Mentre la trama del film Copycat – Omicidi in serie diretto da Jon Amiel giunge alla sua conclusione, la dottoressa Helen Hudson si trova ad affrontare una minaccia reale da parte del killer imitatore e dei demoni della sua mente, mentre lui si avvicina sempre più a compiere il suo piano contro di lei. La detective Mary Jane Monahan corre invece contro il tempo per evitare una tragedia all’università. Il killer di questa storia intende completare l’ultimo pezzo del puzzle nel suo grandioso e violento tributo agli assassini del passato che idolatra. La psicologa criminale e la detective devono quindi usare più del loro ingegno se vogliono sopravvivere alla prova e raggiungere la salvezza e la libertà.

La trama di Copycat – Omicidi in serie

La dottoressa Helen Hudson (Sigourney Weaver) è una ricercata psicologa criminale specializzata nella profilazione dei serial killer. Dopo aver tenuto un’interessante lezione sulla sua area di competenza all’università, sopravvive a un tentativo di strangolamento da parte di un uomo psicotico di nome Daryll Lee Cullum. L’aggressore voleva torturarla lentamente prima di ucciderla. Tredici mesi dopo l’incidente, vive una vita appartata a San Francisco. Tormentata da un grave caso di disturbo da stress post-traumatico e agorafobia associati all’incidente, trovando impossibile uscire dal suo appartamento. Mentre la psicologa si adatta alla sua nuova realtà, con solo il suo amico Andy ad assisterla, le cose prendono una brutta piega quando una donna viene trovata assassinata in una vasca da bagno e un killer entra in azione in città.

La detective della omicidi Mary Jane Monahan (Holly Hunter) chiede quindi l’aiuto della dottoressa Hudson per arrestare l’aggressore. Monahan, insieme al suo partner Ruben Goetz, collabora con Helen per trovare indizi che possano condurli al criminale prima che colpisca di nuovo. Le speculazioni dei media sui delitti alimentano il panico in città, creando un senso di disperazione nel dipartimento di polizia, che vuole risolvere rapidamente il caso. La profiler criminale, attraverso l’osservazione dei fatti, conclude che si tratta di un caso di omicidi seriali. Mentre continua a lavorare con gli agenti di polizia, diventa chiaro che qualcuno sta perseguitando la psicologa nonostante lei non esca dal suo appartamento.

Lo spazio personale di Helen viene invaso a sua insaputa e la sua ansia peggiora, data questa violazione della sua sicurezza. Sulla base di ulteriori prove raccolte dopo altri omicidi, la psicologa nota che l’assassino sta cercando di copiare i modelli di altri serial killer noti nei suoi omicidi e, in modo folle, rende loro omaggio. Quello che segue è un gioco al gatto e al topo tra l’assassino e la squadra che lo insegue, che porta a più sangue, brutalità e panico nella città. Mentre la squadra fa progressi significativi nel capire l’identità del criminale, viene rivelato che Helen stessa è il suo obiettivo principale. Deve dunque superare grandi difficoltà per uscire viva da questa situazione.

La spiegazione del finale: chi stava davvero cercando di uccidere Helen e perché?

Il killer imitatore, Peter Foley, insegue senza sosta la dottoressa Helen Hudson per tutta la trama. I suoi sforzi culminano nell’intrappolarla nello stesso bagno dell’università dove lei era sopravvissuta all’inizio. Il climax del film porta così a una rivelazione sconvolgente con conseguenze disastrose. In una scena terrificante ambientata all’interno di una cella di prigione, si scopre che Daryll Lee Cullum era la mente dietro tutti gli omicidi seriali commessi a San Francisco da Peter Foley, e che intendeva completare il suo capolavoro convincendo il suo discepolo e seguace, Peter, a uccidere la psicologa criminale.

All’inizio del film, Daryll Lee Cullum appare come un uomo molto violento con un’estrema propensione all’omicidio, che non solo uccide le persone, ma ne gode anche. In una scena a metà della trama, Daryll invia a Helen una copia del suo libro “My Life With A Knife”, in cui ha scritto delle sue avventure omicide all’interno di una cella di prigione. Contattato da Helen e Monahan tramite una videochiamata, che intendono saperne di più sul killer emulatore, Daryll rivela di conoscere il colpevole, ma accetta di parlarne solo se la psicologa gli manderà un paio di suoi indumenti intimi. A questo punto, viene dato agli spettatori un sottile indizio che Daryll potrebbe sapere più di quanto lasci trasparire. La sua presenza squilibrata dimostra che ha il controllo della situazione.

Daryll, nella sua copia del libro, scrive una nota molto allusiva a Helen, mostrando la sua ossessione sessuale per lei. Non riesce proprio a liberarsi della sua ossessione tossica; l’unico modo in cui pensa di poter porre fine a tutto questo è vederla violentata e uccisa. Sebbene non sia esplicito, si può dedurre che abbia fatto il lavaggio del cervello a Peter per fargli eseguire i suoi ordini e gli abbia anche suggerito di seguire uno schema di omicidi, copiando i metodi di famosi serial killer nell’ordine esatto menzionato dalla psicologa nel suo discorso all’università. Il piano contorto di Daryll alla fine fallisce, ma questo non lo disturba, poiché la sua ossessione per la psicologa criminale continua, diventando ancora più tossica.

Qual è il significato del messaggio di Cullum?

Nella scena finale agghiacciante, Daryll Lee Cullum scrive un messaggio a un altro discepolo, un uomo sconosciuto di nome Conrad. Dopo il fallimento di Peter Foley nel portare a termine l’ultimo omicidio, Cullum prende provvedimenti per garantire che il suo obiettivo rimanga vivo. È diventato essenzialmente un leader di una setta mentre era seduto nella sua cella di prigione. Intende quindi ispirare altri uomini a diventare serial killer e a trovare un senso alla loro vita. L’idea della solitudine maschile e della mancanza di direzione nella vita dei giovani uomini è stata brillantemente catturata nella narrazione del film.

