Diretto da McG, 3 Days to Kill è un
film d’azione e avventura che racconta la storia dell’agente
della CIA Ethan Renner (Kevin Costner), costretto a ritirarsi
dall’agenzia dopo aver ricevuto una diagnosi di cancro al cervello
in fase terminale. Torna a casa a Parigi, sperando di trascorrere
il tempo che gli resta con la moglie Christine (Connie
Nielsen) e la figlia Zooey (Hailee
Steinfeld), da cui si era allontanato.
Sfortunatamente, il suo ultimo obiettivo prima del pensionamento,
un trafficante d’armi illegale conosciuto semplicemente come Wolf,
è ancora in libertà. Vivi Delay (Amber
Heard), un’assassina d’élite che lavora direttamente
per il direttore della CIA, gli propone un accordo.
Se accetta di uccidere Wolf per
lei, gli darà un farmaco sperimentale che potrebbe prolungargli la
vita. Non avendo alternative, Ethan accetta. Si imbarca così in un
viaggio che lo costringe a trovare un equilibrio tra la sua vita
professionale e quella personale. Quando 3 Days to Kill è
uscito nel 2014, ha ottenuto recensioni moderate da parte della
critica. Hanno elogiato la regia di McG, la performance di Costner
e la trama avvincente del film. Se le eleganti scene di spionaggio
del film vi hanno fatto chiedere se 3 Days to Kill sia
basato su una storia vera, ecco cosa abbiamo scoperto.
No,3 Days to Kill non è
basato su una storia vera. Il film è ispirato a una sceneggiatura
scritta dal leggendario regista Luc Besson insieme ad Adi Hasak. La
sceneggiatura, a sua volta, è basata su una storia scritta dallo
stesso Besson. La trama principale del film ricorda molto quella
della serie televisiva francese No Limit. È stata sviluppata da
Besson in collaborazione con Franck Philippon.
La serie ruota attorno a Vincent
Libérati (Vincent Elbaz), un agente segreto francese che lascia il
lavoro dopo aver ricevuto una diagnosi di tumore al cervello e si
trasferisce a Marsiglia per lavorare sui suoi rapporti con l’ex
moglie Alexandra (Hélène Seuzaret) e la figlia Lola (Sarah
Brannens). A Vincent viene detto che se entrerà a far parte di
un’organizzazione segreta di spionaggio chiamata Hydra, avrà
accesso a un farmaco sperimentale. Dopo averci riflettuto, accetta
le condizioni.
Durante la serie, scopre che Hydra
è stata creata dai servizi segreti per sconfiggere il crimine
organizzato in Costa Azzurra con metodi non proprio legali. A
differenza del film, in cui Christine sa che tipo di lavoro
svolgeva Ethan, la famiglia di Vincent ne è completamente
all’oscuro. All’inizio della serie, pensano che sia un installatore
di allarmi antifurto. Inoltre, non sanno nulla della diagnosi.
La relazione tra Ethan e Christine
è bloccata allo stesso modo di quella tra Vincent e Alexandra. Sono
ancora innamorati l’uno dell’altra, ma non sanno come stare
insieme. “3 Days to Kill” presenta anche alcune somiglianze con
“Taken”, il thriller d’azione del 2008 con Liam Nesson, scritto
anch’esso da Besson (insieme a Robert Mark Ramen). In entrambi i
film, una leggenda di Hollywood degli anni ’80 e ’90 interpreta una
spia altamente addestrata che è anche un padre affettuoso.
Il principe vichingo Amleth
interpretato da Alexander Skarsgård non è stato
l’unico personaggio memorabile di The
Northman, l’epico film di vendetta di Robert
Eggers che vanta personaggi come l’eccentrico Heimir The
Fool interpretato da Willem Dafoe e l’eroica maga Olga
interpretata da Anya Taylor-Joy. Il film è
incentrato su Amleth che intraprende una missione per vendicare la
morte di suo padre e conquistare il trono su cui siede il suo
intrigante zio. Olga della Foresta di Betulle è un personaggio
inquietante che elabora strategie e sostiene di avere poteri
soprannaturali. Rimane al fianco di Amleth fino alla fine e si
rivela un’alleata molto utile, con una forza di volontà sufficiente
per sopravvivere nel violento caos del mondo vichingo.
Anche se la storia di The
Northman attinge principalmente dalla leggenda scandinava di
Amleth e da altre tradizioni popolari vichinghe, il cast di
questo dramma fantasy d’azione può essere ricavato dai racconti
mitici esagerati di persone reali. Dati i suoi poteri di
stregoneria e l’ostracismo sociale che deve affrontare, Olga
potrebbe molto probabilmente derivare dalle praticanti delle
streghe Völva dell’antico norvegese o dalle praticanti della magia
conosciuta come seiðr, che si pensava vivessero nei paesi
scandinavi durante la tarda età del ferro. Le teorie degli
osservatori l’hanno anche collegata a una guerriera vichinga
diventata santa cristiana, facendo risalire le origini di Olga
all’era dell’alto Medioevo.
Olga potrebbe essere stata
ispirata dalle streghe dell’antico norvegese
Olga ha un ruolo importante nel
film di Robert Eggers e, dato il contesto vichingo di The
Northman, la caratterizzazione di Olga può essere paragonata a
quella delle streghe e delle maghe dell’antico norvegese e persino
delle tradizioni slave. La magia seiðr può essere attribuita a
uomini e donne della tarda età del ferro scandinava (circa dal 500
a.C. all’800 d.C.). Le pratiche includevano principalmente
l’incantesimo di formule magiche e i praticanti potevano essere
molto probabilmente leader religiosi nelle società vichinghe.
Questi incantesimi permettevano loro anche di connettersi con il
regno spirituale, con testi vichinghi che suggeriscono anche che i
rituali seiðr potevano essere usati per guardare al futuro in tempi
di crisi.
Olga non mostra esplicitamente
alcun potere di prevedere il futuro, ma le visioni profetiche di
Amleth in The Northman sorgono solo dopo averla incontrata.
A un livello semplicistico, la magia praticata dalle völva (termine
vichingo per strega o veggente) durante l’età del ferro era
considerata “sciamanica”, con un’alta probabilità che i praticanti
fossero generalmente venerati ma esclusi dalla società come
streghe, proprio come nel resto dell’Europa medievale. Di solito
incutevano paura tra la gente a causa del potere e della conoscenza
che possedevano. I loro poteri possono ovviamente essere ridotti a
fantasia, ma lo status storico di queste streghe è ciò che rende
Olga simile alle vere völva.
Santa Olga potrebbe aver
influenzato il personaggio?
Coloro che cercano di considerare
The Northman come una storia vera suggeriscono la
possibile influenza della santa guerriera Olga, un personaggio
storico con una storia cinematografica tutta sua. La vera Olga, o
Santa Olga di Kiev, come è popolarmente conosciuta, era di origine
varangiana (vichinga) e nacque a Pestov, in Russia. Proprio come la
vendetta di Amleth, Olga era temuta per la sua sanguinosa vendetta
sui Drevili, la tribù responsabile dell’omicidio di suo marito. Il
suo cosiddetto “spirito guerriero” l’ha trasformata in un’eroina
vichinga, ma nonostante la sua storia violenta, la sua finale
conversione al cristianesimo l’ha resa una santa. Ad oggi, alcune
chiese in Russia, Ucraina, America e Canada sono dedicate a Santa
Olga.
Santa Olga nacque tra l’890 e il
925 d.C., mentre The Northman inizia la sua storia dall’895
d.C. e prosegue nei primi decenni del X secolo. Le linee temporali
leggermente sovrapposte e le origini vichinghe della santa
potrebbero indicare un’influenza sul personaggio di Anya
Taylor-Joy. The Northman descrive Olga come una
stratega, mentre Santa Olga intervenne come regina reggente e
leader del suo popolo contro i Drevili. Olga nel film professa
anche credenze norrene e slave, al contrario della vera Santa Olga
che divenne una devota cristiana. Non ci sono conferme, ma Olga
potrebbe benissimo essere stata una figura reale.
Charlie Hunnam, protagonista di
Monster: La storia di Ed Gein, difende la controversa
rappresentazione di Ed Gein nella serie. La serie antologica
poliziesca di Ryan
Murphy ha debuttato con una stagione incentrata su
Jeffrey Dahmer, prima che Monster – stagione 2
raccontasse una versione romanzata dei crimini dei fratelli
Menendez.
Monster – stagione 3 è stata
pubblicata su Netflix il 3 ottobre e ha diviso critici e fan. Come
il resto del franchise, molto è stato fatto per sensazionalizzare e
glorificare i crimini di Gein, ma, più specificamente, la stagione
ha attirato critiche per la sua narrazione tortuosa e la violenza
esplicita.
In un’intervista con The
Hollywood Reporter, Hunnam ha reagito alle critiche ricevute
dalla stagione, in particolare per quanto riguarda le libertà prese
con gran parte della storia e alcune delle vittime. Hunnam ha
dichiarato di non essere d’accordo sul fatto che la serie
glorifichi l’omicidio e ha elogiato la stagione definendola
“sensazionalmente buona”:
Non ho mai avuto l’impressione
che lo stessimo sensazionalizzando. Sul set non ho mai avuto
l’impressione che stessimo facendo qualcosa di gratuito o per
creare shock. Tutto era finalizzato a raccontare questa storia nel
modo più onesto possibile.
Ha continuato chiedendosi se Ed
Gein sia il vero mostro della serie, o se lo siano i registi che
hanno sfruttato i suoi omicidi per realizzare film, o il pubblico
che guarda e apprezza la serie Netflix. Leggi il resto della difesa
di Hunnam della terza stagione di Monster qui sotto:
È Ed Gein che è stato
maltrattato e lasciato in isolamento, affetto da una malattia
mentale non diagnosticata, e che ha manifestato la sua condizione
in modi piuttosto orribili? Oppure il mostro è la schiera di
registi che ha tratto ispirazione dalla sua vita e l’ha
sensazionalizzata per creare intrattenimento e oscurare la psiche
americana nel processo? È Ed Gein il mostro di questa serie, o è
Hitchcock il mostro della serie? O siamo noi il mostro della serie
perché la guardiamo?
Anche il co-creatore Ian Brennan ha
difeso la serie, sostenendo che l’intento non è quello di sfruttare
la storia, ma che è importante raccontarla per intero, per quanto
possa essere inquietante. Ha anche affermato che Ed Gein è una
storia di malattia mentale e, come tale, ha cercato di evitare
qualsiasi tipo di narrazione “sensazionalistica”:
Questo show cerca sempre di non
essere sensazionalistico. Cerca di mostrare che si può esagerare
quando si racconta una storia macabra. È importante raccontare
tutta la storia, anche le parti difficili da guardare. Non credo
che questa stagione sia affatto sensazionalistica. Penso che sia
sensazionalmente buona, ma è un vero e proprio tuffo in un punto di
riferimento molto strano e importante del XX secolo. Si dà il caso
che fosse proprio questo uomo molto solo, strano e malato di mente
nel mezzo del nulla nel Wisconsin ad avere un’enorme impronta
culturale che ha cambiato la cultura pop. Ed è fondamentalmente una
storia di malattia mentale.
Brennan ha continuato affermando
che era importante che la serie si concentrasse sull’orrore della
sua vita interiore e sul fatto che il cervello di Gein funzionasse
in modo diverso, soprattutto perché la serie affronta il suo
rapporto con Ilse Koch, una criminale di guerra nazista che si
ritiene abbia influenzato le azioni dell’assassino:
Per noi era importante mostrare
l’orrore della sua vita interiore e la sorta di prigione in cui era
intrappolato il suo cervello per mostrare quell’orrore, così come
lo era mostrare questo o quell’omicidio in sé… Ed Gein aveva un
cervello diverso e non era in grado di avere la prospettiva
necessaria per guardare qualcosa e metterla da parte in un
compartimento. Vedeva delle immagini e ne era ossessionato. Vedeva
cose che il suo cervello non riusciva a dimenticare. Tutto è
iniziato con tutto ciò che è emerso dall’Olocausto, che il
personaggio di Vicky [Krieps] interpreta in modo così brillante,
proprio l’orrore della banalità di ciò che è accaduto nei campi di
concentramento nazisti. E lui non riusciva a toglierselo dalla
testa. Questa è la [stagione] che affronta in modo più diretto la
questione di cosa succede quando si vedono cose orribili.
Brennan ha concluso parlando di
come la rottura della quarta parete sia un tentativo di puntare la
telecamera sui creatori, così come sul pubblico, per mostrare e
guardare qualcosa che forse non dovrebbero guardare. Leggi il resto
dei commenti di Brennan qui sotto:
[La scena della rottura della
quarta parete è] anche un modo per noi di puntare la telecamera su
noi stessi per dire: “No, siamo consapevoli che anche noi stiamo
mostrando qualcosa che forse non dovreste guardare” … Psycho è
stato Albert Hitchcock che ha superato ciò che era venuto prima. E
poi Texas Chainsaw Massacre è stato Tobe Hooper che ha superato ciò
che aveva fatto Hitchcock. Quindi è questo processo di dover
continuamente spaventare noi stessi. E penso che volessimo davvero
approfondire la domanda: è questo che la gente dovrebbe
guardare?
Cosa significa questo per la
terza stagione di Monster
La serie antologica
Monster ha spesso camminato sul filo del rasoio
tra realtà e finzione, con imprecisioni e licenze creative
utilizzate per aggiungere drammaticità e narratività. I commenti di
Hannam e Brenner rivelano che l’obiettivo era quello di cercare di
realizzare il miglior show possibile, pur avendo qualcosa da dire
su diverse questioni importanti.
Hunnam ha ragione quando afferma
che la serie pone importanti interrogativi su chi sia il vero
cattivo della storia. E, come afferma Brennan, la serie cerca di
essere fedele piuttosto che strumentale. Entrambi hanno ragione nel
dire che la stagione ha molto da dire al di là del semplice focus
su Gein, soprattutto perché la terza stagione di Monster mostra una
forte allegoria dell’ossessione americana per i crimini
reali.
Netflix sta adattando uno dei giochi più popolari
di tutti i tempi in una serie TV, ma con una svolta importante
rispetto alla trama originale. Gli adattamenti televisivi di
Netflix di giochi popolari non sono una novità. Tra questi figurano
serie come Devil May Cry e Arcane, per quanto riguarda gli adattamenti di
videogiochi. Tuttavia, un mercato ancora in gran parte inesplorato
è quello dei giochi da tavolo.
Ora, Netflix ha
annunciato un adattamento televisivo di Clue, che sarà
presentato come una serie competitiva senza copione. La serie vedrà
la partecipazione di numerosi personaggi del popolare gioco da
tavolo, con i concorrenti sottoposti a “sfide fisiche e
mentali” per determinare la verità dietro al crimine centrale.
Il vincitore otterrà un “grande premio” alla fine:
Clue — the world’s most famous mystery board
game — is coming to life as an unscripted Netflix competition
series.
Viewers will encounter familiar suspects like Colonel Mustard,
Miss Scarlett, and Professor Plum as contestants face physical and
mental challenges to collect… pic.twitter.com/UVvP3ZP6rQ
Cosa significa Clue di Netflix
per l’adattamento dei giochi da tavolo
Clue è un gioco da tavolo di
mistero in cui i giocatori devono scoprire l’identità
dell’assassino, dove è avvenuto l’omicidio e quale arma è stata
utilizzata. Il franchise più ampio include un adattamento
cinematografico del 1985 con Eileen Brennan e Tim Curry; sebbene
all’epoca non sia stato ben accolto, da allora ha raccolto un
seguito di culto. Esistono anche molti altri adattamenti.
