Palma d’Oro nel 2007 con il più volte citato 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni, Cristian Mungiu al Festival di Cannes ha vinto anche premi con i successivi Oltre le colline (2012) e Un padre, una figlia (2016), ed era da allora che non portava nei nostri cinema un suo nuovo film. Da non perdere, dunque, l’uscita in sala del 6 luglio – grazie a Bim Distribuzione – del suo ultimo Animali Selvatici (R.M.N.), film che ci porta in un piccolo villaggio della Transilvania per raccontarci una situazione fin troppo comune e diffusa di questi tempi, anche nel nostro Paese.

“Una storia sul tempo passato e sul tempo presente, sul carattere subdolo e ipocrita di una scala di valori europea che viene più rivendicata che messa in atto – la descrive lo stesso regista. – Una storia di intolleranza e discriminazione, di pregiudizio, stereotipi, autorità e libertà… di codardia e di coraggio“, e di “sopravvivenza“, come a lungo è stata insegnata e come oggi viene declinata.

Animali Selvatici: il passato che ritorna

Qualche giorno prima di Natale, dopo aver lasciato l’impiego in Germania a causa di uno scontro col suo datore di lavoro, Matthias fa ritorno al suo tranquillo villaggio in Transilvania. Dove sembra aver intenzione di dedicarsi all’educazione dell’insicuro figlio Rudi, rimasto troppo a lungo sotto le cure della apprensiva madre Ana, e di rivedere la sua ex amante, Csilla. Che intanto ha fatto carriera nel panificio locale, deciso a uscire dalla crisi generale rilanciandosi e assumendo nuovo personale. Non nel paese, però, dove nessuno ha intenzione di firmare un contratto al minimo del salario, bensì dall’estero.

Così, a essere assunti, sono due tranquilli operai cingalesi, costretti a emigrare per sostenere la propria famiglia nello Sri Lanka e in regola con documenti e permessi. ‘Dettagli’ che passano in secondo piano, però, quando a emergere sono i pregiudizi e l’ignoranza di una parte – rumorosa – degli abitanti del luogo, che in loro vedono la causa di ogni male e su di loro sfogano frustrazioni e la rabbia di chi fino a quel punto sembrava aver trovato un equilibrio tra diverse etnie e religioni.

Qui non è il Paradiso

Sembra sempre più irrealizzabile l’utopia di un mondo nel quale si possa vivere tutti insieme, senza muri o complessi di superiorità, ma se le cronache quotidiane sono più dure di qualunque fantasia, sono film come questo a scavare dentro le coscienze. Non a caso il regista stesso sottolinea come dovremmo essere noi stessi a riconoscere la parte animale, beluina e indicibile, dentro di noi, ad averne consapevolezza, proprio come nel film mostra invece la resistenza – o incapacità – di tutti a definirsi apertamente razzisti.

Come il piccolo Rudi si chiude nel mutismo spaventato da quello che vede nel bosco – l’ignoto, il diverso – sono in molti a urlare per cercare di dare voce alle stesse paure. E ad arrampicarsi sugli specchi per dare una credibilità – storica o etnica – a una ormai insostenibile e anacronistica autarchia, quando non esplicitamente isolamento che tanto ricorda il protezionismo che fu. Sono solo alcuni dei livelli sui quali si sviluppa questo R.M.N. (da titolo originale), nel quale l’esame ‘radiologico’ del non visibile si concentra di volta in volta sui precedenti patri, il degrado cittadino, i problemi lavorativi e l’involuzione culturale della popolazione, fino alla crisi della famiglia e dell’individuo.

Un impegno notevole, che il regista affronta scegliendo accuratamente tanto gli interpreti quanto le sue location, tra le quali spicca la Rimetea premio Europa Nostra nel 1999 per la conservazione del patrimonio culturale e architettonico (e proposta all’UNESCO) e dove si ha una sostanziale convivenza tra rumeni, ungheresi, tedeschi, cattolici ed ebrei.

Nella realtà, come nella finzione, dove prima dei cingalesi il problema era stato con gli “zingari” da cacciare. A testimonianza di un nervo scoperto, che le polemiche seguite all’uscita del film in patria hanno confermato. D’altronde l’uso dell’elemento surreale è piuttosto labile e principalmente confinata a un finale allegorico e didascalico insieme nel suo ribadire il concetto espresso per tutto il film.