Dalla sua lettera a Conrad, si può dedurre che Daryll si considera una figura religiosa all’interno del suo pantheon di seguaci. Vuole riconoscere e onorare coloro che ritiene degni. Con inquietanti sfumature religiose, cerca di stabilire un nuovo ordine di uomini zelanti disposti a uccidere per ottenere ciò che meritano nella vita. Finché i suoi discepoli non lo deludono, possono ricevere buoni doni, che in questo caso sono un paio di indumenti intimi appartenenti a Helen. È un trofeo che i suoi seguaci possono custodire e che riconosce la sua leadership.

Daryll, in una parte specifica della lettera, dice: “Peter si è allontanato dal sentiero e il Signore lo ha punito severamente. Quindi mantieni le cose semplici. Allora la gloria sarà vostra… e “la vendetta è mia”, come dice il Vangelo. So che capirai cosa intendo. Buona caccia, socio“. È chiaro che Daryll è deluso dal fatto che Peter non abbia raggiunto l’obiettivo finale, ma ne attribuisce il merito al Signore e crede che il Signore stia tenendo in vita Hudson per un motivo. Il suo obiettivo finale è ottenere la salvezza attraverso la vendetta contro Helen, e non si fermerà finché non avrà raggiunto questo obiettivo.

La dottoressa Hudson cura la sua agorafobia

Alla fine del film, Helen Hudson è di nuovo intrappolata nel bagno dell’università. Peter Foley la lega e intende finire ciò che Daryll ha iniziato. Grazie all’intervento di Monahan e a un abile diversivo, lei scappa dal bagno e corre per salvarsi la vita. Possiamo supporre che questo sia il punto in cui la sua agorafobia ha raggiunto un livello estremo. Peter la insegue sul tetto dell’università. Lei affronta di nuovo le sue peggiori paure, proprio come all’inizio della trama. Questa volta è pronta ad affrontare la morte, chiedendo persino a Peter di farlo. È finalmente pronta a liberarsi dalla sua paura e ad accettare la realtà. Tuttavia, viene salvata all’ultimo momento da Monahan, che è sopravvissuta ai colpi di pistola di Peter grazie al suo giubbotto antiproiettile.

Quello che succede qui è un caso involontario di terapia dell’esposizione, utilizzata dagli psicologi per curare le fobie nei pazienti. A causa della sua esperienza del peggiore scenario possibile nel bagno e sul tetto, Helen è stata esposta agli estremi della sua agorafobia. Essendo lei stessa una psicologa, possiamo supporre che ne trarrà beneficio, dato che sopravvive nonostante le probabilità siano contro di lei. L’intervento tempestivo di Monahan le dimostra anche che non è sola nella sua lotta. Grazie alla combinazione dell’esposizione alla paura e alla sopravvivenza con l’aiuto di un amico, è logico supporre che superi la sua agorafobia e inizi a vivere una vita migliore. Monahan sarà invece probabilmente promossa a una posizione più alta all’interno del suo dipartimento di polizia e continuerà a combattere il crimine a San Francisco.

La storia vera di Gran Turismo è unica tra gli adattamenti da videogiochi, poiché la trama non è tratta propriamente dal gioco da cui prende il nome ma ruota attorno al giocatore di Gran Turismo nella vita reale, Jann Mardenborough, le cui abilità nel gioco di corse lo portano a partecipare a una serie di competizioni videoludiche sponsorizzate da Nissan. Le abilità di Mardenborough in Gran Turismo gli permettono di passare dal gioco alla guida di una vera auto da corsa e di iniziare una carriera da pilota.

Gran Turismo è diretto da Neill Blomkamp e sceneggiato da Jason Hall di American Sniper e Zach Baylin di King Richard. Gran Turismo fa parte dell’impegno congiunto di PlayStation Productions per adattare i suoi titoli di gioco più popolari in progetti live-action. Tuttavia, mentre altri adattamenti di videogiochi traggono la loro narrazione dai giochi, il film di Gran Turismo del 2023 è basato su eventi reali. Jann Mardenborough non è un personaggio, ma una persona reale, ed è il suo incredibile viaggio alla base della storia vera su cui è basato il film.

La vera storia del gioco Gran Turismo

Dal debutto del 1997 all’avvento di GT Academy

Per oltre 25 anni, Gran Turismo è stato uno dei videogiochi di corse di maggior successo nella storia dei videogiochi per console. Il primo gioco è uscito nel 1997, offrendo qualcosa di incredibilmente diverso da ciò a cui i giocatori erano abituati. All’epoca, la maggior parte dei giochi di corse erano in stile arcade, per lo più giochi di velocità esagerati con curve spericolate e prestazioni irrealistiche. Gran Turismo cambiò tutto. Il gioco introdusse prestazioni di guida realistiche su strade reali a bordo di auto reali che i giocatori potevano potenziare nel tempo.

Il primo gioco con licenza di veicoli che nessun altro gioco aveva mai tentato e creò un’esperienza divertente tanto per i giocatori quanto per gli appassionati di motori e auto. Grazie alla potenza della prima PlayStation, i giocatori non avevano mai visto nulla di simile sulle loro console televisive. Quando il sequel uscì due anni dopo, tutto era più grande e migliore, con più auto e nuovi eventi rally. Anche Need for Speed ​​III aveva auto con licenza, ma non eguagliò mai l’esperienza di guida realistica di Gran Turismo.

Gran Turismo 4 alzò ulteriormente la posta in gioco. Ora c’erano oltre 700 auto diverse tra cui scegliere e c’erano anche diversi tracciati reali. Ciò significava che i giocatori gareggiavano con auto vere, utilizzando tecniche di guida reali, su veri circuiti da corsa su cui gareggiavano i professionisti. Era chiaro il motivo per cui era iniziato l’allenamento per Gran Turismo nel mondo reale: non esisteva una simulazione migliore per questi difficili tracciati, e tutti erano disponibili sulla console PlayStation. Fu con Gran Turismo 5 che Polyphony lanciò la GT Academy.

Chi è il vero Jann Mardenborough?

