messaggio a Brian, senza sapere che questi è già stato ucciso da Nile. Questo dà al cattivo la possibilità di ripulire tutto e trovare un modo per zittire Aggie, affinché non riveli la verità a tutti. Con l’aiuto di Rick, tira fuori Teddy dal nascondiglio segreto e lo mette nella stanza di Cooper. La scena è inscenata in modo tale da far sembrare che Aggie abbia rapito Teddy e poi lo abbia ucciso. Non sarebbe troppo difficile per le persone credere che sia stata davvero lei, dato che aveva reso pubblico il suo disprezzo per lui al punto che lui aveva dovuto ottenere un ordine restrittivo contro di lei.

Con il cadavere di Teddy in casa sua, le prove sono schiaccianti, il che la costringe a fuggire. A peggiorare le cose, ha consegnato le prove che aveva trovato contro Nile a Erika, che Rick minaccia di far ritirare. Questo lascia Aggie senza nulla, il che significa che dovrà andare in prigione. In un ultimo disperato tentativo, Aggie contatta Nina, raccontandole la vera natura di Nile e come ha trovato le prove per dimostrarlo. La supplica di affrontare la verità, di cui lei, nel profondo, era già consapevole, e di aiutarla. Aggie lo fa perché Nina è l’unica abbastanza vicina a Nile da potergli estorcere una confessione e, considerando che lui non è stato esattamente il miglior marito per Nina, la sceneggiatrice ritiene che la moglie si rivolterà contro il marito. Allo stesso tempo, si arrende anche alla polizia perché sa che non può continuare a fuggire per il resto della sua vita.

Come viene catturato Nile?

Fortunatamente, la coscienza di Nina la porta a confrontarsi con Nile. Gli racconta tutto ciò che Aggie le ha detto e, all’inizio, lui cerca di rassicurarla dicendole che sono tutte bugie. Ma alla fine, si toglie la maschera e la verità viene a galla. Confessa di aver ucciso Madison, ma sottolinea anche che è stata Nina a denunciare la sua ex moglie e che lei sapeva cosa stava facendo quando ha fatto la spia. Confessa anche di aver rapito e ucciso Teddy, sostenendo che era quello che voleva Aggie, ma che lei non riusciva ad accettarlo. Sorprendentemente, Nina sembra accettarlo nonostante tutto questo e, per un attimo, Nile pensa di averla fatta franca ancora una volta. Tuttavia, la mattina dopo, si scopre che sua moglie ha registrato l’intera conversazione.

La donna la invia alla polizia, che scagiona Aggie, poiché Nile ha chiaramente affermato di essere stato lui a uccidere Teddy e di aver incastrato Aggie. Viene arrestato poco dopo aver tenuto un discorso con Olivia Benitez, che è stata costretta ad accettare un accordo con lui. Fortunatamente, ora lei è libera dai vincoli e può tornare a combattere contro persone come la famiglia Jarvis. Nel frattempo, Nile inizialmente cerca di contestare le accuse, ma poi suo zio, che lo aveva aiutato a seppellire tutti i corpi in tutti questi anni, decide di parlare, e questo mette fine alla difesa di Nile. Viene dichiarato colpevole e condannato a una lunga pena detentiva. Tuttavia, questo non cambia nulla in lui e, cosa interessante, Aggie si presenta per incontrarlo in prigione. Sembra che lei non sappia ancora come concludere il libro, ma Nile fa notare che questo è dovuto al fatto che lui è il riflesso delle sue parti più oscure, motivo per cui lei è ancora desiderosa di parlare con lui.

Marty è morto? Perché Rick lo uccide?

The Beast in Me netflix
© Netflix

Una delle principali rivelazioni su Nile è che Madison e Teddy non sono le uniche persone che ha ucciso. Nella scena flashback, in cui si scopre che Madison stava collaborando con Brian per distruggere Nile, lei rivela che le persone sono scomparse intorno a lui per tutta la sua vita. Cita l’esempio di un giovane artista con cui aveva iniziato a lavorare, ma che è stato accoltellato poco dopo che Nile era diventato geloso di lui. Sottolinea che questo schema risale al periodo in cui lui era adolescente. Anche se non è mai riuscita a provarlo, il pubblico sa che le sue accuse sono vere grazie alla reazione di Marty alle azioni di suo figlio. Sembra che lui e Rick abbiano passato tutta la vita a ripulire i suoi pasticci. Dopo che Nile ha ucciso Madison, Marty ha cercato di cambiare le cose mandando suo figlio in esilio. Tuttavia, poi si sono verificati gli eventi con Teddy, che lo hanno sconvolto al punto da farlo collassare.

Poco prima, si chiede perché suo figlio sia così, ed è chiaro che la sete di sangue di Nile è il motivo per cui Marty è stato così distante da lui per tutto questo tempo. Questo è il motivo per cui si è risposato e ha avuto altri figli, perché non voleva che suo figlio assassino fosse l’eredità che avrebbe lasciato. Dopo Madison, pensava davvero che Nile avrebbe smesso, ma quando Aggie viene arrestata, Rick confessa tutto e questo svela lo stato d’animo di Marty. All’ospedale, si scopre che la salute di Marty è peggiorata al punto che non si riprenderà più. Entra in coma e non ne uscirà mai più. Con l’arresto di Nile, Rick vede il coma di suo fratello come un sollievo. Almeno non dovrà vedere il suo buon nome e la sua eredità distrutti quando tutti i segreti e le bugie di Nile verranno alla luce.

Ma non è tutto ciò che fa. Quando Nile si dichiara non colpevole e sembra pronto a combattere le accuse contro di lui, Rick capisce che non cambierà mai. Quindi, decide di confessare tutto alle autorità. Diventa loro testimone, il che lo aiuta anche ad alleggerire la sua coscienza. Tuttavia, prima che tutto vada definitivamente in pezzi, decide di sollevare suo fratello. Uccide Marty perché non vuole che suo fratello sia vivo per vedere tutto ciò che sta per accadere e come il nome dei Jarvis sarà per sempre macchiato a causa di Nile e delle sue azioni. Nella sua mente, questo è un atto di misericordia, anche se farlo gli spezza il cuore. Quindi, prima che la polizia venga a prenderlo, soffoca Marty con un cuscino, ponendo fine alla sua vita prima di rivolgere la sua ira verso Nile.

Nile è morto? Chi lo uccide?

Quando Rick uccide Marty, lo fa per amore. Allo stesso tempo, sa che non avrebbe dovuto farlo se Nile non avesse commesso tutte le azioni riprovevoli che ha commesso. Rick amava suo fratello ed era per lui che aveva aiutato Nile a superare tutto il sangue versato e quant’altro. Quindi, quando Marty muore, Rick dà la colpa a Nile. Nel corso degli anni, aveva cercato di convincere Marty a lasciare che Nile affrontasse le conseguenze delle sue azioni piuttosto che aiutarlo a nasconderle. Ma Marty era accecato dall’amore per suo figlio, ed è per questo che Rick ha dovuto accettare. Ma ora tutto è cambiato, quindi si rivolge alla polizia. La sua testimonianza porta suo nipote in prigione per il prossimo futuro, ma non è abbastanza. Rick vuole che venga punito perché sa che nemmeno la prigione smorzerà l’ego e l’autocompiacimento con cui Nile si è illuso.

La visita di Aggie gli dà ragione, poiché dà all’assassino un senso di importanza che gli fa credere di non avere nulla di sbagliato. Rick sa che tutta l’attenzione dei media sul caso amplificherà questi sentimenti in suo nipote, che non imparerà mai la lezione. Non cambierà mai. E non sarebbe stato un problema se Marty fosse sopravvissuto, ma ora che lui non c’è più, Rick non può accettare il fatto che anche Nile possa continuare a vivere. Quindi chiama uno dei suoi vecchi contatti, che lo porta a stringere un accordo con alcuni detenuti, i quali uccidono Rick all’interno della prigione. Un giorno viene pugnalato e le ferite sono così gravi che è chiaro che non si riprenderà. L’ultima immagine che abbiamo di Nile è lui sul pavimento, con il sangue che gli scorre intorno, mentre esala l’ultimo respiro. Muore, e con questo Rick riesce a chiudere il capitolo che avrebbe voluto che suo fratello avesse chiuso molto tempo fa.

Perché Nina tradisce Nile? Il suo bambino è come Nile?

Uno dei motivi per cui Nile è riuscito a farla franca per così tanto tempo è grazie alle persone che lo circondano. Suo padre e suo zio erano sempre a sua disposizione ogni volta che aveva bisogno di qualcuno che ripulisse i suoi pasticci. Allo stesso tempo, desiderava mostrare il suo lato oscuro a qualcuno che lo capisse, ed è per questo che era attratto da Aggie, credendo che la sua sete di sangue fosse simile alla sua. Ha tenuto segreti i suoi omicidi anche alla sua nuova moglie, Nina, perché sapeva che lei non sarebbe mai stata in grado di accettarlo in quel modo. Allo stesso tempo, sapeva che nemmeno lei era del tutto innocente. Quando Aggie dice che ha contribuito al suo arresto perché ha una coscienza, lui risponde che è semplicemente perché è un’opportunista. E Nile ha ragione, in una certa misura. Il desiderio di Nina di vedere Nile rinchiuso in prigione per sempre non era motivato semplicemente dal suo desiderio di giustizia.

Non è che non le importasse affatto di Madison o di qualsiasi altra vittima. È solo che in circostanze diverse avrebbe potuto scegliere di chiudere un occhio sulle sue azioni, e in realtà lo ha fatto per molto tempo. Nile sottolinea che, anche se lui non le ha mai confessato le sue azioni, ciò non significa che lei non abbia mai sospettato nulla di sconveniente in lui. In un certo senso, lei sapeva esattamente chi era, ma è rimasta con lui perché le conveniva. E poi è rimasta incinta. Con tutto ciò che stava accadendo intorno a lei, Nina ha dovuto considerare il fatto che ora aveva un bambino a cui pensare e che doveva fare ciò che era meglio per lui e per sé stessa. Quindi, la sua decisione di tradire Nile e inviare alla polizia la registrazione della sua confessione è stata un modo per assicurarsi che la sua ombra oscura non ricadesse mai su suo figlio. Non voleva che il bambino finisse per diventare come suo padre.

Tuttavia, c’è la questione della natura contro l’educazione e, nell’ultima scena, mentre guarda il suo bambino, si chiede quanto di Nile ci sia già dentro di lui. Non è che Marty fosse un serial killer, il che ha portato Nile a diventarlo. L’oscurità dentro suo marito era innata, scorreva nelle sue vene come il sangue, il che potrebbe significare che suo figlio potrebbe aver ereditato parte di quell’oscurità. Anche il bambino ha quell’oscurità insita, che scorre nel suo sangue? Se sì, questo significa che Nina si è ritrovata in qualche modo con un’altra versione di Nile e ora deve trovarsi nella stessa posizione di Marty, costretta a scegliere tra lasciare che il bambino subisca le conseguenze delle sue azioni o ripulire dopo di lui per il resto della sua vita? Solo il tempo lo dirà.

The Running Man, la spiegazione del finale del film

The Running Man è ora nelle sale cinematografiche, portando per la seconda volta sul grande schermo il racconto distopico di Stephen King degli anni ’80. Nella versione del XXI secolo del romanzo di Edgar Wright, Glen Powell interpreta Ben Richards, concorrente sfavorito di un reality show, che lotta per la propria vita mentre cerca di sfuggire a un gruppo di cacciatori d’élite per vincere una somma di denaro che cambierà la vita della sua famiglia.

Si tratta di un’intensa caccia attraverso il paese con un ampio cast di personaggi e numerosi colpi di scena che ci tengono con il fiato sospeso, quindi potresti avere alcune domande sul finale di The Running Man una volta che i titoli di coda hanno iniziato a scorrere. È qui che entriamo in gioco noi. Abbiamo preparato un riassunto del finale per sintetizzare l’atto finale del film, oltre a una spiegazione di alcune delle domande più importanti che potresti avere.

Quindi, non cercate oltre la vostra guida completa al finale di The Running Man spiegato, ma attenzione: ci sono importanti spoiler su The Running Man, quindi tornate indietro ora se non avete ancora visto il film e non volete sapere cosa succede.

Il finale di The Running Man spiegato

Dopo aver dirottato l’auto di Amelia e averla costretta a guidare fino all’aeroporto, Richards la tiene in ostaggio e chiede alla rete televisiva di fornirgli un jet privato per volare oltre il confine canadese e fuggire. Durante il viaggio, però, Richards riesce a convincere Amelia a collaborare con lui. Finge che la sua borsa sia una bomba per costringere i produttori a cedere e sale sull’aereo con Amelia al seguito. Una volta a bordo, però, Dan Killian (tramite videochiamata) rivela di aver saputo fin dall’inizio che la bomba era finta. Con una mossa inaspettata, riconosce che Richards è utile per gli ascolti e gli offre un suo programma come cacciatore, che gli frutterebbe 5 milioni di dollari a stagione: tutto ciò che deve fare è uccidere tutti i cacciatori sull’aereo.

Richards, com’era prevedibile, rifiuta l’offerta, e Killian gli risponde dicendogli che sua moglie e sua figlia sono state uccise dai cacciatori alcuni giorni prima. Ne segue una lotta sull’aereo, e Richards uccide tutti i cacciatori tranne McCone, che ora è smascherato e si rivela un po’ più difficile da uccidere. McCone dice a Richards che Killian lo sta ingannando e che la sua famiglia non è davvero morta, prima che Richards lo pugnalasse con una scheggia di vetro dello specchio del bagno dell’aereo. Con i piloti morti, Richards manda Amelia fuori dall’uscita di emergenza con un paracadute e le riviste radicali di Elton al seguito, prima che l’aereo venga colpito da un missile.

Richards è dato per morto, ma Bradley non ne è così sicuro. Fa una ricostruzione degli eventi sul suo canale YouTube e, dopo che qualcuno scopre la scatola nera del jet, dà il via a una teoria cospirativa secondo cui Richards sarebbe ancora vivo.

Passiamo poi a Sheila e Cathy che fanno la spesa in un negozio di alimentari. Quando Sheila arriva alla cassa, scopre che la sua spesa è già stata pagata e che la persona che ha pagato il conto le ha anche lasciato un calzino a righe da bambino, proprio come quello che Cathy ha perso all’inizio del film. Sheila guarda fuori e vede Richards.

Nel frattempo, sul set di The Running Man, Bobby T pensa che le cose siano andate troppo oltre e se ne va, il che significa che Killian deve salire sul palco per presentare lo spettacolo al suo posto. Tra il pubblico scoppia una rivolta e Richards si intrufola nello studio nel caos e lancia una bottiglia molotov sul set. Conta alla rovescia da tre e dice “azione”, prima di sparare a Killian con la pistola di McCone.

Cos’è il concorso The Running Man?

The Running Man

The Running Man è un concorso televisivo gestito dal Network, la rete televisiva governativa in una versione distopica degli Stati Uniti in un futuro prossimo. È uno dei numerosi reality show pericolosi a cui le persone possono partecipare per vincere premi in denaro che cambiano la vita, con il rischio di ferirsi per intrattenimento o, nel caso di The Running Man, il rischio di morire. The Running Man ha il premio più alto e il rischio più grande: in fuga da una squadra di cacciatori, i concorrenti vincono 100 dollari per ogni ora in cui sfuggono alla cattura e 100 dollari per ogni cacciatore che uccidono, oltre a un premio finale di 1 miliardo di dollari se riescono a resistere per 30 giorni. Se vieni catturato, però, vieni ucciso, e nessuno è mai riuscito a sopravvivere per tutti i 30 giorni (ma questo non impedisce a Ben Richards di provarci).

Come fa la Rete a rintracciare i concorrenti di Running Man?

Poiché la Rete è controllata dal governo autoritario, The Running Man è in grado di attingere agli strumenti di sorveglianza dello Stato per tenere sotto controllo i suoi concorrenti, ovvero le telecamere a circuito chiuso con riconoscimento facciale. Anche se ci si allontana dalle aree urbane, i lampioni ai lati della strada sono dotati di capacità di tracciamento del DNA, il che rende quasi impossibile per i concorrenti spostarsi nel paese senza essere notati. Come se non bastasse, gli spettatori sono anche incoraggiati a “registrare e segnalare” se individuano un concorrente, al fine di vincere un premio in denaro.

Chi vince The Running Man?

The Running Man

Tecnicamente nessuno vince questa versione di The Running Man (né qualsiasi altra versione, in realtà), ma in questa stagione Ben Richards rimane in vita più a lungo di tutti ed è l’unico dei tre concorrenti ancora vivo alla fine del film. Jansky muore per primo, catturato dai cacciatori dopo essersi fermato in un bar all’inizio della gara. Laughlin muore poco dopo, ma non per mano dei cacciatori: due ragazzi del posto la riconoscono dallo show e la seguono mentre fugge da un gruppo di cacciatori per finire il lavoro da soli.

Chi è McCone?

Evan McCone, interpretato da Lee Pace, è il cacciatore mascherato protagonista di The Running Man. Verso la fine del film, durante lo scontro finale sull’aereo, si scopre che anche lui era un concorrente del programma, ma gli è stato offerto un lavoro come cacciatore come via d’uscita. Questo avviene subito dopo che il produttore Dan Killian offre a Richards un accordo simile: gli dice che se Richards gli regalerà un bello spettacolo uccidendo tutti i cacciatori sull’aereo, gli darà un suo programma televisivo con un lauto compenso. Richards rifiuta, ovviamente, e uccide McCone dopo un combattimento mozzafiato a mezz’aria.

Ben Richards muore?

Ben Richards non muore, anche se secondo il Network sì. Dopo il combattimento con McCone sull’aereo e la fuga di Amelia, un missile colpisce il jet che precipita. Nella narrazione dello show, questo segna la fine di Ben Richards, ma dopo che un civile trova la scatola nera dell’aereo, cresce la convinzione che sia ancora vivo. Infatti, Richards riappare alla fine del film per uccidere Killian e vedere la sua famiglia un’ultima volta.

Cosa succede alla famiglia di Ben Richards?

Il produttore Dan Killian cerca di manipolare Richards dicendogli che i cacciatori hanno fatto irruzione nell’appartamento di Sheila e hanno ucciso lei e Cathy. Tuttavia, alla fine del film vediamo che sono ancora vive e non vivono più in povertà grazie al premio in denaro dello show, e Richards si ricongiunge con loro da lontano quando paga la loro spesa e restituisce a Cathy il calzino che aveva perso da tempo.

The Running Man è un remake del film con Arnold Schwarzenegger?

The Running Man di Edgar Wright non è un remake del film del 1987 con Arnold Schwarzenegger. Entrambi i film sono piuttosto adattamenti dello stesso materiale originale: il romanzo di Stephen King del 1982 (pubblicato originariamente con lo pseudonimo di Richard Bachman). La versione degli anni ’80 è meno fedele al libro, ma nel nuovo film c’è un divertente easter egg: Schwarzenegger, che interpretava Ben Richards, è il volto sulle banconote da un dollaro.

Marines, la spiegazione del finale: perché è stato cancellato lo scalo

Il finale della prima stagione di Marines si chiude con un momento di forte tensione psicologica e morale, trasformando ciò che sembrava un semplice “port call” – una pausa a terra concessa all’equipaggio – in un evento carico di implicazioni profonde. L’episodio conclusivo ribalta le aspettative degli spettatori, mostrando come una decisione apparentemente logistica sia, in realtà, lo specchio di un sistema militare strutturato per reprimere, controllare e mantenere l’ordine a qualsiasi costo. Nel corso dell’episodio, i personaggi si trovano a fronteggiare una verità scomoda: non sempre la disciplina è sinonimo di protezione, e non sempre i superiori agiscono nell’interesse dei propri uomini.

Il ritmo del finale cresce progressivamente, passando da una situazione di attesa quasi rilassata a una spirale di sospetti, malessere emotivo e frustrazione collettiva. Attraverso dialoghi sottotraccia e comportamenti sempre più criptici dei superiori, la serie costruisce un senso di oppressione che culmina nella cancellazione dello scalo: una scelta che non è soltanto strategica, ma simbolica. L’equipaggio, che intravedeva nella sosta a terra un momento di sollievo, si ritrova invece confinato all’interno di una struttura che sembra volerli isolare persino da se stessi. È un finale che parla di potere, responsabilità e del prezzo psicologico del servizio militare.

Quando è uscita Marines e dove vedere in streaming la prima stagione

La prima stagione di Marines è uscita nel 2025, rapidamente conquistando il pubblico per il suo approccio crudo e realistico alla vita all’interno di un distaccamento militare. La serie è disponibile in streaming sulle principali piattaforme che ospitano contenuti originali dedicati al pubblico internazionale, con una distribuzione che ha puntato sin da subito sul binge-watching. L’ampio coinvolgimento degli spettatori, unito all’attenzione verso le dinamiche interne del corpo dei Marines, ha reso la serie una delle rivelazioni dell’anno, spingendo il pubblico a interrogarsi sulle scelte dei protagonisti e sulle omissioni dei loro comandanti.

Cosa succede nel finale di Marinese perché viene cancellato lo scalo

Il cuore del finale ruota attorno all’annuncio improvviso della cancellazione del “port call”. Per gran parte dell’episodio, l’equipaggio è convinto di poter scendere finalmente a terra, un gesto minimo ma essenziale per la salute mentale di chi è costretto da mesi a operare in condizioni estreme. La narrativa costruisce volutamente un crescendo di attesa, mostrando le speranze personali dei singoli soldati: chi desidera contattare la famiglia, chi vuole semplicemente respirare aria diversa, chi vede nello scalo un’occasione per rompere l’isolamento emotivo che la vita militare impone. Il contraccolpo, quando arriva, è quindi devastante.

La decisione del comando non riguarda, infatti, un’emergenza operativa come molti inizialmente sospettano. Il motivo è più sottile, più umano e, proprio per questo, più inquietante: uno dei membri dell’equipaggio è in evidente difficoltà psicologica, e il comando teme che lo sbarco possa portare a un incidente diplomatico o, peggio, personale. Invece di affrontare la situazione con trasparenza o supporto, i superiori scelgono la via più facile – bloccare tutti. La cancellazione dello scalo diventa così una punizione collettiva, un gesto di controllo totale che rivela quanto poco peso venga dato alle esigenze e alla fragilità dei singoli individui.

Dal punto di vista narrativo, questo ribaltamento offre una lettura più cupa dell’intero arco stagionale: la disciplina militare è mostrata come un muro invalicabile, un sistema che preferisce reprimere il disagio piuttosto che gestirlo. L’episodio finale diventa così una critica al modo in cui le istituzioni armate trattano il benessere mentale dei propri membri, lasciando il pubblico con un senso di frustrazione e impotenza speculare a quello dei protagonisti.

Cosa aspettarsi dalla seconda stagione: conseguenze, tensioni interne e nuovi scenari

Il finale apre la strada a una stagione successiva molto più cupa e psicologica. La decisione del comando non solo incrina la fiducia dei Marines verso i propri superiori, ma crea anche fratture interne difficili da ricomporre. Le tensioni accumulate nel finale promettono ripercussioni importanti: nuove dinamiche di potere, possibili atti di insubordinazione e un’attenzione ancora più profonda sulle condizioni emotive dell’equipaggio. La serie sembra intenzionata a esplorare territori narrativi più complessi, dove il vero conflitto non è contro un nemico esterno ma contro i limiti, le omissioni e i silenzi del sistema che dovrebbe proteggere i protagonisti. Se Marines deciderà di mantenere questa direzione, la seconda stagione potrebbe diventare un racconto ancora più incisivo sulla fragilità umana in un ambiente che non ammette cedimenti, offrendo un ritratto lucido e spietato della vita militare contemporanea.

Non avrete il mio odio: la storia vera dietro il film

Il film del 2022 Non avrete il mio odio (Vous n’aurez pas ma haine), diretto da Killian Riedhof, si inserisce nel genere drammatico e biografico, affrontando temi delicati e profondamente umani come la perdita, il dolore e la resilienza. Racconta la storia di un uomo che cerca di elaborare il trauma della morte violenta della moglie, esplorando il conflitto interiore tra desiderio di vendetta e necessità di trovare pace e accettazione. La pellicola si distingue per la sensibilità con cui tratta la sofferenza e la complessità dei rapporti familiari.

Il film è tratto dall’omonimo romanzo autobiografico scritto da Antoine Leiris, sopravvissuto alla strage del Bataclan del 2015, in cui perse la moglie (leggi anche: November – I cinque giorni dopo il Bataclan, recensione del film con Jean Dujardin). Il libro, così come la trasposizione cinematografica, si concentra sull’elaborazione del lutto e sulla scelta di rispondere all’odio con la vita e la speranza. La sceneggiatura di Riedhof mantiene la tensione emotiva del testo, traducendo in immagini il percorso di dolore e rinascita del protagonista, con una particolare attenzione alla dimensione psicologica e alle emozioni intime.