La negatività destinata agli altri, tende a rivolgersi verso se stessi, verso soggetti chiusi in un mondo piccolo, o addirittura talmente isolati da finire per non trovare un posto nemmeno in casa propria. Nel tentativo di fotografare le diverse posizioni, purtroppo, il ritmo e la coerenza narrativa ne risentono, e si sente la mancanza di una maggiore dialettica, nonostante l’evidente ignavia di una chiesa debole e retrograda e l’unica opposizione all’individualismo dilagante e a certo machismo preistorico – che confonde tradizione con sovranismo – da parte della ottima Judith State, che davvero regge il film, soprattutto da un punto di vista attoriale.

 

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Ci siamo mai chiesti cosa penserebbe di noi il bambino o la bambina che eravamo? Se sono soddisfatti di ciò che siamo diventati o se secondo loro dovremmo invece addrizzare il tiro e fare meglio? Il nuovo film di Paolo Ruffini, Rido perché ti amo, ottavo lavoro dell’attore livornese, se lo chiede per tutto il tempo. Usando come traccia da seguire la citazione di Antoine de Saint-Exupéri, il quale dice: “Il bambino che eri non si vergogni dell’adulto che sei.” A dover fare i conti con la sua controparte fanciullesca, come in una romantica fiaba, è Leopoldo, che a causa del suo processo di crescita ha smarrito chi era, diventando qualcuno che il lui bambino aveva promesso di non essere mai.

Ma a volte è difficile rimanere fedeli alle nostre stesse promesse, e soprattutto è complicato non lasciarsi influenzare dai cambiamenti inevitabili dell’età adulta, compromessi in particolar modo dalla realtà che ci circonda e ci impone d’essere in un certo mondo. Inghiottendoci in un vorticoso tornado di impegni, responsabilità e lavoro. Dal quale non possiamo uscirne se non aiutati dalle persone che amiamo. Rido perché ti amo è diretto da Ruffini e scritto insieme a Francesca Romana Massaro, Nicola Nocella e Max Croci. Prodotto da Pegasus, Qmi e Rai Cinema arriva nelle sale dal 6 luglio, distribuito da Medusa, Pegasus e Videa.

Rido perché ti amo, la trama

Leopoldo (Nicola Nocella) è innamorato di Amanda (Barbara Venturato), da quando i due erano alle elementari. Proprio in quel periodo di vita, il bambino le promette che l’avrebbe resa felice per sempre e l’avrebbe sposata il giorno di S.Valentino. A distanza di anni, quelli che erano bambini, sono adesso una coppia che continua ad amarsi e prossima al matrimonio, ma putroppo non proprio felice. Leopoldo, infatti, è risucchiato dal suo lavoro nella pasticceria, tanto da dimenticarsi di prendersi cura della donna che ha accanto e che tenta, in ogni modo, di avere sue attenzioni. Ma quando Amanda riceve un’offerta di lavoro a Parigi e lo comunica a Leopoldo, i due litigano e si riversano addosso tutto lo scontento che nel corso del tempo hanno soppresso.

Amanda così decide di partire per la Francia, e il distacco da lei fa rendere conto a Leopoldo di quello che ha perso, ma soprattutto di aver infranto la promessa che aveva fatto a se stesso quando era bambino: mai diventare un uomo cattivo, perché solo in quel momento la sua amata lo avrebbe lasciato. Deciso a riconquistarla, l’uomo cerca di esaudire tutto ciò che aveva promesso di fare ad Amanda quando erano piccoli, facendosi aiutare dagli amici di quartiere: Ciro (Paolo Ruffini), Cipriano (Greg), Sam (Daphne Scoccia), Luisa (Giulia Provvedi) e Don Cioffi (Herbert Cioffi).

Fra diversità e confronto con noi stessi

La romanticità di Rido perché ti amo si palesa sin dalla prima sequenza di Leopolodo e Amanda, dolci e innocenti bambini che si promettono amore eterno e una vita piena di sorrisi. Il film prende subito la piega sentimentale, che irrora ogni singolo angolo della storia, partendo dai principali protagonisti e irradiandosi ai comprimari che ritroviamo in un estemporaneo salto temporale. Nella piazza principale di un paesello del nord, in cui l’orologio del tempo sembra essersi fermato, vive ora un uomo fin troppo razionale, inghiottito dal lavoro nella sua pasticceria. Per lui non esiste più l’amore da favola che aveva promesso alla sua Amanda quando erano piccoli: anzi, adesso che è prossimo a coronarlo con un matrimonio, preferisce dare priorità agli impegni nel suo atelier (come lui stesso chiama).