Spiegazione del personaggio di Archie Madekwe in Gran Turismo

Il vero Jann Mardenborough è la base della vera storia di Gran Turismo, ed è ancora oggi un pilota automobilistico attivo. Mardenborough è nato a Darlington, nella contea di Durham, in Inghilterra, nel 1991. È figlio di Steve Mardenborough, un ex calciatore professionista che ha collezionato più di 300 presenze nella Football League nel corso della sua carriera.

La vera storia di Gran Turismo è stata leggermente modificata per il film, ma a grandi linee si attiene all’incredibile ascesa di Jann Mardenborough da giocatore di Gran Turismo a pilota professionista di auto da corsa. Crescendo, Mardenborough era un appassionato giocatore della serie di giochi di corse Gran Turismo per PlayStation. La sua abilità come giocatore di Gran Turismo lo ha poi portato a una carriera da pilota professionista di auto da corsa, entrando nella GT Academy.

Nel film Gran Turismo, Jann Mardenborough è interpretato da Archie Madekwe, attore britannico noto per il suo ruolo nella serie di Apple TV See. Il padre di Mardenborough è interpretato da Djimon Hounsou, noto per il suo ruolo di Juba ne Il Gladiatore. Sua madre, Lesley Mardenborough, è interpretata da Geri Halliwell, meglio conosciuta come “Ginger Spice” delle Spice Girls.

Jann Mardenborough ha vinto la GT Academy nel 2011

La storia di Mardenborough nel film Gran Turismo è quasi fedele alla realtà

La storia di Gran Turismo è iniziata con la fondazione della GT Academy, nota anche come Nissan PlayStation GT Academy. Come si vede nel film, l’iniziativa si proponeva di offrire ai migliori giocatori di Gran Turismo l’opportunità di mettere alla prova le proprie abilità di guida nei videogiochi su un circuito reale, con l’obiettivo di avviare una carriera da pilota professionista. L’accademia è stata finanziata da Nissan e Sony Interactive Entertainment dal 2008 al 2016.

Come si vede nel film, i giocatori di Gran Turismo che vincevano una serie di competizioni videoludiche per dimostrare il proprio valore venivano ammessi all’accademia per imparare a guidare una vera auto da corsa, con la possibilità di guadagnarsi un posto nella scuderia Nissan. Dopo aver vinto una serie di competizioni con le sue abilità di gioco in Gran Turismo, il vero Jann Mardenborough si è guadagnato un posto nella GT Academy. Nel 2011, Mardenborough ha battuto altri 90.000 partecipanti, diventando il terzo e più giovane vincitore della GT Academy.

Questa vittoria gli ha permesso di guidare per Nissan alla 24 Ore di Dubai. Prima di entrare nella GT Academy all’età di 19 anni, il vero Jann Mardenborough non aveva alcuna esperienza di corse né alcun interesse serio per le auto da corsa reali al di fuori dei videogiochi di Gran Turismo. Questo rende la sua storia una rarità nel mondo degli sport motoristici e una base unica per un film biografico sportivo.

Darren Cox ha fondato la GT Academy

Anche il personaggio di Orlando Bloom è stato una parte fondamentale della vera storia di Gran Turismo

Un altro modo in cui il film rispecchia da vicino la vera storia di Gran Turismo è attraverso il personaggio di Orlando Bloom, Danny Moore, basato su Darren Cox. La GT Academy è stata ideata da Cox, un uomo d’affari britannico e dirigente marketing del motorsport che ha iniziato la sua carriera in Renault 10 anni prima di passare a Nissan. Due anni dopo, è passato a Nissan Europe (tramite Autosport).

L’idea della GT Academy venne concepita da Cox per la prima volta nel 2005, quando era direttore generale di Nissan Europe (secondo il New York Times), ma non venne concretizzata fino alla partnership tra Sony e Nissan per la creazione della Nissan GT Academy nel 2008. Dei 23 diplomati dell’accademia di Cox, sia Jann Mardenborough che Lucas Ordóñez salirono sul podio alla 24 Ore di Le Mans.

Il ruolo di Cox nella fondazione della GT Academy e nel lancio della carriera di Mardenborough è trattato nel film Gran Turismo. Tuttavia, mentre nel film Mardenborough mantiene il suo vero nome, la caratterizzazione di Darren Cox in Gran Turismo è sufficientemente romanzata da spingere gli sceneggiatori a cambiargli il nome in Danny Moore.

Durante il suo mandato in Nissan, in seguito al successo della GT Academy, Darren Cox ha anche guidato la Nissan Deltawing, la Nissan ZEOD elettrica per il record di Le Mans, il prototipo Juke R, i programmi motore LMP2 e LMP3 e il programma Nissan LMP1. Nel 2016, dopo aver lasciato Nissan, Cox è rimasto nel mondo dei gamer diventati piloti e ha fondato il primo team di corse e-sport professionistico, eSPORTS+CARS (tramite AutoHebdo).

Leah o gli altri piloti della GT Academy sono persone reali?

I rivali di Mardenborough sono tutti immaginari

Sebbene gran parte del film sia radicato nella storia vera di Gran Turismo, sono stati aggiunti diversi personaggi non reali. Leah Vega, ad esempio, non è una vera pilota di GT Academy. Si vocifera, tuttavia, che il personaggio sia vagamente ispirato al pilota di GT Academy, Lucas Ordóñez.

Nel film di Gran Turismo, Mardenborough è visto in rivalità con Matty Davis, interpretato da Darren Barnet di Non ho mai. Davis non è una persona reale, ma secondo Slashfilm, il personaggio potrebbe essere basato sul collega pilota di Mardenborough, Bryan Heitkotter. Anche il personaggio di Josha Stradowski, Nicholas Capa, non è una persona reale e non è stato segnalato che sia basato su nessuno.

Jack Salter di Gran Turismo non è una persona reale

Il personaggio di David Harbour non fa parte della storia vera di Gran Turismo

Oltre ai colleghi piloti di Mardenborough in Gran Turismo, anche Jack Salter di David Harbour non è una persona reale. Il personaggio è probabilmente basato su Gavin Gough, un esperto di PNL e ipnosi sportiva che Mardenborough ha incontrato all’accademia. Mardenborough ha parlato apertamente dell’impatto che Gough ha avuto sul suo percorso agonistico, affermando persino in un tweet che una conversazione con lui ha creato un effetto domino che ha portato a un’impennata delle sue prestazioni.