Clue di Netflix non sarà il
primo adattamento televisivo del gioco di mistero sotto forma di
serie competitiva. Esistono diverse versioni internazionali del
gioco in stile game show, tra cui la più nota è Cluedo, in
Australia e nel Regno Unito. Tuttavia, la serie originale di
Netflix promette di essere la prima del suo genere dagli anni
’90.
Lo show fa anche parte della
nascente partnership di Hasbro con Netflix nella produzione di
contenuti. Oltre al prossimo Dungeons & Dragons le due
società hanno anche stretto una partnership per creare un game show
basato su Monopoly. Clue è il prossimo progetto
annunciato in cantiere, a testimonianza della forte partnership tra
le due società per la creazione di contenuti futuri.
Un nuovo clip della stagione 23 di
NCISrivela il debutto di una star televisiva veterana nel
ruolo della sorella di Parker. Trasferitosi al martedì sera,
insieme a NCIS: Origins e NCIS: Sydney, NCIS – stagione 23 debutterà sulla CBS il 14 ottobre
alle 20:00 ET. Dovrà riprendersi dopo una perdita devastante per
Alden Parker, interpretato da Gary Cole, ancora sconvolto
dall’omicidio di suo padre.
Nancy Travis, star di The
Kominsky Method e Last Man Standing, si è unita al
longevo crime drama in queste circostanze cupe, interpretando il
vice ammiraglio della Marina Harriet Parker, sorella di Alden
Parker, in un ruolo da guest star. Travis farà il suo debutto nei
panni di Harriet nella premiere in due parti della prossima
stagione.
TVLine
ha svelato un’anteprima della premiere della stagione 23 di
NCIS, che mette in evidenza il debutto di Travis nei panni
di Harriet. Lei incontra Palmer (Brian Dietzen) e dalla loro
interazione nell’anteprima è chiaro che la situazione è tesa. Anche
se apparentemente è lì per occuparsi degli effetti personali di suo
padre, Harriet implicitamente critica suo fratello un paio di
volte. Guardate il video qui sotto:
Cosa significa l’arrivo di
Harriet per la stagione 23 di NCIS
Carla Marino (Rebecca De Mornay)
tradisce Alden e uccide suo padre. Considerando come la serie della
CBS fino a quel momento, e in particolare durante il finale, abbia
posizionato Carla come potenziale interesse amoroso di Alden, la
svolta è particolarmente scioccante. Carla incolpa Alden per la
morte di suo figlio avvenuta anni prima e vuole fargli del male
allo stesso modo.
Harriet potrebbe non essere la
presenza più rassicurante. Nella clip, è tutta concentrata sul
lavoro con Jimmy. E quando il discorso si sposta su Alden, lei è
sprezzante nei confronti del fratello e dell’idea che siano allo
stesso livello. A un certo punto dice che “mio fratello non avrebbe
potuto indossare l’uniforme, anche se lo avesse voluto”.
La trama dell’episodio suggerisce
che Alden mette a rischio se stesso, per non parlare della sua
squadra, nel tentativo di catturare Carla. Ma mettendo da parte
l’ovvia rivalità tra fratelli e i potenziali risentimenti,
l’aggiunta di Travis al cast di NCIS
potrebbe offrire uno spunto per qualcos’altro. Harriet trova
infatti un fascicolo relativo alla defunta madre di Alden, Eleanor,
il cui mistero rimane irrisolto.
La serie di Taylor SheridanLionessha aggiunto un attore di Yellowstone al suo cast, rivelando
nuovi dettagli sui personaggi all’inizio della produzione. Dopo una
lunga attesa, Lioness – stagione 3 è stata ufficialmente rinnovata da
Paramount+ ad agosto. L’annuncio, arrivato quasi
10 mesi dopo il
finale della stagione 2, ha confermato che le vincitrici
dell’Oscar Zoe
Saldaña e Nicole Kidman torneranno nei panni di
Joe McNamara e Kaitlyn Meade.
Il dramma si concentra sulle
operazioni della CIA, con Joe e Kaitlyn tra coloro che reclutano
nuovi agenti per affrontare nuove minacce. Ma lungo il percorso,
Joe si ritrova a chiedersi se i metodi e i suoi sacrifici personali
valgano la pena di essere il leader del programma Lioness, con
volti familiari che entrano ed escono dal grande ensemble.
Ora, Variety riporta che la
star di Yellowstone Ian Bohen si è unito al cast di
Lioness come personaggio fisso. Noto per i suoi ruoli di
Peter Hale nella serie Teen Wolf e Ryan in
Yellowstone, Bohen interpreterà Grady, un personaggio
descritto come un “operatore della Delta Force che segue le
regole alla lettera e addestratore di cani da combattimento,
esperto in tattiche di guerra”.
La notizia dell’aggiunta di Bohen
arriva insieme alla rivelazione che la produzione del dramma
d’azione è attualmente in corso presso gli SGS Studios in Texas.
L’attore, noto anche per i suoi ruoli in Mad Men e
Superman & Lois, si unisce
al cast di Lioness che include Laysla De Oliveira, Morgan Freeman, Michael Kelly, Genesis
Rodriguez, Dave Annable, Jill Wagner e LaMonica Garrett, tra gli
altri.
La nuova stagione di Lioness
segna il quarto progetto di Bohen con Sheridan. Oltre al ruolo di
Ryan in Yellowstone, Bohen è apparso nel film di Sheridan
Wind
River. Ha anche recitato in Sicario: Day of the Soldado, il sequel di
Sicario, scritto da Sheridan. Fa parte della cerchia di
attori con cui Sheridan lavora spesso, dato che è presente in tutte
le stagioni di Yellowstone.
Nel finale della seconda stagione
di Lioness, Joe e Kaitlyn compiono entrambi mosse
importanti. L’episodio conclude gran parte delle storie principali
della stagione, anche se rimane il suggerimento che Joe avrà molto
altro da affrontare in futuro. L’arrivo di Bohen nei panni di Grady
potrebbe complicare la situazione, a seconda di dove finiranno le
sue alleanze e di come influenzerà il ricorrente senso di disagio
di Joe riguardo al suo lavoro.
Gli show di Sheridan su Paramount+
definiscono essenzialmente lo streamer. Almeno in parte, ciò
dipende dal fatto che, oltre a scritturare volti molto noti, avrà a
disposizione un gruppo ricorrente di attori su cui potrà contare
per popolare i suoi show. Nel complesso, è troppo presto per dire
quale sarà l’impatto di Bohen sulla nuova stagione di
Lioness, ma le possibilità sono molte.
Il ruolo di Bohen in
Lioness lo mantiene anche nell’orbita generale di
Sheridan, aumentando la possibilità e la facilità con cui il
lavoratore del ranch Ryan potrebbe potenzialmente apparire in uno
qualsiasi degli attuali spin-off di Yellowstone, come la
prossima serie Beth and Rip. Nel complesso, è una buona notizia per
i fan di un volto familiare proveniente da un’ampia varietà di
drammi che spaziano dal soprannaturale e dai supereroi ai
western.
Aquaman e il Regno
Perduto (qui la recensione) chiude
ufficialmente il DCEU, ma come conclude il film il viaggio di
Arthur Curry? Per chi non conosce la storia del franchise, il film
riassume gli eventi dei precedenti film del DCEU, conferendo al
film uno strano senso di autosufficienza. Il motivo di ciò deriva
probabilmente dalle modifiche apportate al film tramite riprese
aggiuntive, che hanno fatto sì che questo sequel non entrasse in
conflitto con i progetti per il DC
Universe di James Gunn.
Sebbene queste riprese aggiuntive
siano state estese, il film riesce comunque a concludere il viaggio
di Arthur Curry nel DCEU prima che il franchise rebootato di Gunn
prendesse il via nel 2024. La storia di Aquaman e il Regno
Perduto descrive in dettaglio la battaglia dell’eroe
titolare con Black Manta, un antagonista del primo film che ritorna
per vendicarsi di Arthur Curry. Al momento della scena
post-credits, il conflitto con Manta è giunto al culmine. Poiché il
DCEU termina ufficialmente con la storia di questo film, molti
inizieranno a chiedersi come il finale concluda i personaggi, le
storie e i viaggi emotivi della serie di supereroi di Jason Momoa.
Il tridente nero e la maledizione
del regno perduto spiegati
La premessa centrale di
Aquaman e il Regno Perduto ruota attorno ai
tentativi di Black Manta di scoprire la civiltà del titolo.
All’inizio del film, il viaggio di Manta inizia con il ritrovamento
del minaccioso tridente nero. Il tridente racchiude lo spirito di
re Kordax, fratello di re Atlan. Kordax promette a Black Manta
vendetta contro Aquaman se troverà il regno perduto di Necrus e
solleverà la maledizione lanciata su di esso da re Atlan. La
maledizione ha visto Atlan condannare l’intera civiltà di Necrus a
rimanere congelata nel ghiaccio, nascosta sotto le calotte
dell’Antartide dopo che Kordax ha perso la guerra con suo
fratello.
Per quanto riguarda il modo in cui
Black Manta pianificò di spezzare la maledizione su Necrus e re
Kordax, la risposta sta nella linea di sangue reale di Atlantide.
La maledizione fu inizialmente lanciata da Atlan, che usò la magia
del sangue per imprigionare Kordax e Necrus. Pertanto, poteva
essere spezzata solo da qualcuno della stirpe di Atlan: Atlanna,
Arthur, Orm o Arthur Jr. Manta progettò di rapire Arthur Jr. e
sacrificare il bambino per liberare Kordax e Necrus. Questo avrebbe
sia realizzato il piano di Manta di uccidere la famiglia di
Aquaman, sia garantito l’esercito necessario per sconfiggere
Atlantide e il suo nemico giurato una volta per tutte.
Nel finale di Aquaman e il
Regno Perduto, Arthur riesce a salvare suo figlio, dando
vita a una lotta tra lui e Black Manta. Manta viene sconfitto da
Aquaman prima che lo spirito di Kordax possieda Orm. Orm ha la
meglio su Arthur e versa il suo sangue sull’altare, liberando così
Kordax dalla sua prigione. Tuttavia, Arthur sconfigge Kordax
lanciando contro il cattivo sia il Tridente Nero che il tridente di
Re Atlan, ponendo fine ai suoi piani malvagi una volta per
tutte.
Black Manta è morto?
Il caos che segue la sconfitta di
Kordax e la distruzione di Necrus vede Black Manta trascinato in
una fessura sotto il ghiaccio. Si aggrappa prima che Arthur gli
offra la mano per salvargli la vita. Black Manta rifiuta di
prendere la mano di Aquaman e cade nel baratro apparentemente
infinito in cui Necrus viene trascinato. Dato che Black Manta aveva
perso i poteri sovrumani concessigli dal Tridente Nero, è
estremamente improbabile che sia sopravvissuto alla caduta. Anche
se il finale non conferma la sua morte, allo stesso modo non
fornisce alcun indizio che il personaggio sia sopravvissuto,
segnando la fine dell’iconico antagonista dei fumetti nel DCEU.
Perché Black Manta non ha accettato
l’aiuto di Aquaman
La sequenza che vede Manta
precipitare verso la morte solleva la questione del perché non
abbia accettato l’aiuto di Aquaman. La ragione di ciò risale al
primo film di Aquaman e alle origini dell’odio di Manta per Arthur.
Nel primo film, Arthur attacca una nave guidata da Black Manta e
dalla banda di pirati di suo padre. Sconfigge i pirati, lasciando
il padre di Manta al giudizio del mare.
Mentre muore, il padre di Black
Manta fa promettere al figlio di uccidere Aquaman, cosa a cui si
dedica con determinazione in Aquaman e il Regno
Perduto. L’odio che Manta prova per Arthur è il motivo per
cui il primo non accetta la mano del secondo alla fine di
Aquaman e il Regno Perduto. Il personaggio
preferisce morire piuttosto che accettare la mano dell’uomo che ha
ucciso suo padre, lasciandosi reclamare dalla distruzione di
Necrus.
Cosa significa per Atlantide
rivelarsi al mondo
Uno dei punti più significativi
della trama del finale di Aquaman e il Regno
Perduto è che Arthur rivela la presenza di Atlantide al
mondo in superficie. Una sottotrama del film vede Arthur impedito
dal consiglio di Atlantide, poiché gli abitanti del mare
disprezzano quelli della terraferma. Tuttavia, Arthur ritiene che
una relazione tra gli Atlantidei e gli umani sarebbe reciprocamente
vantaggiosa, andando contro i desideri del consiglio e rivelando il
regno sottomarino a tutti.
Ciò significa che i sette regni del
mare e i paesi della Terra inizieranno ora a convivere. Se la trama
di Aquaman 3 fosse stata possibile, il terzo film
avrebbe probabilmente esplorato questo legame. Tuttavia, il reboot
della DCU previsto per il 2024 significa che le trame promesse dal
mondo di Atlantide che si mescola con la popolazione della Terra
non saranno mai esplorate. La rivelazione di Atlantide agli esseri
umani nel finale di Aquaman e il Regno Perduto
solleva la questione se questo sia stato preso dai fumetti DC
Comics o meno.
Nei fumetti, la presenza di
Atlantide è nota alla popolazione della Terra, anche se raramente
viene presa sul serio. Aquaman e il Regno Perduto
ha cambiato in parte questa situazione, facendo diventare Atlantide
una grande potenza mondiale grazie all’adesione alle Nazioni Unite.
Atlantide nei fumetti DC Comics è molto più autosufficiente,
sviluppando la sua civiltà sotto le onde e aiutando gli esseri
umani quando necessario attraverso i legami di Aquaman con la
Justice League.
La spiegazione del riferimento a
Iron Man in Aquaman
Uno degli elementi più divertenti
del finale di Aquaman e il Regno Perduto è il
riferimento a Iron Man nel film. Alla fine del film, Arthur tiene
un discorso al popolo della Terra annunciando la presenza di
Atlantide. Alla fine del discorso, Arthur guarda la telecamera e
dice “Io sono Aquaman” prima di lanciare il microfono in
aria e saltare fuori dallo schermo. Questo è un riferimento al
finale ormai iconico di Iron Man del 2008, in cui Tony
Stark rivela la sua identità di supereroe al mondo del Marvel Cinematic Universe.
Cosa significa il finale di
Aquaman e il Regno Perduto per il DCEU e il
DCU
Per quanto riguarda il significato
del finale di Aquaman e il Regno Perduto per lo
status del DCEU e del DCU, la risposta rimane poco chiara. Uno dei
problemi più grandi dei film DCEU del 2023 è stata la loro mancanza
di chiarezza su come il franchise passerà al DCU. The
Flash ha reso tutto ancora più confuso, così come questo
film, dato che diversi personaggi importanti della Justice League
sono interpretati dagli stessi attori DCEU alla fine dei film.
Tuttavia, la risposta più semplice è
probabilmente che il finale di Aquaman e il Regno
Perduto non influirà affatto su nessuno dei due franchise.
Per quanto riguarda il DCEU, questo film ha concluso il franchise.
Per quanto riguarda il DCU di Gunn, è già stato annunciato che
tutti i membri della Justice League del DCEU saranno sottoposti a
re-casting, il che significa che l’intera storia di Aquaman sarà
diversa. Ciò significa che il finale di questo film non avrà alcun
impatto sul futuro del DCU.
Cosa significa davvero il finale di
Aquaman e il Regno Perduto
Nonostante non abbia un grande
impatto sul futuro del DCU, il finale di Aquaman e il Regno
Perduto ha un significato tematico più profondo. Il tema
generale che permea il film è quello della costruzione di ponti. Da
Arthur che instaura un rapporto con Orm ad Atlantide che costruisce
un legame con il mondo in superficie, il finale riassume come
costruire ponti e connettersi con altre persone possa portare
benefici a tutti. Questo rende il finale di Aquaman e il
Regno Perduto agrodolce, in quanto i risultati di queste
relazioni non saranno sviluppati, ma anche adeguato, poiché il film
colma il divario tra il DCEU e il nuovo DCU di James
Gunn.