Alla sua uscita, Non avrete il mio odio ha ricevuto un riscontro positivo sia da parte della critica sia dal pubblico, elogiato per la delicatezza con cui tratta un evento drammatico e per la performance intensa degli attori principali. La pellicola ha colpito per la sua capacità di rendere universale una vicenda personale e dolorosa, stimolando riflessioni sulla resilienza, sull’elaborazione del lutto e sulla forza del perdono. Nel resto dell’articolo si racconterà della storia vera che ha ispirato il romanzo e il film, entrando nel dettaglio dei fatti e delle loro conseguenze.

Pierre Deladonchamps nel film Non avrete il mio odio
Pierre Deladonchamps nel film Non avrete il mio odio

La trama di Non avrete il mio odio

Il film si svolge a Parigi nel novembre 2015. Antoine Leiris (Pierre Deladonchamps) si trova a casa con il figlio piccolo quando la moglie Hélène (Camélia Jordana) viene uccisa insieme ad altre 88 persone nell’attentato del Bataclan. Travolto dal dolore e dalla disperazione, Antoine deve confrontarsi con una perdita inimmaginabile e con la violenza di un atto terroristico che sembra voler distruggere tutto ciò che ama. Tre giorni dopo, invece di soccombere al desiderio di vendetta, scrive una lettera aperta agli assassini e la pubblica su Facebook. In quelle righe, il suo dolore si mescola a una forza incredibile.

Antoine rifiuta di permettere che la vita di suo figlio sia segnata dalla violenza, e contrappone all’odio dei terroristi l’amore per il bambino e il ricordo della moglie. Le sue parole trasmettono anche una riflessione profonda sul significato della vita, della famiglia e della resilienza di fronte all’ingiustizia. Il post diventa rapidamente virale, condiviso da milioni di persone in tutto il mondo, trasformandosi in un messaggio universale di speranza e coraggio. La storia di Antoine Leiris dimostra che, anche di fronte alla tragedia più atroce, è possibile scegliere l’amore, trovare un filo di luce nel dolore più profondo e imparare a vivere, passo dopo passo, con il ricordo di chi abbiamo perso.

La storia vera dietro il film

Il 13 novembre 2015, nella sala concerto del Bataclan a Parigi, un commando terroristico colpì durante uno spettacolo, uccidendo 90 persone e ferendone molte altre. Tra le vittime vi fu Hélène Muyal‑Leiris, 35 anni, che assisteva al concerto. Suo marito Antoine Leiris si trovava a casa con il figlio Melvil, di 17 mesi, e si trovò catapultato nella tragedia: pochi giorni dopo scrisse un messaggio virale su Facebook in cui si rivolgeva ai terroristi con parole rivoluzionarie per la loro ferocia: «Venerdì sera avete rubato la vita di un essere eccezionale… ma non avrete il mio odio». Quella notte segnò non solo una catastrofe collettiva, ma una ferita personale profonda che avrebbe dato origine a un percorso di lutto, memoria e testimonianza.

Pierre Deladonchamps in Non avrete il mio odio
Pierre Deladonchamps in Non avrete il mio odio

Di fronte al dolore, Leiris reagì elaborando la tragedia non con odio, ma con una rinnovata scelta di vita. Tre giorni dopo l’attentato identificò il corpo di sua moglie e si trovò solo a prendersi cura del figlio in tenera età. Come raccontato in varie interviste, le comunità vicine a lui divennero un sostegno importante, ma la sua decisione personale fu di non cedere alla paura né al rancore nei confronti di chi aveva distrutto la sua famiglia. Questa scelta di umanità fu alla base della sua lettera virale e del successivo libro, un racconto intimo che non si limita al lutto, ma esplora la tenacia di restare vivi, amando e proteggendo.

Nei mesi successivi Leiris tramutò quel messaggio in un libro, pubblicato nel 2016 con il titolo Vous n’aurez pas ma haine (Non avrete il mio odio), in cui racconta i primi cento giorni dopo la perdita di Hélène, la cura quotidiana del figlio, e la decisione di non concedere la propria vita interiore all’odio. L’opera divenne un successo in Francia e all’estero, premiata e tradotta in più lingue, con recensioni che ne sottolinearono la coerenza morale, la delicatezza dell’approccio e la forza testimoniale di un uomo che trasformò il dolore in riflessione e impegno.

La storia di Leiris e del suo libro hanno avuto un impatto che va oltre la cronaca: il messaggio che trasmette – nonostante la violenza subita – è quello della speranza, della resilienza e della scelta della vita. L’adattamento cinematografico del 2022, diretto da Kilian Riedhof, riprende questo percorso di elaborazione e mostra come un uomo possa ricostruire un quotidiano segnato dal lutto, imparando a convivere con la perdita e a proteggere ciò che conta davvero: l’amore per il figlio e la memoria della moglie. Nel prossimo segmento dell’articolo analizzeremo come questa vicenda – reale e letteraria – viene trasposta sullo schermo e quali scelte narrative ha compiuto il film nel relazionarsi con la testimonianza originaria.

Dracula Untold: la spiegazione del finale del film

Mio padre era un grande uomo. Un eroe, dicono. A volte il mondo non ha bisogno di un altro eroe; a volte ciò di cui ha bisogno è un mostro” postula Vlad (Luke Evans). La moralità non è sempre bianca o nera. Spesso esiste un’ampia zona grigia. E nel caso di Dracula, essa è tinta di rosso sangue. Dracula Untold (qui la recensione) cerca di riscrivere la leggenda di Dracula intrecciando l’ispirazione originale di Bram Stoker per la creatura succhiasangue della notte. Vlad l’Impalatore, o Vlad III Drăculea, un vero e proprio guerrafondaio, ha condotto una vita di barbarie e spargimento di sangue.

Ma l’interpretazione di Evans suggerisce che tali manifestazioni di violenza fossero necessarie per tenere lontani i nemici e prevenire ulteriori massacri. Sono gli orrori del dolore e della morte a parlare alle anime di ogni uomo, donna e bambino. E Vlad lo sa. Universal Pictures ha spesso tentato di riportare in vita i classici mostri che un tempo erano così popolari nella prima metà del XX secolo. La maggior parte degli sforzi moderni ha fallito commercialmente. Eppure, c’è ancora un’aura di fascino intorno a queste creature mitiche che hanno permeato la cultura pop e influenzato alcune delle nostre serie TV, romanzi e film preferiti nell’era moderna.

Bela Lugosi è spesso inseparabile nella nostra mente dal personaggio di Dracula, dato il suo celebre ruolo del 1931 sul grande schermo. Da allora, tuttavia, altri hanno affondato i loro denti nel ruolo, tra cui Gary Oldman nel film di Francis Ford Coppola del 1992, Dracula di Bram Stoker. Qualunque iterazione del personaggio si consideri, Dracula è spesso visto come il male incarnato. Dracula Untold sfuma invece i confini tra bene e male, offrendoci una visione più empatica del mostro. Per il piacere della lettura, daremo uno sguardo ai temi e alle implicazioni della narrativa dietro Dracula Untold.

La conquista ottomana

I territori di Transilvania e Valacchia hanno una storia segnata da conflitti e dominazioni. Il film è ambientato nel XV secolo, quando la Transilvania era territorio rumeno soggetto al Regno d’Ungheria e alla crescente influenza dell’Impero Ottomano. La narrazione mostra Vlad alle prese con la pressione di una potenza straniera: l’Impero Ottomano richiede tributi e sottomissione, elementi che impongono al principe un dilemma morale. Il tributo non è solo una forma di tassazione, ma un vero e proprio strumento di coercizione politica. Storicamente, Vlad fu trattenuto alla corte del sultano ottomano da bambino per assicurare la fedeltà del padre.

Sebbene questa prigionia fosse spesso giustificata come parte di un accordo vassallo, in realtà si trattava di un atto coercitivo volto a garantire la lealtà della Valacchia. Durante il regno del sultano Mehmed II, gli Ottomani incrementarono la pressione sui territori valacchi e transilvani. Il film mantiene una certa fedeltà storica pur adattandola per esigenze narrative: Mehmed II non richiede il figlio di Vlad come tributo, ma la minaccia al suo regno resta centrale per la storia. Vlad, in risposta, deve scegliere tra la sottomissione e la protezione della sua famiglia e del suo popolo, dando così inizio a un percorso che lo condurrà a compiere azioni estreme.

Dracula Untold sequel
Luke Evans in Dracula Untold. © 2014 – Universal Pictures. – All Rights Reserved

Vlad l’Impalatore

Vlad III Drăculea, noto come Vlad l’Impalatore, è ricordato nella storia per la sua brutalità. Dopo l’uccisione del padre e del fratello maggiore da parte di nobili valacchi, molti dei quali alleati degli Ottomani, Vlad intraprese una spietata campagna per ottenere il potere e difendere la sua terra. Storicamente, impalò i nemici e diffondeva il terrore come deterrente contro gli invasori, mutilando e torturando coloro che osavano sfidarlo. Queste azioni, sebbene terribili, erano viste da alcuni come un mezzo per proteggere la Valacchia dalla completa sottomissione ottomana.

Nel film, Luke Evans interpreta un Vlad che non agisce per crudeltà gratuita, ma come uomo profondamente tormentato, spinto dalla necessità di proteggere la famiglia e il suo popolo. La sua violenza diventa uno strumento pragmatistico: l’impalamento, pur terribile, è usato per salvare più vite possibili. Questo approccio rende Vlad più empatico e umano rispetto alla rappresentazione storica, mostrando che anche un uomo feroce può agire per il bene maggiore, sacrificando la propria umanità in nome della protezione dei suoi cari.

Un patto con un vampiro

Dracula è sempre stato raffigurato come un personaggio sfuggente, il cui potere deriva da un patto con forze oscure. Nel romanzo di Bram Stoker, Van Helsing suggerisce che Dracula abbia ottenuto i suoi poteri tramite un patto col diavolo. Coppola, nel 1992, rappresenta Vlad rinunciare a Dio dopo il suicidio della moglie, trasformandosi in vampiro. Dracula Untold racconta invece una storia differente: Vlad stipula un patto con un antico vampiro romano, che vive su Broken Tooth Mountain. Questo vampiro gli concede abilità sovrumane, ma gli impone una condizione: se Vlad cede alla sete di sangue entro tre giorni, resterà vampiro per sempre e il mostro sarà libero di vagare sulla Terra.

Vlad accetta, consapevole che questi poteri potrebbero salvare il suo popolo e la sua famiglia. Il patto non è solo un mezzo narrativo per introdurre il vampirismo, ma serve anche a esplorare temi morali complessi. Vlad deve resistere alla tentazione di abusare del suo potere, bilanciando l’istinto predatorio con il dovere verso la sua gente. Questa dinamica aggiunge tensione e profondità al personaggio, mostrando come il potere assoluto comporti sempre un prezzo morale.

Luke Evans in Dracula Untold
Luke Evans in Dracula Untold. Foto di Jasin Boland – © 2014 – Universal Pictures

Il costo della salvezza

Dracula Untold esplora la moralità come una questione sfumata, lontana dai concetti assoluti di bene e male. Vlad, principe di Valacchia e Transilvania, deve proteggere il suo popolo dall’invasione turca, creando un codice morale personale basato sulla necessità e sull’utilitarismo. La violenza, seppur atroce, è giustificata dalla necessità di salvare più vite possibili. Vlad impala i nemici non per sadismo, ma per incutere paura sufficiente a prevenire ulteriori massacri. In questo senso, il film propone un Vlad pragmatico, che accetta le conseguenze delle sue azioni per il bene maggiore, pur affrontando il conflitto interiore di chi sa che il potere ha un costo elevato.

Con un grande potere arriva grande responsabilità… e distruzione. Vlad scambia, inconsapevolmente, la vita di molte persone per ottenere il potere. Anche se resiste a bere sangue umano, la sua reputazione è macchiata dall’associazione con il vampirismo. Il vampiro di Broken Tooth Mountain gli ricorda che ogni scelta ha conseguenze: cedere alla sete lo condannerebbe all’eternità e libererebbe un male incontrollabile. Vlad è però concentrato sul suo regno e sulla sua famiglia, senza rendersi pienamente conto della portata della minaccia. La narrazione mostra quanto sia sottile la linea tra eroismo e dannazione, e come la protezione dei propri cari possa richiedere sacrifici morali enormi.

Il potere dell’argento

L’argento è tradizionalmente l’arma contro i vampiri, e Vlad lo usa come strumento per controllare la propria sete. L’anello d’argento che porta gli provoca dolore, ma gli permette di resistere alla tentazione di bere sangue, rispettando il patto e mantenendo la propria umanità. Il film mostra come Vlad sfrutti le debolezze del vampiro a suo vantaggio, dimostrando ingegno, autocontrollo e disciplina nel maneggiare il potere che gli è stato concesso. Questa strategia lo aiuta a proteggere il regno e la famiglia senza cedere completamente alla sua natura predatoria.

Dracula Untold cast
Sarah Gadon in Dracula Untold. Foto di Jasin Boland – © 2014 – Universal Pictures

Scambiare la vita per la dannazione

Il film mostra che i vampiri non sono una novità ai tempi di Vlad. Le creature della notte hanno origini antiche e sono parte di un mondo popolato da esseri tormentati spiritualmente e assetati di sangue. Anche il popolo di Vlad conosce la leggenda dei vampiri e li teme. Il vampiro di Broken Tooth Mountain non è il primo né l’ultimo: nel film si suggerisce che il vampirismo abbia radici antiche, come nel caso della dea Sekhmet dell’antico Egitto, che puniva l’umanità bevendone il sangue. In questo mondo, i vampiri esistono da sempre e coesistono con gli esseri umani, rendendo la loro presenza parte integrante della storia.

La trasformazione di Vlad non dura solo tre giorni: Bram Stoker racconta secoli di storia del vampiro. Vlad è spinto a bere sangue per salvare il figlio. Dopo la morte della moglie, ella lo implora di bere il suo sangue per ottenere il potere necessario a salvare il loro figlio, sacrificando così la propria anima. Vlad accetta, diventando Dracula e proclamandosi figlio del Diavolo. La scelta mette in luce il conflitto tra dovere genitoriale e dannazione eterna, evidenziando quanto sia complesso bilanciare responsabilità, sacrificio personale e amore familiare. La sua trasformazione mostra come la protezione dei propri cari possa richiedere decisioni estreme e irrevocabili, rendendo la storia al contempo tragica e eroica.

Diventare vampiro rende necessariamente cattivi?

Dal punto di vista di Stoker, Dracula è malvagio, una creatura che preda gli innocenti. Dracula Untold, però, suggerisce che il vampirismo non determini automaticamente la malvagità. Vlad agisce sempre per proteggere il figlio e il popolo, persino quando trasforma altri in vampiri per vendicarsi di Mehmed. Nonostante i suoi poteri oscuri, il film sottolinea il legame con l’umanità, dimostrando che l’etica e la moralità possono sopravvivere anche in chi ha abbracciato l’oscurità. Il vampirismo separa l’individuo dall’umanità, ma non lo rende necessariamente un mostro, come evidenziato dal rapporto di Vlad con il figlio e dai valori che continua a difendere.

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Insidious 6 ottiene un importante aggiornamento sulla produzione a un anno dal rinvio della data di uscita

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Insidious 6 riceve un importante aggiornamento dalla Blumhouse un anno dopo il rinvio della data di uscita del sequel dell’horror. Insidious 6 è stato confermato nel maggio 2024, dopo il grande successo al botteghino del quinto capitolo, Insidious: The Red Door. Le riprese sono iniziate nel settembre 2025 a Melbourne, in Australia, mentre il film sarà ambientato nel New England, negli Stati Uniti.

Ora, l’account ufficiale Insidious X ha confermato che le riprese di Insidious 6 sono terminate, confermando che il film uscirà comunque il 21 agosto 2026. Questo dopo che il film avrebbe dovuto uscire originariamente il 29 agosto 2025, prima di essere rimosso dai programmi di uscita di Sony e Blumhouse nel dicembre 2024. Di seguito la conferma:

I dettagli della trama del nuovo film rimangono segreti, compreso se sarà il seguito della scena post-crediti di Insidious: The Red Door. Nella sequenza finale del film, la luce sopra la porta di The Further si è riaccesa, anche se Josh e Dalton l’avevano sigillata durante l’atto finale del film. Il significato di questo gesto deve ancora essere rivelato.

Tuttavia, il cast di Insidious 6 vedrà la presenza di un volto familiare, quello di Lin Shaye, che tornerà nei panni di Elise Rainier dai precedenti capitoli della serie. Altri membri del cast includono Brandon Perea, Amelia Eve, Maisie Richardson-Sellers, Sam Spruell, Island Austin e Laura Gordon. I loro ruoli rimangono sconosciuti al momento della stesura di questo articolo, tranne quello di Perea che interpreterà il protagonista nel sequel.

Questo non è l’unico film in fase di sviluppo per il franchise. È in programma anche uno spin-off intitolato Thread: An Insidious Tale, scritto e diretto da Jeremy Slater. Anche Mandy Moore e Kumail Nanjiani reciteranno nel film. Tuttavia, con l’avvicinarsi della data di uscita di Insidious 6 e le riprese ormai completate, lo spin-off è ancora lontano.

Tuttavia, Insidious 6 sembra destinato a continuare la storia della serie, anche con un cast quasi completamente nuovo. Anche se al momento non è stato rivelato nulla, il ritorno di Elise significa che il Further sarà ancora una volta il pericolo principale. Tuttavia, non è ancora chiaro come tornerà, né se sarà collegato alla saga della famiglia Lambert.

Con le riprese completate, Insidious 6 entrerà in fase di post-produzione, in preparazione dell’uscita prevista per la prossima estate. Non è chiaro se il successo al botteghino di The Red Door, che ha incassato 189,1 milioni di dollari a fronte di un budget di 16 milioni, potrà essere ripetuto senza più di un volto familiare e ricorrente. Ma la longevità della serie potrebbe giocare a suo favore all’inizio di una nuova storia.

Cime tempestose: Jacob Elordi e Margot Robbie si fanno impazzire a vicenda nel trailer ufficiale

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È stato pubblicato un nuovo trailer di Cime tempestose. L’attesissimo adattamento vede protagonisti Margot Robbie e Jacob Elordi ed è diretto da Emerald Fennell, regista di Promising Young Woman e Saltburn.

Tratto dal romanzo di Emily Brontë pubblicato nel 1847, il film racconta la storia d’amore tra Catherine (interpretata da Robbie) e Heathcliff (interpretato da Elordi) e il loro amore distruttivo e proibito nelle brughiere dello Yorkshire. È una tragica storia d’amore gotica con temi centrali quali la classe sociale, la passione, la vendetta e l’ossessione.

Il film di Fennell è l’undicesimo adattamento del romanzo, l’ultimo dei quali è stato pubblicato nel 2011 con Kaya Scodelario e James Howson. Anche la musica è stata ispirata dal romanzo della Brontë, tra cui il classico brano di Kate Bush intitolato “Wuthering Heights”.

La musicista Charli XCX sta componendo diverse canzoni per la colonna sonora di questo nuovo adattamento e ha recentemente pubblicato una canzone intitolata “House” in collaborazione con l’ex membro dei Velvet Underground John Cale.

Guarda il trailer qui sotto:

Elordi sta vivendo un momento di grande successo dopo che il suo ruolo di La Creatura nell’adattamento di Guillermo del Toro del romanzo di Mary Shelley Frankenstein è stato pubblicato su Netflix questo mese (novembre) con recensioni entusiastiche, con molti che hanno elogiato la commovente interpretazione di Elordi di un personaggio ampiamente frainteso. L’adattamento ha attualmente una valutazione di Rotten Tomatoes dell’86%.

L’attore è noto anche per i suoi ruoli in Euphoria, The Kissing Booth e Saltburn. L’attore apparirà in The Dog Stars al fianco di Margaret Qualley e Josh Brolin.

Robbie è nota per i suoi ruoli in Suicide Squad, Barbie e The Wolf of Wall Street. Si vocifera che l’attrice reciterà nel tentativo della Warner Bros. di rilanciare la serie d’azione Ocean’s, iniziata con Ocean’s Eleven nel 2001, al fianco di Bradley Cooper. La trama è ancora in gran parte segreta, ma le riprese dovrebbero iniziare il prossimo anno.

L’adattamento di Fennell di Wuthering Heights mantiene sicuramente la passione e l’ossessione, oltre ad aggiungere una sensualità completamente nuova al film, se il trailer è attendibile. In un momento straziante, il personaggio di Robbie, Catherine, chiede a quello di Elordi, Heathcliff: “Perché mi hai lasciata?”, al che lui risponde: “Perché hai tradito il tuo cuore?”. Questo, ovviamente, è dovuto al fidanzamento di Catherine con il ricco Edgar Linton (interpretato da Shazad Latif).

La regista ha spiegato all’inizio di quest’anno che il suo obiettivo nell’adattare il romanzo della Brontë era quello di riportare in vita l’esperienza primordiale e sessuale che aveva provato quando aveva letto per la prima volta Cime tempestose in gioventù.

Cime tempestose uscirà nelle sale il giorno di San Valentino (14 febbraio) 2026.

La fabbrica di cioccolato: il significato del finale del film di Tim Burton

La fabbrica di cioccolato del 2005 rappresenta uno dei momenti più riconoscibili della filmografia di Tim Burton, che qui rilegge il celebre romanzo di Roald Dahl con il suo inconfondibile stile gotico e visionario. Dopo film come Big Fish e Sleepy Hollow, Burton costruisce un mondo fiabesco e al tempo stesso inquietante, in cui l’immaginazione si fonde con una riflessione più profonda sull’infanzia, la solitudine e il potere dell’immaginazione. L’estetica barocca, i toni surreali e l’uso della musica fanno del film una delle sue opere più equilibrate tra cinema per famiglie e introspezione autoriale.

Rispetto al film del 1971 con Gene Wilder, questa nuova versione si distingue per una maggiore fedeltà al tono del romanzo originale e per l’introduzione di un importante elemento inedito: il passato di Willy Wonka. Tim Burton esplora infatti la figura del cioccolatiere non più solo come eccentrico genio, ma come uomo ferito da un’infanzia segnata da un padre autoritario e distante. L’aggiunta di questo retroscena psicologico arricchisce la narrazione e conferisce a Wonka una complessità inedita, rendendolo più umano e coerente con la poetica burtoniana dei personaggi emarginati e incompresi.

Il film si distingue anche per le sue innovazioni visive e narrative: gli Oompa Loompa, interpretati tutti da Deep Roy, la scenografia ipercolorata e le invenzioni cioccolatiere spingono l’immaginazione oltre i confini del possibile. Ma sotto la superficie zuccherina, La fabbrica di cioccolato nasconde una riflessione amara sui rapporti familiari, sull’avidità e sulla purezza d’animo rappresentata da Charlie. Nel resto dell’articolo si approfondiranno proprio questi temi, analizzando come il finale del film li sintetizzi in modo simbolico e come la storia di Willy Wonka e Charlie Bucket diventi una parabola di redenzione e riconciliazione.

La fabbrica di cioccolato cast
Johnny Depp, James Fox, Adam Godley, Freddie Highmore, David Kelly, Missi Pyle, AnnaSophia Robb, Julia Winter e Jordan Fry in La fabbrica di cioccolato. © 2005 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved

La trama di La fabbrica di cioccolato

Protagonista del film è il piccolo Charlie Bucket, il quale vive in una minuscola casetta insieme ai genitori e ai quattro simpatici nonni. Nonostante vivano in condizioni di estrema povertà, Charlie è felice con la sua famiglia, ma è anche affascinato dalle vicende di Willy Wonka, il cioccolataio più famoso del mondo grazie alle sue strampalate invenzioni dolciarie. Ora, dopo anni di silenzio e isolamento, Wonka indìce un concorso in cui offre un tour nella sua fabbrica ai cinque bambini che troveranno i biglietti d’oro nascosti nelle confezioni di cioccolata. Proprio Charlie troverà l’ambito biglietto d’oro e accompagnato dal nonno Joe intraprenderà un’avventura che cambierà per sempre la sua vita.

Cosa accade nel finale del film

Nel terzo atto di La fabbrica di cioccolato, la tensione narrativa raggiunge il suo apice quando Charlie Bucket emerge come unico candidato ideale per ereditare la fabbrica di Willy Wonka. Dopo che gli altri quattro bambini vengono eliminati dalla visita a causa dei loro difetti caratteriali, Charlie riceve l’invito di Wonka a vivere e lavorare nella fabbrica. Tuttavia, egli rifiuta l’offerta se questo significasse separarsi dalla sua famiglia, dimostrando integrità e affetto sincero. Questo momento rappresenta la risoluzione della trama principale e il coronamento della crescita del giovane protagonista, che si conferma degno di fiducia e moralmente saldo.