Mardenborough ha continuato ad avere una prolifica carriera agonistica

La carriera del pilota è continuata a lungo dopo la conclusione degli eventi di Gran Turismo

Dopo essersi diplomato alla GT Academy ed essere entrato nel mondo reale degli sport motoristici con un posto nel team Nissan alla 24 Ore di Dubai, il vero Jann Mardenborough ha continuato a godere di una prolifica carriera agonistica (tramite Driver Database). Ha partecipato a competizioni come il Campionato Europeo di Formula 3, la GP3 Series e la GP2 Series, e ha persino partecipato alla leggendaria 24 Ore di Le Mans, una gara endurance.

Quando fece il suo debutto a Le Mans nel 2013, Mardenborough arrivò terzo nella Classe LMP2. Nel 2012, ha vinto una gara, tre podi e una pole position guidando per RJN Motorsport nell’Avon Tyres British GT Championship. Nel 2014, Mardenborough ha vinto tre gare, sette podi, una pole position e due giri più veloci guidando per Giles Motorsport nella Toyota Racing Series New Zealand, e ha anche vinto una gara, due podi e due giri più veloci guidando per Arden International nella GP3 Series.

La vera carriera di Jann Mardenborough, tuttavia, non si è fermata qui. Nel 2016, ha vinto una gara, due podi e due giri più veloci correndo per NDDP Racing nel Super GT Japan, e ha anche vinto quattro gare, 12 podi, sei pole position e sei giri più veloci correndo per il B-MAX Racing Team con NDDP nel campionato giapponese di Formula 3. Tutto sommato, Jann Madenborough ha un curriculum di corse impressionante per un pilota che ha iniziato come giocatore di Gran Turismo.

In che modo Gran Turismo cambia la vera storia di Jann Mardenborough

Sono state apportate diverse modifiche per rendere la narrazione più avvincente

Come la maggior parte dei film biografici, Gran Turismo si è preso qualche libertà creativa nell’adattare la storia al grande schermo. Ci sono diversi modi in cui Gran Turismo ha finito per modificare la storia di Jann Mardenborough, ma alla fine il film è riuscito a mantenerne l’essenza. Un elemento importante che è stato modificato rispetto alla vera storia di Gran Turismo è stato il fatto che Mardenborough fosse il primo vincitore di GT Academy, quando in realtà era il terzo.

La scioccante scena dell’incidente era molto realistica rispetto a ciò che accadde a Jann nella vita reale, ma i tempi sono stati modificati nel film. Nella vita reale, l’incidente è avvenuto nel 2015, a quattro anni dall’inizio della carriera di Jann. Il film lo ha fatto sembrare molto prima, per renderlo un momento più stimolante per il pubblico.

Anche il momento cruciale di Le Mans è stato modificato per rendere la storia più avvincente. Gran Turismo mostra Mardenborough battere il record sul giro di Le Mans durante la sua ultima tappa di gara, con un tempo inferiore a 3 minuti e 15 secondi. Questo è di oltre tre secondi inferiore al record stabilito quando Jann gareggiava nella vita reale.

Gran Turismo è l’incredibile storia vera del percorso di Jann Mardenborough, da giocatore a pilota professionista di sport motoristici, ed ecco tutto ciò che c’è da sapere sul finale del film. La storia inizia con Danny Moore, interpretato da Orlando Bloom, responsabile marketing della Nissan, che propone un’idea ai vertici dell’azienda. L’idea di Moore era quella di rinvigorire l’amore per la guida e le corse nel grande pubblico, rivolgendosi a un pubblico inesplorato con un potenziale di successo: il mondo dei videogiocatori.

L’idea di Moore era quella di riunire i migliori giocatori di Gran Turismo al mondo e trasformarli in piloti professionisti, un’iniziativa che inizia con l’aiuto dell’ex pilota Jack Salter, interpretato da David Harbour, un altro membro di spicco del fantastico cast di Gran Turismo. Uno dei partecipanti al torneo è Jann Mardenborough, interpretato da Archie Madekew, che in Gran Turismo racconta il suo percorso da giocatore di Gran Turismo alla corsa nella gara più prestigiosa del mondo: la 24 Ore di Le Mans. Il film si conclude con la gara di Jann a Le Mans, in un vero e proprio film sportivo e commovente del regista Neill Blomkamp.

Spiegazione della gara di Le Mans in Gran Turismo e del piazzamento di Jann

La trama di Gran Turismo si sviluppa fino alla 24 Ore di Le Mans, uno degli eventi più prestigiosi del motorsport. La gara di Le Mans è diversa dagli altri eventi motoristici in quanto il posizionamento si basa sulla distanza percorsa da ciascuna vettura. Ogni vettura ha tre piloti che devono ruotare nell’arco di 24 ore, e a nessun pilota è consentito correre per più di 14 ore; il team la cui auto percorre la distanza maggiore dopo 24 ore viene incoronato vincitore. Insieme al Gran Premio di Monaco e alla 500 Miglia di Indianapolis, la gara di Le Mans costituisce la Tripla Corona del Motorsport, a dimostrazione delle difficoltà che Jann ha dovuto superare per partecipare all’evento.

Poiché la 24 Ore di Le Mans rappresenta il culmine di Gran Turismo, gran parte dell’attenzione è incentrata sul posizionamento di Jann. Prima della gara viene rivelato che Jann e il suo team di altri piloti della GT Academy devono piazzarsi tra i primi tre per essere classificati come “veri” piloti dagli altri team che hanno presentato una petizione per rimuoverli dallo sport. Il posizionamento di Le Mans è interessante, in quanto i team competono all’interno della propria classe, ovvero contro un gruppo prestabilito di altre auto con specifiche uguali o simili, e contemporaneamente competono con tutte le altre auto al di fuori della propria classe.