Il finale della seconda stagione di
Mindhunter sembrava
promettere una terza stagione esplosiva prima che la serie venisse
cancellata. Il dramma poliziesco di Netflix era una delle migliori serie
investigative di tutti i tempi, ma è stato criminalmente
sottovalutato, portando a una conclusione anticipata. La serie è
basata sull’omonimo libro di John Douglas e Mark Olshaker, che
documentava la nascita del profiling criminale all’FBI.
Mindhunter presentava
diversi serial killer, ma era una serie insolita rispetto alla
maggior parte dei polizieschi. Mostrava i personaggi principali
commettere errori, con molti degli assassini già dietro le sbarre.
La seconda stagione si è conclusa con una vittoria agrodolce e uno
sguardo nella mente di un nuovo antagonista che Bill e Holden
avrebbero dovuto affrontare. Purtroppo, non ne hanno mai avuto
l’opportunità.
Chi è l’uomo mascherato nei
terrificanti momenti finali della seconda stagione di
Mindhunter?
Mindhunter è una serie TV
estremamente inquietante, ma sorprendentemente poco violenta. Ciò
significa che, quando si verifica una scena violenta, è davvero
scioccante, e gli intensi momenti finali della seconda stagione di
Mindhunter ne sono un perfetto esempio. La scena finale dura
solo un minuto e nove secondi e mostra un personaggio che abbiamo
già visto in un fantastico esempio di anticipazione.
La scena mostra il tecnico
dell’ADT, che abbiamo intravisto in entrambe le stagioni di
Mindhunter. Questa volta è vestito con abiti femminili,
indossa una maschera con il volto di una donna, rossetto rosso e
una corda, che lega alla maniglia della porta. Mentre si china in
avanti per guardare le foto dei morti, si dà piacere mentre viene
strangolato.
Il personaggio, interpretato da
Sonny Valicenti, è accreditato come “ADT Serviceman.”
Tuttavia, gli appassionati di true crime si renderanno conto che
sembra essere Dennis Rader, noto anche come “il BTK
Killer,” anche se non sentono un altro personaggio
chiamarlo per nome. BTK ha scelto il suo nome in base ai suoi
crimini, in cui legava, torturava e uccideva le sue vittime.
Il finale della seconda stagione di
Mindhunter anticipa un ruolo più importante per lui nella terza
stagione.
Mindhunter presenta BTK come il
killer principale nella terza stagione
L’escalation delle scene di BTK,
che culmina in quel momento finale inquietante, lo presenta come un
formidabile antagonista. La trama della terza stagione di
Mindhunter avrebbe mostrato Bill e Holden in viaggio, con la
caccia a BTK come obiettivo principale. Poiché il vero Dennis Rader
giocava al gatto e al topo con le forze dell’ordine, la cattura
del suo omologo televisivo sarebbe stata un obiettivo importante
per la squadra.
BTK era diverso dagli altri
killer che la squadra aveva incontrato finora in
Mindhunter, portandoli a commettere un grave errore
nella terza stagione. Poiché lo studio di Bill e Holden si era
rivelato accurato, era probabile che cercassero un uomo antisociale
con problemi familiari. Ciò avrebbe reso difficile rintracciare il
killer, che in realtà era un marito e un padre con un lavoro ben
remunerato.
Come Bill e Holden hanno
finalmente catturato Wayne Williams
Mindhunter – stagione 2 si
concentra sugli omicidi dei bambini di Atlanta, con Bill e Holden
che lottano per far arrestare Wayne Williams. Sebbene Williams
corrisponda al profilo di Holden, che si è già dimostrato accurato
in altri casi, le prove sono circostanziali. Williams gioca con gli
agenti prima che questi ottengano finalmente un mandato di
perquisizione, che porta alla luce prove forensi che lo collegano a
diverse vittime.
Mentre Williams sembra avere una
spiegazione per ogni domanda posta dalla squadra, l’FBI trova in
casa fili di nylon e peli di animali che corrispondono alle fibre
trovate su molte delle vittime. Detto questo, Williams è stato
processato solo per due crimini e una nota sullo schermo ci informa
che, al 2019, nessuno dei restanti 27 casi è stato perseguito.
Cosa ha significato per Holden
e la sua squadra risolvere il caso Williams
Il caso degli omicidi dei bambini
di Atlanta sembra essere un successo per Holden e la sua squadra,
con Holden e Bill che incontrano il loro nuovo capo in un
aeroporto, dove vengono congratulati e ricevono un upgrade di
viaggio. Ai due viene detto che “Atlanta ha cambiato tutto”,
poiché sembra dimostrare la correttezza dei loro studi e fa
guadagnare loro rispetto. Tuttavia, questa è una vittoria vuota
per Holden.
Holden è consapevole che, sebbene
il profiling sembrasse funzionare, non ha davvero dato alle
famiglie dei bambini la chiusura o la giustizia che cercavano, e
lui non può fare nulla per cambiare questa situazione. Dopo aver
promesso alle famiglie che la squadra collegherà Williams ad altri
omicidi, l’FBI viene sollevata dal caso Williams. Holden china il
capo, guardando la notizia della chiusura del caso.
Holden è una carta jolly in
Mindhunter, che agisce regolarmente mentre Bill e Wendy lo
coprono. Anche se la squadra e i loro capi dell’FBI festeggiano la
vittoria di Atlanta, la questione molto probabilmente non è
finita per Holden. Dato che durante la serie soffre di attacchi
di panico, la combinazione tra il successo professionale e
l’ingiustizia di Atlanta non aiuterebbe il suo stato mentale.
Perché Wayne Williams non è
stato perseguito per tutti gli omicidi
Williams è stato processato solo
per due degli adulti uccisi contemporaneamente alla serie di
omicidi di bambini, e i giurati hanno impiegato solo 12 ore per
condannarlo. Mindhunter ha affrontato le gravi tensioni
razziali che hanno influenzato gran parte del caso e ha esposto le
prove fisiche. Tuttavia, non ha risposto completamente alla domanda
se Wayne Williams fosse davvero colpevole degli omicidi dei
bambini.
Le prove indiziarie contro Williams
erano convincenti, ma non sono state investigate a fondo. Come
riportato in una lettera al New York Times, il giudice George T. Smith della Corte
Suprema della Georgia, che ha avuto un ruolo fondamentale nel caso,
ha affermato: “La pratica del modello in questo caso è stata
distorta oltre ogni riconoscibilità”. Semplicemente non
c’erano prove sufficienti per processare un uomo già in
prigione per omicidio.
Perché Nancy ha finalmente
lasciato Bill
Alcuni dei migliori episodi di
Mindhunter utilizzano la tensione e l’incertezza per
trasformare una scena banale in un capolavoro di suspense. Questo
accade durante tutto il finale, ogni volta che Bill interagisce con
Brian, che è stato coinvolto in un crimine inquietante all’inizio
della stagione. Bill dà ancora una volta la priorità al lavoro
rispetto alla sua famiglia, lasciando Nancy che chiede di
trasferirsi per ricominciare da capo.
L’indisponibilità emotiva di
Bill ha avuto un impatto negativo sulla sua vita familiare, e
lui sembra negare il comportamento di suo figlio, che assomiglia a
quello di molti serial killer che sta intervistando. Sembra che
Nancy ne abbia avuto abbastanza quando Bill ha lasciato Brian a
friggere hamburger da solo, anche se è possibile che sia successo
qualcosa che l’ha spaventata, cosa che la terza stagione avrebbe
potuto rivelare.
Perché Mindhunter è stato
cancellato?
David Fincher ha spiegato la cancellazione di Mindhunter
in un’intervista a Première Magazine (tradotta da The
Fincher Analyst su X). Ha spiegato che lo show è stato
cancellato a causa dei costi elevati, con qualcuno che ha detto:
“Non ha senso produrre questa serie in questo modo, a meno che
non si riesca a ridurre il budget”. Mindhunter è
essenzialmente un dramma storico, e i costumi e gli effetti
accurati degli anni ’70 sono incredibilmente costosi.
Piuttosto che cambiare il formato e
lo stile visivo distintivo per renderlo più attraente per i fan di
serie poliziesche come True Detective, Fincher ha accettato la
cancellazione di Mindhunter da parte di Netflix. Trattandosi
di una delle serie più creative di Netflix, con un punteggio
positivo del 97% da parte della critica su Rotten Tomatoes,
la decisione non è stata accolta favorevolmente. Tuttavia, ha
permesso a Mindhunter di concludersi senza un calo di
qualità.
Mindhunter avrà un
reboot?
Con la maggior parte del team di
Mindhunter impegnato in altri progetti, un revival della
serie sembrava improbabile da tempo. Tuttavia, Holt McCallany (Bill
Tench) ha rivelato a CBR che, sebbene al momento non ci siano piani per la
terza stagione di Mindhunter, c’è un’altra possibilità. Lui
e Fincher hanno discusso della possibilità di rilanciare
Mindhunter sotto forma di tre lungometraggi.
Il progetto del film
Mindhunter ha ricevuto un aggiornamento da Charlize Theron, che ha lavorato come
produttrice esecutiva della serie. Ha spiegato a The Hollywood Reporter che la decisione spetta a David
Fincher, dicendo: “Lui fa le cose solo quando sente davvero che
hanno del potenziale”. Questo non esclude completamente la
possibilità di un reboot di Mindhunter, sia come film
che come serie.
La Marvel Studios ha solo iniziato a
sfiorare l’aspetto horror dell’MCU nella Saga del Multiverso, con Werewolf by Night che ha lasciato i fan
desiderosi di vedere altro (purtroppo Blade
rimane al momento bloccato nel limbo). Il progetto Midnight
Sons dovrebbe essere in arrivo, e la speranza è che Moon
Knight, Ghost Rider, Man-Thing e altri si riuniscano per affrontare
una minaccia soprannaturale come Dracula.
In un’intervista a The Direct,
David Dastmalchian, star di
Ant-Man e The Suicide Squad, ha confermato che gli
piacerebbe tornare nell’MCU nei panni di uno dei due vampiri
succhiasangue. “Adoro l’idea della versione Marvel di Dracula,
che ho sempre amato”, ha rivelato l’attore. “Ho pensato
che qualsiasi cosa riguardasse i mostri, i Midnight Suns, le cose
che facevano parte dei vecchi Defenders, sarebbe stata
fantastica”.
“Ho sempre voluto cimentarmi con
Morbius, il vampiro vivente. Mi piacerebbe avere
l’opportunità di interpretare il dottor Michael Morbius”, ha
detto del cattivo di Spider-Man. “Oh, mio Dio. Ci sono così
tanti personaggi fantastici nell’MCU, e sono sempre stato un fan
dell’horror e dei personaggi più strani. Qualsiasi personaggio dei
West Coast Avengers sarebbe divertente da interpretare per
me”.
Come noto, Jared Leto ha interpretato Morbius nello
sfortunato film del 2022. I fan non hanno apprezzato la sua
interpretazione del vampiro vivente, mentre Morbius stesso sarà probabilmente ricordato come uno
dei peggiori adattamenti cinematografici di un fumetto mai
realizzati. David Dastmalchian, che ha eccelso in ruoli horror come
Late Night with the Devil e The Boogeyman, sarebbe sicuramente perfetto in
entrambi i ruoli. Morbius potrebbe essere meno probabile, ma
l’ipotesi di Dracula rimane decisamente allettante.
Il pubblico cinematografico potrà
presto vedere per la prima volta il film biografico su
Michael Jackson, poiché sono stati rivelati i
dettagli relativi al primo trailer di Michael,
in uscita il 24 aprile 2026. Come riportato da Puck, il trailer del biopic sarà
presentato in anteprima a novembre, in concomitanza con le
proiezioni di Wicked: For Good, che uscirà nelle sale
cinematografiche il 21 novembre. Non è però chiaro se il trailer
sarà disponibile online prima di allora.
Il film biografico su
Michael Jackson vede protagonista il nipote di
Jackson, Jaafar Jackson, nel ruolo del Re del Pop,
con Colman Domingo, Miles Teller, Kat Graham,
Laura Harrier e Nia Long a
completare il cast. Il film è diretto da Antoine
Fuqua (The
Equalizer,
Southpaw), con una sceneggiatura di John
Logan.
Il debutto del trailer segnerà così
la fase finale del lungo percorso del film verso il grande schermo.
Michael era inizialmente previsto per l’uscita nelle sale il 18
aprile 2025, ma i ritardi nella produzione hanno portato a un
rinvio del film all’ottobre 2025. Sono poi sorti problemi legali
che hanno costretto a rielaborare il film e a rinviare la sua
uscita all’attuale data del 2026.
Michael sarà diviso in due film
Sempre secondo un articolo di Puck,
la questione relativa alla rielaborazione forzata riguarda
l’inclusione del caso che coinvolge Jordan
Chandler, il quale ha affermato che Michael Jackson
avrebbe abusato di lui quando Chandler aveva 13 anni. Jackson alla
fine ha pagato un risarcimento di 20 milioni di dollari al ragazzo,
ma secondo Puck c’è anche un accordo che vieta ai registi di
drammatizzare la storia dei Chandler.
Per questo motivo, è stato deciso di
dividere Michael in due film separati. Il primo
film, che sarà il trailer mostrato al pubblico a novembre, si
concentra sull’ascesa alla fama di Jackson, che ha raggiunto
l’apice negli anni ’80. Il secondo film coprirebbe l’ultima parte
della vita e della carriera di Jackson, compresi i suoi scandali
legali. Tuttavia, non è scontato che il secondo film verrà mai
distribuito.
Sebbene le riprese che verrebbero
utilizzate nella seconda parte siano state girate, con ulteriori
riprese ancora necessarie, l’approvazione della seconda parte
dipenderà dall’accoglienza che Michael riceverà
dal pubblico. Se il secondo film non verrà approvato, Puck afferma
che i produttori semplicemente “distruggeranno” tutte le riprese
inutilizzate. Si aggiunge che la Jackson Estate si sta occupando di
tutti i costi associati a queste questioni di produzione.
Ciò significa che i primi segnali
del parere del pubblico nei confronti del film biografico su
Michael Jackson arriveranno con l’uscita del primo trailer. Sulla
base dell’attesa per Wicked: For Good, il sequel di
Wicked del 2024 che ha incassato 756 milioni di dollari,
molte persone vedranno indubbiamente il trailer quando verrà
proiettato nei cinema e ciò stabilirà già una prima ricezione nei
confronti del biopic.
Dopo
l’annuncio che il progetto di Damien
Chazelle ambientato in un carcere e con possibili
protagonisti Cillian Murphy e Daniel Craig, emergono ora aggiornamenti su un
altro titolo rimasto in sospeso nella line-up del regista:
Evel Knievel Goes On Tour. Il film, le cui riprese
erano originariamente previste per l’estate appena passata e
prodotto da Paramount Pictures, resta in fase di sviluppo
nonostante l’uscita di Leonardo DiCaprio, inizialmente legato al
ruolo principale.
Secondo quanto riportato dal giornalista Daniel
Richtman, lo studio avrebbe però ora messo gli occhi
su Glen Powell come possibile protagonista del
biopic dedicato al leggendario stuntman americano Evel Knievel.
L’attore, reduce dal successo di Top Gun: Maverick e
prossimo interprete del remake di The Running Man diretto da Edgar
Wright, è considerato una delle figure più richieste del
momento a Hollywood. La proposta di interpretare Knievel
arriverebbe a lui dunque dopo il ritiro di DiCaprio, impegnato in
altri progetti. Non resta a questo punto che scoprire se l’accordo
andrà in porto.