La chiusura del racconto si concentra sulla ricostruzione dei legami familiari e sul recupero del passato di Willy Wonka. Dopo la decisione di Charlie, la fabbrica perde temporaneamente slancio e produttività, mostrando Wonka desolato e incapace di proseguire da solo. Con l’aiuto del ragazzo, Wonka si riconcilia con il padre Wilbur, rimettendo ordine nella propria vita e comprendendo il valore del nucleo familiare. La narrazione termina con la famiglia di Charlie che si trasferisce nella fabbrica, unendo felicità, successo e armonia domestica, e chiudendo così il cerchio della storia con un finale lieto e risolutivo.

La fabbrica di cioccolato trama
Johnny Depp, Adam Godley, Freddie Highmore, David Kelly e Deep Roy in La fabbrica di cioccolato. © 2005 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved

Il significato del finale di La fabbrica di cioccolato

Il finale mette in evidenza l’importanza della crescita morale e dell’empatia: Charlie viene premiato non per avidità o ambizione personale, ma per la sua bontà, il rispetto per la famiglia e la capacità di fare scelte etiche. La sua decisione di rifiutare la ricchezza immediata a favore della famiglia rispecchia il tema centrale del film, ovvero che il vero valore non risiede nel denaro o nel potere, ma nei legami umani e nella responsabilità verso chi si ama. Questo momento cristallizza la morale del racconto in modo chiaro e simbolico.

La spiegazione del finale rivela come la storia completi i temi del film: la parabola di Charlie e Wonka simboleggia la maturazione, il perdono e la comprensione reciproca tra generazioni. L’incontro finale tra Willy e il padre illustra il superamento dei traumi passati e l’accettazione dei propri limiti, mentre Charlie funge da mediatore virtuoso. Il contrasto tra la purezza del ragazzo e la corruzione o superficialità degli altri bambini enfatizza l’importanza della rettitudine morale. In questo modo, il terzo atto non solo conclude la vicenda, ma chiude il cerchio tematico sulla bontà e sulla riconciliazione.

Il film lascia come messaggio principale che la vera ricchezza non risiede nel denaro o nel successo materiale, ma nella bontà d’animo, nell’amore familiare e nella capacità di fare scelte giuste. Charlie rappresenta l’esempio positivo di un individuo che sa mettere al primo posto la famiglia e l’etica personale, dimostrando come i valori morali possano guidare la vita verso la felicità autentica. La fabbrica, simbolo di sogni e creatività, diventa un luogo di crescita e armonia grazie all’integrità del protagonista e alla riconciliazione dei legami familiari.

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Odissea: l’Ulisse di Matt Damon si prepara alla battaglia mentre le nuove immagini rivelano il cavallo di Troia e altro ancora

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Sono state rivelate le prime immagini e illustrazioni di Odissea (The Odyssey). Dopo aver affrontato The Dark Knight nella sua trilogia di maggior successo e aver raccontato la storia di J. Robert Oppenheimer, Christopher Nolan sta ora affrontando una delle più grandi storie di tutti i tempi, con The Odyssey.

Con l’avvicinarsi della fine del 2025, Empire Magazine ha svelato il suo prossimo numero, che offre un’anteprima del 2026, con The Odyssey sotto i riflettori, comprese nuove foto dell’epopea fantasy di Nolan. Guarda le immagini qui sotto:

 

 

L’anteprima mette in evidenza Il cavallo di Troia, insieme a Matt Damon nei panni di Ulisse, per il numero che sarà in vendita dal 20 novembre 2025. Le riprese principali del film del 2026 sono terminate nell’agosto 2025 ed è uno dei film più attesi del 2026.

L’hype per l’adattamento di Nolan dell’Odissea di Omero ha raggiunto nuovi livelli per il regista, dato che Cinemark sta aggiungendo altri cinema IMAX in vista dell’uscita del film il prossimo anno. I biglietti per il film del 2026 sono stati messi in vendita con un anno di anticipo, a dimostrazione dell’impatto della popolarità di Nolan nell’attuale panorama hollywoodiano.

La scorsa estate, il teaser trailer di Odissea è stato proiettato in esclusiva prima di Jurassic World Rebirth. L’anteprima mostrava il personaggio di Tom Holland che parlava con il misterioso personaggio interpretato da Jon Bernthal, mentre discutevano di suo padre Ulisse. Il teaser trailer è stato presentato in anteprima, ma non è disponibile online.

Tom Holland interpreterà il figlio di Ulisse, Telemaco, e il mese in cui uscirà The Odyssey, l’attore britannico sarà protagonista anche di Spider-Man: Brand New Day. Nel cast figurano anche Anne Hathaway, Zendaya, Robert Pattinson, Bernthal, Lupita Nyong’o, Mia Goth ed Elliot Page.

Anche Charlize Theron è entrata a far parte del cast del film di Nolan, poiché secondo quanto riferito è stata scelta per interpretare la famosa Circe, anche se non ha ancora confermato il suo ruolo. La maggior parte dei personaggi è tenuta segreta, ma si prevede che diversi dei greci appariranno in The Odyssey.

Nolan ha anche ingaggiato John Leguizamo, Himesh Patel, Samantha Morton, Bill Irwin, Rafi Gavron, Nick E. Tarabay, Iddo Goldberg, Josh Stewart, Logan Marshall-Green e Jovan Adepo. Secondo The Hollywood Reporter, il colossale film della Universal Pictures ha un budget stimato di 250 milioni di dollari.

The Odyssey di Christopher Nolan uscirà nelle sale il 17 luglio 2026.

Pio e Amedeo raccontano il loro debutto alla regia con Oi Vita Mia

Si è tenuta oggi, giovedì 13 novembre, la conferenza stampa di Oi Vita Mia, film che segna l’esordio alla regia di Pio e Amedeo. Per la prima volta, il celebre duo comico pugliese si cimenta dietro la macchina da presa, in un progetto che, come loro stessi hanno sottolineato, “li rappresenta davvero”. Una scelta maturata con naturalezza, spinti dal desiderio di ampliare la platea dei talenti che in Italia fanno commedia, ma anche di raccontare con sincerità una storia che unisce ironia, umanità e riflessione.

Oi Vita Mia: un debutto che nasce dal cuore

La regia, inizialmente proposta dalla produzione, è presto diventata una necessità artistica. “Eravamo destinati a farlo”, raccontano Pio e Amedeo, spiegando come la loro intesa e quel “pizzico di altruismo reciproco” li accompagnino fin da prima di conoscersi – una qualità che, come loro stessi sottolineano, sentono profondamente legata alle proprie radici pugliesi, a quella genuinità e umanità che contraddistinguono il loro modo di guardare la vita e le persone.

Pio e Amedeo in Oi Vita Mia conferenza stampa 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Ed è proprio su questa affinità che si innesta la presenza di Lino Banfi, anche lui pugliese, simbolo di una comicità popolare e insieme profondamente empatica, capace di unire generazioni diverse nel segno della tenerezza e del rispetto. In Oi Vita Mia, la maturità dei due autori si percepisce anche nella scelta di affrontare un tema delicato come la vecchiaia e la perdita della memoria, senza mai rinunciare al tono genuino e popolare che li contraddistingue.

Lino Banfi, un omaggio alla vita e alla libertà

Al centro del film c’è proprio Lino Banfi, in un ruolo di grande intensità. L’attore pugliese porta sullo schermo Mario, un personaggio fragile e struggente, reso vulnerabile dall’Alzheimer, costruito in piena libertà espressiva. Pio e Amedeo gli hanno lasciato “attingere dalla propria personalità e mentalità”, dando vita a un ritratto autentico che diventa anche un omaggio alla sua lunga carriera e alla sua vita sentimentale. “Lino trasuda umanità, ti strappa il cuore”, hanno commentato i registi, definendo la sua interpretazione “una lezione di libertà e dignità”.

Lino Banfi in Oi Vita Mia conferenza stampa 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Oi Vita Mia: una commedia corale e inclusiva

Girato realmente in una casa di riposo a Vieste, Oi Vita Mia ha coinvolto anche gli ospiti della struttura, che sono diventati comparse del film. Questa scelta di realismo, unita alla spontaneità del cast, conferisce alla storia un tono sincero e partecipato.

Cristina Marino, che nella pellicola interpreta Francesca (la fidanzata di Pio), ha sottolineato durante la conferenza “l’autenticità e la verità” di Pio e Amedeo, evidenziando la loro sensibilità nella direzione degli attori e nella gestione dei toni. Inclusività e rispetto sono parole chiave non solo nel linguaggio del film, ma anche nella costruzione del suo mondo: Oi Vita Mia abbraccia l’idea di una comunità che unisce generazioni diverse, dove anziani e giovani si incontrano e si ascoltano, condividendo esperienze, affetto e reciprocità.

È un film che parla di amicizia, amore e rispetto, di come il contatto umano possa creare una nuova forma di famiglia, una comunità solidale in cui ogni età trova valore e spazio. La colonna sonora accompagna con leggerezza e calore il tono agrodolce del film. La scelta musicale, volutamente eterogenea, riflette l’intento di creare, nelle parole di Pio Dantini, “un film per tutti”.

Pio, Amedeo e Cast in Oi Vita Mia conferenza stampa 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Il coraggio delle scelte

Oi Vita Mia è anche un film sulle scelte, sul diritto alla libertà personale, e sul modo di raccontare la dignità del vivere e del morire. Ogni personaggio attraversa un proprio percorso, e ogni storia diventa un frammento di coraggio, amore e accettazione. “Volevamo raccontare tante vite diverse, e credo che ci siamo riusciti”, ha dichiarato Amedeo.

Nel ritratto dell’anzianità e della memoria, i due neo-registi trovano la loro piena maturità artistica: un equilibrio nuovo tra ironia e delicatezza, che segna il passaggio da comici televisivi a registi capaci di parlare con sincerità al cuore del pubblico.

Film thriller: i titoli da vedere assolutamente

Alta tensione, crimini da risolvere, suspense e colpi di scena. Il thriller è uno dei generi più coinvolgenti del cinema: ci tiene con gli occhi incollati allo schermo, ci fa dubitare di tutti i personaggi e ci trascina negli angoli più bui della mente umana. È anche un genere dai confini labili, che si ibrida spesso con il poliziesco, l’horror, il noir psicologico e il giallo.

Da Alfred Hitchcock a David Fincher, dai capolavori del passato ai titoli più recenti, ecco una guida ragionata ai film thriller da vedere, con focus sui migliori, sui thriller psicologici, sui titoli recenti e su quelli disponibili su Netflix.

Film thriller da vedere assolutamente

Film thriller da vedere assolutamente

Tra i film thriller da vedere assolutamente, ecco due film relativamente recenti, tra i migliori, forse, del genere. Entrambi esplorano quello che esiste di più oscuro nella natura umana, mentre i protagonisti sono alle prese con delle misteriose scomparse.

  • Seven, David Fincher (1996). Il detective William Somerset è alle prese con il suo ultimo caso prima della pensione, aiutato dal nuovo arrivato David Mills. Sono alle prese con una serie di omicidi crudi e sanguinari, e presto si rendono conto di aver a che fare con un serial killer che mira ad uccidere coloro che per lui rappresentano uno dei sette peccati capitali.
  • Shutter Island, Martin Scorsese (2010). È forse il film del regista americano meno apprezzato dalla critica, ma è consigliatissimo per l’altissimo valore della produzione, per la regia e la recitazione eccezionale, e per la trama intricata. L’ufficiale detective Teddy Daniels arriva con il partner in un ospedale psichiatrico di nome Shutter Island, incaricato di investigare la scomparsa di una donna. Mentre Teddy scopre segreti oscuri, il proprio passato doloroso e crudo riemerge.
  • Prisoners, Denis Villeneuve (2013). In una cittadina della provincia americana due bambine spariscono. Keller, padre di una di esse, è convinto che il colpevole sia un giovane del quartiere e decide di rapirlo per farlo confessare con la forza. Nel frattempo l’investigatore Loki, impegnato ostinatamente sul caso, si mette sulle tracce di un altro sospettato.
  • Va’ e uccidi (1962). Subìto il lavaggio del cervello da parte dei comunisti, un sergente americano rientra dalla Corea trasformato in sicario telecomandato per un attentato politico che potrebbe sovvertire la situazione degli stati Uniti.
  • Duel, Steven Spielberg (1973) David Mann, tranquillo commesso, si ritrova imprigionato in un pericoloso gioco al gatto e al topo in autostrada con un mostruoso camion guidato da un misterioso psicopatico.
  • Cape fear – Il promontorio della paura, Martin Scorsese (1991) Nel processo contro Max Cady, l’avvocato difensore Sam Bowden non presentò delle prove che avrebbero potuto ridurrela pena dell’accusato. Scontati i 14 anni di prigione, Cady elabora un piano per vendicarsi.
  • I tre giorni del Condor, Sidney Pollack. (1975). Un ricercatore della CIA è l’unico superstite di una sezione di New York dell’organizzazione, sterminata da un gruppo di sicari. Con l’aiuto di Kathie sfugge agli assassini che lo braccano e scopre che dietro al complotto si nasconde la CIA stessa.
  • La finestra sul cortile, Alfred Hitchcock. (1954) Costretto sulla sedia a rotelle da un incidente sul lavoro, che gli ha procurato la frattura di una gamba, un fotoreporter d’azione passa il tempo spiando col teleobiettivo i suoi vicini di casa.
  • The Killer (2023), Dopo un fatidico errore, un assassino affronta i suoi mandanti e se stesso in una missione di vendetta internazionale che sostiene non sia affatto personale.
  • Nessuno ti salverà, 2023) Sola ma piena di speranza, la giovane Brynn trova conforto nella casa in cui è cresciuta, fino a quando una notte viene svegliata da strani rumori causati da intrusi decisamente ultraterreni.
  • Bussano alla porta (2023) Mentre sono in vacanza in una baita isolata, una giovane ragazza e i suoi genitori vengono presi in ostaggio da quattro sconosciuti armati che chiedono alla famiglia di compiere una scelta impensabile per evitare l’apocalisse.
  • Animali notturni, Tom Ford (2018) Susan riceve un pacco contenente un manoscritto, inviatole dall’ex marito, Edward. Il romanzo è dedicato a lei, ma ha un contenuto violento e sconvolgente che la porta a ricordare la relazione avuta con l’autore.
  • Psycho, Alfred Hitchcock (1960). Uno dei classici del genere per eccellenza, con qualche sfumatura horror. La segretaria Marion Crane ha rubato 40.000 dollari dal proprio datore di lavoro con l’obiettivo di fuggire con il proprio fidanzato Sam. È in fuga, ma viene sorpresa da un terribile temporale. Decide quindi di fermarsi per la notte in un piccolo e nascosto motel, dove incontra il gentile ma inquietante proprietario, Norman Bates. Questi è appassionato di imbalsamazione e ha una relazione difficle con la madre, e qualcosa da nascondere.
  • L’uomo senza sonno, Brad Anderson (2004) Da esattamente un anno, il metalmeccanico Trevor Reznik è consumato da un’implacabile insonnia che gli impedisce di ragionare lucidamente. In più, la presenza incombente del misterioso Ivan scatena in lui una confusa ossessione. Comincia allora a convincersi che qualcuno stia tramando per farlo impazzire.
  • Take Shelter (2011) Jeff Nichols. A LaGrange, nell’Ohio, Curtis LaForche fa sogni apocalittici e ha allucinazioni visive e uditive di pioggia “come olio di motore fresco”, sciami di uccelli neri e minacciosi, e subisce danni dalle persone a lui vicine. Nasconde tutto questo alla moglie Samantha e alla figlia sorda Hannah. Incanala invece le sue ansie in un’ossessione compulsiva per migliorare e ingrandire il rifugio antitempesta nel suo cortile; tuttavia, il suo comportamento sempre più strano – tra cui la tendenza a tagliare i ponti con chiunque nella sua vita gli abbia fatto del male solo nei suoi sogni – mette a dura prova i suoi rapporti con la famiglia, gli amici, il datore di lavoro e l’affiatata cittadina. Mette anche a rischio il suo lavoro di costruttore edile, dato che prende in prestito le attrezzature dell’azienda per costruire il suo rifugio.

Film thriller psicologici da vedere

Film thriller psicologici da vedere

Alcuni dei film thriller più intensi sono quelli che mettono in primo piano ed esplorano gli stati psicologici instabili dei proopri protagonisti. Anche qui, si contaminano con altri generi, come il gotico e le storie di detective, ma anche l’horror. Ecco i film thriller psicologici da vedere assolutamente.

  • Il Sesto Senso, M. Night Shyamalan (1999). Un bambino di nome Cole Sear ha un segreto oscuro: è perseguitato da fantasmi, anime di coloro che hanno lasciato problemi irrisolti e appaiono dalle ombre. Ha troppa paura per rivelare il proprio segreto, ma si aprirà con lo psicologo Dr. Malcolm Crowe, che cercherà di scoprire la verità sulle abilità sovrannaturali del bambino.
  • Il cigno nero, Darren Aronofsky (2011). Nina è una ballerina la cui passione per la danza domina ogni aspetto della vita. Quando il direttore artistico della compagnia decide di scegliere una nuova ballerina per la produzione de Il Lago dei Cigni, Nina ottiene il ruolo. Alle prese con le pressioni esercitate dalla madre morobsa e dal direttore, Nina scoprirò il suo lato più oscuro mentre lavora ai personaggi del Cigno Bianco e del Cigno Nero.
  • I segreti di Wind River, Taylor Sheridan (2017). Una guardia forestale trova il corpo di una ragazza nei boschi di una riserva indiana. L’autopsia rivela che è stata stuprata, e una agente dell’FBI viene inviata a indagare collaborando con l’uomo.
  • Gothika, Mathieu Kassovitz. (2003) Miranda Grey è una psicologa criminale che si occupa delle pericolose detenute. In seguito a un terribile incidente, la donna scopre di essere stata accusata dell’omicidio di suo marito.
  • La promessa dell’assassino, David Cronenberg (2007) Una ostetrica indaga sulla pista tracciata da un diario di una giovane madre russa morta per complicazioni legate al parto.
  • Il collezionista di ossa, Phillip Noyce (1999) New York. In seguito all’ennesimo efferato omicidio compiuto da un assassino seriale, l’agente Lincoln Rhyme inizia le indagini. Spietato e allo stesso tempo enigmatico, il caso mette in serie difficoltà la squadra omicidi.

Film thriller horror: quando la tensione sfocia nel terrore

Anthony Hopkins Hannibal-Lector

E a volte, il genere si tinge di orrore. Ecco i film thriller da vedere horror:

  • Il silenzio degli innocenti, Jonathan Demme (1991). Clarice Starling è una studentessa modello all’accademia dell’FBI. Viene incaricata di intervistare il Dottor Hannibal Lecter, uno psichiatra brillante che è anche uno psicopatico violento, condannato per vari omicidi e per cannibalismo. Il motivo per cui viene mandata dall’uomo è perché Lecter potrebbe aiutare nella risoluzione di un caso, e che Clarice, essendo una donna attrente, potrebbe essere un’esca efficace.
  • La cura del benessere, Gore Verbinski (2017). Il regista di The Ring torna con un thriller che scivola facilmente e ripetutamente nell’horror. Un giovane ambizioso viene mandato in un lussuoso centro benessere in Svizzera, con lo scopo di recuperare il CEO della compagnia per la quale lavora. Ma presto sospetterà che i trattamenti miracolosi del centro non sono quel che semrano essere. Scopre dei segreti terrificanti, e la sua sanità mentale viene messa alla prova.
  • L’uomo invisibile, Leigh Whannell (2020). Intrappolata in una relazione violenta con un brillante scienziato, Cecilia Kass scappa nel cuore della notte facendo perdere le sue tracce. Nel frattempo, l’uomo sta escogitando un diabolico piano.
  • The Lighthouse (2019) – Robert Eggers. Su un’isola battuta dal vento, due guardiani del faro restano isolati dal mondo e scivolano lentamente nella follia. Girato in bianco e nero, claustrofobico e allucinato, è un viaggio disturbante nella psiche e nell’ossessione.

  • Unsane (2018) – Steven Soderbergh. Una giovane donna viene ricoverata contro la sua volontà in una clinica psichiatrica e crede di riconoscere tra il personale il suo stalker. Soderbergh gira in digitale “sporco”, accentuando la sensazione di paranoia e di realtà distorta.

  • Noi (2019) – Jordan Peele. Una famiglia in vacanza si trova faccia a faccia con un gruppo di inquietanti sosia, identici in ogni dettaglio ma mossi da una violenza inspiegabile. Peele costruisce un incubo simbolico sul doppio, sull’identità e sulle parti oscure che la società preferisce ignorare, trasformando il film in un labirinto psicologico più che in un semplice home invasion.

  • Hereditary – Le radici del male (2018) – Ari Aster. Dopo la morte della nonna, strane presenze iniziano a tormentare una famiglia già segnata da lutti e fragilità mentali. Aster firma un horror psicologico devastante, dove il trauma si trasforma lentamente in paranoia e la perdita di controllo diventa l’elemento più spaventoso. Un’opera che scava nel dolore, nelle eredità familiari e nella sensazione di essere destinati alla rovina.

  • Miss Violence (2013) – Alexandros Avranas Una famiglia apparentemente normale nasconde un sistema di violenza e coercizione che emerge solo attraverso piccoli segnali, dettagli e comportamenti disturbanti. Avranas racconta un incubo domestico che procede per sottrazione, senza mai mostrare tutto ma lasciando intuire l’orrore psicologico dietro l’apparente ordine. Un film glaciale, disturbante e difficilissimo da dimenticare.

Film thriller da vedere recenti (2025-2019)

Negli ultimi anni il genere thriller ha vissuto una nuova stagione d’oro, tra mystery sofisticati, produzioni Blumhouse, reinvenzioni del noir e tensioni psicologiche sempre più raffinate. Dalle piattaforme streaming ai titoli più discussi in sala, ecco una selezione di thriller recenti che meritano assolutamente di essere recuperati.

  • The Accountant 2 di Gavin O’Connor. Christian Wolff ha talento nel risolvere problemi complessi. Quando un vecchio conoscente viene ucciso e lascia un messaggio misterioso chiedendo di trovare il contabile, Wolff deve collaborare con suo fratello Brax per risolvere il caso.
  • Tre Rivelazioni (2025) di Yeon Sang-ho. Un pastore che crede nelle rivelazioni divine e un investigatore perseguitato da visioni affrontano i loro demoni personali mentre cercano una persona scomparsa.
  • I peccatori (2024). Un piccolo paese di provincia viene sconvolto dalla scomparsa di una studentessa modello. Le indagini rivelano un groviglio di gelosie, bugie e segreti familiari che trasformano la comunità in un microcosmo inquietante. Un thriller teso e sempre sul filo del sospetto.
  • La notte arriva sempre di Benjamin Caron. Minacciata di sfratto, una donna è disposta a rischiare tutto per assicurarsi la casa che rappresenta un futuro per sé e per suo fratello, che ha bisogno di cure costanti. Ha una sola notte per per raccogliere 25.000 dollari.
  • Weapons (2024). Il regista di Barbarian firma un racconto corale fatto di incastri temporali, ombre e violenza latente. L’atmosfera cresce scena dopo scena, fino a un finale disturbante che rilegge in chiave contemporanea i temi della paranoia americana.
  • La donna della cabina 10 (2025). Tratto dal bestseller internazionale di Ruth Ware, segue una giornalista in viaggio su una crociera di lusso che assiste a un possibile omicidio… che tutti negano sia mai avvenuto. Elegante, claustrofobico e ricco di false piste, perfetto per chi ama i mystery psicologici.
  • Locked – In Trappola (2025). Una donna rimane intrappolata nella sua smart home dopo un blackout misterioso. La casa inizia a comportarsi in modo anomalo, mentre qualcuno sembra controllare tutto dall’esterno. Un thriller ad alta tensione che sfrutta con efficacia il tema della tecnologia “contro”.
  • Vicious (2025). Quando una serie di attacchi brutali sconvolge una cittadina isolata, una giovane poliziotta inizia a indagare su un predatore che sembra conoscere ogni mossa delle sue vittime. Cupo, feroce e imprevedibile, è uno dei thriller più inquieti della nuova stagione horror-thriller.
  • Misteri dal Profondo (2024). Una spedizione scientifica in mare aperto si trasforma in un incubo quando la troupe scopre tracce di un’entità sconosciuta nelle profondità dell’oceano. Il film unisce thriller, mistero e survival, con un crescendo ansiogeno che ricorda The Abyss e Underwater.

Film thriller 2023

Il 2023 è stato un anno ricco di thriller molto diversi tra loro: dal cinema d’autore alle produzioni mainstream, dalle indagini più classiche ai racconti psicologici estremi. Ecco i titoli più interessanti usciti nel corso dell’anno, da recuperare assolutamente.