Alla fine di Gran Turismo, Jann e il suo team sono riusciti ad aggiudicarsi il terzo posto, conquistando un podio e dimostrando che tutti gli scettici sul progetto GT Academy si sbagliavano. Ciò che Gran Turismo non rivela è che Jann e il suo team si sono classificati noni in classifica generale, eppure il terzo posto è stato nella loro categoria, il che spiega i festeggiamenti sul podio. Detto questo, un podio di qualsiasi tipo era tutto ciò di cui Jann e le sue altre gare avevano bisogno per dimostrare il successo dell’idea di Moore per la GT Academy.

Perché gli altri piloti della GT Academy corrono nel team di Jann a Le Mans

Un elemento interessante della vera storia di Gran Turismo, che viene in qualche modo modificato nel finale del film, sono gli altri due membri del team di Jann a Le Mans, composti da altri piloti della GT Academy. Il motivo di ciò deriva dal progetto non convenzionale della GT Academy, con le altre scuderie del motorsport che presentano petizioni contro Jann a causa del suo ingresso nello sport. A Moore viene quindi dato un ultimatum: Jann e altri due piloti della GT Academy devono correre a Le Mans e assicurarsi un podio. Se ci riescono, il resto del mondo del motorsport riconoscerà i piloti della GT Academy come veri piloti.

Confronto tra la gara di Le Mans di Gran Turismo e la vita reale

La vera storia di Gran Turismo modifica in qualche modo la gara di Le Mans, in quanto entrambi gli altri piloti, oltre a Jann, sono piloti della GT Academy. Nella vera gara di Le Mans 2013 su cui si basa il film, Jann Mardenborough ha gareggiato al fianco di Michael Krumm e Lucas Ordóñez. Il primo era un pilota professionista che si era avvicinato allo sport con mezzi convenzionali prima di correre a Le Mans 2013, mentre il secondo aveva un background simile a quello di Jann. Per drammatizzare gli eventi del finale di Gran Turismo, si è deciso di trasformare entrambi gli altri piloti in piloti della GT Academy insieme a Jann.

In termini di risultati, Gran Turismo descrive fedelmente il podio di Jann insieme al suo team. Sebbene il film tralasci di approfondire tutti i dettagli relativi al posizionamento a Le Mans, come la competizione simultanea tra le classi e tra tutte le altre auto, Gran Turismo semplifica le cose per il grande pubblico affermando semplicemente che Jann deve arrivare terzo e lo mostra mentre raggiunge questo risultato. A quanto pare, l’accenno al nono posto nella classifica generale della squadra di Jann non è necessario, poiché un terzo posto nella loro classe è stato sufficiente per garantirsi un futuro nel motorsport.

Jann ha davvero battuto un record sul giro a Le Mans?

Nel finale di Gran Turismo, Jann viene mostrato come ultimo pilota ad intervallo per la 24 Ore di Le Mans. Dopo qualche intoppo, Jann viene rimandato in gara per cercare di assicurarsi un podio. Jann sfrutta la sua conoscenza del circuito di Le Mans, acquisita nel videogioco che dà il titolo al film, per gareggiare in modo alquanto insolito, recuperando terreno sulle auto davanti a lui e finendo terzo. Questa corsa non convenzionale è messa in risalto nel film dal record sul giro di Le Mans stabilito da Jann, il che solleva la questione se ciò sia accaduto nella vita reale.

La vera storia del film, che sembra riscuotere un grande successo tra il pubblico, come dimostrato dal punteggio di Rotten Tomatoes di Gran Turismo, è leggermente diversa. Sembra che non ci siano prove che Jann Mardenborough abbia battuto un record sul giro a Le Mans. In realtà, a Mardenborough viene attribuito il merito di aver stabilito un record sul giro un anno dopo la Le Mans del 2013, all’Hockenheimring, con i registi di Gran Turismo che hanno modificato il nome in Le Mans per un effetto drammatico durante il finale del film.

Compie 50 anni Lo squalo, capolavoro di Steven Spielberg, un thriller ricco di tensione, con un finale terrificante in cui il protagonista e una piccola squadra si trovano faccia a faccia con un micidiale squalo bianco. Il film suscitò grande clamore già dalla sua scena di apertura, in cui una giovane donna entra in mare per nuotare, ma viene presto trascinata sott’acqua e scompare. Un inizio agghiacciante che rese subito chiaro di come questo film era qui per cambiare le carte in tavola. Il tutto prosegue poi con il capo della polizia, Martin Brody, che viene a sapere che l’incidente è stato causato dall’attacco di uno squalo e decide di chiudere la spiaggia per condurre ulteriori indagini ed eliminare la minaccia.

Tuttavia, il sindaco Larry Vaughn lo spinge a tenere aperta la spiaggia, poiché Amity Island sta per entrare nella sua stagione turistica più intensa e, senza alcuna garanzia che ci sia uno squalo, causare il panico generale sarebbe dannoso per gli affari. Tuttavia, quando lo squalo ritorna e uccide un ragazzino, Vaughn è costretto ad ascoltare il poliziotto. Brody recluta quindi un ricercatore esperto di squali, Hooper, e Quint, un eccentrico cacciatore sicuro di poter uccidere lo squalo, per andare in barca e portare a termine il lavoro. Tuttavia, le cose non andranno come previsto.

Apparentemente, il film di Spileberg che ha dato vita al concetto di blockbuster sembra un classico caso di man vs. nature, eppure ci sono altri significati nascosti all’interno del film e del suo finale, con lo stesso squalo che diventa metafora del male e della paura che in quegli anni – successivi agli sconvolgimenti degli anni Sessanta – regnava negli Stati Uniti e nel mondo intero. In questo approfondimento, esploriamo dunque tanto i colpi di scena finali di Lo squalo quanto i significati più profondi del film.