Di cosa parla Evel
Knievel Goes On Tour?
Il
film, intitolato Evel Knievel Goes On Tour, sarà
scritto da due nomi di grande peso: William
Monahan, premio Oscar per The Departed – Il bene e il
male, e Terrence Winter, sceneggiatore de
The Wolf of Wall Street e della serie cult
I Soprano. A differenza
dei tradizionali biopic dedicati alle star americane, il progetto
non racconterà l’intera vita di Knievel, ma si concentrerà su un
solo anno cruciale della sua carriera: il 1974. In quel periodo, il
motociclista tentò la spettacolare – e fallimentare – impresa di
saltare il fiume Snake, nell’Idaho, con il suo razzo-moto “Skycycle
X-2”.
Evel Knievel, figura controversa e iconica della cultura pop
statunitense, divenne celebre negli anni ’60 e ’70 per le sue
imprese spericolate e per l’immagine da eroe ribelle del
motociclismo. Nel corso della sua carriera subì più di 430
fratture, guadagnandosi un posto nel Guinness dei Primati come uomo
con “il maggior numero di ossa rotte in una vita”. Tuttavia, la sua
carriera ebbe un brusco arresto dopo un episodio di violenza:
Knievel aggredì con una mazza da baseball l’autore di una biografia
non autorizzata, finendo in carcere per sei mesi e perdendo i suoi
contratti di sponsorizzazione.
Per Glen
Powell, l’eventuale interpretazione di Knievel rappresenterebbe
un nuovo passo nella sua ascesa a star di primo piano. L’attore
sarà presto sul grande schermo con The Running Man e ha da poco terminato le riprese del
nuovo film di J. J. Abrams. Inoltre, è
in trattative per affiancare Michael B. Jordan nel reboot di
Miami Vice diretto da
Joseph Kosinski, previsto per il 2026.
All’evento Brand Licensing Europe i
dirigenti di Amazon MGM e Mattel Greg Coleman e
Ruth Henriquez hanno promosso il prossimo revival
del franchise
Masters of the Universe. Ai partecipanti è stato
mostrato un concept art della Snake Mountain (lo si può vedere qui), la dimora
del malvagio Skeletor. Il design rimane fedele ai numerosi cartoni
animati e fumetti in cui è apparso nel corso degli anni,
confermando che, nonostante alcune parti del film siano ambientate
sulla Terra, i fan possono comunque aspettarsi una rappresentazione
fedele di Eternia.
Quanto tempo trascorreremo lì è
tutta un’altra questione, ma Coleman e Henriquez hanno promesso ai
fan una versione di He-Man che li renderà felici. “La proprietà
non è mai scomparsa, ha continuato a reinventarsi. Questo sembra il
momento perfetto”, ha detto Henriquez riguardo alla decisione
di riportare in vita il franchise di lunga data in un film
live-action. “I fan hanno chiesto di più e sappiamo che c’è una
tendenza alimentata dalla nostalgia. Ma soprattutto, abbiamo
aspettato il partner perfetto e il team creativo giusto per dare
vita a ‘Masters of the Universe’ in modo
epico”.
Coleman ha aggiunto: “Per
realizzare un film di questa portata e di questa ampiezza ci vuole
un grande impegno, e non è facile riuscirci. Il pubblico è molto
esigente. La grandezza del set e il livello di dettaglio erano
fuori dal comune”. “Skeletor è uno dei cattivi più
affascinanti di tutti i tempi, ma c’è anche la storia di Adam, che
è una persona normale e deve conquistare il potere. È sempre stato
dentro di lui e viene rivelato in modo potente“, ha
continuato. ”Abbiamo un cast completo e il regista Travis
Knight che aveva una visione. Anche se non avete mai visto ‘Masters
of the Universe’, è una storia divertente e piacevole“.
Il duo ha concluso dicendo: “Per
i fan di lunga data, ci sono delle sorprese nascoste nel film, ma
facendo un passo indietro, il punto di accesso per i fan è ampio.
Il punto di accesso sarà molto accessibile a tutti. Questo sarà il
film di cui tutti parleranno”. Hanno anche paragonato
Masters of the Universe a un altro recente
successo basato sui giocattoli, promettendo: “La gente
indosserà il merchandising, comprerà i giocattoli e ne parlerà
proprio come per ‘Barbie’”.
La versione live-action della
classica serie animata vedrà protagonista Nicholas
Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della
Strega, e di James Purefoy e Charlotte
Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la
Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community)
nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di
Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor
stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap
Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di
Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Nel
panorama dei blockbuster fantasy, 47 Ronin è un caso
particolare: rilegge in chiave spettacolare la
leggenda più famosa del Giappone feudale — l’episodio di Akō —
innestandole stregonerie, demoni Tengu e un eroe outsider
interpretato da Keanu Reeves. Il risultato è un
racconto d’onore e vendetta che conserva il nucleo morale della
storia originale, pur piegandolo alle esigenze del cinema
d’avventura.
Il
finale, tragico e rituale, lascia nello spettatore domande
tutt’altro che banali: perché i ronin scelgono la morte proprio
dopo aver compiuto la loro missione? Qual è il senso del sacrificio
di Kai e del suo
amore impossibile per Mika? E in che modo la versione hollywoodiana
dialoga con il codice dei samurai (bushidō) e con la memoria collettiva giapponese? Andiamo
con ordine.
Scopri anche la storia vera che ha ispirato 47
Ronin, una delle vicende più leggendarie del Giappone
feudale.
Trama di 47 Ronin
Nel dominio del signore Asano (Min Tanaka), viene accolto
Kai (Keanu
Reeves), mezzosangue allevato dai Tengu e guardato con sospetto dai
samurai, in primis dal capo delle guardie Ōishi (Hiroyuki Sanada). L’equilibrio del
feudo è minato dalla strega Mizuki (Rinko Kikuchi), al servizio del rivale
Kira (Tadanobu
Asano), che strega Asano inducendolo ad “attentare” all’ospite:
secondo la legge, il signore è costretto al seppuku e i suoi uomini diventano
ronin (samurai
senza padrone). Mika (Kō Shibasaki), figlia di Asano e promessa a
Kai, viene promessa in sposa a Kira per sancire il nuovo
potere.
Passa un anno. Ōishi, imprigionato e umiliato, riemerge più
determinato: riunisce 47 fedelissimi, inclusi Kai, e orchestra una
missione impossibile per liberare Mika e vendicare Asano.
Travestimenti, magie, creature del folclore e duelli scandiscono la
risalita del gruppo verso il castello di Kira, in una progressione
che alterna azione e mito.
Nel terzo atto, i ronin irrompono nella roccaforte.
Kai affronta
Mizuki, che
manipola la realtà con illusioni serpentiformi: la sconfitta della
strega spezza l’incantesimo che sosteneva il potere di Kira.
Intanto Ōishi
combatte il rivale e lo decapita, compiendo l’atto simbolico della vendetta
rituale. Liberata Mika, la compagnia non fugge: si
consegna al
lo Shōgun (Cary-Hiroyuki Tagawa). Hanno
ristabilito la giustizia verso il loro signore, ma hanno violato la
legge uccidendo un nobile. Il verdetto è solenne: i 47 potranno
morire con onore tramite seppuku; Mika, sopravvissuta, guiderà il lutto del
feudo. L’ultimo sguardo tra Kai e Mika suggella un amore che non
può realizzarsi nel mondo degli uomini, ma che trova compimento
nella scelta sacrificale.
Il sacrificio dei ronin e il senso dell’onore
Il cuore del finale sta nel paradosso etico tipico della leggenda di Akō: la
fedeltà al proprio signore (giri) impone la vendetta, ma la legge dello Stato vieta
l’omicidio. I ronin accettano entrambe le verità: compiono il
dovere personale e assumono la pena, per non scalfire l’ordine
pubblico. Concedendo loro il seppuku, lo Shōgun riconosce la
purezza
dell’intento. È il bushidō nella sua forma più radicale: la reputazione
vale più della sopravvivenza, l’azione giusta richiede il
prezzo della
responsabilità. Per questo la morte dei 47 non è una
punizione “contro” i protagonisti, ma l’ultimo gesto coerente con i
valori che li definiscono.
Kai è un “liminale”: non del tutto samurai, non del tutto demone;
non pienamente accolto nella società degli uomini, ma neppure
appartenente al mondo soprannaturale. La sua scelta di morire
accanto ai compagni è identitaria prima che romantica: rifiuta
l’eccezione che lo separerebbe dagli altri e chiede di essere
riconosciuto
come uno di loro. L’amore per Mika diventa allora sacramento narrativo: non si realizza nel
matrimonio, ma nel consenso a un destino condiviso, che salva l’onore
della casata e restituisce dignità al suo popolo. In termini di
mito, Kai “riporta il fuoco” alla comunità e poi
scompare, come
gli eroi che appartengono più alla leggenda che alla cronaca.
Un finale tragico, ma profondamente giapponese
Pur aggiungendo streghe e Tengu, il film resta fedele al
senso memoriale
della vicenda: i 47 vengono sepolti insieme e venerati come
campioni di
lealtà. È il motivo per cui la storia dei ronin, nel
Giappone reale, è diventata sinonimo di virtù civica: non celebra la vittoria
militare (che nel film dura un istante), ma la coerenza morale di chi accetta le
conseguenze delle proprie azioni. La versione hollywoodiana
amplifica l’epica e la dimensione romantica, ma non svuota il
messaggio: l’onore è un atto pubblico e la morte rituale è la forma
narrativa con cui quel valore viene consegnato alla
memoria
collettiva.
In questo senso, il finale di 47 Ronin non è la sconfitta degli eroi, bensì la loro
trasfigurazione:
l’individuo scompare, resta l’esempio. È qui che mito storico e
fantasy si stringono la mano.
Il 2026 sarà l’anno in cui Timothée Chalamet vincerà finalmente un Oscar?
Il nuovo progetto del due volte candidato al premio, la commedia
sportiva liberamente ispirata a fatti reali Marty
Supreme, sta infatti suscitando grande interesse dopo
la sua anteprima mondiale al New York Film Festival.
Diretto da Josh
Safdie e interpretato anche da Gwyneth Paltrow, Odessa
A’zion e Kevin O’Leary, Marty
Supreme segue il percorso verso la grandezza del giocatore
di ping pong americano Marty Mauser. Le prime
reazioni al film sono dunque state per lo più positive,
concentrandosi su ciò che la performance di Chalamet significherà
in vista della stagione dei premi.
Liam Crowley di
ScreenRant ha definito Marty Supereme “il miglior film
dell’anno”, che ha “tutta l’energia maniacale tipica di
Safdie perfettamente infusa con il carisma generazionale del
principe promesso”. Nel frattempo, Ramin Setoodeh,
co-redattore capo di Variety, ha affermato senza mezzi termini
che questa è “la migliore interpretazione di Timothée Chalamet fino ad ora”.
Per alcuni, il tono del film di
Safdie non ha però funzionato del tutto: @jasonosia ha così recensito
Marty Supreme: “Safdie al 100%. Sudato,
veloce, tentacolare, divertente, tonalmente squilibrato ed
esasperante! […] Chalamet è straordinario ed è al massimo della sua
sicurezza di sé e della sua instabilità. È divertente e
modestamente saggio, ma la seconda parte è così incline alla mania
che può essere estenuante, nel bene e nel male“.
Marty Supreme
sembra dunque avere un’atmosfera molto folle, ma la maggior parte
dei critici riesce a capirlo. David Crow ha
detto che “è un’esplosione assoluta di adrenalina e il seguito
di Diamanti grezzi che stavamo aspettando”. Alcuni spettatori
stanno anche utilizzando i social media per sottolineare le
interpretazioni dei comprimari. Ad esempio, @realityysimp ritiene che
Odessa A’zion dovrebbe essere considerata una
candidata all’Oscar.
In particolare, David Canfield,
scrittore senior di The Hollywood Reporter, è d’accordo su
questo punto, menzionando “una straordinaria Odessa A’Zion alla
guida di un superbo cast di supporto”. Canfield sottolinea
ancora una volta cosa potrebbe significare questa svolta per
Chalamet, affermando che si tratta della “migliore
interpretazione della sua carriera: è nato per interpretare questo
personaggio”, elogiando al contempo la “regia importante
ed esaltante”.
La trama e il cast di Marty Supreme
La sinossi ufficiale del tanto
atteso film di Josh Safdie basato sulla vita del giocatore di ping
pong Marty Reisman recita: “Un giovane con un
sogno che nessuno rispetta attraversa l’inferno e torna indietro alla ricerca della
grandezza”. Il film, oltre a Timothée Chalamet e Gwyneth Paltrow vanta un cast composto da
Fran Drescher nel ruolo della madre di Marty e
ancora il rapper Tyler, the Creator, il mago
Penn Jillette, Odessa A’zion, il
personaggio di “Shark Tank” Kevin O’Leary
(alias Mr. Wonderful) e il regista Abel
Ferrara.
La commedia drammatica sportiva è un
racconto romanzato della vita reale di Marty
Reisman, cinque volte medaglia di bronzo ai Campionati
mondiali di tennis tavolo, scomparso nel 2012. Il direttore della
fotografia Darius Khondji ha dichiarato all’inizio
di quest’anno che Chalamet si è allenato a fondo per interpretare
la star del ping pong. “Voleva essere come un vero giocatore di
ping pong [professionista] quando ha iniziato le riprese”, ha
detto Khondji.
Secondo quanto riferito, è stato
rivelato il budget per la
quinta stagione di Stranger
Things. La quinta e ultima stagione della serie
fantascientifica di grande successo di Netflix sarà disponibile sulla piattaforma
di streaming a partire dal 26 novembre e vedrà il gruppo prepararsi
per una battaglia finale contro Vecna
e le forze malvagie che hanno afflitto Hawkins.
Stranger Things è stata acclamata come
una delle migliori serie televisive di tutti i tempi, ottenendo
numerosi riconoscimenti durante la sua messa in onda, e la stagione
culminante si preannuncia ancora più epica delle precedenti.
Tuttavia, nonostante la quinta stagione di Stranger Things abbia un numero
ridotto di episodi (otto rispetto ai nove della stagione
precedente), Netflix non risparmierà denaro.
Secondo Puck, lo streamer ha
speso dai 50 ai 60 milioni di dollari per episodio per la stagione
finale della serie, per un costo totale compreso tra i 400 e i 480
milioni di dollari. Si tratta di un aumento rispetto al budget
riportato per la quarta stagione, pari a 30 milioni di dollari per
episodio.
Questa cifra sbalorditiva illustra
l’evoluzione epica che la televisione ha subito negli ultimi tempi.
Anche se il costo per episodio non è abbastanza per competere con
Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere o la
prossima
serie TV Harry Potter, la rende comunque una delle
stagioni più costose nella storia della televisione.
Il costo totale della stagione,
compreso tra i 400 e i 480 milioni di dollari, supera quello della
stragrande maggioranza dei film realizzati. Jurassic World Dominion detiene ufficialmente il record
del film più costoso mai realizzato, con un budget netto di 465
milioni di dollari, e anche il budget degli episodi di Stranger
Things è superiore a quello di alcuni film di medio budget.
Il ritardo nell’uscita della quinta
stagione di Stranger Things, così come il numero ridotto di
episodi, ha probabilmente molto a che fare con la portata
astronomica degli episodi finali, ma, dal punto di vista narrativo,
questa è una notizia entusiasmante e promette una stagione finale
adeguatamente epica e sbalorditiva, con quelli che potrebbero
essere alcuni dei set più impressionanti mai realizzati per la
televisione.