  • Beau ha paura (Beau Is Afraid) – Ari Aster . Un viaggio surreale e inquieto attraverso le fobie e le ossessioni di un uomo che prova a raggiungere la madre. Aster costruisce un thriller psicologico allucinato e disturbante, dove la paura nasce dalla mente del protagonista.
  • Sharper – Benjamin Caron. Storia di truffe, vendette e doppi giochi ambientata tra New York e l’alta società americana. Nulla è davvero come sembra e ogni personaggio gioca una partita personale. Thriller elegante, costruito come un puzzle.
  • OppenheimerChristopher Nolan. Il racconto della nascita della bomba atomica diventa un thriller storico e mentale, attraversato da paranoie, segreti di Stato e ossessioni morali. Nolan firma uno dei film più discussi dell’anno.
  • Missing – Nick Johnson, Will Merrick. Quando sua madre scompare durante un viaggio, June tenta di rintracciarla usando solo strumenti digitali e piattaforme online. Un thriller “screenlife” snervante e sorprendente, che aggiorna il linguaggio del genere.
  • Retribution – Nimród Antal. Un padre riceve una telefonata anonima: c’è una bomba sotto il sedile dell’auto. Se scende, esplode. Un thriller in tempo reale che tiene la tensione altissima, con un Liam Neeson in pieno controllo del genere.
  • Reptile – Grant Singer. L’omicidio di una giovane agente immobiliare porta alla luce una rete di bugie e manipolazioni. Del Toro è un detective ambiguo e impenetrabile in un thriller d’atmosfera, pieno di piccole inquietudini.
  • The Plane – Jean-François Richet. Dopo un atterraggio d’emergenza su un’isola controllata da milizie locali, un pilota deve proteggere i passeggeri insieme a un prigioniero misterioso. Un action-thriller solido, teso e adrenalinico.
  • Hypnotic – Robert Rodriguez. Un detective indaga sulla scomparsa di sua figlia e si ritrova dentro una spirale di manipolazioni mentali e realtà alterate. Rodriguez firma un thriller fantascientifico dallo stile pop e ricco di colpi di scena.
  • L’ultima notte di Amore – Andrea Di Stefano. Un poliziotto prossimo alla pensione vive un turno notturno che cambia per sempre la sua vita. Un noir milanese asciutto e realistico, tra crimine, corruzione e scelte senza ritorno.
  • Assassinio a VeneziaKenneth Branagh. Poirot viene trascinato in un mistero durante una seduta spiritica nella laguna veneziana. Un thriller investigativo con venature gotiche, uno dei capitoli più cupi della saga di Branagh.
  • Nowhere – Albert Pintó. In fuga da un regime violento, una donna resta intrappolata in un container alla deriva in mare aperto. Un survival-thriller claustrofobico e fisico, quasi un one-woman-show.

Film thriller 2022

Il 2022 ha offerto alcuni dei thriller più discussi degli ultimi anni, tra indagini ossessive, paranoia, tensione psicologica e racconti che sfociano nel perturbante. Ecco i titoli più significativi da recuperare.

  • La notte del 12 – Dominik Moll. Un thriller investigativo teso e asciutto, ispirato a un caso irrisolto. L’indagine sulla morte di una giovane donna diventa un’ossessione per il capitano Vivès, mentre il film esplora maschilità tossica, ambiguità e frustrazione di fronte a una verità che sfugge sempre. Uno dei migliori thriller europei dell’anno.
  • Holy Spider – Ali Abbasi. Ambientato a Mashhad, in Iran, segue un serial killer che prende di mira le prostitute convinto di “purificare” la città. Un thriller cupo e politico, che riflette su giustizia, patriarcato e fanatismo religioso attraverso il punto di vista di una giornalista determinata a svelare la verità.
  • Fall – Scott Mann. Due amiche scalano una torre radio altissima per un’impresa da social, ma restano bloccate a centinaia di metri d’altezza. Un survival-thriller vertiginoso e ansiogeno che sfrutta al massimo claustrofobia, vuoto e paura dell’altezza.
  • Don’t Worry DarlingOlivia Wilde. Alice vive in una comunità perfetta degli anni ’50… almeno fino a quando non si accorge che qualcosa non torna. Tra misteri, paranoia e atmosfere retro-futuristiche, un thriller psicologico che mette al centro il controllo e la manipolazione.
  • Watcher – Chloe Okuno. Una giovane donna si trasferisce con il compagno in una nuova città e inizia a sentirsi osservata da un uomo alla finestra di fronte. Teso, minimale e psicologico, è un thriller che gioca con il tema della percezione femminile e la paura di non essere credute.
  • Nope – Jordan Peele. Un thriller sci-fi che indaga il rapporto tra spettacolo, trauma e predazione. Due fratelli scoprono qualcosa nei cieli sopra la loro fattoria, dando vita a un racconto di tensione crescente, che fonde mistero, western e horror.
  • Memory – Martin Campbell. Un sicario esperto, interpretato da Liam Neeson, diventa il bersaglio della sua stessa organizzazione dopo essersi rifiutato di portare a termine un incarico. Un thriller d’azione cupo e lineare, attraversato dal tema della memoria che svanisce.
  • Glass Onion – Knives Out – Rian Johnson. Un nuovo caso per Benoit Blanc, questa volta all’interno dell’isola privata di un miliardario tech. Tra satira sociale, inganni, colpi di scena e un cast corale, è uno dei thriller più brillanti e divertenti dell’anno.

Film thriller 2021

Il 2021 è stato un anno ricco di thriller che hanno saputo rinnovare il genere, tra racconti psicologici, survival estremi e indagini ossessive. Ecco i titoli più significativi da recuperare.

Old – M. Night Shyamalan. Una famiglia in vacanza raggiunge una spiaggia isolata dove il tempo scorre in modo anomalo, accelerando l’invecchiamento di chiunque vi si trovi. Un thriller psicologico dai toni horror, che riflette su tempo, corpo e inevitabilità.

Fino all’ultimo indizio – John Lee Hancock. Un vice-sceriffo dal passato enigmatico collabora con un giovane detective per catturare un serial killer a Los Angeles. Teso, atmosferico e interpretato magistralmente da Denzel Washington, Rami Malek e Jared Leto.

La furia di un uomo – Wrath of Man – Guy Ritchie. Un misterioso uomo si fa assumere come guardia di sicurezza di un furgone portavalori, rivelando abilità letali. Un revenge-thriller cupo e glaciale, con Jason Statham in una delle sue performance più rigide e controllate.

La donna alla finestra – Joe Wright. Una psicologa affetta da agorafobia osserva i vicini dalla finestra e crede di essere stata testimone di un crimine. Tra paranoia, inganni e citazioni hitchcockiane, un thriller psicologico dal forte gusto rétro.

The Guilty – Antoine Fuqua. Un operatore del 911 tenta di salvare una donna in pericolo solo attraverso la voce al telefono. Interamente costruito sulla tensione vocale e sul volto di Jake Gyllenhaal, è un thriller minimale ma potentissimo.

Il collezionista di carte – Paul Schrader. Un ex militare tormentato tenta di ricostruire la propria vita diventando giocatore professionista, ma l’arrivo di un giovane in cerca di vendetta lo trascina in un vortice oscuro. Schrader firma un thriller morale, asciutto e inquieto.

Prey – Thomas Sieben. Una gita tra amici in un bosco si trasforma in una fuga disperata quando un misterioso tiratore li prende di mira. Un survival thriller semplice ma efficace, dove il terreno selvaggio diventa protagonista.

Quelli che mi vogliono morto – Taylor Sheridan. Un adolescente testimone di un omicidio fugge attraverso le foreste del Montana inseguito da due sicari. Un thriller d’azione solido, con Angelina Jolie nel ruolo di una vigile del fuoco segnata dal trauma.

Film thriller 2020

Il 2020 ha offerto alcuni dei thriller più originali degli ultimi anni, tra reinvenzioni horror, racconti psicologici disturbanti e storie cariche di tensione morale. Ecco i titoli imperdibili del periodo.

  • L’uomo invisibile – Leigh Whannell. Cecilia fugge da una relazione violenta, convinta che il suo ex – un brillante scienziato – la perseguiti dopo la morte. Una reinvenzione moderna del classico di H.G. Wells, tesa, claustrofobica e sorretta da una straordinaria Elizabeth Moss.
  • The Hunt – Craig Zobel. Dodici sconosciuti vengono rapiti e liberati in una foresta per essere cacciati da una misteriosa élite. Un thriller satirico feroce e sanguinoso, che gioca con politica, paranoia e fake news.
  • Sto pensando di finirla qui – Charlie Kaufman. Una donna intraprende un viaggio nella famiglia del fidanzato, ma la realtà si frantuma in un labirinto di ricordi, percezioni e inquietudine. Thriller psicologico sui generis, visionario e disturbante, tipico del cinema di Kaufman.
  • Sono la tua donna (I’m Your Woman) – Julia Hart. Negli anni ’70, una donna costretta a fuggire dopo che il marito criminale tradisce la sua banda deve imparare a sopravvivere e proteggere il suo bambino. Un thriller neo-noir originale e malinconico, con una grande Rachel Brosnahan.
  • I Care a Lot – J Blakeson. Marla Grayson truffa anziani facoltosi diventando la loro tutrice legale, finché non prende di mira la persona sbagliata. Un thriller brillante e cinico sul potere, la manipolazione e l’ambiguità morale, con Rosamund Pike superba.
  • The Boy – La maledizione di Brahms – William Brent Bell. Una famiglia si trasferisce nella tenuta Heelshire Mansion, dove il figlio instaura un legame inquietante con una misteriosa bambola. Thriller/horror che riprende la saga di Brahms giocando con ambiguità e possessioni.
  • Nocturne – Zu Quirke. In un prestigioso conservatorio musicale, una studentessa trova un quaderno appartenuto a una compagna morta e inizia una spirale di ossessione e rivalità artistica. Thriller psicologico cupo, che mescola talento, ambizione e soprannaturale.

Film thriller 2019

Il 2019 è stato un anno ricchissimo per il thriller, tra indagini ossessive, incubi psicologici, horror folk e misteri claustrofobici. Ecco i titoli più rappresentativi da recuperare.

  • Cattive acque – Todd Haynes. Un avvocato scopre che una grande multinazionale potrebbe essere responsabile di un numero crescente di morti inspiegabili. La sua indagine diventa una lotta personale contro un sistema corrotto, in un thriller legale teso, cupo e basato su una storia vera.
  • The Lighthouse – Robert Eggers. Due guardiani del faro restano isolati su un’isola battuta dal vento, scivolando in un vortice di paranoia, alcool e visioni. Un thriller psicologico allucinatorio, girato in un bianco e nero ipnotico e interpretato magistralmente da Willem Dafoe e Robert Pattinson.
  • Midsommar – Il villaggio dei dannati – Ari Aster. Una giovane coppia raggiunge una comunità svedese per un festival estivo apparentemente idilliaco che si trasforma presto in un rituale inquietante. Thriller/horror folk luminoso e disturbante, diventato rapidamente un cult contemporaneo.
  • The Lodge – Veronika Franz, Severin Fiala. Durante una vacanza invernale, due fratellini e la futura matrigna restano bloccati da una tempesta di neve in una baita remota. Eventi inspiegabili fanno emergere i fantasmi psicologici della donna, in un thriller glaciale e pieno di tensione.
  • Anna – Luc Besson. Dietro l’apparenza di una giovane modella si nasconde un’assassina addestrata e spietata. La sua doppia vita la trascina in un gioco di tradimenti e inganni tra CIA e KGB, in un thriller d’azione elegante e carico di adrenalina.
  • L’uomo del labirinto – Donato Carrisi. Una donna, rapita 15 anni prima da un uomo travestito da coniglio, riesce a scappare. Un medico e un investigatore seguono nuove piste per identificare il sequestratore. Thriller italiano cupo e pieno di colpi di scena, basato sul romanzo dello stesso Carrisi.
  • Il buco – Galder Gaztelu-Urrutia. In una prigione verticale, il cibo scende piano piano tra i livelli e chi vive in basso muore di fame. Una parabola disturbante sulla disuguaglianza e la natura umana, tra thriller, distopia e horror sociale.
  • Glass – M. Night Shyamalan. David Dunn, Elijah Price e “La Bestia” si ritrovano rinchiusi in un istituto psichiatrico, osservati da una dottoressa convinta che non abbiano alcun potere speciale. Un thriller psicologico e investigativo che chiude la trilogia iniziata con Unbreakable.

Film thriller su Netflix

  • Tre Rivelazioni (2025) di Yeon Sang-ho. Un pastore che crede nelle rivelazioni divine e un investigatore perseguitato da visioni affrontano i loro demoni personali mentre cercano una persona scomparsa.
  • La donna della cabina numero 10, (2025). Durante una crociera di lusso per un incarico di lavoro, una giornalista assiste al momento in cui una passeggera è gettata in mare a tarda notte, solo per sentirsi dire che non è successo. Nonostante nessuno le creda, continua a cercare risposte.
  • Havoc, (2025). Quando un affare di droga va storto, un poliziotto disilluso deve lottare contro la criminalità di una città profondamente corrotta per salvare il figlio di un politico.
  • La notte arriva sempre (2025). Minacciata di sfratto, una donna è disposta a rischiare tutto per assicurarsi la casa che rappresenta un futuro per sé e per suo fratello, che ha bisogno di cure costanti. Ha una sola notte per per raccogliere 25.000 dollari.
  • Exterritorial – Oltre il confine (2025). Quando suo figlio scompare durante una visita al consolato americano di Francoforte e nessuno si ricorda di lui, Sara, ex agente delle forze speciali, fa di tutto per ritrovarlo, scoprendo così un oscuro complotto.
  • Mea Culpa (2024), Un’avvocata di difesa deve scegliere tra famiglia, dovere e i propri pericolosi desideri quando accetta il caso di un artista accusato di omicidio.
  • Abisso (2023), Mentre la città svedese di Kiruna sprofonda, Frigga è combattuta tra la sua famiglia e il lavoro come responsabile della sicurezza nella più grande miniera sotterranea del mondo.
  • Il mondo dietro di te (2023), La vacanza di una famiglia in una lussuosa casa in affitto si fa inquietante quando un attacco informatico mette fuori uso i dispositivi e due sconosciuti si presentano alla porta.
  • Fatale – Doppio Inganno (2023), Un’avventura di una notte a Las Vegas con una donna sconosciuta si trasforma in un incubo per un agente sportivo sposato e di successo che vede la sua vita sconvolta.
  • Reptile (2023), Un detective indurito dalla vita porta alla luce una complessa rete di inganni mentre scava per scoprire la verità sul brutale omicidio di una giovane agente immobiliare.
  • The Killer (2023), Dopo un fatidico errore, un assassino affronta i suoi mandanti e se stesso in una missione di vendetta internazionale che sostiene non sia affatto personale.
  • Nowhere, (2023) Incinta, sola e alla deriva, una donna intrappolata in un container cerca di sopravvivere dopo essere fuggita da un paese devastato e controllato da un regime totalitario.
  • I nostri segreti (2023), Due amiche decidono di essere l’alibi l’una dell’altra per nascondere i tradimenti ai rispettivi mariti… ma l’intricata rete di bugie si sfalda quando una delle due scompare.
  • Escape Room, Adam Robitel. (2019) Sei sconosciuti visitano un edificio misterioso per provare un gioco che ha come scopo la risoluzione di una serie di enigmi. Presto, però, si rendono conto che ogni stanza è una elaborata trappola che fa parte di un piano sadico e mortale.
  • Il legame, Domenico Emanuele de Feudis (2020). Nel corso di una visita alla madre del fidanzato nel Sud Italia, una donna deve combattere la misteriosa e malvagia maledizione a cui sembra essere desitinata sua figlia.
  • Bird Box, Susanne Bier (2018). I sopravvissuti di un pianeta distrutto devono evitare di incrociare un’entità che assume la forma delle loro peggiori paure e li uccide. Nella speranza di trovare un rifugio sicuro, una donna e i suoi bambini attraversano la natura selvaggia.
  • Rebecca, Ben Wheatley (2020). Rebecca è un film del 2020 diretto da Ben Wheatley. La pellicola, con protagonisti Lily James, Armie Hammer e Kristin Scott Thomas, è l’adattamento cinematografico del romanzo gotico del 1938 Rebecca, la prima moglie scritto da Daphne Du Maurier.
  • La verità di Grace, Tyler Perry (2020) Demoralizzata dall’infedeltà dell’ex marito, Grace Waters ritrova la gioia di vivere grazie a un nuovo amore. Tuttavia, quando alcuni segreti vengono a galla, la dolce e vulnerabile Grace diventa violenta.




Sarah Jessica Parker: 10 cose che non sai sull’attrice

Popolare grazie alla televisione, e celebre anche per alcuni ruoli cinematografici, l’attrice Sarah Jessica Parker si è conquistata un posto nel cuore dei suoi fan grazie a ruoli iconici, in primis quello nella serie Sex and the City. Oltre a questa, la Parker ha saputo rinnovarsi dimostrando buone capacità comiche anche sul grande schermo, dove ha recitato in commedie e film drammatici di grande successo.

Ecco 10 cose che non sai di Sarah Jessica Parker.

Sarah Jessica Parker: i suoi film

1. Ha recitato in popolari commedie e film iconici. L’attrice debutta al cinema nel film Footloose (1984), per poi diventare famosa grazie a titoli come Hocus Pocus (1993), dove interpreta una strega dispettosa, e Ed Wood (1994) di Tim Burton. Nel 1996 appare in Il club delle prime mogli, una commedia brillante sulle rivalità femminili, e nello stesso anno in Mars Attacks!. Negli anni successivi interpreta ruoli in Hollywood, Vermont (2000), La neve nel cuore (2005), Sex and the City (2008) e Sex and the City 2 (2010), che la riportano al cinema come icona di stile. Nel 2011 è protagonista in Ma come fa a far tutto? e Capodanno a New York, mentre nel 2016 recita in Tutte le strade portano a Roma. Oggi, nel 2025, Sarah Jessica Parker continua a lavorare tra cinema indipendente e progetti televisivi di prestigio, confermando il suo talento e la sua versatilità.

2. È celebre per i suoi ruoli televisivi. L’attrice ottiene una prima notorietà partecipando alla serie Zero in condotta (1982), per poi apparire in E giustizia per tutti (1990-1991) e consacrarsi definitivamente con il ruolo di Carrie Bradshaw nella serie Sex and the City (1998-2004). Successivamente appare in alcuni episodi di Glee (2012-2013) e nella serie Divorce (2016-2019). Oggi la Parker partecipa anche a progetti televisivi e streaming, confermando la sua presenza costante sul piccolo schermo.

3. Si è distinta come produttrice. Nel corso degli anni, la Parker ha assunto anche il ruolo di produttrice per quei progetti a cui si sentiva più legata. Ha prodotto oltre 60 episodi della serie Sex and the City, i due film dedicati alla serie, e gli episodi di Divorce, mostrando grande attenzione a sceneggiatura e casting.

sarah-jessica-parker-hocus-pocusSarah Jessica Parker oggi

4. È attiva sui social. L’attrice è presente su Instagram con un proprio profilo seguito da milioni di persone. All’interno del profilo condivide fotografie di momenti di svago, scatti promozionali dei suoi film e immagini in occasione di eventi di moda, mostrando il suo stile unico e riconoscibile anche oggi.

5. Ha progetti recenti in corso. Nel 2025 Sarah Jessica Parker oggi continua a lavorare tra cinema e televisione, con ruoli in serie streaming, film indipendenti e apparizioni in talk show. Parallelamente si dedica alla moda, con la propria linea di calzature e collaborazioni con grandi brand internazionali.

Sarah Jessica Parker e Carrie Bradshaw: curiosità sulla carriera

6. Il ruolo di Carrie Bradshaw in Sex and the City. Per interpretare Carrie, la Parker aveva fatto inserire nel contratto una clausola che le evitava di mostrare il corpo nudo, rendendo il personaggio elegante e iconico. Per questo ruolo ha ricevuto sette nomination agli Emmy, vincendone uno nel 2004, e quattro Golden Globe come miglior attrice in una serie commedia o musicale. Torna a interpretare Carrie Bradshaw in And Just Like That… sequel di Sex and The City che va in onda dal 2021-2025 e che racconta delle “ragazze” tanti anni dopo la loro giovinezza spensierata nella serie culto.

7. Hocus Pocus: una strega in volo. Nel film Hocus Pocus (1993) l’attrice interpreta Sarah, trovando sorprendentemente confortevole l’imbracatura che la teneva sospesa sulla scopa volante, tanto da trascorrere parte delle pause lì per leggere o rilassarsi. Appende la scopa al chiodo per tanti anni fino al 2022, quando torna per l’attesissimo sequel del cult Disney, insieme a Bette MidlerKathy Najimy.

8. Glee e il mondo della moda. In Glee, il personaggio di Isabelle Wright è mentore di Kurt e dirigente di Vogue.com a New York, unendo il talento recitativo di Sarah Jessica Parker al suo riconosciuto senso dello stile.

Ivan Hernandez Sarah Jessica Parker And Just Like That 2x01Vita privata e famiglia

9. Compagno e famiglia. L’attrice è sposata dal 1997 con l’attore e produttore Matthew Broderick. La coppia ha tre figli e mantiene una vita privata protetta, pur partecipando regolarmente a eventi pubblici e cerimonie. Il loro rapporto è spesso citato come esempio di stabilità nel mondo dello spettacolo.

Sarah Jessica Parker: età, altezza e primi anni

10. Dati anagrafici e fisici. Sarah Jessica Parker young era già nota per la sua energia e talento fin da bambina, iniziando a recitare in televisione. È nata a Nelsonville, Ohio, il 25 marzo 1965, e la sua altezza è di 160 centimetri.

Fonte: IMDb

Isla Fisher spiega l’assenza di Henley da Now You See Me 2 in vista del ritorno in L’Illusione Perfetta

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L’illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t, il terzo film della saga di rapine, è in sala nove anni dopo l’ultimo capitolo. In questo film, il gruppo di magia noto come I Quattro Cavalieri si riunirà dopo un apparente litigio, reclutando una nuova generazione di maghi e affrontando un’organizzazione criminale, rubando un diamante inestimabile.

Le star del franchise, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco e Morgan Freeman, guideranno il cast di Now You See Me 3, insieme ai nuovi arrivati ​​Ariana Greenblatt, Dominic Sessa, Justice Smith e Rosamund Pike. Inoltre, Isla Fisher, una delle star del film originale, riprenderà il ruolo di Henley dopo aver saltato il secondo capitolo a causa della sua gravidanza.

In un’intervista con Ash Crossan per l’articolo di copertina di ScreenRant, Isla Fisher ha rivelato come la precedente assenza di Henley e il successivo ritorno saranno spiegati nella nuova storia. In Now You See Me 2, si dice che Henley si sia stancata di aspettare risposte dalla misteriosa organizzazione chiamata The Eye e abbia quindi lasciato il gruppo; in questa puntata viene sostituita da Lula May di Lizzy Caplan.

Ma ora Henley è tornata, e Isla Fisher ha spiegato che la giustificazione nel mondo di gioco è che Henley si stava concentrando sulla sua vita personale, ma ha accettato di aiutare in questa missione per sconfiggere il personaggio di Pike, che sta causando danni reali nel mondo. Leggi i commenti completi di Fisher qui sotto:

Now You See Me - I Maghi del Crimine spiegazione finale
Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Isla Fisher e Dave Franco in Now You See Me – I maghi del crimine. Foto di Barry Wetcher – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

Per quanto riguarda Henley, penso che sia stata con suo figlio. Ma in realtà, non tornerà per il suo ego o perché vuole risolvere le cose con Danny Atlas, che l’ha messa da parte come assistente. Penso che dipenda molto di più dal fatto che lei nutre una profonda passione per questa persona disgustosa, per il traffico di esseri umani e il riciclaggio di denaro, e che desidera impegnarsi nell’attivismo. Questo è un modo per usare le sue competenze e allearsi con i suoi amici e i nuovi cavalieri per rimediare ai torti.

Nel primo film, Henley viene descritta come una persona che ha un rapporto difficile con Atlas, una sua vecchia fiamma, mentre lui sembra turbato dal fatto che lei abbia lasciato i Quattro Cavalieri. La loro tensione, che si attenua, viene sostituita da una storia d’amore più autentica tra Jack (Franco) e Lula in Now You See Me 2; tuttavia, Caplan sembra essere stato abbandonato dal franchise di Now You See Me.

Se Now You See Me 3 vuole avere una sottotrama romantica, probabilmente sarà tra una coppia di personaggi più giovani. D’altra parte, questo terzo capitolo sembra concentrarsi più che mai sulla presunta missione dell’Occhio, ovvero quella di usare l’inganno per derubare una classe superiore corrotta e ridistribuire la ricchezza a chi ne ha bisogno. Questa causa è ciò che spinge Henley a uscire dal pensionamento.

I film precedenti presentano le imprese in stile Robin Hood dei maghi più come un sottoprodotto delle loro carriere magiche, mentre L’illusione perfetta – Now You See Me: Now You Don’t li vede combattere il sindacato criminale come missione principale. Ora, oltre a riportare in auge una delle migliori star originali del franchise, il ritorno di Henley potrebbe servire a sottolineare questo tema.

Zachary Levi vorrebbe tornare a essere Shazam… o qualunque altro eroe DC

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Negli ultimi tempi, Zachary Levi non ha avuto vita facile a Hollywood, e ha ammesso di essersi praticamente suicidato condividendo le sue idee anti-vaccini e appoggiando Donald Trump come Presidente degli Stati Uniti.