LEGGI ANCHE: Lo squalo: dal cast alle differenze con il romanzo, tutte le curiosità sul film

Cosa succede nel finale di Lo squalo

La barca con cui i tre uomini si sono spinti in mare aperto non era in ottime condizioni, poiché era chiaramente vecchia. Tuttavia, nonostante una grave falla nello scafo, sembrava che Brody e l’equipaggio sarebbero stati in grado di tornare a casa e occuparsi dello squalo in un secondo momento. Sfortunatamente, Quint ha spinto troppo i motori e il surriscaldamento, combinato con la falla nello scafo, ha causato la combustione dei motori. Con l’equipaggio bloccato in acqua, lo squalo ha a quel punto attaccato e distrutto la parte posteriore della barca fino a quando questa ha iniziato ad affondare.

Nel finale del film, dopo essersi quindi avvicinati al grande squalo bianco in diverse occasioni e aver attaccato dei grandi barili alla creatura nel tentativo di tenerla vicino alla superficie, lo squalo passa all’offensiva. Riesce a danneggiare lo scafo della barca, facendo entrare acqua all’interno e danneggiando ulteriormente i motori. Brody, Hooper e Quint decidono quindi di passare a loro volta all’offensiva e cercano di uccidere lo squalo con ogni mezzo possibile. Tuttavia, Quint viene ucciso in una lotta serrata con lo squalo, prima che Brody riesca a ucciderlo.

L’uomo viene infatti sopraffatto dal grande squalo bianco quando la sua nave viene parzialmente trascinata sott’acqua. Quint viene quindi mostrato mentre viene morso lungo le gambe e il torso, prima di essere trascinato sott’acqua, decretando la sua morte. Resta invece per un po’ ignoto il destino di Hopper, il quale in precedenza era stato mandato sott’acqua con una gabbia nel tentativo di uccidere lo squalo. Quando quest’ultimo attacca e distrugge la gabbia, siamo portati a credere che anche per Hopper non ci sia più nulla da fare. Scopriamo solo all’ultimo, però, che si era in realtà nascosto, tornando in scena al momento opportuno.

Nel finale, dunque, lo squalo addenta una delle bombole piene di aria compressa, cosa che Brody sperava di riuscirgli a far fare. A quel punto spara alla bombola per provocare un’esplosione. A questa distanza, con un’esplosione intensa che avviene direttamente nella bocca dello squalo, si può supporre che tutta la parte superiore della creatura sia stata vaporizzata. Di conseguenza, lo squalo viene definitivamente abbattuto, senza alcuna possibilità che possa essere altrimenti.

Senza ulteriori minacce da parte dello squalo, si può tranquillamente supporre che i ricongiuntisi Brody e Hooper siano riusciti a tornare ad Amity Island. Lo squalo era noto per attaccare vicino alla spiaggia, quindi era improbabile che la barca fosse molto lontana dalla riva. Con la barba affondata, Hooper e Brody hanno dunque usato un pezzo della nave danneggiata per galleggiare e hanno nuotato fino all’isola, idealmente senza incontrare altri pericoli.

Il vero significato del finale del film

Il tema centrale del film vede dunque lo squalo come simbolo della paura. È implacabile, si nasconde sotto la superficie e può sopraffare facilmente chi lo incontra. Lo squalo, nel film di Spielberg, è dunque pensato per essere una forma di puro male e paura, incarnazione di tutto ciò che non conosciamo e che ci terrorizza, come anche della forza bruta della natura che facilmente può reclamare il suo potere su di noi. Tuttavia, sebbene la paura possa essere implacabile e causare danni considerevoli, può essere superata se affrontata a testa alta.

Personaggi come Vaughn hanno scelto di ignorare la loro paura e concentrarsi su altre cose, ma questo ha solo messo più persone in pericolo. È stato solo quando Hooper, che ha una conoscenza approfondita degli squali, Quint, che ha il coraggio e la forza necessari, e Brody, che ha una speranza incrollabile, hanno unito i loro sforzi per affrontare lo squalo e ucciderlo. Alla fine di Lo squalo sono rimasti molti danni e cicatrici, ma una volta compresa e affrontata, la paura poteva essere superata.

Il film sudcoreano del 2021 Emergency Declaration, diretto da Han Jae-rim, si colloca in un momento in cui il cinema coreano sta vivendo una fase di grande riconoscimento internazionale, grazie a opere che sanno coniugare spettacolarità e riflessione sociale. Il film si inserisce nel filone del disaster movie, declinato però secondo i canoni della tradizione cinematografica coreana: forte tensione narrativa, attenzione ai personaggi e un sottotesto etico che spinge lo spettatore a interrogarsi su temi complessi (vedi anche Parasite o Special Delivery). Presentato fuori concorso al Festival di Cannes, questo film rappresenta un esempio significativo di come l’industria cinematografica sudcoreana riesca a misurarsi con i generi più popolari senza rinunciare a uno sguardo autoriale.

Il film si ispira al classico genere dei thriller catastrofici con ambientazione aerea (7500,  58 minuti per morire – Die Harder), ma ne rielabora gli elementi per raccontare una storia che parla di paure globali molto attuali. Il regista riesce così a costruire un racconto corale che fonde suspense e dramma umano, mantenendo viva la tradizione del cinema coreano di combinare spettacolo e riflessione sociale. Il risultato è un film che coinvolge emotivamente e offre anche uno spunto per riflettere sulle dinamiche del panico collettivo e della responsabilità etica di fronte a un’emergenza.

Nel corso di questo articolo ci concentreremo in particolare sul finale di Emergency Declaration, un epilogo che ha diviso il pubblico per la sua intensità e per le scelte morali che i protagonisti si trovano a compiere. Analizzeremo come si sviluppano le ultime scene, quale significato esse assumono rispetto ai temi portanti del film e in che modo il regista abbia voluto chiudere un racconto che parla di sacrificio, paura e speranza. Un finale che, come vedremo, si collega profondamente alla tradizione del cinema catastrofico ma con uno sguardo tipicamente coreano.