Al momento, Stranger Things
ha un’eredità nella cultura popolare che molti franchise possono
solo sognare, e la quinta stagione, se realizzata con successo, non
farà che consolidarla ulteriormente. Resta da vedere se Netflix
realizzerà mai una serie più costosa, dato che l’era della
televisione ad alto budget sembra essere in declino, ma sembra che
questa serie chiuderà in modo adeguato quell’era di successi
televisivi, elevando ancora una volta l’ambizione creativa delle
serie in streaming.
Il nuovo trailer e le immagini
della quarta stagione di The
Witcher offrono la migliore anteprima finora di Geralt,
interpretato da Liam Hemsworth, e della sua ricerca
di Ciri (Freya
Allan). Dopo aver interpretato Geralt di Rivia nelle
prime tre stagioni, Henry Cavill ha lasciato la serie. Il
ruolo è stato riassegnato a Hemsworth per
la quarta e la quinta stagione di The Witcher,
quest’ultima delle quali segnerà la fine della serie.
La nuova interpretazione di Geralt
è stata già anticipata in alcune immagini e in un clip che lo
mostra in azione durante la prossima stagione. Il clip ha rivelato
la differenza più grande tra le versioni di Geralt interpretate da
Henry Cavill e Liam Hemsworth, ovvero le voci
distintive dei due attori.
Ora Netflix ha pubblicato un trailer che mostra
completamente il Geralt di Hemsworth. Il filmato inizia con la
narrazione del nuovo personaggio di Laurence Fishburne, Regis, mentre Geralt
sguaina la sua spada e combatte i mostri. L’attenzione si sposta
poi sulla ricerca di Ciri in tutto il continente, che osserva di
essere “sempre persa, mai trovata”. Geralt dice cinicamente:
“Che compagnia mi sono ritrovato”, riferendosi agli altri
personaggi che si uniscono alla sua missione.
Nel frattempo, una minaccia oscura
cresce mentre Vilgefortz (Mahesh Jadu) raduna un esercito e trama
un piano sinistro che coinvolge Ciri. Geralt grida: “Muoviamoci,
cazzo!” e si chiede cosa succederà se non riuscirà a salvare Ciri,
mentre Yennefer (Anya Chalotra) organizza una resistenza contro
Vilgefortz. Il trailer mostra scene ricche di azione in cui tutti e
tre i personaggi combattono i loro nemici. Guarda il trailer qui
sotto:
Oltre al trailer, Netflix ha
pubblicato nuove immagini di Geralt interpretato da Hemsworth,
Ciri, Yennefer, Regis e altri personaggi chiave. Guarda le immagini
qui sotto:
Cosa significa questo per la
quarta stagione di The Witcher
La reazione dei fan al fatto che
Hemsworth abbia preso il posto di Cavill nel ruolo principale è
stata in gran parte negativa. Nonostante ciò, il nuovo trailer e le
nuove immagini sono un ottimo motivo per guardare la quarta
stagione. Hemsworth sembra perfetto per la parte e trasmette lo
stoicismo, l’intensità, il cinismo, l’odio verso se stesso e il
codice morale che definiscono il personaggio, sia nei momenti più
tranquilli che in quelli ricchi di azione.
Anche se sono di nuovo separati,
Geralt, Ciri e Yennefer continueranno a essere il cuore dello show
nella quarta stagione. Allo stesso tempo, la serie sta chiaramente
entrando in una nuova era, che il personaggio di Laurence
Fishburne, Regis, sta contribuendo a inaugurare.
Regis che dice “The
Witcher è in uno stato di cambiamento” e che Geralt sta
“diventando qualcosa di nuovo” sembra riferirsi tanto al
protagonista quanto alla serie stessa. La serie avrà
inevitabilmente un aspetto e un’atmosfera diversi con Hemsworth al
posto di Cavill, e questo cambiamento significativo si rifletterà
anche nell’evoluzione del personaggio di Geralt in questa
stagione.
Heat
2, il sequel del classico poliziesco di
Michael Mann del 1995, ha ricevuto un
aggiornamento ufficiale e positivo nella giornata di martedì 7
ottobre, con l’ingresso di una nuova casa di produzione che intende
portare il progetto sul grande schermo. The Hollywood Reporter ha
infatti rivelato che la United Artists, che fa parte della Amazon
MGM Studios, è in trattative con la Warner Bros. per acquisire il
film. Inoltre, Jerry Bruckheimer e Scott
Stuber si sono uniti a Mann e Nick
Nesbitt come produttori del film, basato sul romanzo
Heat 2 scritto da Mann in collaborazione con
Meg Gardiner e pubblicato nel 2022.
Heat 2 è stato
inizialmente annunciato dalla Warner Bros. nel luglio 2022, ma da
allora il progetto ha dovuto affrontare molti ostacoli, tra cui
l’impossibilità di Mann e Warner Bros. di
trovare un accordo sul budget, secondo quanto riportato sempre
da The Hollywood Reporter. La Warner Bros. ha ora deciso di vendere
il progetto ad agosto e, sebbene molti studi cinematografici – tra
cui Paramount e Sony – fossero interessati, alla fine ha vinto la
United Artists.
L’originale Heat – La sfida vedeva Robert De Niro nei panni del calcolatore
maestro del crimine Neil McCauley, impegnato a pianificare una
grande rapina, mentre Al Pacino interpretava il poliziotto Vincent
Hanna incaricato di catturare McCauley. Con un cast che includeva
anche Val Kilmer, Jon Voight,
Tom Sizemore, Amy Brennenman,
Ashley Judd e una giovane Natalie Portman, Heat è ampiamente considerato
un classico del genere, con un punteggio dell’84% su Rotten
Tomatoes.
Il romanzo Heat 2
funge sia da prequel che da sequel della storia del film originale.
Una trama è incentrata su una versione più giovane di McCauley,
mentre lui e la sua banda compiono varie rapine, mentre la storia
ambientata dopo il film originale segue Chris Shiherlis, il
personaggio di Kilmer, e i suoi tentativi di ricongiungersi con la
sua ex fidanzata.
Secondo quanto riportato, molti
attori di primo piano sono interessati ai ruoli in Heat
2. Leonardo DiCaprio, Austin Butler, Adam Driver, Bradley Cooper e altri sono stati menzionati
in relazione al progetto, anche se al momento non sarebbero state
fatte loro offerte. Tuttavia, sembra che le trattative per comporre
il cast del film potrebbero iniziare a breve e che proprio questi
nomi potrebbero essere confermati per il progetto.
Per quanto riguarda il motivo per
cui Heat 2 è stato venduto dalla Warner Bros.,
come anticipato lo studio e Mann non erano d’accordo sul budget.
Secondo quanto riportato, Mann inizialmente voleva un budget di 230
milioni di dollari, ma alla fine è sceso a 170 milioni. La Warner
avrebbe realizzato il film per 135-140 milioni di dollari, o anche
150 milioni se Mann si fosse impegnato anche per un Heat
3, secondo THR.
La United Artists non ha al momento
fornito alcuna informazione sul potenziale budget, né ci sono
aggiornamenti sui tempi di uscita di Heat 2 nelle
sale cinematografiche. Tuttavia, considerando l’amore per il film
originale e il fatto che il romanzo è diventato un best-seller, è
probabile che ci sia un notevole interesse per lo sviluppo del film
in futuro.
Fast X:
Part 2 ha fatto pochi progressi da quando il suo
predecessore è stato rilasciato nel 2023, e un recente rapporto
solleva preoccupazioni sul fatto che il gran finale della serie
potrebbe non avvenire affatto. La
serie Fast era popolare fin dal suo esordio nel 2001, ma
Fast Five del 2011 l’ha trasformata in un fenomeno al
botteghino. È diventato uno spettacolo d’azione pieno delle più
grandi star d’azione di Hollywood.
Furious
7 e The Fate of the Furious hanno incassato oltre 1
miliardo di dollari al botteghino. Tuttavia, la popolarità della
serie è diminuita di recente, e gli incassi deludenti di F9 e
Fast
X dimostrano che il pubblico non è più così
interessato alla storia di Dominic Toretto e della sua famiglia
come un tempo. Nemmeno il folle cattivo interpretato da
Jason Momoa è riuscito a salvare
l’ultimo capitolo.
Essendo la prima parte di un finale
in due parti, Fast
X termina con un enorme cliffhanger, in cui Dom e suo
figlio cercano di sopravvivere a una gigantesca esplosione causata
da Dante, interpretato da Momoa. Tuttavia, il pubblico potrebbe non
scoprire mai cosa succede a Dom, dato che Fast 11 non ha
ancora una data di uscita e potrebbe non averla presto se la
Universal e Vin
Diesel non riusciranno a trovare un compromesso.
La Universal sta valutando di
non realizzare Fast and Furious 11
Fast X non è stato un flop
al botteghino, ma è stato una delusione per la Universal. Ha
incassato 704 milioni di dollari in tutto il mondo, una cifra
impressionante per qualsiasi film. Tuttavia, il film aveva un
budget dichiarato di 340 milioni di dollari, il che significa che
aveva bisogno di circa 850 milioni di dollari per andare in
pareggio. Non essendoci riuscita, la Universal sta adottando un
approccio più cauto per l’ultimo capitolo della serie.
In un nuovo articolo del The Wall Street Journal, è stato rivelato che il budget
di Fast 11 è una preoccupazione significativa per lo studio.
Secondo quanto riferito, la sceneggiatura iniziale richiederebbe un
budget di 250 milioni di dollari, ma la Universal non è disposta
a realizzare il film per più di 200 milioni di dollari. Parte
di quel budget è destinato al numeroso cast del film e alle spese
per le riprese in location internazionali.
Secondo l’articolo, la Universal
sta cercando di limitare le location delle riprese all’estero e di
ridurre il cast del film, ridimensionando i ruoli dei personaggi o
eliminandoli del tutto. Si tratta di una sfida importante per il
prossimo film, che ha già un cast imponente e dovrebbe vedere anche
il ritorno di Dwayne Johnson e Gal
Gadot.
Tutto ciò che Vin Diesel ha
detto sullo sviluppo di Fast & Furious 11 dopo Fast X
Diesel è uno showman nel cuore.
Vuole offrire la migliore esperienza possibile ai fan e rendere
giustizia ai personaggi di questa saga. Tuttavia, la sua visione
per Fast 11 potrebbe essere eccessiva per la Universal,
soprattutto se lo studio sta cercando di ridurre il budget. Ha
fatto diversi annunci, ma senza una sceneggiatura è difficile dire
quali si realizzeranno.
In un post su Instagram che
Diesel ha
condiviso per celebrare la Festa del Papà nel 2024, l’attore di
XXX ha condiviso il concept art di Fast 11 e l’ha
definito un “road trip americano”. Una trama incentrata
su un road trip potrebbe funzionare, dato che Dom e suo figlio
viaggiano attraverso gli Stati Uniti cercando di trovare il resto
della sua famiglia. Ciò consentirebbe anche alla Universal di
girare il film principalmente in location nazionali.
Le altre grandi rivelazioni sono
state condivise al FuelFest 2025 di Los Angeles (tramite HotCars).
L’attore ha detto di aver concordato con la Universal di realizzare
Fast 11 a tre condizioni. La prima era che avrebbe
ricevuto una data di uscita nell’aprile 2027. La seconda era
che avrebbe riportato le corse su strada a Los Angeles e la terza
era che Brian O’Conner di Paul
Walker sarebbe tornato.
Sulla base del rapporto del
WSJ, non sembra che la Universal abbia accettato queste
condizioni con Diesel, e l’attore stava semplicemente cercando di
entusiasmare il pubblico. Una data di uscita nell’aprile 2027 non è
realistica e il ritorno di Brian potrebbe essere vittima dei tagli
al budget. Tuttavia, le corse su strada potrebbero ancora essere
una parte essenziale di Fast 11.
Fast and Furious 11 vedrà la
luce?
L’ultimo capitolo della
saga Fast and Furious molto probabilmente verrà
realizzato per un paio di motivi. È ancora una delle serie di
maggior successo della Universal, e lo studio potrebbe trarne
profitto se il film finale venisse realizzato con un budget
ragionevole. L’articolo del WSJ afferma anche che gli
sceneggiatori e i dirigenti stanno ancora cercando modi per
continuare la serie con spin-off o serie TV.
Un altro motivo è l’effetto Diesel.
È incredibilmente appassionato di Dom Toretto e di questa serie. È
difficile credere che non sarebbe disposto a scendere a compromessi
se lo studio gli chiedesse di apportare alcune modifiche alla
trama. Concludere con un cliffhanger sarebbe un peccato, e
Diesel sa che ci sono ancora molti fan che vogliono vedere come
finisce questa storia.
La triste verità è che un budget
inferiore per Fast X: Part 2 potrebbe essere la
soluzione migliore. Il franchise è sfuggito al controllo e sta
perdendo pubblico e critici con le sue sequenze d’azione esagerate
e senza senso. È diventato una parodia di se stesso, e un ritorno
alle sue origini più modeste, legate alle corse su strada, potrebbe
essere proprio ciò di cui Fast 11 ha bisogno.
IN COPERTINA: Vin Diesel arriva al
Charlize Theron Africa Outreach Project
(CTAOP) 2023. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
La prossima serie Marvel Spotlight, Wonder
Man, arriverà su Disney+ questo dicembre e, nonostante
siano state mostrate alcune immagini promozionali e brevi frammenti
di filmato, Disney+ non ha ancora pubblicato un
trailer completo.
Si vociferava che il primo teaser
sarebbe uscito questo sabato durante il New York Comic-Con, e il
seguente post su Instagram della star
Yahya Abdul-Mateen II potrebbe averlo
confermato.
Sebbene l’attore di
Watchmen e Aquaman non menzioni
effettivamente il NYCC nel suo post, condivide la foto di un
berretto con un nuovo logo in stile animato per la
serie.
Il responsabile dello streaming,
della televisione e dell’animazione della Marvel, Brad
Winderbaum, ha recentemente confermato il numero di
episodi della serie, esprimendo anche il suo sostegno a Wonder Man
definendola “la migliore serie che nessuno abbia mai
visto”.
“Wonder Man è composta da otto
episodi. È una novità assoluta per la Marvel”, racconta il
dirigente a Collider. “Nasce direttamente dalle menti di Destin
Daniel Cretton e Andrew Guest. Onestamente, è una delle mie cose
preferite in assoluto. Penso che sia la serie migliore che nessuno
abbia mai visto, e sono molto emozionato di vedere la reazione del
pubblico. Penso che sia una lettera d’amore a ciò che facciamo come
registi. È una lettera d’amore alla recitazione come professione,
ed è una serie molto sincera e bella.”
I Marvel Studios
hanno rivelato ben poco su Wonder
Man, anche se sappiamo che Sir Ben Kingsley
riprenderà il ruolo di Trevor Slattery in Iron Man
3 e Shang-Chi e la leggenda dei dieci
anelli. Byron Bowers si è
recentemente unito al cast, mentre Ed
Harris, Bob Odenkirk e Courtney Cox sono tra coloro
che si dice possano apparire.
Stella Meghie (The
Photograph) si occuperà della regia di più episodi, mentre
Cretton sarebbe stato incaricato di dirigere le prime due puntate.
Wonder
Man è stato precedentemente descritto come
una “satira sui supereroi” e “una lettera
d’amore a Los Angeles e all’industria”.
I produttori Destin Daniel
Cretton e Andrew Guest stanno puntando su
un tono simile a serie come Silicon Valley, Dave e Barry. Per
quanto riguarda la durata degli episodi,
Winderbaum afferma che varierà. “C’è un po’ di
margine di manovra per quanto riguarda la durata degli episodi,
quindi penso che il nostro episodio più breve duri circa 20 minuti,
mentre il più lungo circa 40 minuti.”