Zachary Levi ha interpretato il supereroe protagonista in Shazam! e Shazam! Furia degli Dei, e sebbene il primo film abbia avuto un grande successo, molti sembravano un po’ stanchi delle bizzarrie del personaggio nel sequel. Il film è stato un fiasco al botteghino, e quando James Gunn e Peter Safran sono diventati co-direttori dei nuovi DC Studios, le possibilità che Levi tornasse a interpretare il ruolo sono passate da scarse a nulle.

“Il giudizio del pubblico è ancora piuttosto buono, ma quello della critica è stato, non so, stranamente e sconcertantemente basso, e la gente è stata incredibilmente scortese”, ha detto Levi in ​​precedenza a proposito dell’accoglienza riservata a La furia degli Dei. “Ascolta, ho preso parte a delle cose e per quanto vorrei che fossero belle, so che sono ok, so che hanno perso molto. Non sto dicendo che Shazam! Furia degli Dei sia un perfetto capolavoro di Orson Welles, ma è un film davvero bello. Non so cosa ci riservi il futuro, perché Furia degli Dei non è stato ben accolto. Non ho idea di dove andremo da qui.”

Sebbene Levi non stia esattamente sperando di tornare nei panni di Shazam, sarebbe sicuramente aperto all’idea. “Oh sì! Ho adorato interpretare Shazam… Se James e i poteri forti dicessero ‘Ehi, ci piacerebbe molto riportarti nei panni di Shazam’, o se ci fosse qualche altro personaggio DC… adoro i fumetti”, ha detto a Feature First in una nuova intervista.

Zachary Levi afferma di essere in buoni rapporti con James Gunn, ma qualcosa ci dice che i suoi giorni da mantellista potrebbero essere finiti. L’attore ora sembra concentrarsi su progetti a sfondo religioso che attraggano i suoi fan.

Cosa racconta Shazam! con Zachary Levi?

Dotati dei poteri degli dei, Billy Batson e i suoi compagni di adozione stanno ancora imparando a destreggiarsi tra la vita adolescenziale e la presenza di alter ego da supereroi adulti. Ma quando le Figlie di Atlante, un trio vendicativo di antiche divinità, arrivano sulla Terra in cerca della magia rubata loro molto tempo fa, Billy, alias Shazam, e la sua famiglia si ritrovano coinvolti in una battaglia per i loro superpoteri, le loro vite e il destino del loro mondo.

Da New Line Cinema arriva Shazam! Furia degli Dei, che prosegue la storia dell’adolescente Billy Batson che, recitando la parola magica “SHAZAM!”, si trasforma nel suo alter ego da supereroe adulto, Shazam.

Monarch: Legacy of Monsters torna con una seconda stagione su Apple Tv il 27 febbraio

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Oggi Apple TV ha svelato il teaser trailer dell’attesissima seconda stagione di Monarch: Legacy of Monsters, la serie del Monsterverse con protagonisti Kurt Russell, Wyatt Russell, Anna Sawai, Kiersey Clemons, Ren Watabe, Mari Yamamoto, Joe Tippett e Anders Holm. La seconda stagione, composta da 10 episodi, debutterà il 27 febbraio 2026 con il primo episodio, seguito da un nuovo episodio ogni venerdì fino al 1º maggio.

La prima stagione di “Monarch: Legacy of Monsters” segue due fratelli determinati a scoprire il legame della loro famiglia con l’enigmatica organizzazione nota come Monarch. Gli indizi li conducono nel mondo dei mostri e, infine, sulle tracce dell’ufficiale dell’esercito Lee Shaw (interpretato da Kurt Russell e Wyatt Russell), in una storia che si svolge negli anni Cinquanta e mezzo secolo più tardi, quando ciò di cui Shaw è a conoscenza mette in pericolo la sopravvivenza stessa di Monarch.

La seconda stagione riprenderà con il destino di Monarch, e del mondo intero, in bilico. La saga porterà alla luce segreti sepolti che riuniranno eroi (e villain) sull’Isola del Teschio di Kong e in un nuovo, misterioso villaggio dove un Titano mitico emergerà dal mare. Le onde del passato si propagano nel presente, offuscando i legami tra famiglia, amici e nemici, mentre all’orizzonte incombe la minaccia di un evento titanico.

Prodotta da Legendary Television, “Monarch: Legacy of Monsters” è una serie prodotta esecutivamente da Joby Harold e Tory Tunnell di Safehouse Pictures, insieme a Chris Black, Jen Roskind, Matt Shakman, Andrew Colville e Lawrence Trilling, che dirige anche quattro episodi, oltre a Andrew Colville, che firma la sceneggiatura di due episodi e ricopre il ruolo di produttore esecutivo. Chris Black sarà lo showrunner della seconda stagione. Hiro Matsuoka e Takemasa Arita sono produttori esecutivi per conto della Toho Co., Ltd., proprietaria del personaggio di Godzilla.

Toho ha concesso in licenza i diritti a Legendary per “Monarch: Legacy of Monsters” come naturale estensione della loro collaborazione di lunga data legata al franchise cinematografico. Apple TV ha siglato un accordo pluri-serie con Legendary Entertainment, che include la seconda stagione di “Monarch: Legacy of Monsters” e diverse serie spin-off ambientate nello stesso universo narrativo.

La prima stagione di “Monarch: Legacy of Monsters”, è disponibile in streaming su Apple TV. Il Monsterverse di Legendary è un vasto universo narrativo multipiattaforma che ruota attorno alla lotta dell’umanità per sopravvivere in un mondo sconvolto da una nuova e catastrofica realtà: i mostri delle nostre leggende e dei nostri miti sono reali.
Ha avuto inizio con il film “Godzilla” del 2014, proseguendo con “Kong: Skull Island” (2017), “Godzilla: King of the Monsters” (2019), “Godzilla vs. Kong” (2021) e più recentemente con “Godzilla x Kong: The New Empire”, l’episodio di maggior incasso dell’intero franchise e il film di Godzilla di maggior successo di tutti i tempi.
È inoltre in arrivo l’attesissimo sequel “Godzilla x Kong: Supernova”, previsto per il 2027.

Il Monsterverse ha incassato oltre 2,5 miliardi di dollari al botteghino mondiale ed è cresciuto fino a includere la serie evento di grande successo “Monarch: Legacy of Monsters” per Apple TV. Con un universo interconnesso che comprende videogiochi, fumetti, giocattoli e esperienze dal vivo, il Monsterverse rappresenta un’epica forma di intrattenimento su scala monumentale.

I film horror più spaventosi disponibili su Netflix

Ormai da anni, la piattaforma streaming Netflix è stata un porto sicuro per la diffusione di film horror. Ha ospitato i beniamini indie e le leggende del grande schermo proponendoci scelte tra le più disparate dei vari sottogeneri horror. Inoltre, ha agito da distributore per molti importanti registi di genere, fornendo un pubblico a registi internazionali e costruendo un catalogo di titoli originali davvero terrificanti: ecco allora alcuni dei film horror più spaventosi attualmente disponibili su Netflix Italia.

I film horror più spaventosi disponibili su Netflix

A Classic Horror Story (2021)

A Classic Horror Story

In A Classic Horror Story, cinque persone viaggiano in camper per raggiungere una destinazione comune. Scende la notte e per evitare la carcassa di un animale morto, si schiantano contro un albero. Quando si riprendono, si ritrovano in mezzo al nulla. La strada su cui stavano viaggiando è scomparsa e c’è solo una foresta fitta e impenetrabile e una casa di legno nel mezzo di una radura, che scoprono essere la sede di un culto agghiacciante.

Film horror italiano diretto da Roberto De Feo e Paolo Strippoli, A Classic Horror Story è stato salutato come un’autentica novità nel panorama cinematografico del nostro paese, trovando poi ottimo riscontro anche all’estero. Basti pensare che nel mese di luglio 2021 il The New York Times lo ha inserito tra i 5 migliori film horror da guardare in streaming.

Old People (2022)

Con una premessa forse opposta a Children of the Corn, Old People è un horror cruento del regista Andy Fetscher. Thriller tedesco, Old People è interpretato da Melika Foroutan, Stephan Luca e Anna Unterberger. Il film è ambientato in una piccola città durante un temporale e segue una giovane madre in visita con i figli per partecipare al matrimonio della sorella.

Approfittando delle condizioni meteorologiche avverse, i residenti di una comunità di pensionati locale fuggono dalla struttura e si lanciano in una violenta serie di omicidi. Condito da immagini raccapriccianti e da un bel po’ di cliché, Old People mescola i temi dell’invecchiamento, dell’amore e del disprezzo della società per l’umanità, il tutto mentre una famiglia innocente cerca di difendersi da anziani assassini.

Malevolent – Le voci del male (2018)

Florence Pugh (Il Gatto con gli stivali: l’ultimo desiderio) e Ben Lloyd-Hughes (Io prima di te) sono i protagonisti di Malevolent, una squadra di fratelli che si occupa di truffe con i fantasmi. Diretto da Olaf de Fleur Johannesson, Malevolent è stato scritto da Ben Ketai ed Eva Konstantopoulos, autori anche del romanzo da cui è tratto il film.

Non sorprende che la straordinaria interpretazione di Pugh, che interpreta una delle false medium, sia impeccabile e rappresenti un punto di forza di questo film terribilmente inquietante. Ideale per gli appassionati di case infestate, Malevolent è un film horror deliziosamente spaventoso e psicologicamente emozionante.

Hellhole (2022)

Diretto da Bartosz M. Kowalski, che ne ha curato la sceneggiatura insieme a Mirella Zaradkiewicz, Hellhole è un film terrificante che racconta gli avvenimenti inquietanti e oscuri di un monastero polacco alla fine degli anni Ottanta. La trama di Hellhole, interpretato da Wojciech Niemczyk, Piotr Zurawski e Olaf Lubaszenko, segue un’indagine sulle inspiegabili sparizioni dei residenti, che porta un giovane uomo a infiltrarsi nella remota comunità religiosa, con l’intenzione di fare chiarezza su queste strane circostanze.

Man mano che la trama di Hellhole si dipana, l’investigatore deve immergersi in profondità nei tormentati residenti che cercano asilo e cura da parte del clero, tagliato fuori dalla società e dal mondo esterno.

Sorella morte (2023)

Sorella morte

In Sorella morte, dopo un’infanzia segnata dal miracolo, Narcisa, giovane con poteri sovrannaturali, diventa una novizia e comincia a insegnare alle giovani di un ex convento infestato da un’inquietante presenza. Film di produzione spagnola diretto da Paco Plaza il film sfrutta il successo ottenuto di recente dalle suore demoniache al cinema per costruire un racconto che sfrutta la fede religiosa per raccontarne anche gli aspetti più orrorifici.

Il film nasce in realtà dallo sviluppo di un personaggio già apparso nel film del 2017 Veronica, anch’esso diretto da Paco Plaza. Si tratta appunto del personaggio della protagonista Narcisa, che nella precedente pellicola appariva da anziana con lo pseudonimo di Sorella Morte. Questo nuovo film, dunque, può essere visto come un prequel a lei dedicato.

Incantation (2022)

Il found footage è un caposaldo del genere horror, di cui si serve consapevolmente anche Incantation. Film horror che ha incassato di più a Taiwan nel 2022, Incantation è in realtà basato su un caso di isteria di massa nel paese, in cui una famiglia sosteneva di essere stata posseduta da varie divinità della religione popolare cinese, arrivando a causare la morte della figlia maggiore.

La versione romanzata della vicenda segue Li Ronan (Tsai Hsuan-yen) che, dopo aver infranto un tabù religioso, deve salvare la giovane figlia da un’antica maledizione mortale che ha accidentalmente scatenato. Creativo e ben recitato, Incantation presenta agghiaccianti jump scare soprannaturali.

The Privilege (2022)

The Privilege

In The Privilege, alcuni anni dopo la tragica scomparsa di sua sorella Anna, il diciottenne Finn è tormentato continuamente dagli incubi, nei quali gli appaiono terrificanti demoni. La sua famiglia ritiene che queste non siano altre che le conseguenze del trauma infantile che ha subito, e che tutto resti confinato soltanto nel suo subconscio. In realtà, quella che insegue Finn è una minaccia del tutto concreta.

Eventi terribili iniziano a verificarsi attorno a lui sempre più spesso, e non può più ritenere che questo sia soltanto frutto della propria fantasia. Insieme alla sua migliore amica Lena, Finn tenterà di svelare il segreto che si cela nel proprio passato, anche all’interno della propria famiglia, solo apparentemente estranea ai fatti. Diretto da Felix Fuchssteiner e Katharina Schöde, questo film di produzione tedesca è un vero e proprio gioiello di tensione e terrore crescente.

Il buco (2019)

Il buco recensioneIl buco è uno dei thriller distopici più inventivi – per non dire inquietanti – degli ultimi anni. Il film spagnolo è incentrato su un gruppo di persone che vivono in una torre di cemento, alcune come volontari, altre come punizione per un crimine. Qui le persone vengono nutrite attraverso una piattaforma che parte dalla cima dell’edificio: chi vive più vicini alla cima, riceve tutto il cibo che vuole, mentre chi risiede nei livelli più bassi riceve poco o niente.

Ogni mese, questi assurdi “residenti” vengono catapultati a un livello diverso della torre, in base al quale devono capire come gestire la quantità di cibo che gli arriva. La trama di questo film horror è ricca di tensione e raccapricciante, con interpretazioni eccellenti che la rendono una visione difficile ma estremamente avvincente; inoltre, il messaggio e le discussioni che solleva sono più attuali che mai.

The Perfection (2018)

The Perfection è un film ricco di colpi di scena, che vede protagonisti musicisti classici che lottano per perfezionare la loro arte ed essere considerati in assoluto imigliori. Diretto da Richard Shepard, il film è interpretato dalle attrici Allison Williams Molly Grace.

Charlotte è una violoncellista che è tornata in un prestigioso conservatorio di musica dopo essersene andata per assistere la madre morente. Mentre è lì, fa amicizia con una nuova ragazza. Quando però inizierà a temere che la nuova arrivata possa superarla e oscurarla, Charlotte mostrerà sempre più intenzioni davvero terrificanti, che mirano a fare uscire di scena questa rivale.

Apostolo (2018)

Apostolo è una storia a fuoco lento in stile Wicker Man con un atto finale esplosivo. Ambientato in una comunità isolata, l’horror folk del 2018 segue Thomas Richardson (Dan Stevenson) mentre si infiltra nella città alla ricerca della sorella rapita. Qui, satteggia a membro della comunità, osservando le loro peculiari tradizioni, i loro rituali e le loro difficoltà, nel tentativo di scoprire qualcosa sulla sorella scomparsa.

Quando alla fine il caos scoppia nella comune dell’isola, l’occhio del regista Gareth Evans (The Raid, The Raid 2) per l’azione crea alcune lotte ben coreografate e piene di tensione con conseguenze letali. Il risultato è un titolo che non mancherà di entusiasmare tutti gli appassionati di questo specifico sottogenere horror.

Cam (2018)

Per quanto riguarda i doppelganger e l’horror dell’era digitale, Cam è una produzione esemplare. La storia di una cam girl a cui sono stati rubati l’account e le sembianze è già abbastanza inquietante, ma il film riesce a rendere terrificante addirittura la sua quotidianità. Stigma, stalker e rischio di esposizione creano vulnerabilità e tensione per tutto il film. Madeline Brewer interpreta Alice, alias Lola, che scala le classifiche del suo sito web di camming con una sincerità e una passione tali da spingere lo spettatore a tifare per lei nella sua bizzarra ricerca.

Dopo aver guadagnato abbastanza attenzione, il suo account viene dirottato e l’aspetto del suo viso, del suo corpo, della sua casa e dei suoi accessori vengono misteriosamente replicati. Nonostante l’interessante inquadratura sul lavoro sessuale e sulla comunità delle webcam erotiche online, il commento principale di Cam riguarda l’identità e la presenza digitale.

Creep (2014)

Creep è un pittoresco film mockumentary che racconta di un videografo assunto per filmare il messaggio di un uomo morente al figlio non ancora nato. Aaron, interpretato dallo scrittore/regista Patrick Brice, inizia a sospettare che Josef (Mark Duplass) non sia un malato terminale, ma piuttosto un individuo altamente pericolo.

La performance di Mark Duplass nei panni di questo villain è inquietante e disturbante e la tendenza del film a privilegiare il terrore intimo rispetto ai grandi set è ciò che contribuisce a renderlo così particolare, proprio come il film horror in found footage The Blair Witch Project.

Don’t Listen (2020)

Questo inquietante film spagnolo su una casa infestata inizia con un ragazzo che confessa a un assistente sociale di sentire voci nella sua nuova casa: nessuna sequenza di trasloco, nessun brivido della prima notte passata nella nuova dimora. I sussurri notturni che percepisce attraverso il walkie-talkie lo spaventano e confondono, finché la sua famiglia non può più ignorare che qualcosa non va e le indagini sulla proprietà riveleranno una storia cupa che allude a ciò che tormenta tutti coloro che vi abitano.

Nonostante la sua intelligente sovversione del tipico incipit della casa infestata, il film procede con gli stessi ritmi che il pubblico che ha familiarità con il genere si aspetterebbe dall’inizio alla fine. È l’esecuzione che lo eleva a uno status superiore rispetto a film simili: l’applicazione coerente della palette cromatica, la simmetria delle inquadrature di apertura e chiusura e l’audacia nella caratterizzazione dei personaggi.

Eli (2019)

Eli è un eccellente film su una casa infestata che cerca di sovvertire la consueta formula di questi racconti nel terzo atto. Charlie Shotwell è Eli, il ragazzo protagonista che è allergico a quasi tutto: la sua famiglia lo porta infatti in un centro sterile di trattamento ospedaliero dove spera di curare le sue allergie. Tuttavia, il ragazzino sospetta che i trattamenti siano tutt’altro che utili quando le sue condizioni peggiorano progressivamente nel corso della sua permanenza nella struttura.

Incontri fantasma complicano la sua guarigione e lo isolano dalla sua famiglia, mentre cerca di capire cosa gli sta succedendo. L’atto finale di questo film horror, ricco di colpi di scena, farà sicuramente storcere il naso al pubblico più restio, ma gli effetti speciali, le immagini e la storia d’amore familiare al centro della narrazione si fondono in un finale emozionante, con un’intrigante impostazione per un possibile sequel.

Il gioco di Gerald (2017)

Il primo adattamento delle opere di Stephen King da parte di Mike Flanagan è il thriller sulla prigionia Il gioco di Gerald. Nella trama del film Carla Gugino (The Haunting of Hill House) si ritrova ammanettata a un letto dopo che suo marito Gerald (Bruce Greenwood) ha avuto un infarto durante alcuni giochi sessuali inaspettatamente perversi che lei non aveva mai pianificato o voluto. È il triste inizio di una serie di eventi stressanti per Jessie (Carla Gugino), che lotta per sopravvivere e per chiedere aiuto mentre si trova ammanettata al letto. Tormentata da scontri immaginari e ricordi repressi, mentre il tempo della prigionia scorre, si rende conto di essere l’unica persona che può salvarla.

Il gioco di Gerald è uno dei film più completi di questa lista, con interpretazioni toccanti, allucinazioni ed effetti speciali davvero terrificanti. Il dolore della tensione tra Jessie e Gerald, la vergogna del padre di Jessie, danno vita a sentimenti difficili da digerire per lo spettatore, gettato nell’ansia di guardare una donna indifesa che si contorce per la sua vita. È scomodo, sovversivo, intelligente e non c’è da stupirsi che Flanagan e Stephen King abbiano continuato il loro sodalizio per l’adattamento di altre opere dell’autore.

His House (2020)

His HouseHis House sarà sempre uno dei film più spaventosi di Netflix. La rappresentazione di una coppia di coniugi che cerca asilo in Inghilterra dopo essere fuggita dal Sudan, tormentata dalle maledizioni di una “strega della notte“, mentre tenta di adeguarsi alla vita nel nuovo Paese, è tanto terrificante quanto commovente. È una storia cupa che descrive la lotta per conformarsi, relazionarsi e crescere sulla scia di un trauma. Wunmi Mosaku (Lovecraft Country) e Sope Dirisu (Gangs of London) interpretano la coppia protagonista, dandole un’ossessionante attualità. I tormenti che sperimentano quando cala la notte e si spengono le luci sono agghiaccianti e visivamente unici, grazie anche a un’estetica creativa di colori, luci e apparizioni.

Le esperienze che subiscono per mano della burocrazia e del nazionalismo britannico accentuano il tono impotente e ostile del nuovo mondo in cui si sono rifugiati per sfuggire all’inferno che si sono lasciati alle spalle. Il montaggio e gli effetti speciali creano momenti sbalorditivi, sconvolgenti ed emotivamente devastanti che punteggiano i temi e la trama del film. Remi Weeks ha messo insieme queste componenti nel suo debutto nel lungometraggio per creare un film davvero unico e terrificante, diverso da tutte le altre proposte del catalogo Netflix.

May The Devil Take You (2018)

May The Devil Take You potrebbe essersi perso nell’affollato programma di uscite horror del 2018, con Hereditary, A Quiet Place, The House That Jack Built, Climax, Halloween, Suspiria e altri ancora a scuotere il grande schermo, ma per i non addetti ai lavori è arrivato il momento di fare conoscenza con il film horror indonesiano. Timo TjahJanto (The Night Comes for Us), insieme al frequente partner di lavoro Kimo Stamboel (The Queen of Black Magic, 2020), è stato il leader del cinema horror e d’azione indonesiano a grande budget per la maggior parte dell’ultimo decennio. May The Devil Take You è il suo primo film di paura scritto e diretto da solo dopo qualche anno.

Il film segue la storia di una famiglia spaccata, costretta a riavvicinarsi negli ultimi giorni della morte del padre estraneo e apparentemente pazzo. Quando arrivano per mettere a soqquadro la sua casa, si imbattono in un male che sembra un incrocio tra Evil Dead e The Queen Of Black Magic. A tratti è un po’ esagerato, ma il connubio tra effetti pratici e CGI, perfetti fino al limite del putrido, crea momenti talmente intensi da far accapponare la pelle.

Ravenous (2017)

Un film di zombie franco-canadese con una inedita rielaborazione dell’idea di questa creatura mostruisa, Ravenous (2017), da non confondere con Ravenous (1999), è un racconto di sopravvivenza fresco ma familiare che combina jump scare, umorismo e scenari horror a volontà. In questo film, gli zombie si ergono minacciosi e urlano come gli alieni de L’invasione degli ultracorpi (1978) quando inseguono le loro prede. Raccolgono i loro averi per assemblarli in monumenti – questo comportamento è forse un omaggio alla critica consumistica e insensata che lo zombie ha reso popolare con George A. Romero (La notte dei morti viventi) negli anni Sessanta.

La trama segue tre gruppi di zombie di varie dimensioni in fuga dalle città del nord del Quebec. È un sollievo godersi un intenso film di zombie che non parla della malvagità dell’uomo, ma della speranza e della volontà di fronte a una crisi estrema. Un film tenero e al contempo dal carattere fumettistico, punteggiato di umorismo casuale e cuore grazie alle interpretazioni di Marc-Andre Grondin, Charlotte St-Martin e soprattutto Martin Heroux. Anche i non appassionati di film sugli zombie potrebbero trovare Ravenous appetibile.

Il Rituale (2017)

Se c’è qualcosa che Il Rituale mette in evidenza è che il senso di impotenza può essere orribile quanto l’isolamento. Il film horror di Netflix del 2017 si apre con Luke (Rafe Spall) che non riesce a salvare il suo amico Robert (Paul Reid) durante un’aggressione letale in un negozio di liquori. Quando il film torna al presente, mette in mostra l’impotenza di Luke nel controllare le opinioni dei suoi amici su come avrebbe potuto intervenire per salvare Robert e, quando i quattro vanno a fare un’escursione in suo nome, viene evidenziata ancora una volta la loro impotenza nel riuscire a individuare un percorso tra i boschi.

Il film stabilisce presto la minaccia di qualcosa nel bosco, ma rispetta il fatto che l’ignoto è più terrificante dell’osservabile: strane iconografie e iscrizioni runiche terrorizzano il gruppo mentre le loro scorte e le loro forze vengono meno ogni giorno che passa. La presentazione creativa del regista David Bruckner (V/H/S, Southbound) di Luke che rivive il suo trauma, soprattutto nel finale del film, è un punto di forza di questo lungometraggio pseudo-creaturale.




Film per ragazzi: i migliori i titoli da vedere

Il cinema e i film per ragazzi hanno nel tempo donato al grande pubblico grandi capolavori che, con sfumature diverse, hanno saputo affrontare tematiche quotidiane nella vita di ogni ragazzo e ragazza. Dall’amicizia al rapporto con i genitori, dal desiderio alla paura di crescere, dai primi amori fino ai primi dolori che formano il carattere.