La trama di Emergency Declaration

Il film vede il volo KI501, partito dalla cittadina sudcoreana di Incheon e diretto alle Hawaii, costretto a dichiarare lo stato di emergenza, dopo che il detective Gu In-ho (Song Kang-ho) scopre che un uomo minaccia di fare un attentato bioterroristico a bordo. Il terrorista, Ryu Jin-seok (Im Si-wan) ha manifestato le sue intenzioni con un video messaggio e prontamente il veterano In-ho cerca di indagare sull’identità dell’attentatore. A complicare la situazione ci sono le tensioni diplomatiche tra la Corea del Sud e altri governi, che non permettono all’aereo di atterrare sul loro territorio per evitare che il virus contratto dai passeggeri e dal personale di bordo nell’attentato si diffonda anche all’esterno.

La spiegazione del finale del film

Nel corso del film scopriamo la storia di Ryu Jin-seok attraverso il suo essere l’unico sopravvissuto agli effetti del virus in BRICOM. Fin da bambino, Ryu era stato sottoposto a forti pressioni da parte della madre, una microbiologa, e questo lo aveva profondamente segnato. Quando era sotto stress, sfogava la sua rabbia uccidendo animali: un modo distorto per vendicarsi del comportamento oppressivo della madre. Questo atteggiamento si era protratto anche durante la sua esperienza in BRICOM, dove, nonostante gli avvertimenti ricevuti, Ryu aveva esposto tre colleghi al virus mutato SC-1, traendo piacere nel vederli soffrire. Alla fine, spinto dalla follia, decise di alzare la posta e pianificò di uccidere un intero aereo pieno di persone.

Il motivo? I traumi inflitti dalla madre. Lei lo aveva spinto a diventare microbiologo, e così era stato, ma invece di contribuire alla scienza, Ryu aveva scelto di usare le sue conoscenze per distruggere. Questo dimostra quanto l’infanzia possa plasmare un individuo: spesso un bambino che subisce abusi finisce per riversare quel male sul mondo. Dopo la morte della madre, Ryu perse ogni senso della propria identità e iniziò a sfogare la sua rabbia sugli altri, questa volta senza più nessuno a imporgli cosa fare. BRICOM, da parte sua, negò ogni accusa e rifiutò qualsiasi perquisizione senza un mandato. L’azienda sapeva di aver ricevuto il virus mutato SC-1 dal Medio Oriente e aveva sviluppato un antidoto.

Non si può escludere che BRICOM stesse tentando di ottenere un monopolio, forse con l’intento di rilasciare il virus per poi trarre profitto dalla vendita dell’antidoto. Questo potrebbe spiegare perché Ryu venne licenziato senza che venissero presentate denunce: denunciarlo avrebbe rischiato di compromettere anche l’azienda. Inoltre, non bisogna dimenticare che l’acquisizione del virus è avvenuta in segreto. Se BRICOM non avesse acquistato quel virus, Ryu non avrebbe potuto impossessarsene. Il film offre dunque un quadro realistico e intenso di come il mondo potrebbe reagire a un attacco biologico su un aereo: passeggeri terrorizzati, dibattiti sui media, governi divisi e un’azienda biotecnologica che tenta di nascondere la verità, fino ad arrivare a un sacrificio necessario.

Gli Stati Uniti e il Giappone negano l’autorizzazione all’atterraggio per evitare la diffusione del virus. Gli USA interrompono ogni comunicazione con la Corea, mentre il Giappone afferma che un governo deve prima di tutto proteggere i propri cittadini. In questo scenario, il primo ufficiale Choi mette da parte l’odio verso Park e lo autorizza a pilotare l’aereo se lui dovesse morire. In-ho, disperato perché anche sua moglie è a bordo, si inietta il virus per testare l’antidoto fornito da BRICOM. I passeggeri, uniti, decidono intanto che è meglio non atterrare per non mettere a rischio altre vite. Park però, con grande abilità, riesce a manovrare l’aereo quasi senza carburante, spegnendo i motori per risparmiare e atterrando con una manovra rischiosa ma geniale.

Choi,  invece, ormai gravemente malato, perdona Park, riconoscendo che senza di lui nessuno si sarebbe salvato. Nonostante il dolore, entrambi accettano la verità e le conseguenze delle proprie azioni. Alla fine, BRICOM accetta di consegnare l’antidoto. All’inizio ci sono dubbi sulla sua efficacia, ma il sergente In-hu inizia a migliorare dopo l’iniezione. A quel punto Park riceve l’ordine di atterrare: l’antidoto funziona. In un momento di alta tensione, Park riesce a far atterrare l’aereo con tecniche precise per risparmiare carburante. Lo Sky Korea Flight 501 atterra così sano e salvo e nonostante le vittime, molti si salvano grazie al coraggio e all’ingegno di Park.

Emergency Declaration, pur offrendo un finale positivo, resta un racconto tragico. Ryu Jin-seok è morto sull’aereo: non aveva alcuna intenzione di sopravvivere e, purtroppo, è riuscito nel suo intento, colpendo più persone di quanto avesse previsto. Verso la fine del film, Sook-Hee, il ministro dei Trasporti, dice alla giuria che ci sono persone guidate da un vizio irrazionale: non cercano un motivo, non si possono comprare, ricattare o convincere. Alcuni uomini vogliono soltanto vedere il mondo bruciare. Ed è proprio questo che ha portato al disastro che conosciamo come “Emergency Declaration”.

Il finale ruota così attorno ai temi della solidarietà e della responsabilità etica. Il film sottolinea come, in una situazione di emergenza, la sopravvivenza non possa basarsi su decisioni individualistiche, ma debba scaturire da un impegno condiviso. La scelta dei protagonisti di rischiare la propria vita per salvare quella degli altri rappresenta un messaggio di speranza e di altruismo, in netto contrasto con l’egoismo del bioterrorista che ha scatenato la crisi. Anche il cambio di posizione del governo, inizialmente paralizzato dalla paura, mostra come il coraggio e l’empatia possano prevalere sulla pura logica della sopravvivenza a tutti i costi.

Infine, come già accennato, Emergency Declaration riflette sulla fragilità delle istituzioni di fronte a una catastrofe e sul ruolo fondamentale della pressione collettiva e del senso civico nel determinare le decisioni più giuste. Il regista costruisce un epilogo in cui il vero eroismo non è solo quello dei piloti, ma anche quello di una comunità che riscopre la propria umanità nel momento più buio. Il film si chiude quindi con un messaggio universale: nelle emergenze globali, la salvezza non dipende solo dalla tecnologia o dalle autorità, ma soprattutto dal coraggio e dalla solidarietà di ciascuno.