Wonder Man ha fatto il suo debutto
nei fumetti Marvel Comics nelle pagine di Avengers
#9 nel 1964. Inizialmente un cattivo, fu poi ritrasformato in
un eroe (e in un Vendicatore) negli anni Settanta. Il
Tristo Mietitore è suo fratello e le sue onde cerebrali sono state
utilizzate da Ultron come base per la Visione; in seguito, si è
unito ai Vendicatori della Costa Ovest ed è diventato una star di
Hollywood.
Wonder
Man non ha ancora una data di messa in onda
confermata, ma arriverà a dicembre prossimo.
Sono iniziate il 26 settembre a
Otranto le riprese de L’ora di
tutti, esordio alla regia di Stefania
Rocca.
Tratto dall’omonimo romanzo di Maria
Corti sul sacco dei Turchi ad Otranto nel 1480, il film
reinterpreta il testo rendendolo una narrazione senza tempo che
mette al centro la forza delle comunità che non accettano di
soccombere al più forte.
Maria Corti, tra le voci più
originali della critica e della narrativa del Novecento, ha fatto
della pluralità dei punti di vista il centro della sua scrittura.
Nei suoi testi la storia si frammenta in una costellazione di voci,
rivelando la relatività della verità e della memoria. In L’ora
di tutti, dedicato alla strage di Otranto del 1480, un unico
evento si ricompone attraverso prospettive diverse, trasformandosi
in un mosaico di coraggio e paura, visioni individuali che
diventano racconto collettivo.
La dichiarazione di Stefania Rocca
“Ho lavorato sulle emozioni,
seguendole senza barriere narrative di tempo o di luogo
continuando, come avevo già fatto nella mia prima regia teatrale,
quel percorso di sperimentazione atto a fondere diversi linguaggi
che ho approfondito nei miei anni di carriera e che sento parte di
me.Per questo mi piace abbattere i confini tra cinema,
teatro, danza e musica. Usando liberamente i mezzi espressivi per
me più idonei a raccontare le tante piccole storie che sono dietro
ai grandi rivolgimenti, non in maniera didascalica ma
emozionale” Stefania Rocca.
Interpretato da Alice
Pagani, Simone Coppo, Eleonora De Luca, Ignazio Oliva, Giulia
Petrungaro con Alessio Boni, Dalila De
Marco Lorenzo Scalzo, Vincenzo Palazzo, Elena
Micchiché e con la partecipazione
di Timofej
Andrijashenko, l’étoile Nicoletta
Manni e l’Accademia Teatro alla
Scala, L’ora di
tutti è prodotto da Ora one
production srl e Louis Nero
film e sarà girato interamente in Salento.
Nuove foto dal set della prossima
serie TV di Harry Potter della HBO sembrano
rivelare un altro momento significativo della prima stagione,
adattamento di Harry Potter e la Pietra
Filosofale. Le riprese sono attualmente in corso in
Cornovaglia, in Inghilterra, con Dominic
McLaughlin (Harry Potter) e Bel Powley
(Petunia Dursley) entrambi avvistati in abiti anni ’90.
Si tratta di quello che sembra far
parte della preparazione al viaggio di Vernon
Dursley alla Catapecchia sullo scoglio,
dove crede che la famiglia e Harry a sfuggire all’infinita ondata
di lettere da Hogwarts che invitano il ragazzo a
entrare nel Mondo Magico. Tuttavia, come abbiamo sottolineato su
SFFGazette.com oggi,
sembra che la serie potrebbe espandere quella parte della storia
con materiale originale.
Secondo Redanian Intelligence,
“le riprese sono iniziate al Cadgwith Cove Inn prima di
spostarsi sulla spiaggia, dove è stata girata una scena drammatica
sotto una pioggia simulata, con un’auto circondata da barche da
pesca e comparse in tradizionali abiti da sud-ovest”. “La
scena, a quanto pare, mostrava Harry e forse Bel Powley nei panni
di zia Petunia, a cui veniva ordinato di uscire dal veicolo da un
uomo armato di pistola”.
Sebbene possa essere stato commesso
un errore riguardo a ciò che è stato girato, è possibile che si
tratti di una nuova scena aggiunta all’interpretazione della HBO
della serie di libri dell’autrice J.K. Rowling.
Ampliare il periodo di Harry con i Dursley darà sicuramente i suoi
frutti nelle stagioni future, dal momento che spesso sono stati
trascurati nei film, soprattutto nei capitoli successivi al primo
(e alla luce della loro importanza alla fine della storia!).
Sappiamo che il set della
Catapecchia sullo Scoglio è fondamentale perché è il luogo in cui
Harry conosce Hagrid e entra in contatto davvero, per la prima
volta, con il mondo della Magia e con una nuova concezione di sé.
E’ qui che il Custode delle chiavi e dei luoghi a Hogwarts gli
rivelerà che è, in definitiva, un mago! “E un mago coi fiocchi, una
volta che avrai studiato!”.
Inoltre, Variety ha appreso che la Warner
Bros. celebrerà il 25° anniversario di Harry Potter e la
Pietra Filosofale il prossimo anno con “una riedizione
cinematografica mondiale del film originale, prodotti in edizione
speciale e promozioni al dettaglio”.
Cosa sappiamo della serie
HBO su Harry Potter
La prima stagione sarà tratta dal
romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni
altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere
trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry
Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del
2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi
dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che
significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un
decennio.
HBO descrive la serie come un
“adattamento fedele” della serie di libri della Rowling.
“Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà
‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo
ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese
dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa
in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da
Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di
showrunner. Mark Mylod sarà il produttore
esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La
serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e
Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e
David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato, Dominic
McLaughlin interpreterà Harry, Arabella
Stanton sarà Hermione e Alastair Stout
sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente,
Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt,
Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid,
Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley,
Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy,
Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy,
Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan,
Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil,
Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown,
Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge,
Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e
Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory
Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos
Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise
Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton
Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i
fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred
Weasley, Gabriel Harland George Weasley,
Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie
Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO e
HBO
Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e
sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”,
“Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori
esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair
e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday
Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros.
Television.
Sebbene Serkis (Gollum) sia
l’unico attore confermato a riprendere il suo ruolo,
sembra probabile che SirIan McKellen (Gandalf) e Viggo Mortensen (Aragorn) torneranno, e
Orlando Bloom (Legolas) ha lasciato
intendere che potrebbe apparire anche lui. Ora, Elijah Wood ha lasciato intendere che
tornerà nei panni di Frodo Baggins.
Wood ha dichiarato quanto segue
durante un’apparizione al DesertCon in Messico durante il fine
settimana (tramite CBR). “Beh, non posso dire nulla al
riguardo. Ne so parecchio. L’ho letto. È davvero bello. Ci sono
delle persone meravigliose coinvolte. La cosa più emozionante è che
si tratta di riunire il team creativo. I cervelli dietro Il Signore
degli Anelli, Fran, Peter, Philippa, sono tutti fortemente
coinvolti.”
“E poi, gli stessi scenografi.
Sarà girato in Nuova Zelanda”, ha continuato. “Quindi,
porterà con sé una tale continuità con così tante persone che hanno
fatto parte de Il Signore degli Anelli, e ne sono davvero
entusiasta. È come rimettere in funzione quella vecchia macchina
con tutte le persone giuste.”
Non siamo sicuri che Elijah
Wood abbia rivelato più di quanto volesse, ma se
ha letto la sceneggiatura, ci sono ottime probabilità che sia a
bordo! Certo, potrebbe aver ricevuto la sceneggiatura per
sondare il suo interesse, ma qualcosa ci dice che vedremo Frodo in
questo film, anche se solo per un paio di scene.
Non siamo sicuri di come questi
attori saranno ringiovaniti per interpretare versioni più giovani
dei loro personaggi, ma Serkis ha precedentemente ipotizzato che
potrebbe essere utilizzata l’intelligenza
artificiale.
Le dichiarazioni di Peter
Jackson
“È un onore e un privilegio
tornare nella Terra di Mezzo con il nostro caro amico e
collaboratore, Andy Serkis, che ha un conto in
sospeso con quel puzzolente di Gollum!”, hanno dichiarato
Peter Jackson, Philippa Boyens e
Fran Walsh in una dichiarazione in occasione
dell’annuncio del film. “Come fan di lunga data della vasta
mitologia del Professor Tolkien, siamo orgogliosi di lavorare con
Mike De Luca, Pam Abdy e l’intero team della Warner Bros. per
un’altra epica avventura!”
“Sì … “Per oltre due decenni,
gli spettatori hanno abbracciato la trilogia cinematografica del
Signore degli Anelli per l’innegabile dedizione che Peter, Fran e
Philippa hanno dimostrato nel proteggere l’eredità delle opere di
Tolkien e per garantire che il pubblico potesse sperimentare
l’incredibile mondo da lui creato in un modo che onorasse la sua
visione letteraria”, hanno aggiunto i responsabili
cinematografici di WBD, Pam Abdy e Michael De Luca. “Siamo
onorati che abbiano accettato di essere nostri partner per questi
due nuovi film. Con Andy a bordo per dirigere Il Signore degli
Anelli: Caccia a Gollum (*WT), continuiamo un importante impegno
per l’eccellenza che è un vero segno distintivo di come tutti noi
vogliamo avventurarci in avanti e contribuire ulteriormente alla
storia cinematografica del Signore degli Anelli”.
Il mondo costruito da Tolkien ne
Il Signore degli Anelli è vasto e comprensivo, con
molte storie lasciate in sospeso attraverso la Prima, la Seconda e
la Terza Era. Descrivendo la regia del prossimo film come “un
sogno che si avvera“, Andy Serkis ha rivelato che il progetto è
quello di raccontare le storie non sfruttate di questo mondo.
“Abbiamo iniziato a parlarne circa otto mesi fa“, ha
ricordato l’attore. “Dicevano: ‘Andy vogliamo davvero
rinvigorire la Terra di Mezzo. Ci sono così tante storie nuove che
vogliamo coinvolgere“.
Dato che Gollum incontra la sua fine
tra le fiamme del Monte Fato verso la fine de Il ritorno del Re, è lecito aspettarsi che il film si
svolgerà prima di quegli eventi, idealmente anche prima che Frodo
intraprenda il suo viaggio. Questo suggerisce che personaggi
iconici come Aragorn, Boromir,
Gandalf e Legolas potrebbero
tornare in qualche modo, come suggerisce Serkis. Viggo Mortensen, che ha interpretato Aragorn
nella trilogia originale, si è
detto interessato se la trama è quella giusta.
Da oggi, 8
ottobre, in esclusiva su Sky Cinema e in streaming solo su
NOW arriva la prima delle due nuove storie di
Petra – Stagione 3, Sky Original con
Paola Cortellesi e Andrea
Pennacchi per la regia di Maria Sole
Tognazzi.
Ne Il silenzio
dei chiostri ritroviamo una Petra Delicato in una veste
inedita: vive con il compagno Marco e i suoi tre figli, affrontando
un nuovo equilibrio familiare che la mette alla prova sul piano
personale. Ma i cambiamenti privati non rallentano la sua attività
di Ispettrice a Genova: un omicidio legato al furto di una reliquia
la trascina nel mondo dei furti d’arte e nei segreti di un convento
di suore.
Paola Cortellesi torna a vestire i panni
dell’iconica ispettrice Petra Delicato, affiancata
dall’inseparabile Andrea Pennacchi nel ruolo del
viceispettore Antonio Monte. Nel cast ritornano Manuela
Mandracchia, nei panni di Beatrice, moglie di Monte, e
Francesco Colella in quelli di Marco, l’ironico e
irriverente fidanzato di Petra; infine, Suor Adriana, la madre
superiora del convento in cui è ambientata questa storia, è
Laura Marinoni.
Le due nuove storie
di questa terza stagione, prodotte da Sky Studios
e Cattleya – parte di ITV Studios
– in collaborazione con BETA FILM e il
Ministero della Cultura – Direzione Generale Cinema e
Audiovisivo – Opera realizzata con il contributo del Fondo
per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell’audiovisivo,
sono scritte da Giulia Calenda, Furio
Andreotti, Ilaria Macchia con la
collaborazione alle sceneggiature di Paola Cortellesi e basate sulle
opere di Alicia Giménez-Bartlett – Il silenzio
dei chiostri e Gli onori di casa – entrambe edite in
Italia da Sellerio.
La trama della
prima nuova storia di Petra – Stagione 3
Ritroviamo Petra
immersa in un inedito equilibrio domestico e alle prese con un
nuovo, complicatissimo caso: un omicidio con furto di reliquia
all’interno di un convento. Nel tentativo di venirne a capo, Petra
e Antonio dovranno immergersi nel mondo dei furti d’arte e nella
riservatissima comunità di suore, entrando così in contatto con
un’idea di comunità che toccherà Petra più da vicino di quanto
pensasse.
Petra – Stagione 3 va in onda mercoledì 8 e 15 ottobre alle 21:15 su Sky Cinema
Uno, in streaming su NOW e disponibile on demand. Su Sky sarà
disponibile on demand anche in 4K. E grazie a Sky Extra (il
programma loyalty di Sky), per i clienti Sky da più di 3 anni il
film sarà disponibile in anteprima on demand con Primissime.
Petra – Stagione 3, | Oggi la prima storia in esclusiva su Sky
Cinema e in streaming solo su NOW
Il candidato all’Oscar Matt Dillon (Crash) è stato
scelto per interpretare Frank Stallone Sr., padre di
Sylvester Stallone, in I
Play Rocky di Amazon MGM Studios, il film sul
making of di Rocky diretto da Peter
Farrelly, in cui Anthony Ippolito
interpreta un giovane Sylvester.
Immigrato negli Stati Uniti
dall’Italia da adolescente, Stallone Sr. era un parrucchiere che
nel corso della sua vita ha aperto una serie saloni di barbieri,
centri e scuole di bellezza lungo la costa orientale. Come
raccontato in Sly, il documentario Netflix del 2023, Stallone Sr. era un uomo
complicato: laborioso e carismatico, ma allo stesso tempo
violento sia fisicamente che emotivamente nei confronti del
figlio. Nel documentario, Sylvester ricorda: “Mio
padre era Rambo nella realtà. Non si è mai risolto nulla
verbalmente”. Ciononostante, Stallone cercò l’approvazione del
padre per tutta la vita, anche attraverso la sua arte. Gli
organizzò un cameo in Rocky del 1976, come
cronometrista.
Scritto da Peter
Gamble, I Play Rocky è
presentato come un’elettrizzante storia vera su un attore
sconosciuto con l’incrollabile convinzione di non essere
destinato solo a scrivere Rocky, ma anche a essere Rocky
Balboa. Rifiutato ogni volta, Stallone punta tutto su se
stesso, mantenendo la linea per interpretare il ruolo principale
contro ogni previsione. Il risultato è la storia di un perdente per
eccellenza dietro il film di un perdente per eccellenza.
Come annunciato in precedenza,
Stephan James interpreta anche Carl
Weathers, l’attore che ha interpretato il rivale di Rocky,
diventato amico e mentore, Apollo Creed, nel corso della
saga cinematografica. AnnaSophia Robb è stata
annunciata questa mattina per interpretare la prima moglie di
Sylvester Stallone, Sasha Czack.
Toby Emmerich e Christian Baha
stanno producendo il film, destinato all’uscita nelle sale
cinematografiche, mentre FilmNation Entertainment si occuperà dei
servizi di produzione e delle vendite internazionali.