Seppur gli amici che lo circondano notano il suo distacco dalla futura moglie e la sua ossessione morbosa per la pasticceria, anche loro in realtà sono chiusi nei loro problemi di provincia e nei piccoli drammi quotidiani, nonostante cerchino distrazioni esterne pur di non affrontarli e, di conseguenza, affrontarsi. Le fondamenta del film perciò sono buone, c’è un’idea narrativa di base molto incalzante, merito in particolar modo della sua inclusività, con personaggi ben assortiti che abbracciano situazioni e relazioni molto eterogenee.

Non troviamo infatti i soliti protagonisti archetipici o stereotipati, bensì persone molto differenti fra loro – come Simone Brescianini con la sindrome di down – che portano in scena quello che è davvero il nostro tessuto sociale e umano, fatto di tante ricche e bellissime diversità. Ed è forse questa la vera nota positiva di un film che, facendo leva sul sottotesto, vuole mettere in evidenza le imperfezioni, sia caratteriali che fisiche, dove tutti possiamo essere accettati e amati perché sono proprio queste a renderci unici, in una storia che vuole regalarci una grande carezza e farci ritrovare il senso di comunità.

Un discorso troppo frammentato

Se però Rido perché ti amo funziona nella scelta delle storie e dei rispettivi personaggi, non si può dire la stessa cosa della sua messa in pratica. Ruffini cerca di mettere a punto una trama corale, ma non riesce a dare sufficiente attenzione e spazio alle microstorie del racconto. La sensazione è quella di voler mettere troppa carne al fuoco e poi dimenticarsi di girarla sulla brace, con la conseguenza di averla bruciata da una parte e cruda dall’altra. Per quanto si sforzi a formulare un ragionamento nel pubblico, che va dal confrontarsi con se stessi al riflettere se siamo ancora fedeli a quelle promesse che abbiamo fatto da bambini, questo viene di continuo interrotto a causa della frammentarietà della narrazione, da cui si evince una debolezza nella scrittura.

Sono tante le parentesi che si aprono all’interno di Rido perché ti amo, e molte le personalità a cui dover star dietro, e il risultato è che ci sono costanti digressioni che fanno perdere il focus dell’intero film, il quale va sfaldandosi dopo il primo atto. Anche nelle parentesi più divertenti, le battute si sforzano di strappare una risata per regalare una pausa dall’atmosfera troppo leziosa che ad un certo punto si crea, ma non sembrano ingranare la marcia, tanto da trasformarsi in dialoghi posticci. Non c’è armonia nella struttura del film e neppure fluidità a causa dell’incompiutezza dei troppi archi narattivi. I personaggi di Giulia Provvedi, Greg e Herbert, per esempio, sono buttati nel contesto senza cognizione di causa e appena accennati, e alla fine hanno una risoluzione approssimativa – ma necessaria per chiudere il racconto – che però lascia con un grosso punto interrogativo.

Il ponte empatico che Ruffini voleva costruire fra lo spettatore e i personaggi esiste solo grazie ad alcune piccole storie dal cuore immenso, come la coppia di vecchietti che da tanti anni gestiscono il bar con impegno e amore, o il ragazzo con la sindrome di down che dal diventare aiutante di Leopoldo, riesce ad aprirsi una pasticceria tutta sua. Rido perché ti amo poteva davvero puntare in alto ed essere un film vincente. Aveva tutte le carte in regola. Peccato che rimane romantica solo l’idea di fondo, sopra la quale è stato confezionato un prodotto troppo disordinato.

 

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Si torna lì dove tutto ha avuto inizio, dalla famiglia Lambert, dal padre Josh e dal figlio Dalton, da quella porta rossa dietro cui si nasconde il terrificante e difficilmente contenibile Altrove. Si torna dunque al punto di partenza, per chiudere un cerchio, forse per aprirne altri, certamente per offrire un senso di completezza ad una delle saghe horror più importanti degli ultimi anni, prodotta dalla Blumhouse Productions di Jason Blum. Parliamo di Insidious, che con il nuovo film Insidious – La porta rossa, porta a compimento quanto evocato nel 2010 da James Wan e Leigh Whannell con il primo capitolo.