Lo stalker della stanza accanto (il cui titolo originale è Within These Walls) è un thriller psicologico che si inserisce nel filone delle storie di ossessione e paura domestica, un genere sempre apprezzato da chi ama i brividi legati alla quotidianità. Diretto con uno stile teso e minimalista, il film riesce a costruire un’atmosfera claustrofobica e carica di tensione, portando lo spettatore a interrogarsi su quanto siano realmente sicuri gli spazi che consideriamo nostri rifugi. La regia punta su ambientazioni ristrette e sguardi inquietanti, trasformando il familiare in qualcosa di minaccioso. Fin dalle prime scene, il pubblico viene trascinato in un vortice di inquietudine che non lascia respiro.

Uno degli aspetti più interessanti del film è la scelta di concentrarsi su temi attuali e universali come l’invasione della privacy, la vulnerabilità all’interno delle mura domestiche e la sottile linea che separa il senso di sicurezza dal terrore. Lo stalker della stanza accanto non si limita a raccontare la classica storia di un persecutore, ma indaga le paure più profonde legate alla solitudine e alla difficoltà di fidarsi degli altri. La protagonista si ritrova progressivamente intrappolata in una spirale di sospetti e minacce sempre più angoscianti, mentre lo spettatore è costretto a chiedersi chi sia davvero il nemico e quali siano le sue vere intenzioni.

Nel corso dell’articolo ci soffermeremo in particolare sullo scoprire se il film è basato su una storia vera o, in caso non lo sia, sul confrontarlo con episodi simili in quanto a dinamiche realmente avvenuti. Come già detto, gli autori si sono impegnati per dar vita ad una situazione estrema ma non implausibile, che porta a provare terrore proprio per il suo essere tale e costringendo a riconsiderare gli spazi che crediamo di poter controllare. Tutto questo, lo si vedrà in questo approfondimento dopo una prima descrizione della trama.

La trama di Lo stalker della stanza accanto

Il film racconta la storia di Mel Carver (Jen Landon), una madre single realizzata, con una brillante carriera da architetta e una figlia adolescente, Brook (Tara Redmond Van Rees). Conduce una vita apparentemente serena accanto al fidanzato Ben (Joshua Close), conosciuto durante dei lavori di ristrutturazione nella sua abitazione di periferia. Dopo la morte del marito, Ben è stato il primo uomo che Mel abbia accolto nella sua casa, cercando di ricostruire una stabilità familiare e offrire a Brook una parvenza di normalità. Ma con il tempo, quella relazione si rivela poco solida. Ben si trasferisce troppo in fretta, invadendo spazi e abitudini, e Mel inizia a sentirsi intrappolata.

Quando poi la relazione con Ben finisce, l’atmosfera in casa cambia. La tranquillità svanisce, lasciando spazio a presenze ambigue, rumori inspiegabili, ombre fugaci e oggetti che sembrano spostarsi da soli. Mel inizia a dubitare della propria lucidità, mentre Brook percepisce un’energia sinistra e crescente inquietudine. Il sospetto si insinua nella mente di Mel, che inizia a domandarsi se Ben non fosse davvero chi diceva di essere. Tra tensioni psicologiche, segreti nascosti e presenze inquietanti, Mel dovrà affrontare la verità. Il confine tra amore e controllo diventa sempre più sottile, e mette alla prova una donna determinata a proteggere la propria casa, sua figlia e la sua salute mentale.

La storia vera che ha ispirato il film

Diciamo subito che il film Lo stalker della stanza accanto, diretto da Anne De Léan, non è tratto da una specifica storia vera. Si tratta di un’opera di fiction che, come già riportato, sfrutta elementi classici del thriller psicologico, ispirandosi a dinamiche e paure universali legate alla violazione della privacy e alla minaccia rappresentata da uno stalker. Tuttavia, anche se il film non si basa su un caso reale, i suoi spunti narrativi ricordano fatti di cronaca che hanno avuto risonanza internazionale e che presentano un’inquietante somiglianza con le vicende raccontate sullo schermo.

Uno dei casi più noti che si avvicina alla tematica del film è quello di Theodore Edward Coneys, passato alla storia come il “Denver Spiderman”. Nel 1941, Coneys si nascose per mesi nel sottotetto della casa di un conoscente e scendeva di notte per procurarsi cibo, finché non fu scoperto e uccise il padrone di casa. Questo episodio ha ispirato negli anni numerose storie e film sul terrore domestico e sulla minaccia nascosta tra le pareti della propria casa, un tema centrale anche in Lo stalker della stanza accanto. Similmente, casi più recenti hanno riportato alle cronache storie di individui che hanno occupato abusivamente spazi nascosti in case altrui, scoperti solo dopo mesi grazie a coincidenze o incidenti.

Un altro caso reale che riecheggia nel film è quello del cosiddetto “stalker di Honolulu” avvenuto nel 2019, quando un uomo si introdusse più volte nell’appartamento di una donna senza che lei se ne accorgesse subito, installando telecamere nascoste e lasciando segni inquietanti della sua presenza. La vicenda sottolinea come la paura di essere osservati o minacciati all’interno delle proprie mura domestiche abbia radici reali, alimentando un immaginario collettivo di vulnerabilità e pericolo. Questi episodi reali forniscono il terreno fertile su cui il film costruisce la propria tensione.

Sebbene dunque Lo stalker della stanza accanto non prende spunto da una storia vera singola e documentata, si inserisce però in un filone narrativo che trae ispirazione da fatti realmente accaduti e dalle paure profonde che essi evocano. La violazione dello spazio intimo della casa, la minaccia invisibile nascosta dietro una facciata di normalità e l’incapacità iniziale di riconoscere il pericolo sono tutti elementi che si ritrovano sia nella finzione che nella realtà. Questo contribuisce a rendere la storia del film ancora più inquietante e credibile per lo spettatore.