Matt Dillon ha ottenuto la nomination
all’Oscar per un ruolo di simile autorevolezza a quello che sta
affrontando in I Play Rocky. Si tratta di John
Ryan, l’agente razzista e moralmente corrotto del LAPD in
Crash, film vincitore del premio come miglior film
di Paul Haggis. Ha mostrato le sue doti
drammatiche in una miriade di altri progetti, che vanno da
I ragazzi della 56ª strada e Rusty il
selvaggio a Drugstore Cowboy, sebbene sia
altrettanto noto per le sue doti comiche mostrate in film come
Tutti pazzi per Mary.
Apparso di recente in
Asteroid City di Wes Anderson e
nella serie Apple High Desert, l’attore è
rappresentato da UTA, The Artists Partnership, Untitled
Entertainment e Heller Law.
Ambientato nel Giappone
tardo-medievale, il
film fantasy
d’azione del 2013 47
Ronin (qui
la recensione) vede Keanu Reeves nei panni di
Kai, membro di un vero gruppo di samurai che
continua a essere immortalato nel folklore giapponese. Il film
ruota attorno al gruppo omonimo di ronin (samurai erranti senza
padrone) che partono per vendicare la morte del loro signore per
mano di un crudele shōgun (governante militare). Questa ardua impresa
porta Kai e i suoi compagni guerrieri a incrociare il cammino di
streghe e draghi. Nonostante la sua miscela di storia e fantasia,
47 Ronin è stato un fiasco al botteghino e ha ottenuto recensioni
per lo più negative da parte della critica e del pubblico.
Nonostante il suo insuccesso,
47 Ronin è comunque interessante per chi desidera
saperne di più sulla storia giapponese. La sua trama centrale è
stata reinterpretata in diversi film e spettacoli, ma questo film
si distingue per la posta in gioco più alta e le sfumature
mitologiche. Mentre Kai, l’eroe per metà giapponese e per metà
inglese interpretato da Reeves, è un personaggio di fantasia, molti
altri membri del cast di 47 Ronin interpretano
personaggi reali. Hiroyuki Sanada nel ruolo del
leader dei ronin Yoshio Oishi e Min
Tanaka in quello del loro ex signore Asano
Naganori sono alcuni dei casi che rendono 47
Ronin in qualche modo basato su una storia vera.
Chi erano i veri 47 Ronin?
Come ha rivelato il regista di
47 Ronin, Carl Rinsch, il film è
sempre stato ispirato a una storia giapponese reale. Si tratta
della storia di un gruppo reale di 47 samurai senza padrone che un
tempo servivano il daimyo (signore feudale) Asano
Naganori. Ma quando il signore attaccò l’influente
funzionario di corte Yoshinaka Kira in un impeto
di rabbia, l’atto disonorevole costrinse Naganori a compiere un
rituale noto come seppuku, con cui si tolse la vita. Rimasti senza
padrone, i samurai di Naganori elaborarono un piano per vendicare
la sua morte un anno dopo. I 47 guerrieri raggiunsero il loro
obiettivo uccidendo Kira. Questo atto li aiutò finalmente a
riabilitare l’onore del loro padrone.
La cronologia di questi eventi,
tuttavia, non è specificata e ci sono diverse fonti per determinare
l’anno esatto. Per citare Rinsch, “47 Ronin è un evento
storico. È realmente accaduto, nel 1702 o 1703, a seconda dello
studioso a cui si crede”. William E. Deal,
nel libro di saggistica Handbook to Life in Medieval and Early
Modern Japan, aggiunge che anche se l’attacco contro Kira
sarebbe stato compiuto il 13 gennaio, i giapponesi commemorano
l’evento ogni anno il 14 dicembre. Rinsch ha anche menzionato come
il 14 dicembre “sia un giorno importante” per i giapponesi, che
chiudono le scuole e le banche e rendono omaggio alle tombe dei 47
ronin.
Alla fine del film 47
Ronin, Kai e il resto dei samurai vengono condannati a
morte per l’omicidio di Kira, poiché era stato loro proibito dallo
shōgun di vendicare il loro defunto signore. Tuttavia, viene deciso
che i guerrieri hanno comunque seguito il codice morale dei samurai
noto come bushido. Questo permette loro di morire con onore, poiché
tutti insieme compiono il rituale suicidio. Questo è infatti il
tragico destino che i veri ronin hanno dovuto subire dopo aver
ottenuto la loro vendetta. Con il sostegno dell’opinione pubblica a
favore dei ronin, le autorità giapponesi sono state costrette a
offrire loro una morte onorevole invece di punirli come
criminali.
Questa storia vera del seppuku in
cui furono coinvolti i samurai divenne il perfetto racconto morale
per gli anni a venire. Simboleggiando la lealtà incrollabile e
l’onore a cui le persone dovrebbero aspirare, la popolarità della
storia continuò a crescere fino all’era Meiji della storia
giapponese (1868-1912). Anche se il paese si stava modernizzando e
subiva radicali cambiamenti culturali durante questo periodo, la
storia dei 47 ronin contribuì a mantenere l’orgoglio per la cultura
e l’identità nazionale. Commentando i temi filosofici del loro
sacrificio, Carl Rinsch aggiunge: “Ha una reale risonanza
emotiva in quella cultura. Noi occidentali ne sappiamo molto
poco”.
Kai è un personaggio di
fantasia
Ciò che alcune persone potrebbero
non sapere di Keanu Reeves è la sua etnia mista. Il padre
dell’attore canadese è di origini hawaiane, cinesi, inglesi,
irlandesi e portoghesi. Allo stesso modo, il protagonista di
Reeves, Kai, in 47 Ronin è trattato come un emarginato dai
giapponesi a causa delle sue origini miste. Questo aspetto
razziale, così come il personaggio di Kai stesso, sono stati creati
esclusivamente per il film. In realtà, non c’era nessun guerriero
samurai per metà bianco nel gruppo. Come è ovvio, anche gli
elementi di stregoneria e le bestie simili a draghi sono elementi
narrativi fittizi che hanno il solo scopo di drammatizzare la trama
originale.
Il film che il regista Carl Rinsch
descrive come “Kurosawa sotto metanfetamine” è in definitiva
un’opera di storia alternativa con dettagli fortemente inventati,
proprio come il dramma dell’era Meiji L’ultimo samurai ha cambiato
la sua vera storia. Va comunque notato che molti altri personaggi
storici sono ritratti accuratamente in 47 Ronin. Ciò che il film
non cambia è l’inclusione del leader del gruppo, Yoshio
Oishi, e del loro leader defunto, Asano
Naganori, insieme allo shogun Tokugawa
Tsunayoshi. Fu proprio questo shogun a bollare i samurai
come ronin e a proibire loro di cercare vendetta. E, naturalmente,
anche l’obiettivo principale dei ronin, Yoshinaka
Kira, ha un ruolo significativo in 47
Ronin.
La vera storia dei 47
Ronin ha dato vita a un genere a sé stante
Nonostante la sua narrazione
fantastica, 47 Ronin non è la prima versione
romanzata della storia originale; alcuni dei migliori film di
samurai giapponesi l’hanno già drammatizzata in passato. Infatti,
la storia vera ha raggiunto uno status talmente leggendario nel
paese che le sue rivisitazioni romanzate nella letteratura e nella
cultura popolare sono collettivamente etichettate come Chūshingura
(che letteralmente si traduce come Il tesoro dei fedeli servitori).
Il classico giapponese in bianco e nero del 1928 Chūkon
giretsu: Jitsuroku Chūshingura è stato il primo film a
raccontare la storia dei 47 ronin. A questo sono seguiti diversi
altri film e programmi televisivi. Tra gli adattamenti inglesi c’è
un altro film con Keanu Reeves: Last Knights.
Per Carl Rinsch, il suo film del
2013 è in gran parte un’opera di Chūshingura, poiché reinterpreta
l’evento storico in modo molto simile a quanto fatto da altri
giapponesi sui 47 ronin. “Chūshingura non è solo una storia
storicamente accurata. Si tratta di prenderla e renderla propria.
C’è il Chūshingura di Hello Kitty, hanno raccontato la storia dei
‘47 Ronin’ con un cast tutto al femminile“, ha detto Rinsch,
menzionando anche come i registi giapponesi abbiano ideato prequel
e sequel della storia vera. Sebbene 47 Ronin non
sia riuscito a creare un impatto, la storia di quei 47 coraggiosi
guerrieri del Giappone del XVIII secolo continua a sopravvivere nel
mondo moderno.
Diretto da Robert
Connolly,
Chi è senza peccato – The Dry è un film giallo
che ruota attorno all’agente federale Aaron Falk,
che vive a Melbourne da vent’anni. Dopo una lunga assenza, Aaron
torna nella sua città natale, Kiewarra, dopo aver appreso la triste
notizia della morte del suo amico d’infanzia Luke.
Aaron è scioccato nello scoprire che Luke avrebbe ucciso il proprio
figlio e la moglie prima di togliersi la vita. Ma i suoi genitori
sostengono che non sia vero e che il loro defunto figlio fosse
innocente.
Alla fine, dopo ripetute richieste
da parte dei genitori del suo amico, Aaron accetta di indagare sul
caso, che apre un vaso di Pandora per l’intera città. La storia
ricca di colpi di scena ha impressionato gli spettatori di tutto il
mondo, che spesso si chiedono se il film sia frutto di fantasia o
se ci sia del vero. Se anche voi siete curiosi di saperne di più
sulle origini del film, siete nel posto giusto. Ecco tutto quello
che c’è da sapere.
La trama di Chi è senza peccato – The Dry
Dopo aver appreso di quanto accaduto
al suo amico Luke, l’agente federale
Aaron Falk accetta con riluttanza d’indagare sul
caso per capire se si tratta di qualcosa di più di un semplice
omicidio-sucidio e le ricerche porteranno alla luce una vecchia e
profonda ferita che ha a che fare con la morte di una diciassette
amica di Luke. Falk sospetta che ci sia un collegamento tra questi
due crimini e mentre si batte per dimostrare l’innocenza del suo
amico, sarà costretto ad affronta il pregiudizio e la rabbia
dell’intera comunità.
Chi è senza peccato – The Dry è
basato su una storia vera?
La risposta più rapida è che no,
Chi è senza peccato – The Dry non è basato su una
storia vera. Il film giallo è tratto dall’omonimo libro
dell’autrice britannico-australiana Jane Harper.
Parlando delle origini del film, Harper ha però dichiarato a
Waterstones: “Ho sviluppato l’idea di un giallo incentrato
sulla morte improvvisa e brutale di una famiglia di agricoltori in
una cittadina rurale colpita dalla siccità. Oltre al mistero
centrale, il romanzo punta i riflettori su una comunità sottoposta
a enormi pressioni, dove i mezzi di sussistenza e il futuro sono
indissolubilmente legati ai capricci del clima”.
Ha poi aggiunto: “Sebbene spero
che i lettori non riconoscano necessariamente se stessi o i loro
vicini in questi personaggi, spero che sia una storia che risuoni
con i lettori, ovunque vivano”. L’autrice chiarisce quindi
che, anche se la storia sembra basata su un fatto realmente
accaduto e alcuni dei personaggi potrebbero assomigliare molto a
persone che incontriamo nella nostra vita, la trama è stata ideata
da lei stessa.
Tuttavia, ci sono effettivamente
alcune somiglianze tra diverse comunità australiane e quelle
descritte nel libro. Harper non è solo un’autrice, ma anche una
giornalista. Ha lavorato per diversi anni nel Regno Unito come
giornalista senior prima di tornare in Australia nel 2008, dove ha
iniziato a lavorare per l’Herald Sun nel 2011.
In un’intervista con BookPage,
Harper ha parlato dell’influenza del suo lavoro nel campo del
giornalismo sul suo libro. Ha detto: “Lavorare come giornalista
mi ha aiutato a scrivere The Dry in molti modi. Mi ha dato
l’opportunità, nel corso degli anni, di parlare con persone che
affrontano una serie di problemi in molte comunità australiane
diverse (anche se nessuna è così disfunzionale come la città di The
Dry!). È stato parlando e ascoltando le persone delle piccole città
che ho iniziato a capire quanto le loro vite possano essere
strettamente legate e quanto fortemente dipendano dalla comunità e
gli uni dagli altri, nel bene e nel male“.
Adattare il romanzo
Tuttavia, adattare il libro di
Harper è stato anche un processo complicato. Parlando delle sfide e
della pressione che ne derivano, il regista Robert
Connolly ha dichiarato in un’intervista di aver letto il
libro e, invece di lasciarsi intimidire, ha cercato di capire
perché avesse riscosso così tanto successo e fosse piaciuto a così
tante persone. Voleva capire i motivi della sua popolarità in modo
da poterli replicare nel suo film, e il sostegno ricevuto da Harper
lo ha davvero aiutato a rendere giustizia ai personaggi e alla
trama complessiva.
Discutendo delle modifiche che ha
dovuto apportare alla storia, Connolly ha spiegato che era
fondamentale per il film esplorare aspetti specifici della storia
in modi diversi e che l’intero processo è stato piuttosto lungo.
Quindi, anche se le esperienze reali di Harper come giornalista
hanno influenzato la trama di Chi è senza peccato – The
Dry, il film prende solo ispirazione dalla vita reale per
guidare la sua narrazione fittizia e non è basato su una storia
vera.
Il nuovo film Predator
uscirà tra un mese, il 7 novembre, con il titolo Predator:
Badlands. Tuttavia, dopo il successo di Prey del 2022, molti fan potrebbero aver pensato che
sarebbe stato realizzato un sequel di quella storia piuttosto che
un film che offre una premessa rivoluzionaria, anticipata nei
trailer di Predator: Badlands.
Secondo uno dei produttori del
film, questo approccio unico al Predator è stato uno dei
motivi principali per cui il pubblico sta aspettando Predator: Badlands prima di Prey
2. Durante la visita sul set di Predator: Badlands
organizzata da ScreenRant, il produttore Ben Rosenblatt ha
spiegato il ragionamento suo e del regista Dan Trachtenberg:
“Una delle cose più importanti
per Dan e per me, e ciò che mi ha attratto di Prey, è che era
qualcosa di inaspettato. Era qualcosa che nessuno aveva mai fatto
prima con questo franchise. Quindi penso che, nel pensare a cosa
fare dopo, Dan fosse davvero determinato a trovare un modo per
realizzare il prossimo progetto senza renderlo prevedibile. E credo
che, mentre cercava di capire cosa potesse essere, avesse in mente
qualcosa del tipo: ‘Beh, questo è il tipo di grande cambiamento che
nessuno ha ancora intrapreso’”.
Trachtenberg, che ha anche diretto
Prey, supervisiona questa nuova storia su un giovane Predator
di nome Dek, interpretato da Dimitrius Schuster-Koloamatangi,
che è l’eroe di questa storia e si imbarca in una caccia per
dimostrare il proprio valore dopo essere stato emarginato dal suo
clan. Elle Fanning interpreta anche una sintetica che
accetta di aiutare Dek nella sua ricerca di una creatura
pericolosa.
Rosenblatt ha affermato che passare
direttamente a Prey 2 avrebbe potuto essere “una nuova versione
della stessa cosa”. Ha aggiunto: “Si sarebbe potuto realizzare
un Prey in cui si diceva: ‘Ok, ecco un periodo storico diverso’. Ma
penso che per noi fosse più: ‘Come facciamo ad andare
avanti?’”
Tuttavia, Rosenblatt ha tenuto a
precisare chePrey “non è qualcosa che stiamo
abbandonando”, ma che vogliono sviluppare la storia del
film.
Prey vedeva Amber Midthunder nei
panni di una giovane guerriera comanche che deve proteggere la sua
tribù quando un Predator arriva sulla Terra all’inizio del XVIII
secolo. Il film è stato ampiamente acclamato, ottenendo un
punteggio del 94% “Certified Fresh” dalla critica edè
stato visto comeuna rivitalizzazione del Predator
franchise.
È possibile guardare Prey in
streaming su Disney+.