Questi film, spesso definiti anche coming of age sono sempre molto amati e ogni anno sono numerosi i film che si rivolgono a questa particolare tipologia di pubblico. Per non perdersi i migliori titoli da vedere a riguardo, ecco un utile elenco di film per ragazzi, adatti ad ogni occasione e sempre piacevoli da guardare per scoprire cose nuove di sé e del mondo.

Film per ragazzi: i migliori titoli da vedere

Film per ragazzi: i migliori titoli da vedere

Alcuni film per ragazzi sono nel tempo diventati veri e propri cult con un posto speciale nella storia del cinema. Queste opere riflettono su temi universali come l’amicizia, la crescita personale, il coraggio e il desiderio di avventura, elementi che continuano a parlare a generazioni di spettatori. I titoli che seguono sono imperdibili esempi di cinema adolescenziale, capaci di emozionare e ispirare ancora oggi.

  • I Goonies (1985) – Richard Donner. Un gruppo di ragazzi trova una mappa del tesoro appartenuta al pirata Willie l’Orbo e decide di partire all’avventura per salvare il proprio quartiere dalla demolizione. Diventato un’icona del cinema anni Ottanta, questo film è una vera ode all’amicizia e al coraggio, un racconto di formazione intramontabile.
  • Stand By Me (1986) – Rob Reiner. Estate 1959, Oregon. Quattro amici si mettono in cammino lungo i binari alla ricerca del corpo di un ragazzo scomparso. Quel viaggio cambierà per sempre la loro vita. Ispirato a un racconto di Stephen King, è uno dei più intensi film sull’amicizia giovanile, un classico capace di parlare con sincerità al cuore di ogni spettatore.
  • Breakfast Club (1985) – John Hughes. Cinque liceali molto diversi tra loro si ritrovano a scuola per una punizione. Durante quella lunga giornata imparano a conoscersi, a condividere paure e fragilità, scoprendo di non essere poi così lontani l’uno dall’altro. Hughes firma il manifesto del cinema adolescenziale americano, restituendo alla perfezione sogni, ansie e contraddizioni della Generazione X.
  • Jumanji (1995) – Joe Johnston. Due ragazzi scoprono un misterioso gioco da tavolo che libera nella realtà animali selvaggi e un uomo scomparso ventisei anni prima. Con un Robin Williams indimenticabile, Jumanji unisce avventura, comicità e fantasia pura, divenendo un caposaldo del cinema per famiglie e per ragazzi.
  • Scott Pilgrim vs. The World (2010) – Edgar Wright. Scott Pilgrim, chitarrista disoccupato, incontra la ragazza dei suoi sogni ma per conquistarla dovrà affrontare i suoi sette ex fidanzati “malvagi”. Energico, ironico e pieno di inventiva visiva, è un film generazionale che mescola fumetto, musica e videogame, diventando negli anni un punto di riferimento per il pubblico giovane.
  • E.T. – L’extraterrestre (1982) – Steven Spielberg. Il film simbolo dell’infanzia al cinema: amicizia, scoperta e malinconia. Unisce avventura e sentimento, perfetto per aprire l’elenco.

  • Ritorno al futuro (1985) – Robert Zemeckis. Nonostante l’impianto sci-fi, è una perfetta parabola sull’adolescenza e la relazione genitori-figli. In più, è un cult amatissimo anche dalle nuove generazioni.

  • Harry Potter e la pietra filosofale (2001) – Chris Columbus. Il punto di partenza di una saga che ha segnato un’epoca: magia, amicizia e crescita. Ottimo ponte tra cinema per ragazzi e fantasy moderno.

  • Billy Elliot (2000) – Stephen Daldry. Un ragazzo in un contesto difficile trova nella danza la sua forma di libertà. Tra i film più efficaci nel raccontare sogni e pregiudizi adolescenziali.

  • Il ragazzo selvaggio (1969) – François Truffaut Un classico del cinema d’autore che esplora la formazione e il linguaggio, utile per dare una nota più “cinefila” alla lista e ampliare l’orizzonte.

  • The Karate Kid – Per vincere domani (1984) – John G. Avildsen. Un altro cult assoluto: disciplina, amicizia e crescita personale, ancora oggi modello narrativo per il coming of age sportivo.

  • The Perks of Being a Wallflower (Noi siamo infinito) (2012) – Stephen Chbosky Rappresenta il “coming of age” moderno: solitudine, prime esperienze e trauma adolescenziale trattati con delicatezza e sincerità.

Film per ragazzi su Netflix: i titoli da non perdere

Film per ragazzi su Netflix

Negli ultimi anni Netflix è diventata una delle piattaforme più ricche di film per ragazzi, con storie che spaziano dal romanticismo all’avventura, fino ai racconti di formazione più toccanti. Dai classici moderni alle nuove produzioni originali, ecco una selezione dei titoli da vedere assolutamente per chi ama il cinema dedicato ai giovani.

  • Mowgli – Il figlio della giungla, di Andy Serkis (2018). Il cucciolo di uomo Mowgli viene allevato da un branco di lupi nelle giungle dell’India, sotto la tutela dell’orso Baloo e della pantera Bagheera. La temibile tigre Shere Khan, tuttavia, lo vede come una preda. Andy Serkis dirige un film più fedele al racconto di Kipling, avvalendosi di attori come Christian Bale, Benedict Cumberbatch e Cate Blanchett per i ruoli degli animali protagonisti, raffigurati attraverso la motion capture.
  • Work It (2020) – Laura Terruso. Una liceale brillante ma impacciata decide di formare una squadra di ballo per entrare all’università dei suoi sogni. Tra coreografie, amicizie e sfide, scopre sé stessa e il valore del lavoro di gruppo. Un film leggero ma ispirante, con protagonista la popstar Sabrina Carpenter.
  • The Kissing Booth (2018) – Vince Marcello. Elle e Noah, amici d’infanzia, si ritrovano complicati da un bacio inatteso durante una fiera scolastica. Romanticismo, ironia e primi amori fanno di questo titolo uno dei più popolari film per ragazzi su Netflix, seguito da due sequel di grande successo.
  • Tutte le volte che ho scritto ti amo (2018) – Susan Johnson. Lara Jean scrive lettere d’amore mai inviate, finché un giorno tutte vengono spedite per errore. Una commedia sentimentale delicata, che ha conquistato milioni di spettatori e dato vita a una trilogia amatissima. Perfetta per chi ama le storie d’amore adolescenziali.
  • Confessioni di una ragazza invisibile (2021) – Bruno Garotti. Tetê, brillante ma goffa, deve affrontare una nuova scuola e i pregiudizi dei compagni. Una commedia brasiliana fresca e ottimista, con un messaggio chiaro: essere se stessi è la vera forza. Ideale per preadolescenti.
  • To the Bone – Fino all’osso (2017) – Marti Noxon. Un racconto più maturo e intenso sul tema dei disturbi alimentari, interpretato da Lily Collins. Pur affrontando temi delicati, rimane un film di grande sensibilità e valore educativo, adatto a un pubblico più grande.
  • Enola Holmes (2020) – Harry Bradbeer. Millie Bobby Brown interpreta la sorella minore di Sherlock Holmes, in un’avventura intelligente e ironica che celebra l’indipendenza e la curiosità femminile. Uno dei titoli più amati del catalogo Netflix, seguito da Enola Holmes 2 e dal prossimo Enola Holmes 3.
  • La città incantata (2001) – Capolavoro vincitore dell’Oscar come miglior film d’animazione, segue la giovane Chihiro in un viaggio di crescita e identità in un mondo popolato da spiriti e dei.
  • Il castello errante di Howl (2004) – Una storia d’amore e magia dove una ragazza vittima di un incantesimo trova rifugio nel castello volante di un misterioso mago.

Film per ragazzi di 12 anni (scuola media)

A dodici anni, tra scuola media e prime scoperte personali, i film diventano un’occasione per crescere e riflettere. Questa età segna la fine dell’infanzia e l’inizio dell’adolescenza, un periodo in cui i ragazzi iniziano a interrogarsi su identità, amicizia, emozioni e coraggio. Il cinema per questa fascia d’età può essere un compagno prezioso: insegna a riconoscere le proprie paure, a credere in sé stessi e a guardare il mondo con curiosità. Ecco una selezione di film perfetti per i ragazzi di 12 anni, tra classici intramontabili e storie più recenti, adatti sia alla visione in famiglia che a scuola.

  • Inside Out (2015) – Pete Docter. Un viaggio nel mondo delle emozioni di una ragazza di 11 anni che affronta un grande cambiamento. Divertente, intelligente e profondamente educativo: un film ideale per capire l’importanza di accettare ogni emozione, anche la tristezza.
  • Paddington (2014) – Paul King. Un tenero orsetto proveniente dal Perù arriva a Londra e trova una nuova famiglia. Una commedia dolce e ironica, perfetta per parlare di accoglienza e diversità.
  • Wonder (2017) – Stephen Chbosky. Auggie, un bambino nato con una malformazione facciale, affronta per la prima volta la scuola media. Un film toccante sull’empatia e l’accettazione, che aiuta a riflettere sul valore della gentilezza.
  • Il bambino con il pigiama a righe (2008) – Mark Herman. Attraverso lo sguardo innocente di due bambini, il film affronta la tragedia dell’Olocausto con delicatezza e rispetto. Un titolo potente da proporre con guida adulta o in contesto scolastico.
  • Le cronache di Narnia: Il leone, la strega e l’armadio (2005) – Andrew Adamson. Un’avventura fantasy che unisce magia, amicizia e crescita personale. Perfetto per sognare mondi lontani e imparare il valore del coraggio e della lealtà.
  • Matilda 6 mitica (1996) – Danny DeVito. Basato sul romanzo di Roald Dahl, racconta la storia di una bambina geniale che trova la forza di reagire alle ingiustizie. Un film ironico e brillante, ideale per incoraggiare la fiducia in sé.
  • Il piccolo principe (2015) – Mark Osborne. Un adattamento animato delicato e poetico del capolavoro di Saint-Exupéry. Invita a coltivare la fantasia e a non dimenticare mai la parte più pura di sé.
  • Hugo Cabret (2011) – Martin Scorsese. Un ragazzo che vive nascosto in una stazione ferroviaria di Parigi scopre un mistero legato al cinema delle origini. Un inno alla curiosità e alla meraviglia, firmato da uno dei più grandi registi di sempre.

Film per ragazzi di 12 anni su Netflix

Oltre ai grandi classici e ai titoli da vedere in famiglia, Netflix offre numerosi film adatti ai ragazzi di 12 anni, perfetti per la scuola media: leggeri, divertenti, formativi e con messaggi positivi. Ecco una selezione mirata di film disponibili sulla piattaforma, ideale per una serata a casa o per attività scolastiche.

  • Matilda: The Musical (2022) – Un’esplosione di energia, colori e musica, tratta dal celebre romanzo di Roald Dahl. Un inno al coraggio, alla fantasia e alla forza delle idee, con canzoni che restano in mente.
  • Enola Holmes (2020) – Millie Bobby Brown interpreta la brillante sorella minore di Sherlock Holmes in un’avventura divertente, intelligente e ricca di umorismo. Un modello positivo di indipendenza e spirito critico.
  • Yes Day (2021) – Una famiglia decide di passare una giornata in cui i genitori devono dire sempre “sì”. Dinamico e spassoso, offre un ottimo spunto per riflettere su fiducia, regole e libertà.
  • Klaus (2019) – Splendido film d’animazione candidato all’Oscar, che racconta la nascita della leggenda di Babbo Natale. Un racconto dolce e poetico sull’amicizia e sulla gentilezza.
  • The Willoughbys (2020) – Una commedia animata brillante e ironica in cui quattro fratelli decidono di prendere in mano la propria vita. Creativo, coraggioso e perfetto per chi ama le storie fuori dagli schemi.
  • La città incantata (2001) / Il castello errante di Howl (2004) – se presenti in catalogo al momento della lettura Due capolavori dello Studio Ghibli, ideali anche per i 12 anni: poetici, immaginifici, ricchi di valori come crescita personale, responsabilità e rispetto per l’altro.

Film per ragazzi di 14 anni (scuole superiori)

A 14 anni inizia una nuova fase della vita: la scuola superiore, le prime relazioni, le scelte che definiscono chi si è e chi si vuole diventare. Il cinema, a questa età, diventa uno specchio potente per riflettere su libertà, amicizia, famiglia, amore e cambiamento. I film per ragazzi di 14 anni sanno raccontare tutto questo con sincerità, ironia e intensità – offrendo emozioni autentiche e qualche lezione preziosa. Ecco una selezione di titoli perfetti per adolescenti e prime classi delle superiori, da vedere in famiglia, con gli amici o a scuola.

  • The Perks of Being a Wallflower (Noi siamo infinito, 2012) – Stephen Chbosky. Un adolescente introverso trova amicizia e accettazione grazie a due compagni più grandi. Un racconto delicato sull’identità e la forza dell’empatia, con Logan Lerman, Emma Watson ed Ezra Miller.
  • Boyhood (2014) – Richard Linklater. Girato nell’arco di dodici anni con gli stessi attori, segue la crescita di un ragazzo dall’infanzia all’adolescenza. Un’esperienza unica sul tempo, la famiglia e il diventare adulti.
  • The Edge of Seventeen – 17 anni (e come uscirne vivi) (2016) – Kelly Fremon Craig. Nadine si sente invisibile finché non trova il coraggio di affrontare le proprie fragilità. Una delle migliori commedie di formazione contemporanee, con una splendida Hailee Steinfeld.
  • Lady Bird (2017) – Greta Gerwig. Christine, detta Lady Bird, sogna di scappare dalla sua città per inseguire la libertà. Un film sincero e intelligente sull’adolescenza, le madri e i sogni, premiato agli Oscar.
  • Chiamami col tuo nome (2017) – Luca Guadagnino. Un’estate italiana che segna il passaggio all’età adulta. Poetico, sensuale e malinconico, è uno dei film più acclamati sul tema del primo amore e della scoperta di sé.
  • The Half of It (2020) – Alice Wu. Una studentessa riservata aiuta un compagno a conquistare una ragazza, ma finisce per innamorarsene anche lei. Una commedia intelligente sull’amicizia e l’identità, tra romanticismo e inclusione.
  • Flipped (2010) – Rob Reiner. Una storia d’amore adolescenziale raccontata da due punti di vista. Tenero, realistico e pieno di nostalgia, mostra quanto i sentimenti possano cambiare crescendo.
  • Sing Street (2016) – John Carney. Nella Dublino degli anni ’80, un ragazzo forma una band per conquistare una ragazza. Un film pieno di musica e speranza, che insegna quanto la creatività possa diventare libertà.

Film per ragazzi di 16 anni (più maturi)

A sedici anni si comincia a guardare il mondo con occhi nuovi. I film che più colpiscono a quest’età non parlano solo di amicizia o scuola, ma anche di identità, amore, ribellione, libertà e paura di crescere. Le storie diventano più intense, le scelte più difficili, e il cinema diventa un compagno di viaggio che aiuta a interpretare le proprie emozioni e a scoprire chi si vuole essere. Ecco una selezione di film perfetti per ragazzi di 16 anni, capaci di emozionare, far riflettere e raccontare il passaggio verso l’età adulta.

  • Dead Poets Society – L’attimo fuggente (1989) – Peter Weir. Un insegnante anticonformista ispira i propri studenti a “cogliere l’attimo” e a pensare con la propria testa. Un film senza tempo sul potere delle idee, sulla libertà e sulla responsabilità verso sé stessi.
  • The Social Network (2010) – David Fincher. La nascita di Facebook e l’ascesa di Mark Zuckerberg diventano un racconto sul successo, l’ambizione e l’isolamento nell’era digitale. Un film che invita a riflettere sul rapporto tra tecnologia e identità.
  • Whiplash (2014) – Damien Chazelle. Un giovane batterista sogna la perfezione musicale, ma dovrà affrontare un insegnante spietato. Intenso, elettrizzante e perfetto per chi ama le sfide e le passioni totalizzanti.
  • The Spectacular Now (2013) – James Ponsoldt. Due adolescenti molto diversi si incontrano e imparano a conoscersi tra vulnerabilità e prime responsabilità. Un racconto realistico e tenero sulla scoperta dell’amore e delle proprie fragilità.
  • Submarine (2010) – Richard Ayoade. Oliver, un ragazzo ironico e insicuro, racconta con sarcasmo la sua prima storia d’amore e i suoi tentativi di “salvare” il matrimonio dei genitori. Un coming of age raffinato e divertente.
  • The Truman Show (1998) – Peter Weir. Truman vive una vita perfetta… fino a quando scopre che è il protagonista inconsapevole di un reality show. Una parabola potente sul libero arbitrio e sul bisogno di autenticità.
  • Into the Wild – Nelle terre selvagge (2007) – Sean Penn. Basato su una storia vera, segue il viaggio di un giovane che abbandona tutto per cercare sé stesso nella natura. Un film potente e introspettivo sull’indipendenza, la libertà e i limiti del sogno individuale.
  • The Way, Way Back (2013) – Nat Faxon, Jim Rash. Un adolescente timido trova fiducia in sé stesso durante un’estate in un parco acquatico. Una commedia dolce e malinconica che esplora la crescita, il distacco dai genitori e l’autenticità delle amicizie.
  • Eighth Grade (2018) – Bo Burnham. Kayla, 14 anni, affronta l’ultimo anno delle medie tra social, insicurezze e desiderio di accettazione. Realistico e toccante, è uno dei ritratti più sinceri dell’adolescenza digitale.

Film educativi per ragazzi

Il cinema può essere uno strumento formidabile per crescere, comprendere il mondo e sviluppare empatia. I film educativi per ragazzi, spesso utilizzati anche a scuola o nei progetti didattici, aiutano a riflettere su temi come il rispetto, la libertà, la diversità, la giustizia e la scoperta di sé. Si tratta di storie che non solo intrattengono, ma formano: ideali per cineforum, attività scolastiche o semplicemente per chi desidera guardare qualcosa di significativo. Ecco una selezione di film per ragazzi da vedere a scuola, perfetti per stimolare discussioni e confronti.

L’attimo fuggente (1989) – Peter Weir. Un professore anticonformista insegna ai propri studenti a pensare con la propria testa e a vivere con passione. Un film che parla di libertà, coraggio e ricerca di senso: un classico intramontabile per ogni percorso educativo.

Mona Lisa Smile (2003) – Mike Newell. Ambientato negli Stati Uniti degli anni ’50, racconta l’arrivo di una giovane insegnante che sfida i pregiudizi del suo tempo e incoraggia le sue studentesse a scegliere il proprio destino. Un inno all’indipendenza e alla parità di genere.

La classe (2008) – Laurent Cantet. Un anno nella vita di un insegnante e dei suoi studenti in una scuola multiculturale di Parigi. Realistico e intenso, è uno dei migliori film europei sulla scuola e sul valore del dialogo educativo.

Captain Fantastic (2016) – Matt Ross. Un padre cresce i figli lontano dalla società moderna, ma dovrà confrontarsi con il mondo reale. Un film che stimola riflessioni su educazione, libertà e modelli familiari alternativi.

La nostra strada (2020) – Pierfrancesco Li Donni. Un documentario italiano che segue quattro ragazzi nell’ultimo anno delle medie, tra sogni, paure e possibilità di riscatto. Un racconto autentico sulla scuola e sulla crescita.

Wonder (2017) – Stephen Chbosky. Un bambino con una malformazione facciale affronta il primo anno di scuola. Una storia toccante sull’accettazione, la gentilezza e il valore della diversità, perfetta per i più giovani.

Il diritto di contare (2016) – Theodore Melfi. Tre donne afroamericane lavorano alla NASA negli anni ’60, sfidando sessismo e razzismo. Un film educativo e motivante, ideale per parlare di parità, scienza e inclusione.

Billy Elliot (2000) – Stephen Daldry. Nella grigia Inghilterra industriale, un ragazzo sogna di diventare ballerino. Una storia di determinazione e libertà personale che incoraggia a credere nei propri talenti, nonostante i giudizi.

Film per ragazze

Il cinema per ragazzi non deve dimenticare che tra il grande pubblico ci sono anche numerose spettatrici, le quali attendono film che sappiano parlare a loro con grande sincerità e affrontando tematiche quotidiane nella vita di una ragazza. I titoli proposti qui di seguito, tutti particolarmente apprezzati, fanno proprio questo.

film per ragazze

Mean Girl, di Mark Waters (2004). Cady è cresciuta in Africa ed è sicura di potersela cavare in ogni situazione. A convincerla del contrario saranno le sue nuove sprezzanti, superficiali e vanitose compagne di liceo. Interpretato da Lindsay Lohan, Rachel McAdams e Amanda Seyfried, Mean Girls è un grande classico ancora oggi molto apprezzato.

Sixteen Candles – Un compleanno da ricordare, di John Hughes (1984). Un’adolescente, trascurata dai propri genitori, sogna un’avventura sentimentale con un uomo maturo, respingendo le attenzioni di un giovane timido e goffo. Le circostanze però, la spingono a cambiare opinione. Grande classico per ragazze (ma non solo), il film è ricco di elementi che lo rendono valido ancora oggi per le nuove generazioni di spettatrici.

Piccole donne, di Greta Gerwig (2019). Adattamento del classico di Louise May Alcott, che narra la storia di quattro sorelle durante la guerra civile americana. In viaggio con la madre, Amy, Jo, Beth e Meg scoprono l’amore e l’importanza dei legami familiari. Apprezzato da critica e pubblico, questo film è interpretato da grandi attrici come Saoirse Ronan, Emma Watson e Florence Pugh.

Juno, di Jason Reitman (2007). Un’adolescente incinta decide di dare il neonato in adozione, ma le cose si complicano dopo che la scelta cade su una coppia benestante. Interpretato da Elliot Page (all’epoca Ellen), il film è da subito divenuto un grande cult, tanto per la sua sceneggiatura brillante quanto per le interpretazioni e le tematiche trattate.

Ragazze a Beverly Hills, di Amy Heckerling (1996). Cher, la ragazza più popolare del liceo, cerca di far innamorare due insegnanti. Entusiasta del successo ottenuto, prova a fare lo stesso con due dei propri amici, ma i risultati non sono quelli sperati. Popolarissmo film per ragazze interpretato dall’attrice Alicia Silverstone, all’epoca vera e propria star generazionale.

Film di Halloween per ragazzi

Che siano ambientati nella notte più spaventosa dell’anno o semplicemente ispirati al mondo del soprannaturale, i film di Halloween per ragazzi sanno come divertire e far tremare allo stesso tempo. Ricchi di mistero, magia e fantasia, sono perfetti per una serata in famiglia o per un cineforum scolastico a tema. Ecco una selezione di titoli diventati veri e propri classici di Halloween, ideali per tutte le età.

  • La casa dei fantasmi, di Rob Minkoff (2004). Un agente immobiliare è contattato da un uomo che gli propone di vedere un misterioso maniero che si rivela non essere affatto un investimento facile. In questo, infatti, abitano una serie di pericolosi fantasmi, legati a quel luogo da un’antica maledizione. Protagonista di questo classico “horror” per ragazzi è l’iconico Eddie Murphy.
  • Piccoli brividi, di Rob Letterman (2015). Zach Cooper, un adolescente arrabbiato per il trasferimento da una grande ad una piccola città, scopre che il padre della sua nuova vicina di casa, Hannah, è R.L. Stine, l’autore della serie di bestseller Piccoli Brividi. L’uomo nasconde però un segreto: i personaggi da lui creati e che hanno reso celebri le sue storie prendono vita uscendo dai libri e lo rendono prigioniero della sua stessa immaginazione. Protagonista di questo film è il celebre Jack Black.
  • Casper, di Brad Silberling (1995). Nel Maine c’è un castello in cui è custodito un tesoro. Quando l’intrigante Carrigan lo acquista decide di sbarazzarsi delle ingombranti presenze. Contatta allora un cacciatore di fantasmi, il dottor Harvey. Il piccolo fantasma Casper, però, non è intenzionato ad andarsene. Iconico film per ragazzi con elementi soprannaturali, Casper è ricordato ovviamente per il simpatico fantasmino protagonista, dal look ormai iconico.
  • Hocus Pocus, di Kenny Ortega (1994). Tre streghe vissute nel XVII secolo tornano ai giorni nostri per fare fuoco e fiamme, in quel di Salem nel Massachusetts, nel momento in cui i loro inquieti spiriti vengono accidentalmente evocati nella notte di Halloween. Altro grande classico per ragazzi ambientato durante la notte di Halloween, Hocus Pocus ha emozionato intere generazioni di ragazzi spettatori.
  • La famiglia Addams, di Barry Sonnenfeld (1991). Lo zio Fester, da lungo tempo scomparso, fa ritorno a casa in circostanze sospette. La piccola Mercoledì si accorge subito che c’è qualcosa che non quadra. Adattamento live action della famiglia dell’orrore più celebre di sempre, il film è uno dei maggiori successi relativi all’ormai iconico franchise degli Addams.