Un capitolo a cui ha poi fatto seguito Oltre i confini del male – Insidious 2, ancora con protagonista la famiglia Lambert, e successivamente i prequel Insidious 3 – L’inizio e Insidious – L’ultima chiave. Dopo aver dunque narrato le origini della mitologia della saga, con il quinto capitolo si torna ai protagonisti originari, per scoprire cosa è successo loro ben dieci anni dopo l’ultima volta in cui li abbiamo visti, ovvero quando Josh e suo figlio Dalton, al termine del secondo film, scelsero di dimenticare, attraverso l’ipnosi, i terribili incubi vissuti e soprattutto di obliare le loro capacità di compiere viaggi astrali.

La trama di Insidious – La porta rossa

Pur con un salto temporale, si riparte dunque da qui, da quella rimozione forzata dei ricordi che, tuttavia, non sembra aver dato gli esiti sperati. Perché si possono dimenticare i propri demoni, ma loro certamente non si dimenticano di te. Ecco allora che Dalton (Ty Simpkins), ormai in età da college, si ritrova ad essere nuovamente perseguitato da incubi e visioni raccapriccianti. Rendendosi conto del pericolo, Josh (Patrick Wilson) si trova a dover accedere nuovamente a quel passato dimenticato, decidendo di intraprendere con il figlio un ultimo viaggio nell’Altrove, nel tentativo di salvare la famiglia una volta per tutte.

Insidious – La porta rossa, un sequel fedele alla sua saga

Ad assumersi l’incarico di dirigere il film vi è proprio Patrick Wilson, grande protagonista di questa saga (ma anche di quella “rivale”: The Conjuring). Compiendo con Insidious – La porta rossa il suo debutto dietro la macchina da presa, Wilson si dimostra essere la scelta migliore per dar vita a questo nuovo, conclusivo, capitolo. Egli dimostra infatti di conoscere bene la saga, la sua mitologia, le sue atmosfere, i suoi punti di forza e anche quelli di debolezza. Sceglie pertanto di non andare fuori dai binari tracciati dai primi due capitoli, seguendone anzi il percorso rinunciando ad altre possibili sperimentazioni.

Una scelta che sotto certi punti di vista può risultare poco saggia, poiché di certo non dota il film di particolari novità, né stilistiche né narrative. Eppure così facendo, se si accantona un po’ il desiderio di voler vedere qualcosa di nuovo, ci si accorge di come Insidious – La porta rossa sia profondamente coerente con i primi due film della saga. Ne porta infatti avanti atmosfere, sensazioni, suggestioni, paure e speranze. Il film non brilla dunque per inventiva per quanto riguarda il suo racconto generale, però di certo non risulta “altro” rispetto ai suoi predecessori, il che fornisce alla trilogia (escludendo dunque i due prequel) una propria identità.

Un racconto di padri e figli

La scelta di mantenere Insidious – La porta rossa entro le coordinate tracciate dai precedenti film, permette inoltre allo sceneggiatore Scott Teems di concentrarsi di più su alcuni aspetti specifici. I personaggi, in particolare, trovano giovamento da questa attenzione, presentandosi agli spettatori sotto una nuova luce. Si tiene conto del tempo trascorso tra il secondo film e questo, con tutti i cambiamenti emotivi che questo può aver apportato ai protagonisti, in particolare Josh e Dalton. Sono il rapporto tra di loro e la necessità di non dimenticare bensì affrontare i traumi a farla da padrone nel film,  con gli orrori a cui si assiste che assumono la forma di metaforici ostacoli sul loro percorso di ricongiunzione.

Questo non deve però far pensare ad un risvolto da dramma famigliare, i momenti di puro terrore non mancano e se anche non raggiungono quelli proposti dai primi due film, di certo vi si avvicinano molto. Inevitabilmente però gli autori hanno avvertito anche la necessità di inserire una sensazione di “fine”, tirando tutte le fila dei discorsi proposti dai precedenti capitoli, rispondendo a quanti più interrogativi rimasti in sospeso possibile, combinando così l’horror con sfumature più intime. Il risultato non sarà memorabile, ma risulta essere il giusto epigolo per la saga.

 

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