Prey 2 era stato
precedentemente confermato per il 2024, e i commenti di
Rosenblatt confermano che il progetto è ancora nei loro piani.
ConPredator: Badlands, Trachtenberg e
compagnia sembrano aver voluto semplicemente continuare a esplorare
nuove aree dell’universo di Predator prima di tornare per il
sequel.
Buon compleanno Mr. Grape è un
film drammatico del 1993 che si colloca tra le opere
indipendenti americane degli anni ’90, caratterizzate da una forte
attenzione ai legami familiari e alle dinamiche sociali in piccoli
centri. La regia, curata da Lasse Hallström, si
distingue per uno stile intimista e sensibile, capace di raccontare
storie di crescita e di responsabilità attraverso uno sguardo
realistico e al tempo stesso poetico. Il film combina momenti di
dramma e delicate sfumature di commedia, creando un equilibrio
emotivo che coinvolge lo spettatore senza mai scadere nel
sentimentalismo eccessivo.
Il
cast del film è guidato da Johnny Depp, nei panni di Arnie Grape, il
fratello maggiore responsabile della famiglia, e Leonardo DiCaprio, nel ruolo di suo fratello
minore, affetto da disabilità intellettiva. La chimica tra i due
attori è centrale per la riuscita del film, permettendo di
esplorare con profondità la complessità dei rapporti fraterni.
Accanto a loro, Juliette Lewis e Mary
Steenburgen arricchiscono la narrazione, contribuendo a
delineare un microcosmo familiare realistico e sfaccettato. Il
casting accurato e le interpretazioni intense rendono credibile e
toccante la storia dei Grape, enfatizzando il peso delle
responsabilità e il valore della cura reciproca.
I temi trattati in
Buon compleanno Mr. Grape spaziano dalla famiglia
e dal senso di responsabilità alla crescita personale e alla
difficoltà di accettare i limiti altrui. Il film esplora la vita in
un piccolo centro, mostrando le sfide di chi deve gestire relazioni
complesse e problemi quotidiani che richiedono resilienza e
dedizione. Attraverso la vicenda dei fratelli Grape, il film
affronta anche argomenti delicati come la disabilità, la solitudine
e l’amore fraterno, con uno sguardo empatico e rispettoso. Nel
resto dell’articolo, verrà proposta una spiegazione del finale e
del significato profondo di questa storia commovente.
La trama e il cast di Buon compleanno Mr.
Grape
Dopo la morte del
padre, Glibert Grape (Johnny
Depp) si è fatto carico del fratello
minore Arnie (Leonardo
DiCaprio), affetto da autismo. Le sorelle di Gilbert
si occupano della casa, poiché la madre Bonnie, trascurata e obesa
da quando il marito è venuto a mancare, si rifiuta di alzarsi dal
suo divano. Così, Gilbert e Arnie hanno costruito un rapporto molto
profondo. Nonostante Gilbert rischi di perdere il lavoro e di
essere scoperto dal marito di Betty
Craver (Mary Steenburgen), con la
quale intrattiene una relazione clandestina, il ragazzo si occupa
sempre di Arnie e tiene a bada il suo brutto vizio di arrampicarsi
sul pluviometro della città.
Mentre la famiglia Grape si prepara
a festeggiare il diciottesimo compleanno di Arnie, Gilbert viene
folgorato dall’arrivo di Becky (Juliette
Lewis), che si ferma in città con sua nonna. Passare
del tempo con la nuova arrivata, tuttavia, non è così semplice.
Frustrato dall’ennesimo problema che la malattia di Arnie lo
costringe ad affrontare e da una situazione famigliare sempre più
complicata, Gilbert si troverà infine davanti all’occasione di
fuggire dalla pettegola cittadina di Endora, lontano dalla
precarietà e dai gravosi compiti che lo attendono. Ma sceglierà di
seguire la strada per la libertà o resterà per dedicarsi al
fratellino Arnie?
La spiegazione e il significato del
finale
Nel
terzo atto di Buon compleanno Mr. Grape, Gilbert,
sopraffatto dalle responsabilità quotidiane e dalle difficoltà
familiari, esplode in un momento di rabbia dopo che Arnie rovina
nuovamente la torta di compleanno e rischia di farsi del male,
fuggendo dalla vasca da bagno. Il senso di colpa spinge Gilbert a
fuggire via in camion, lasciando Arnie temporaneamente senza
protezione. Questo momento di crisi segna un punto di svolta per il
personaggio, evidenziando la fragilità umana e la complessità dei
legami fraterni, e pone le basi per la catarsi finale.
Successivamente, Gilbert compie un percorso di riflessione
interiore e di riconciliazione con la propria famiglia. Con l’aiuto
di Becky, riesce a ritrovare Arnie, che supera la sua aquafobia
grazie all’incoraggiamento della giovane, e ritorna a casa in tempo
per il compleanno del fratello. Durante la festa, Gilbert si scusa
con i familiari, dimostrando una maturazione emotiva significativa:
perdona sua madre per il peso che rappresenta, riconcilia i
rapporti con i fratelli e accoglie Becky nella loro vita. La
celebrazione, pur segnata dalle difficoltà, simboleggia la forza
della famiglia e la capacità di superare le crisi attraverso
comprensione e perdono reciproco.
Il
finale assume tuttavia toni tragici e simbolici con la morte di
Bonnie, la madre, che sale le scale della sua stanza per l’ultima
volta. Per proteggere la memoria della madre dal derisione della
comunità, la famiglia decide di trasformare la casa in un rogo
funerario, mostrando una forte unione e un senso di dignità
collettiva. Questo gesto estremo, pur drammatico, manifesta l’amore
e la protezione reciproca che lega i membri della famiglia. L’atto
funebre segna una chiusura emotiva e narrativa, sottolineando la
capacità dei Grape di affrontare il dolore e preservare la memoria
dei propri cari con rispetto e coesione.
Dal punto di vista tematico, il finale rafforza i concetti centrali
del film: la responsabilità, la resilienza e il legame fraterno. La
crescita di Gilbert culmina nella consapevolezza dei propri limiti
e nella capacità di gestire le emozioni, imparando a combinare
fermezza e affetto nella cura di Arnie. La morte di Bonnie e la
scelta della famiglia di bruciare la casa rappresentano un
passaggio simbolico verso la liberazione dai pesi del passato,
dimostrando che il dolore può trasformarsi in un’occasione di unità
e di affermazione della dignità umana, anche di fronte alla
perdita.
Il messaggio che
Buon compleanno Mr. Grape lascia allo spettatore è
quindi di speranza e resilienza. Nonostante le difficoltà
quotidiane, le disabilità e le tragedie familiari, il film mostra
come l’amore e la solidarietà possano sostenere chi è vulnerabile e
favorire la crescita personale. L’intreccio tra momenti di crisi,
perdono e unione familiare suggerisce che la vera forza risiede
nella capacità di affrontare le sfide insieme, accettando la
complessità dei legami affettivi e la fragilità dell’esistenza,
senza perdere la dignità e la compassione per gli altri.
Taylor Swift è
rimasta affascinata dall’ultimo film che ha visto, Una battaglia dopo l’altra. Mentre il
thriller politico d’azione, che ha ottenuto il 95% di recensioni
positive su Rotten Tomatoes, continua la sua forte corsa al
botteghino, tutti gli occhi sono puntati su Swift con l’uscita
del suo dodicesimo album, The Life of a Showgirl, lo scorso
fine settimana. L’evento teatrale di Swift The Official
Release Part of a Showgirl ha poi superato One Battle
After Another al botteghino del fine settimana.
Nonostante abbia perso questa
battaglia al botteghino, Una battaglia dopo
l’altra è sicuro del suo status di favorito agli
Oscar. Ieri sera (6 ottobre), Swift è apparsa al The Tonight
Show e ha dato la sua recensione del nuovo thriller politico,
elogiando in particolare le interpretazioni: “Chase Infiniti
e Teyana Taylor – come faranno a dividersi l’Oscar a metà? […]
Benicio era così divertente, Leo era esilarante.”
Swift ha poi aggiunto: “Il fatto
che ogni volta che si ascolta quel tema, si prova qualcosa di
diverso […]Siamo così fortunati a vivere nello stesso
periodo di Paul Thomas Anderson.” PTA, come è spesso
conosciuto il regista, ha diretto il film vincitore dell’Oscar come
miglior film Il petroliere e ha prodotto altri film
acclamati dalla critica, tra cui Punch-Drunk Love, Il filo
nascosto e Licorice Pizza.
One Battle After Another
segue l’ex rivoluzionario Bob (Leonardo DiCaprio), che viene riportato in
azione quando un vecchio nemico riappare e rapisce sua figlia,
Willa (Chase Infiniti), sullo sfondo di un raid lanciato su una
città santuario immaginaria della California, dove la popolazione
locale resiste alla presenza militare.
L’altra star che Swift mette in
evidenza, che offre davvero una delle migliori interpretazioni
di Una battaglia dopo l’altra, è
Teyana Taylor, che interpreta la madre di Willa nella prima parte
del film, prima che la trama si sposti sulla linea temporale
principale. Mentre l’intero cast sta raccogliendo elogi, Taylor
è la candidata più probabile al premio come migliore attrice non
protagonista, mentre Infiniti potrebbe avere difficoltà a
sfondare, essendo una star alle prime armi.
Leonardo DiCaprio è brillante
come sempre, anche se questa potrebbe non essere un’altra
interpretazione determinante della sua carriera, mentre il
personaggio sobrio di Benicio del Toro probabilmente non gli farà
vincere molti premi, ma è delizioso nel ruolo. La colonna
sonora discordante di Jonny Greenwood, nel frattempo, è non
convenzionale ma cattura perfettamente la natura della vita di
questi personaggi.
In parallelo alla recensione di
Swift, Jimmy Fallon ha commentato The Tonight Show che i
fan sono fortunati ad essere vivi durante la carriera di Swift.
Nel complesso, la serata ha dimostrato come sia possibile
apprezzare la grande arte in tempi incerti, specialmente qualcosa
di così impattante e consapevole come Una battaglia
dopo l’altra.
IN COPERTINA: La cantautrice americana Taylor Swift, con indosso
un abito Versace, arriva agli MTV Video Music Awards 2023 tenutisi
al Prudential Center il 12 settembre 2023 a Newark, New Jersey,
Stati Uniti. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
Tron:
Ares arriverà nelle sale cinematografiche tra pochi
giorni, ma gli appassionati di cinema più impazienti hanno già
un’idea di cosa aspettarsi dal nuovo blockbuster di fantascienza.
Attesissimo seguito di Tron del 1982 e Tron: Legacy del 2010, Ares è diretto da
Joachim Rønning e interpretato da Jared
Leto, Greta Lee, Evan
Peters, Jodie Turner-Smith, Gillian Anderson e Jeff Bridges.
Mentre Tron ha
storicamente ruotato attorno al mondo digitale della Griglia,
il nuovo capitolo si concentrerà sui soldati AI del mondo digitale
che entrano in quello reale. Tron:
Ares uscirà nelle sale il 10 ottobre e la sua campagna
di marketing promette un’esperienza emozionante e visivamente
spettacolare che continua a spingere gli effetti speciali coinvolti
in questa storia.
La nuova visione della saga
di Tron, che affronta le concezioni moderne dell’intelligenza
artificiale offrendo al contempo una mise-en-scène
elettrizzante, ha conquistato alcuni critici. Rachel Leishman
afferma semplicemente: “TRON: ARES spacca.” La critica
elogia anche il personaggio di Lee, in particolare per la sua
capacità di portare avanti l’eredità di Tron:
TRON: ARES rips. This franchise has always
been a head of the curve and ARES is no different. Greta Lee is a
perfect “successor” to Kevin Flynn. If you ever wanted to go on the
grid, you’re going to love it. pic.twitter.com/NVmDi0KS9M
D’altra parte, mentre gli
spettatori sembrano concordare sul fatto che gli aspetti visivi
siano straordinari, ritengono che la trama nel complesso sia
debole. @wondermeg_ afferma che “il resto del film è solo
discreto”, con una sceneggiatura “goffa e discontinua”, pur
elogiando alcune delle interpretazioni:
TRON: ARES is an audio & visual feast. It’s
unfortunate that the rest of the film is just okay. A clunky &
uneven script leads to awkward humor & repetitive plot points.
Greta Lee & Jodie Turner-Smith are standouts. Solid grid action but
doesn’t hit the highs of its predecessors. pic.twitter.com/wCOA4iIIHV
Peter Sciretta concorda con
quest’ultimo, affermando che “Tron Ares è visivamente sbalorditivo”
ma che “la trama del film è estremamente stupida”. In particolare,
il consiglio di questo recensore è che se le persone vogliono
vedere Tron: Ares, nonostante i suoi difetti, “l’IMAX 3D è un
must”:
Tron Ares is visually stunning and has some
of the best 3D I’ve seen in a decade (outside of the Avatar films). That said the movie’s plot is extremely
dumb, and I just didn’t care about any of the characters. If after
that reaction you still want to see it, IMAX 3D is a must. pic.twitter.com/FVSTohmtZz
Per @HeyChalice, i punti di forza
del film sono più che sufficienti per renderlo “UNO DEI MIGLIORI
FILM DELL’ANNO!!!!!” Anche se questo post non affronta esattamente
le carenze segnalate, concorda su molti degli stessi punti di
forza, ovvero la grafica e le interpretazioni. Questo utente X non
è l’unico a elogiare la colonna sonora dei Nine Inch Nails:
TRON: ARES IS ONE OF THE BEST MOVIES OF THE
YEAR!!!!! So damn visually stunning
The best time you’ll have in a movie theater! Jared Leto, Greta
Lee, and Evan Peters are phenomenal, but Jodie Turner-Smith’s
performance is worthy of individual praise as she delivers such a…
pic.twitter.com/Iox7Vasqtf
È interessante notare, tuttavia,
che @JacobTalks4ever elogia nuovamente alcuni aspetti di Tron:
Ares, ma afferma che la sua rappresentazione della Griglia è “più
blanda” rispetto a quella di Tron: Legacy:
I’m mixed on TRON: ARES. The NIN score
rocks, the programs/constructs in the real-world are stunning, and
the vehicular combat is cleanly shot. Sadly, sloppy hand-to-hand
fights, nostalgic pandering, and The Grid being far blander to look
at than it was in LEGACY compromise it. pic.twitter.com/Igg4UhOatn
Tron: Ares è riuscito almeno
a soddisfare pienamente le aspettative visive del franchise, dato
che il concept ha sempre permesso di realizzare alcuni degli
effetti speciali più innovativi e mozzafiato. Ciò su cui tutti
concordano è che Tron: Ares è fantastico sia dal punto di
vista visivo che sonoro, mantenendo le promesse fatte nel
trailer una volta che gli spettatori assistono alle sequenze
d’azione complete.
Ares sembra anche
beneficiare del contributo di alcuni talenti di spicco che sono
entrati sotto i riflettori relativamente di recente, vale a
dire Greta Lee e Jodie Turner-Smith. Tuttavia, il nuovo film
Tron punta chiaramente su un thriller d’azione visivamente
accattivante ma non troppo profondo, che risulti abbastanza
attraente per il pubblico nonostante alcuni problemi nella
trama.
Ho anche notato che nessuna di
queste recensioni dice nulla su come il film ritrae l’intelligenza
artificiale, il che suggerisce che qualsiasi commento al riguardo
sia superficiale. Le recensioni ufficiali e i punteggi del pubblico
non sono ancora stati pubblicati per Tron: Ares, ma
anche se piacerà a un pubblico selezionato, non sembra essere nulla
di straordinario nel quadro generale.
Cosa sappiamo della serie
HBO su Harry Potter