Film romantici per ragazzi

I film romantici per ragazzi raccontano le prime emozioni, le insicurezze e le scoperte che accompagnano l’adolescenza. Attraverso storie di amori teneri o complicati, questi film esplorano il valore dei sentimenti, dell’amicizia e del rispetto reciproco, offrendo uno sguardo autentico sulle relazioni giovanili. Dai grandi classici ai successi più recenti, si tratta di pellicole che emozionano e fanno riflettere, perfette per chi cerca storie capaci di far battere il cuore e lasciare una lezione di vita.

  • Il tempo delle mele, di Claude Pinoteau (1980). Il film racconta il passaggio della tredicenne Vic dall’infanzia all’adolescenza, attraverso i rapporti con i coetanei e la famiglia ma ancor di più attraverso le prime cotte d’amore. Un classico senza tempo, uno dei film romantici per ragazzi più celebri di sempre e che tutti dovrebbero vedere almeno una volta.
  • Colpa delle stelle, di Josh Boone (2014). Hazel e Gus sono due amici molto particolari. I due adolescenti, entrambi anticonformisti e dallo spiccato spirito sarcastico, si conoscono durante le riunioni in un gruppo di sostegno per malati di cancro e si innamorano l’uno dell’altra. Interpretato da Ansel Elgort e Shailene Woodley, il film è uno dei più popolari di genere romantico per ragazzi degli ultimi anni.
  • 17 anni (e come uscirne vivi), di Kelly Fremon Craig (2017). La vita dell’adolescente Nadine diventa ancor più complicata quando scopre che Krista, la sua migliore amica, inizia a frequentare suo fratello maggiore. Si sente più sola che mai, fino a quando non incontra un ragazzo introverso e riflessivo. Questa divertente commedia è ricca di romanticismo e lezioni di vita, oltre a vantare una protagonista strepitosa come Hailee Steinfeld.
  • Let It Snow – Innamorarsi sotto la neve, di Luke Snellin (2019). Una tempesta di neve si abbatte su una piccola città alla vigilia di Natale. Amicizie distrutte, amori in fasce, una celebrità bloccata e una festa indimenticabile. La neve porta sorprese inattese. Con un cast di giovani e affermati attori, questo film corale presenta tanti spunti comici e situazioni d’amore particolarmente calorose.
  • Io prima di te, di Thea Sharrock (2016). L’eccentrica Louisa passa da un lavoro all’altro per aiutare la propria famiglia a sbarcare il lunario. Fin quando diventa la badante di Will Traynor, un giovane banchiere rimasto paralizzato a causa di un incidente subito due anni prima. Emilia Clarke recita in questa struggente storia d’amore che affronta tematiche importanti con un briciolo di leggerezza e sentimento.
  • Love, Simon (2018) – Greg Berlanti. Simon è un adolescente con un segreto: non ha ancora rivelato di essere gay. Tra prime cotte e paure, il film celebra la libertà di essere sé stessi con dolcezza e umorismo, diventando un punto di riferimento per la nuova generazione di teen movie inclusivi.

  • Your Name (2016) – Makoto Shinkai. Capolavoro dell’animazione giapponese, segue due adolescenti legati da un misterioso scambio di corpi e da un destino che trascende il tempo. Emozionante e visivamente straordinario, è una riflessione poetica sul legame tra anime affini.

Film per ragazzi recenti (ultimi anni)

  • Negli ultimi anni il cinema per ragazzi ha saputo rinnovarsi, proponendo storie più inclusive, divertenti e consapevoli. Dai film d’animazione che parlano di crescita e identità ai racconti d’avventura e amicizia disponibili sulle piattaforme streaming, queste opere sanno emozionare tanto i più giovani quanto gli adulti. Ecco una selezione di film per ragazzi recenti, perfetti da vedere in famiglia o a scuola, capaci di raccontare con sensibilità le sfide e i sogni della nuova generazione.
  • Turning Red (2022) – Domee Shi, Disney/Pixar. Ambientato a Toronto nei primi anni 2000, segue Mei Lee, una tredicenne divisa tra il desiderio di compiacere la madre e la voglia di indipendenza. Quando l’emozione prende il sopravvento, si trasforma in un gigantesco panda rosso. Un film ironico e profondo sul passaggio all’adolescenza.
  • La famiglia Mitchell contro le macchine (2021) – Michael Rianda, Netflix. Una famiglia disfunzionale in viaggio verso il college della figlia si ritrova a dover salvare il mondo da un’apocalisse di robot. Creativo, colorato e sorprendentemente toccante, è uno dei migliori film d’animazione degli ultimi anni, prodotto da Phil Lord e Chris Miller.
  • Enola Holmes 2 (2022) – Harry Bradbeer, Netflix. Millie Bobby Brown torna nei panni della brillante sorella minore di Sherlock Holmes. Tra misteri e rivendicazioni di indipendenza, Enola diventa un modello di intelligenza e determinazione per il pubblico giovane. Un film vivace e pieno di energia.
  • Do Revenge – Vendetta (2022) – Jennifer Kaytin Robinson, Netflix. Un teen-movie dal tono moderno e tagliente, in cui due ragazze decidono di scambiarsi le vendette contro chi le ha umiliate. Irresistibile mix di ironia, stile e critica sociale, perfetto per spettatori dai 14 anni in su.
  • Elemental (2023) – Peter Sohn, Pixar. In una città abitata da fuoco, acqua, aria e terra, due giovani provenienti da mondi opposti imparano a conoscersi. Un racconto poetico sulla diversità, sull’empatia e sull’accettazione, realizzato con l’inconfondibile tocco visivo degli studi Pixar.
  • Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023) – Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson Miles Morales torna in un sequel visivamente rivoluzionario e narrativamente maturo. Tra mondi alternativi e scelte difficili, il film celebra il coraggio di essere sé stessi e ridefinisce il linguaggio dell’animazione contemporanea.
  • Wonka (2023) – Paul King, Warner Bros.  Timothée Chalamet interpreta un giovane Willy Wonka agli inizi della sua carriera di cioccolatiere. Magia, musica e fantasia si fondono in una storia sull’immaginazione e sulla perseveranza, destinata a diventare un nuovo classico per ragazzi.
  • Il ragazzo e l’airone (2023) – Hayao Miyazaki, Studio Ghibli. Un viaggio onirico e spirituale che riflette sul lutto, sull’infanzia e sulla ricerca del proprio posto nel mondo. Poetico e complesso, è consigliato ai ragazzi più grandi per la profondità dei temi affrontati e la bellezza delle sue immagini.

Sarah Jessica Parker riceverà il Carol Burnett Award 2025

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Sarah Jessica Parker riceverà il Carol Burnett Award per il suo straordinario contributo all’industria televisiva, sia davanti che dietro la telecamera. La star di Sex and the City e And Just Like That… ritirerà il premio durante lo speciale inaugurale del Golden Eve in prima serata, giovedì 8 gennaio, tre sere prima della cerimonia principale dell’11 gennaio. La CBS trasmetterà lo speciale e Paramount+ lo trasmetterà in streaming.

“La carriera di Sarah Jessica Parker incarna lo spirito stesso del Carol Burnett Award”, ha dichiarato la presidente dei Golden Globes Helen Hoehne. “Il suo impatto pionieristico sulla televisione e la sua dedizione alla narrazione, sia a teatro che al cinema, hanno lasciato un segno indelebile nella cultura popolare”.

Vincitrice di sei Globe e due Emmy, Sarah Jessica Parker è nota soprattutto per la sua interpretazione della giornalista e fashionista di Manhattan Carrie Bradshaw nella commedia della HBO “Sex and the City” (1998-2004) e nel suo sequel “And Just Like That…“, che ha concluso le sue tre stagioni sulla rete via cavo premium ad agosto. La sua carriera ha preso il via con un ruolo da protagonista nella sitcom della CBS “Square Pegs” (1982-82) e nella serie drammatica e miniserie della NBC “A Year in the Life” (1986-88). Ha poi recitato nel dramma legale corale della ABC “Equal Justice” (1990-91).

Ha poi iniziato ad ottenere ruoli chiave sul grande schermo in film degli anni ’90 come “L.A. Story”, “Leaving Las Vegas”, “Hocus Pocus”, “Striking Distance”, “The First Wives Club”, “Extreme Measures”, “Ed Wood” e “Mars Attacks!”. Dopo la conclusione di Sex and the City, Parker è tornata al cinema, tra cui un paio di film di Sex and the City, prima di recitare nella commedia drammatica della HBO Divorce (2016-19). Ha poi girato la serie sequel di SATC And Just Like That…, che l’ha riunita con le co-protagoniste della serie precedente, Kristen Davis e Cynthia Nixon.

Nikki Glaser torna a presentare l’83a edizione dei Golden Globes domenica 11 gennaio al Beverly Hilton. La CBS trasmetterà lo show in diretta da Dick Clark Productions, con Paramount+ in streaming.

Father Mother Sister Brother: trailer del film di Jim Jarmusch arriva al cinema dal 18 dicembre

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Dopo aver conquistato il Leone d’Oro alla 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Father Mother Sister Brother di Jim Jarmusch arriva nelle sale italiane dal 18 dicembre, segnando la prima uscita mondiale del nuovo film del maestro del cinema indipendente americano.

Il film riunisce un cast d’eccezione che comprende Tom Waits, Adam Driver e Mayim Bialik nel segmento Father; Charlotte Rampling, Cate Blanchett e Vicky Krieps in Mother; Sarah Greene, Indya Moore, Luka Sabbat e Françoise Lebrun in Sister Brother.

Jarmusch descrive il film come una “sorta di anti-azione”, costruita con finezza e rigore per permettere “l’accumulo di piccoli dettagli – quasi come fiori sistemati con cura in tre composizioni delicate”. La sinergia con i direttori della fotografia Frederick Elmes e Yorick Le Saux, il montatore Afonso Gonçalves e altri collaboratori storici eleva il racconto in una forma di cinema puro e contemplativo.

Father Mother Sister Brother è concepito come un trittico, tre storie ambientate in luoghi diversi – il Nord-Est degli Stati Uniti, Dublino e Parigi – che esplorano i legami tra figli adulti e genitori distanti, tra fratelli e sorelle uniti da emozioni profonde ma taciute. Una serie di ritratti intimi e malinconici, attraversati da momenti di sottile ironia, che confermano la poetica essenziale e umanista di Jarmusch.

Lady Mariko di Shōgun era una persona realmente esistita?

Anna Sawai interpreta il ruolo di Lady Toda Mariko in Shōgun e, come molti dei personaggi della serie, anche il suo personaggio ha dei legami con una controparte reale. Il remake della miniserie Shōgun degli anni ’80, basato sul libro di James Clavell del 1975, la serie FX segue un periodo tumultuoso nel Giappone feudale e le forze opposte in lotta per il potere. Al centro del conflitto nel 1600 c’è un inglese di nome John Blackthorne, che si ritrova in Giappone prima di emergere come un punto di svolta per un daimyo specifico. Detto questo, anche Lady Mariko di Sawai gioca un ruolo cruciale nel plasmare il futuro del Giappone.

Sawai continua a vedere crescere la sua fama nel settore, con il suo ruolo in Shōgun che rappresenta l’ultimo progetto degno di nota. Nel 2023, l’attrice neozelandese ha avuto un altro ruolo da protagonista in Monarch: Legacy of Monsters, la serie di Apple TV+ all’interno del franchise Monsterverse. Prima di allora, Sawai ha recitato in un altro show di Apple TV+, Pachinko, che dovrebbe ancora avere una seconda stagione. Per quanto riguarda il cinema, Sawai è nota soprattutto per aver interpretato Elle in F9, la figlia dello scienziato che ha sviluppato il Progetto Ares. Detto questo, Shōgun si preannuncia come il titolo più importante di Sawai fino ad oggi, anche se sarà impossibile per il suo personaggio tornare nella seconda stagione di Shōgun, a meno che non sia in flashback.

La produzione della seconda stagione di Shōgun dovrebbe iniziare nel 2025.

Hosokawa Gracia è l’ispirazione nella vita reale per Lady Mariko di Shōgun

Shōgun è sempre stata la storia di Mariko

Hosokawa Gracia nacque nel clan Akechi nel 1563

Shōgun‘s cast presenta personaggi basati su persone reali, tra cui Lady Mariko di Anna Sawai, che si ispira a Hosokawa Gracia. In Shōgun, Toda Mariko è una fedele alleata del signore Toranaga, costretto a entrare in conflitto con i suoi rivali tra i colleghi reggenti. Apparentemente sposata per dovere piuttosto che per amore, Lady Mariko ha comunque un grande valore, soprattutto per quanto riguarda la sua istruzione. Oltre ad essere una cristiana devota, la formazione multilingue di Lady Mariko le permette di tradurre per John Blackthorne, al quale finisce per avvicinarsi.

Gracia, conosciuta anche come Hosokawa Garasha, nacque nel clan Akechi nel 1563, ma alla fine si convertì al cristianesimo e abbracciò il nome di battesimo. Sebbene non fosse coinvolta con William Adams, l’uomo che ha ispirato John Blackthorne in Shōgun, Gracia fu una figura di grande impatto durante il periodo Sengoku in Giappone. Dopo essere stata etichettata come figlia di un traditore, Gracia fu costretta a nascondersi, ma la sua vita fu messa ancora più in pericolo quando suo marito, Hosokawa Tadaoki, si unì all’esercito orientale durante la battaglia di Sekigahara nel 1600, che avrebbe cambiato il governo del Giappone fino al 1886.

Cosa accadde alla vera Lady Mariko

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Gracia ordinò al suo servitore di assisterla nel suicidio all’età di 38 anni

Grazie alla sua abilità con la spada e alla sua intelligenza, Lady Mariko continuerà a essere una figura fondamentale al fianco di Lord Toranaga per tutta la durata di Shōgun. Tuttavia, non è chiaro se la versione di Lady Mariko di Shōgun seguirà lo stesso destino della sua ispirazione storica, che fu piuttosto tragico. Quando Gracia si trovò nel mezzo dell’esercito orientale (fedeli a Tokugawa Ieyasu) e dell’esercito occidentale (fedeli a Ishida Mitsunari), Ishida Mitsunari le ordinò di fungere da ostaggio nel tentativo di portare i rivali dalla sua parte. Gracia invece ordinò al suo servitore di aiutarla a suicidarsi all’età di 38 anni.CorrelatiLa più grande differenza tra Shogun e la miniserie del 1980 confermata dalle nomination agli Emmy della serie FXShogun ha ricevuto ben 25 nomination agli Emmy 2024, seguendo le orme della celebre serie omonima del 1980.1Di Greg MacArthur21 luglio 2024

Sebbene ci fossero alcune notizie contrastanti sul fatto che qualcun altro avesse ordinato la morte di Gracia, gli effetti della sua morte erano evidenti. Il suo destino danneggiò i piani di Ishida Mitsunari, soprattutto con i potenziali alleati che erano anche convertiti al cristianesimo. Mitsunari finì per perdere la battaglia di Sekigahara, portando Ieyasu a creare lo shogunato Tokugawa, con il suo clan che governò il Giappone fino al 1868. Questi cambiamenti segnarono un periodo importante per il Giappone, poiché la regione conobbe un’immensa crescita economica. Considerando che il Signore Toranaga di Shōgun è basato su Tokugawa Ieyasu, sarà interessante vedere quali elementi della storia giapponese saranno rappresentati nella serie.

Cosa succede alla Lady Mariko di Anna Sawai nella prima stagione di Shogun

Shōgun

Lady Mariko vive uno dei momenti più memorabili della celebre prima stagione nell’episodio 9 “Crimson Sky”. Mariko arriva a Osaka, ma viene tenuta in ostaggio e cerca invano di liberarsi. Questo avviene dopo che Mariko si è ricongiunta con il figlio adolescente, il quale le dice che se lei cercherà di andarsene in modo disonorevole, lui la rinnegherà come madre. Nonostante ciò, Mariko fa ciò che deve per portare avanti l’elaborato piano di Lord Toranaga per lo shogunato. Mariko sta per commettere seppuku e viene aiutata da Blackthorne quando Ishido arriva e le dà l’autorità di lasciare Osaka.

Dopo tutto questo, Yabushige tradisce Blackthorne e Mariko facendo entrare di nascosto degli assassini in città. Si nascondono in un magazzino dove gli assassini piazzano un esplosivo per entrare. Invece di mettersi al riparo, Mariko si mette davanti alla porta e abbraccia la morte, il che crea una frattura tra Ishido e Ochiba-no-kata e costituisce un passo finale cruciale nel piano del signore Toranaga. Mariko è senza dubbio il miglior personaggio della prima stagione di Shōgun e si spera che venga incorporata attraverso dei flashback o che aggiunga potenzialmente un elemento spirituale nella seconda stagione.

Call My Agent – Italia – Stagione 3: interviste ai protagonisti

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Dal 14 novembre su Sky e NOW torna Call My Agent – Italia, con le nuove puntate della terza stagione. Tornano gli agenti Michele Di Mauro, Maurizio Lastrico e Sara Drago e i loro assistenti (e non solo) Sara Lazzaro, Francesco Russo, Paola Buratto e Kaze, alle prese con drammi personali e bizzarrie da star, con tantissime nuove guest.

Scritta da Federico Baccomo e diretta da Simone Spada, Call My Agent – Italia – Stagione 3 esce il 14 novembre con i primi due episodi e poi ogni venerdì su Sky Serie in prima serata con un doppio episodio, oltre a essere disponibile on demand su Sky e in streaming solo su NOW.

Call My Agent – Italia – Stagione 3: interviste ai protagonisti

Call My Agent – Italia – Stagione 3, cosa c’è da sapere

Riapre le sue porte venerdì 14 novembre la CMA, l’ormai amatissima agenzia di spettacolo al centro della serie Sky Original CALL MY AGENT – ITALIA. Adattamento del cult francese Dix pour cent sul dietro le quinte dello showbiz italiano, la terza stagione andrà in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW da domani coi primi due episodi.

Tra nuovi clienti, imprevisti e il consueto mix di sarcasmo, umanità e caos creativo, la squadra dell’agenzia – quindi gli agenti e i loro assistenti – è pronta a tornare sotto i riflettori per gestire, nei nuovi episodi, una fase delicata della carriera di tre guest star d’eccezione: Luca Argentero nel primo episodio, Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti nel secondo.

Ora che Elvira non c’è più, i nostri agenti sono alle prese con una missione: chi riuscirà a conquistare Luca Argentero – il suo pupillo, rimasto senza agente – infatti si assicurerà la direzione della CMA. Non sarà facile, soprattutto ora che Luca ha deciso di abbandonare la carriera per dedicarsi alla famiglia. Per Vittorio, Lea e Gabriele parte una sfida senza esclusione di colpi per la conquista del talent e della guida dell’agenzia.

Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti ricevono un’offerta impossibile da rifiutare: interpretare le protagoniste di una nuova serie musical, niente di meno che “Mamma Mia!” degli ABBA. Ma è già difficile essere mamma e figlia nella vita, ci manca pure farlo sul set. Una all’insaputa dell’altra, le due faranno di tutto per sabotare il progetto, ma Gabriele e Lea, i loro agenti, non sono disposti a lasciare andare un lavoro così importante.

Sempre prodotta da Sky Studios e da Palomar (a Mediawan Company), la terza stagione di CALL MY AGENT – ITALIA è diretta da Simone Spada (Hotel GagarinStudio BattagliaRocco Schiavone) e scritta da Federico Baccomo (Call My Agent – ItaliaImprovvisamente NataleStudio Battaglia), autore del soggetto di serie e dei soggetti di puntata, con Camilla Buizza (ep. 2 e 5) e Tommaso Renzoni (ep. 4).

Affiancati anche quest’anno da tanti sorprendenti camei – nel primo episodio Simon & The Stars e Cristina Marino, e nel secondo Matteo Giuggioli ed Elia Nuzzolo – tornano i protagonisti delle prime due stagioni: Michele Di Mauro, Sara Drago e Maurizio Lastrico ancora nei ruoli di Vittorio, Lea e Gabriele, talentuosi, instancabili e appassionati agenti di alcuni fra i più grandi protagonisti del mondo dello spettacolo italiano. E i loro assistenti: Monica (Sara Lazzaro), Pierpaolo (Francesco Russo) e Camilla (Paola Buratto). Nei nuovi episodi ritornano anche Kaze nel ruolo di Sofia, Emanuela Fanelli in quello di Luana Pericoli e Corrado Guzzanti. Nella terza stagione anche Nicolas Maupas nei panni di se stesso e Gianmarco Saurino in quelli dell’intermediario di UBA tra Italia e Stati Uniti.

Sullo sfondo di una Roma ritratta nelle sue location più esclusive e rappresentative del jet set, guest star dei prossimi episodi della nuova stagione Stefania Sandrelli, il cast di “Romanzo Criminale – La Serie” (Marco Bocci, Vinicio Marchioni, Francesco Montanari, Edoardo Pesce, Alessandro Roia, Daniela Virgilio), Miriam LeoneFicarra & Picone.

Shakira protagonista del video di ‘Zoo’, la nuova canzone di Zootropolis 2

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È disponibile il nuovo video musicale della canzone originale “Zoo”, interpretata da Shakira. Il brano è presente nella prossima avventura Walt Disney Animation Studios Zootropolis 2 ed è interpretato da Shakira, che torna a dare la voce alla più grande pop star di Zootropolis, Gazelle.

Nel video musicale, dove Shakira si presenta con diversi look ispirati a Gazelle e a Zootropolis 2, la sua esibizione si alterna ai numerosi personaggi del film, tra cui Gazelle, Judy Hopps, Nick Wilde, Gary De’Snake e Nibbles Maplestick.

Diretto da Hannah Lux Davis, il video è ambientato in diversi scenari del film, tra cui l’elegante Gala Zootenario che celebra il centenario delle barriere meteo della città, lo Zootropolis Express che si avvicina alla metropoli animale e una ripida montagna che Shakira scala insieme a Judy e Nick.

La musica e il testo di “Zoo” sono stati scritti da Ed Sheeran, Blake Slatkin e Shakira. Il brano è stato prodotto da Blake Slatkin, Alex (A.C.) Castillo, Shakira ed Ed Sheeran.

La colonna sonora strumentale di Zootropolis 2 è composta dal vincitore dell’Academy Award® Michael Giacchino e sarà lanciata come parte della colonna sonora completa venerdì 21 novembre, in anticipo rispetto all’uscita del film nelle sale italiane, prevista per mercoledì 26 novembre.

Nel nuovo film d’animazione Zootropolis 2, i poliziotti alle prime armi Judy Hopps (voce di Ilaria Latini) e Nick Wilde (voce di Alessandro Quarta) si trovano sulle tracce di un grande mistero quando Gary De’Snake (voce di Max Angioni) arriva a Zootropolis e mette sottosopra la città animale. Per risolvere il caso, i due, sotto copertura, sono costretti ad avventurarsi in nuove e inaspettate aree della città, dove la loro continua collaborazione viene messa alla prova come mai prima d’ora. Il film è diretto dal team vincitore dell’Oscar® composto dal Disney Animation chief creative officer Jared Bush e Byron Howard e prodotto da Yvett Merino.

Christy: Ruby Rose incolpa Sydney Sweeney per il flop del film

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Il film biografico sullo sport Christy, con Sydney Sweeney, sta avendo un percorso cinematografico tumultuoso sotto diversi aspetti. Il film, che segue gli esordi della carriera della pugile Christy Martin e descrive la sua relazione violenta con l’ex allenatore e marito, ha ricevuto recensioni da mediocri a buone. Dopo l’accoglienza mista ricevuta ai festival, Christy ha però debuttato con un incasso al botteghino scioccante, incassando solo 1,3 milioni di dollari nel suo primo weekend con un budget stimato tra i 30 e i 40 milioni di dollari.

Sweeney ha poi commentato Christy dopo il suo insuccesso al botteghino, definendo il film “il progetto più significativo della sua vita” per la sua rappresentazione della violenza domestica e affermando: “Non sempre facciamo arte per i numeri, la facciamo per l’impatto”. Indipendentemente dai suoi problemi come film, le persone sembrano concordare sul fatto che Christy racconti una storia importante. Tuttavia, una star che secondo quanto riferito era stata inizialmente scelta per il ruolo principale ha ora criticato apertamente Sweeney.

Si tratta dell’attrice Ruby Rose ha suggerito che la storia di Christy Martin meritava di meglio di Sweeney. Rose afferma in un commento su Threads: “La sceneggiatura originale di Christy Martin era incredibile. Capace di cambiare la vita. Ero stata scelta per interpretare Cherry. Tutti avevano esperienza con il materiale di base. La maggior parte di noi era effettivamente gay”.

Il personaggio a cui Rose si riferisce potrebbe essere Christy o Sherry, mentre la vera Christy Salters (che non usa più il cognome del suo ex marito) è ora sposata con una donna. Ma Rose continua suggerendo che le azioni e le affiliazioni politiche di Sweeney sono anti-LBGTQ+ e che il suo ruolo da protagonista in questo film è offensivo per le persone che dovrebbe rappresentare, affermando:

Il suo addetto alle pubbliche relazioni parla di flop e dice che Sweeney l’ha fatto per “il popolo”. Nessuno del “popolo” vuole vedere qualcuno che li odia, che si pavoneggia e finge di essere uno di noi. Sei una cretina e hai rovinato il film. Punto. Christy meritava di meglio”. Indubbiamente, Christy sta suscitando molte reazioni forti, il che è comprensibile dato il tema trattato e le circostanze in cui è uscito.

È interessante notare che i numeri continuano a dire che il film piace al pubblico che lo ha visto, e non possiamo sapere se avrebbe avuto più o meno successo se il ruolo principale fosse stato interpretato da qualcun altro invece che dalla Sweeney. In ogni caso, non resta che attendere di vedere a che risultati economici il film sarà riuscito ad arrivare al termine della sua corsa in sala. Al momento, non è ancora noto quando il film potrà essere visto anche in Italia.

LEGGI ANCHE: Sydney Sweeney e Katy O’Brian analizzano il finale inquietante di Christy: “Una delle mie scene preferite”

Avatar: Fuoco e Cenere, svelata la durata ufficiale del film!

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I due precedenti film di Avatar non sono stati proprio una passeggiata in termini di minutaggio, ma ora è stata rivelata la durata del terzo capitolo della saga di James Cameron, e Avatar: Fuoco e Cenere sarà il film più lungo della serie fino ad ora. Secondo un elenco ufficiale dell’AMC, il terzo film della saga avrà infatti una durata di 3 ore e 15 minuti. Avatar del 2009 durava 2 ore e 42 minuti, mentre Avatar: La via dell’acqua del 2022 durava 3 ore e 12 minuti.

C’è però da tenere presente che queste durate sono comprensive di titoli di coda, per cui similmente al secondo capitolo, anche Avatar: Fuoco e Cenere durerà – esclusi i titoli – all’incirca tre ore piene. Sebbene questi film abbiano sicuramente i loro detrattori, i primi due hanno riscosso un enorme successo al botteghino e ci si aspetta che anche il terzo capitolo segua le loro orme questo dicembre, soprattutto ora che è stato confermato che il primo trailer di Avengers: Doomsday sarà proiettato prima del film.

Avatar: Fuoco e Cenere è il prossimo capitolo della saga di James Cameron

Con Avatar: Fuoco e Cenere, James Cameron riporta il pubblico su Pandora in una nuova avventura coinvolgente con Jake Sully (Sam Worthington), marine diventato leader dei Na’vi, la guerriera Na’vi Neytiri (Zoe Saldaña) e la famiglia Sully. Il film, con sceneggiatura di Cameron, Rick Jaffa e Amanda Silver e soggetto di Cameron, Jaffa, Silver, Josh Friedman e Shane Salerno, vede anche la partecipazione di Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Britain Dalton, Trinity Bliss, Jack Champion, Bailey Bass e Kate Winslet.

Si dice che il film rappresenterà un’evoluzione importante della storia avviata con Avatar (2009) e proseguita con Avatar – La via dell’acqua (2022), espandendo ulteriormente l’universo narrativo di Pandora e introducendo nuove aree geografiche e culture Na’vi, con toni più cupi rispetto ai precedenti capitoli. Cameron ha dichiarato inoltre che questo terzo episodio segnerà un punto di svolta tematico per l’intera saga. Uno degli aspetti più attesi riguarda l’introduzione del Popolo della Cenere, una tribù Na’vi legata all’elemento del fuoco.

A differenza delle popolazioni Na’vi viste finora, questi sono caratterizzati da una visione più aggressiva e conflittuale del mondo, portando per la prima volta un punto di vista Na’vi antagonistico. Questo consentirà alla saga di esplorare dinamiche interne al mondo indigeno di Pandora, complicando la tradizionale dicotomia tra Na’vi pacifici e umani colonizzatori. Leader di questo popolo è la temuta Varang, interpretata da Oona Chaplin e di cui negli scorsi giorni era state diffuse alcune immagini ufficiali.

Cameron ha anche anticipato che Avatar: Fuoco e Cenere conterrà un importante sviluppo narrativo che ricollegherà alcuni eventi ai futuri capitoli già in lavorazione. La tecnologia continuerà a giocare un ruolo centrale: Cameron ha promesso nuove innovazioni visive, in particolare nella resa degli ambienti vulcanici e nelle sequenze incentrate sul fuoco. Questo terzo film si preannuncia dunque come un capitolo chiave per l’espansione tematica, politica e visiva dell’universo di Avatar.

Avatar: Fuoco e Cenere sarà al cinema il 17 dicembre 2025.

Colin Farrell protagonista di Ordained, prodotto dai fratelli Russo

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Joe e Anthony Russo e Colin Farrell, interprete di The Penguin, stanno collaborando alla realizzazione di un film basato su un fumetto di prossima uscita. I fratelli Russo sono noti soprattutto per aver diretto diversi film del Marvel Cinematic Universe, tra cui Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Secondo The Hollywood Reporter, Farrell reciterà in un adattamento del fumetto di prossima uscita Ordained, con i fratelli Russo come produttori attraverso la loro società di produzione, AGBO. Derek Kolstad, che ha scritto la sceneggiatura di John Wick, è stato precedentemente ingaggiato per lavorare alla sceneggiatura anche di questo nuovo progetto. Il film sarà prodotto anche da Farrell, da sua sorella Claudine Farrell, da Kolstad, Dinesh Shamdasani, Benjamin Simpson, Angela Russo-Otstot e Michael Disco.

Farrell interpreterà il ruolo principale di un prete di nome Padre Roy Craig, che scopre i crimini di un boss mafioso mentre gli impartisce l’estrema unzione. Quando il boss mafioso non muore, ne derivano grossi problemi poiché il prete ora è a conoscenza delle sue attività criminali. Vengono assoldati sicari e gangster per eliminare Padre Roy, che ribalta la situazione quando il suo passato lo aiuta (e continua a danneggiarlo) in un momento molto pericoloso della sua vita.

Sebbene non ci sia ancora uno studio legato al progetto, diverse case di produzione cinematografica e servizi di streaming hanno espresso interesse a distribuire Ordained. Robert Venditti ha scritto il fumetto Ordained, che uscirà il 10 dicembre con illustrazioni di Trevor Hairsine e Dave Stewart come colorista.

I fratelli Russo hanno una lunga storia di adattamenti di fumetti acclamati dalla critica per la Marvel Studios, con tutti i loro film MCU che hanno ottenuto punteggi su Rotten Tomatoes compresi tra l’85% e il 94%. Stanno tornando alla Marvel come registi dei prossimi Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars.

All’inizio di quest’anno hanno adattato il romanzo illustrato The Electric State, con Millie Bobby Brown e Chris Pratt, ma è stato ampiamente stroncato dalla critica. Tre anni fa, i fratelli hanno prodotto Everything Everywhere All at Once, che ha vinto l’Oscar come miglior film, miglior regista, miglior attrice, miglior attore non protagonista, miglior attrice non protagonista, miglior sceneggiatura originale e miglior montaggio.

Anche Farrell ha una storia con gli adattamenti dei fumetti, avendo interpretato Oswald “Oz” Cobb (alias Il Pinguino) in The Batman di Matt Reeves al fianco di Robert Pattinson. Il suo personaggio ha avuto uno spin-off HBO dedicato, intitolato The Penguin, che è valso all’attore una statuetta ai Golden Globe e una nomination agli Emmy. Il Pinguino di Farrell tornerà sul grande schermo nel cast di The Batman – Parte II, che uscirà nelle sale il 1° ottobre 2027.

Ora i mondi Marvel e DC stanno entrando in collisione con la notizia che i fratelli Russo e Farrell stanno lavorando a un adattamento cinematografico di Ordained. Lo sviluppo del progetto è ancora nelle fasi iniziali, quindi la data di uscita non è ancora nota. Sulla base della descrizione del fumetto, però, sembra che i fan del duo di registi e dell’attore che interpreta il Pinguino avranno una bella sorpresa quando il thriller d’azione arriverà nelle sale o su un servizio di streaming.

Death Stranding diventerà anche una serie tv targata Disney+

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Death Stranding, una delle serie di videogiochi più controverse degli ultimi anni, sarà adattata in una serie Disney+. Il primo gioco e il suo sequel sono stati creati dal prolifico sviluppatore di videogiochi Hideo Kojima e dalla Kojima Productions.

All’evento Disney’s Asia Pacific Originals Content Showcase tenutosi a Hong Kong, Kojima ha sorpreso il pubblico con la sua apparizione e ha annunciato che sta lavorando a una serie animata di Death Stranding che arriverà su Disney+ nel 2027. Il titolo provvisorio dello show è Death Stranding Isolations. Di seguito trovate l’annuncio di Kojima Productions e la sinossi della serie fornita da Disney+:

Una volta ci fu un’esplosione…

Le anime solitarie dei morti si manifestano nel mondo fisico, alla ricerca dei vivi. Tuttavia, la connessione che creano innesca una massiccia esplosione che spazza via tutto ciò che esiste in questo mondo, un fenomeno noto come Death Stranding. Questi eventi distruggono le nazioni e la civiltà stessa. Le persone rimaste sono ora isolate, ritirate e senza connessioni. Mentre l’umanità è sull’orlo del baratro, un leggendario facchino si mette in viaggio per trasportare sia merci che desideri dei mittenti, ricollegando le persone nella speranza che possano ancora essere salvate.

Basata sul videogioco nato dalla mente del leggendario creatore di giochi Hideo Kojima, arriva una nuova serie animata guidata dallo studio di animazione giapponese emergente E&H production. Diretta da Takayuki Sano di E&H, segue le orme dell’originale nello spirito e nelle idee e descrive il mondo di Death Stranding con un tocco audace ma sottile e un’animazione disegnata a mano di altissimo livello.

Da qualche parte nel Nord America, proprio mentre Sam Bridges attraversa il continente per salvare l’America, anche gli altri stanno cercando di affrontare il loro isolamento a modo loro. Un vecchio che cerca di realizzare la salvezza attraverso modi diversi dalla connessione sostenuta da Bridges. Una guerriera che cerca di dare il via a un mondo di lotte costanti. Un ragazzo che nutre rancore verso Bridges. Una ragazza che abbraccia la solitudine.

Sull’orlo della fine dell’umanità e del mondo, i loro destini e le loro speranze convergono, mentre inizia un’altra storia di Death Stranding. E ora, arriva un’altra esplosione…

Kojima sarà il produttore esecutivo della serie ed è stato affiancato sul palco da Takayuki Sano, il regista dello show. Ilya Kuvshinov, che è stato il character designer di Ghost in the Shell: SAC_2045, ha anche svelato i concept art dello show durante la presentazione. La giapponese E&H Productions sta lavorando al progetto, che utilizzerà uno stile di animazione 2D disegnato a mano.

La serie in arrivo non è l’unico adattamento del franchise in lavorazione. È in fase di sviluppo anche un film live-action Death Stranding. È prodotto da Kojima Productions e A24 e la regia è stata affidata a Michael Sarnoski.

Il cast dei giochi Death Stranding è guidato da Norman Reedus, famoso per aver interpretato Daryl Dixon nella serie The Walking Dead. Il personaggio di Reedus è il protagonista, Sam Porter Bridges, che trasporta merci di valore in una versione post-apocalittica degli Stati Uniti. Possiede alcuni poteri significativi ed è perseguitato da nemici pericolosi.

Oltre a Reedus, il cast dei giochi include anche Mads Mikkelsen, Léa Seydoux, Margaret Qualley, Troy Baker, Lindsay Wagner e Tommie Earl Jenkins. C’è anche un personaggio che assomiglia al regista Guillermo del Toro.

Dopo l’uscita del primo gioco nel 2019, Death Stranding ha diviso l’opinione pubblica, soprattutto a causa del suo gameplay, della narrazione non lineare e di una trama e di una storia complessiva che molti giocatori hanno ritenuto contorte.

Nonostante le reazioni contrastanti, l’originale Death Stranding è diventato un successo commerciale e ha ricevuto molte recensioni positive dalla critica. Il 26 giugno 2025 è stato pubblicato il sequel Death Stranding 2: On the Beach. Nella recensione di Gamesplus.it su Death Stranding 2, Dino Cioce ha riconosciuto che i giochi sono controversi, ma ha affermato che il sequel ha “una narrazione più forte e sentita” rispetto al suo predecessore.

Come serie Disney+, Death Stranding ha ora il potenziale per raggiungere un pubblico ancora più ampio, poiché diventa l’ultimo videogioco ad essere adattato in una serie televisiva. Una differenza significativa rispetto ad un adattamento di un videogioco come The Last of Us, tuttavia, è che la serie presenterà una nuova storia, anche se la sinossi conferma i collegamenti con Bridges e l’universo già consolidato.

Monarch: Legacy Of Monsters 2, Kurt Russell conferma il suo destino nel Monsterverse

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Kurt Russell conferma che tornerà nella seconda stagione di Monarch: Legacy of Monsters. Russell interpreta una versione più anziana dell’ufficiale dell’esercito Lee Shaw, mentre il figlio dell’attore nella vita reale, Wyatt Russell, interpreta una versione più giovane del personaggio. La prima stagione è stata generalmente ben accolta, ottenendo un punteggio critico dell’87% e un punteggio del pubblico del 77% su Rotten Tomatoes.

Monarch: Legacy of Monsters stagione 1 si è conclusa con il vecchio Shaw che si sacrifica rimanendo indietro per riparare un malfunzionamento in un portale. Tuttavia, cade dalla nave e finisce nella Terra Cava, lasciando il suo destino e la possibilità di un ritorno di Russell incerti per la prossima stagione.

Ora, Apple TV ha pubblicato un video dietro le quinte delle riprese della seconda stagione, che include Russell che sorride e dichiara: “Non ti libererai di me così facilmente”. Il titolo del video recita “La missione non è finita. Domani tutto cambierà” e il filmato si conclude con un ruggito mostruoso. Guarda il video qui sotto:

Il filmato non è recente, poiché a marzo è stato annunciato che le riprese della seconda stagione di Monarch: Legacy of Monsters erano terminate. Tra la conclusione della produzione, la conferma del ritorno di Russell e il titolo di Apple TV “Domani tutto cambierà”, è probabile che ci siano altre novità in arrivo, tra cui la data di uscita o un trailer.

Come la prima stagione, anche la prossima sarà composta da 10 episodi. Oltre a Russell, Anna Sawai, Kiersey Clemons, Ren Watabe, Mari Yamamoto, Joe Tippett e Anders Holm sono tra gli altri membri del cast di Monarch: Legacy of Monsters che hanno confermato il loro ritorno per la seconda stagione.

La serie fa parte del Monsterverse ed esplora l’organizzazione Monarch, che monitora titani come Godzilla e Kong. Si svolge in due periodi di tempo diversi, motivo per cui la storia presenta una versione più giovane e una più anziana di Shaw, poiché è profondamente legato a Monarch. John Goodman, che ha interpretato Bill Randa in Kong: Skull Island (2017) del Monsterverse, ha ripreso il ruolo nella prima stagione di Monarch, mentre Holm interpreta la versione più giovane del personaggio.

Insieme alla seconda stagione di Monarch, la lista dei prossimi progetti del Monsterverse include il film Godzilla x Kong: Supernova. L’uscita nelle sale è prevista per il 26 marzo 2027 e la regia è di Grant Sputore. Il cast include Kaitlyn Dever, Dan Stevens, Jack O’Connell, Delroy Lindo, Matthew Modine, Sam Neill e Alycia Debnam-Carey.

Monarch: Legacy of Monsters non solo amplia ulteriormente il Monsterverse, ma è anche un’espansione del numero crescente di popolari serie di fantascienza di Apple TV. La piattaforma di streaming ospita anche Severance, Silo, Foundation, For All Mankind, Dark Matter, Murderbot e, più recentemente, Pluribus di Vince Gilligan.

Masters of the Universe: prime reazioni positive dai test screening del film

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Mentre i fan di Masters of the Universe attendono con ansia di vedere le prime immagini del film live-action in uscita (si dice che il primo trailer sarà pubblicato molto presto), giungono notizie che nella serata di ieri si sono tenute delle proiezioni di prova. Da quanto riportato, tuttavia, si è trattato di una versione non ancora definitiva del film, con alcuni effetti speciali incompleti.

I fortunati che hanno partecipare sono stati invitati a non divulgare nulla, anche se questo non sempre impedisce alle persone di diffondere dettagli. È infatti già stata offerta una reazione molto positiva dal John Campea Show. “Ho parlato con qualcuno che ha visto He-Man. Che l’ha visto nelle sue fasi iniziali e ha detto ‘È fantastico’. E non si tratta di qualcuno che ha qualche interesse personale. Non si tratta di qualcuno che ha qualcosa da guadagnarci”.

Ha detto che è fantastico. Ha detto di essere rimasto totalmente scioccato. Completamente sorpreso. Ma ha detto che è fantastico”. Ovviamente si tratta solo dell’opinione di una persona, per cui non resta che attendere di poter avere dei primi pareri ufficiali a seguito dei test screening. Il primo teaser dovrebbe in ogni caso uscire il mese prossimo e recentemente è circolata online una descrizione.

Cosa aspettarsi dal trailer di Masters of the Universe

A quanto pare, il teaser darà un primo assaggio di diversi personaggi chiave di Masters of the Universe, e sembra che l’attore di motion capture a cui abbiamo visto reagire Nicholas Galitzine (Adam) e Camila Mendes (Teela) in quelle foto dal set interpretasse Cringer, non Beast Man. Secondo quanto riferito, il filmato si conclude con il principe Adam che alza la sua spada del potere e pronuncia la frase iconica che gli permette di trasformarsi in He-Man.

Era una prima versione del trailer, con diverse riprese che mostravano ancora lo schermo verde e un po’ difficili da vedere a causa dei watermark di sicurezza, ma nel complesso era buono. Era circa al 75% del lavoro in corso. Il montaggio era piuttosto grezzo, quindi non era affatto rifinito. Ma i personaggi che ho visto mi sono sembrati tutti buoni. Il trailer si apre con il principe Adam che parla con un amico sulla Terra e sono confusi perché Cringer è lì e discutono della tigre verde”.

“Da lì si passa al principe Adam che torna nel suo mondo natale e scopre la sua discendenza da quella che credo sia la maga, ma era un po’ difficile da vedere a causa delle filigrane. Dopo di che salta un po’ da una scena all’altra e si vede il principe Adam parlare con alcune persone di Eternia. C’è stato un breve scorcio di Skeletor e di quella che credo fosse Evil-Lyn. Il trailer mostra il principe Adam che alza la spada e grida “I HAVE THE POWER” (Ho il potere) e si vede la trasformazione”.

“Ci sono alcune scene veloci in cui combatte come He-Man, poi finisce“, riporta la descrizione ad oggi fornita. Si afferma anche che Skeletor (Jared Leto) assomiglia al suo omologo della serie animata e che il film sembra essere una “solida storia delle origini” dell’eroe muscoloso. Non resta a questo punto che attendere di poterne sapere di più e magari vedere questo primo trailer.

Il live action di Masters of the Universe

La versione live-action della classica serie animata vedrà protagonista Nicholas Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della Strega, e di James Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community) nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.

Masters of the Universe arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.

Shōgun – Stagione 2: rivelato il ritorno delle star, i nuovi membri del cast e la data ufficiale di produzione

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La serie d’azione e avventura della FX Shōgun ha ufficialmente confermato la data di produzione della seconda stagione, nonché i membri del cast che torneranno e quelli nuovi.

Le riprese della Shōgun – stagione 2 inizieranno a gennaio 2026 a Vancouver. Hiroyuki Sanada e Cosmo Jarvis riprenderanno i loro ruoli di Lord Yoshii Toranaga e John Blackthorne. Anche diversi attori della prima stagione si uniranno a loro nella prossima stagione, tra cui: Fumi Nikaidô (Ochiba), Shinnosuke Abe (Buntaro), Hiroto Kanai (Omi), Yoriko Dôguchi (Kiri), Tommy Bastow (Alvito), Yuko Miyamoto (Gin), Eita Okuno (Saeki) e Yuka Kouri (Kiku).

Ci saranno anche alcuni volti nuovi nella serie. Il nuovo cast è composto da Asami Kizukawa (Aya), Masataka Kubota (Hyūga), Sho Kaneta (Hidenobu), Takaaki Enoki (Lord Ito) e Jun Kunimura (Gōda).

Shōgun è basato sull’omonimo romanzo del 1975 scritto da James Clavell. La serie è un dramma storico che segue le storie di due uomini provenienti da contesti drasticamente diversi. Blackthorne è un marinaio inglese che naufraga con la sua nave in Giappone, ritrovandosi bloccato in un paese di cui non sa nulla. Toranaga è un daimyo​​​​​​​ sempre in conflitto con i suoi oppositori politici. E le cose si complicano notevolmente per entrambi quando si incontrano.

La prima stagione della serie vedeva anche la partecipazione di Lady Toda Mariko​​​​​​​ (Anna Sawai). Lei è la traduttrice e fidata consigliera di Lord Toranaga. È stata anche un’alleata fondamentale per Blackthorne, aiutandolo a colmare il divario tra lui e il popolo giapponese. Mariko, purtroppo, non sarà presente nella prossima stagione perché ha subito un tragico destino. Il personaggio si è sacrificato onorevolmente per aiutare Toranaga.

La seconda stagione di Shōgun sarà ambientata 10 anni dopo il finale della prima. Continuerà a seguire le vite e le avventure dei suoi due protagonisti.

La serie di successo della FX era stata originariamente concepita come miniserie. Tuttavia, dopo il suo enorme successo e le recensioni estremamente positive, è stata rinnovata per altre due stagioni. Shōgun è stata anche la prima serie giapponese a vincere un Primetime Emmy. Ha vinto il premio come Miglior Serie Drammatica alla 76ª edizione degli Emmy Awards nel 2024.

Al momento della pubblicazione di questo articolo non è ancora stata resa nota la data ufficiale di uscita della seconda stagione di Shōgun. Tuttavia, si ipotizza che la prima puntata andrà in onda nel 2027.

Avengers: Doomsday, Elizabeth Olsen dà una risposta definitiva ai rumor sul suo ritorno

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A circa un anno dall’uscita nelle sale di Avengers: Doomsday, ci sono ancora molte domande su quali altri personaggi dell’universo cinematografico Marvel potrebbero tornare per questo capitolo della serie. La timeline dell’MCU ha visto il ritorno di una versione alternativa di Scarlet Witch nella serie animata Marvel Zombies quest’anno, ma molti spettatori sperano ancora di rivederla in un film live-action.

In un’intervista con The Playlist, Elizabeth Olsen ha ricordato una volta di più il suo periodo nei panni di Wanda Maximoff, rispondendo anche alla domanda se ci sia ancora un futuro per lei nel franchise MCU. L’attrice ha dichiarato: “Sono davvero orgogliosa di ciò che siamo riusciti a realizzare. Davvero orgogliosa”, ma per quanto riguarda la possibilità di interpretare nuovamente Scarlet Witch, ha detto: “Non ho una risposta a questa domanda”.

Il sito ha poi continuato dicendo che il pubblico potrebbe immaginarla nel cast di Avengers: Doomsday. Tuttavia, Olsen ha sottolineato: “Beh, io non ci riesco. Onestamente, aspetto. Vorrei vederla tornare in questo ruolo perché penso che quello che hanno fatto con lei sia davvero fantastico e adoro il percorso che ha intrapreso”.

L’ex attrice dell’MCU ha concluso la sua risposta aggiungendo: “Penso che sia sempre divertente tornare indietro, ma non ho idea di come o quando, questo è certo”. Anche se la produzione di Avengers: Doomsday si è conclusa a metà settembre 2025, la porta non è ancora del tutto chiusa per un potenziale ritorno di Scarlet Witch nel film del 2026.

Dopo l’aggiornamento sulle riprese di Avengers: Secret Wars, sembra che nella primavera del 2026 ci saranno ulteriori riprese per Avengers: Doomsday. Se non sarà in questo film, c’è sempre la possibilità che il ritorno della Olsen venga riservato per il finale della Fase 6, previsto per il 2027.

È anche normale che gli attori dell’MCU mentano nelle interviste riguardo al loro coinvolgimento in determinati progetti, a causa dell’enorme segretezza che regna alla Marvel Studios. Dato che il trailer di Avengers: Doomsday è confermato per dicembre 2025, è sempre possibile che Wanda possa essere una delle tante sorprese che hanno in serbo per gli spettatori.

Un altro progetto della Saga del Multiverso in cui Scarlet Witch potrebbe fare un’apparizione a sorpresa è la serie TV VisionQuest, che sarà il finale della trilogia WandaVision. Nonostante la sua morte in Doctor Strange nel Multiverso della Follia, i morti non rimangono sempre tali nell’MCU.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.

Il cast di Avengers: Doomsday è stato rivelato per la prima volta durante una diretta streaming a sorpresa della Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato il ritorno di numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno di diversi attori degli X-Men dell’era Fox-Marvel.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).