Daredevil: Rinascita – Stagione
2 ha sorpreso i fan al New York Comic Con con il primo
trailer della seconda stagione. Charlie Cox, che interpreta Daredevil, è
apparso sul palco e si è riunito a Krysten Ritter,
ufficialmente tornata nell’MCU nei panni di Jessica Jones. La
seconda stagione debutterà su Disney+ a marzo 2026.
Il momento più importante del
trailer, mostrato solo ai presenti in sala, è stato il ritorno
della Jones (interpretata da Ritter), che in precedenza aveva
recitato nella sua serie Marvel omonima su Netflix e aveva collaborato con Daredevil in
“The Defenders“. Anche Elden
Henson, il cui Foggy Nelson è morto in modo sconcertante
nella première della serie, è apparso nel trailer e tornerà per la
seconda stagione. Kingpin, interpretato da
Vincent D’Onofrio è apparso per tutto il trailer ed è
stato mostrato mentre affrontava un avversario su un ring.
La prima stagione di
Daredevil: Rinascita è uscita su Disney+ all’inizio del 2025 e ha
riportato molti dei membri del cast originale della cruda serie
Netflix “Daredevil”. Cox, che aveva già ripreso il ruolo di
Daredevil in “Spider-Man: No Way Home”, “She-Hulk:
Attorney at Law” ed “Echo”, è stato il protagonista della serie, la
prima della Marvel con classificazione M.
Daredevil, alias l’avvocato cieco
Matt Murdock, si è scontrato con Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio, alias Kingpin, divenuto
sindaco di New York. Henson e Deborah Ann Woll sono tornate anche
nei panni di Foggy Nelson e Karen Page, due degli amici più cari di
Matt. Tuttavia, la première della serie “Born Again” ha scioccato i
fan quando l’assassino assassino Bullseye (Wilson Bethel di
“Daredevil” di Netflix) ha ucciso Foggy, mandando Matt in uno stato
depressivo e costringendolo ad appendere al chiodo il suo costume
da Daredevil.
Wonder
Man è arrivato alla Marvel: non il supereroe, ma il
personaggio del supereroe. Il primo trailer completo della serie
Disney+ presenta il vincitore dell’Emmy
Yahya Abdul-Mateen II nei panni di Simon Williams,
un attore in difficoltà che cerca disperatamente di ottenere il
ruolo del suo idolo d’infanzia, Wonder Man. Marvel ha anche
annunciato che Wonder
Man, il cui debutto era previsto per dicembre,
debutterà ora sulla piattaforma di streaming il 27 gennaio.
Nel trailer, Simon è scioccato
quando il famoso regista Von Kovak (Zlatko Burić di “Superman”) annuncia che
realizzerà un remake del classico “Wonder Man” che Simon adorava da
bambino. Nel suo tentativo di ottenere il ruolo, Simon finisce per
fare amicizia con il collega attore Trevor Slattery (Ben
Kingsley), che ha notoriamente interpretato il “ruolo” del
terrorista internazionale Mandarino in “Iron Man
3” del 2013. Kingsley ha ripreso il ruolo di Trevor in
“Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli” del
2021, diretto da Destin Daniel Cretton, che ha
co-creato e prodotto esecutivamente la serie, e ha diretto il primo
episodio.
Cretton, attualmente impegnato
nella regia di “Spider-Man: Brand New
Day“, ha co-creato la serie con Andrew Guest (“Occhio
di Falco”, “Brooklyn Nine-Nine”, “Community”), che ne è stato anche
lo showrunner. “Wonder Man” vede la partecipazione
di X Mayo, Demetrius Grosse, Arian Moayed e Olivia Thirlby.
Creato da Stan Lee, Jack Kirby e
Don Heck nel 1964, nei fumetti Marvel, Wonder Man è l’alias di
Simon Williams, figlio del ricco industriale Sanford Williams. Dopo
che la Williams Innovations si trova ad affrontare difficoltà
finanziarie a causa della concorrenza con le Stark Industries,
Simon finisce per accettare un’offerta dal Barone Zemo che gli
conferisce superpoteri ionici. Dopo oltre un decennio come
antagonista degli Avengers, Simon volta pagina e diventa un membro
di lunga data della squadra. Più avanti nella sua carriera, Simon
si appassiona alla recitazione e si trasferisce a Los Angeles, dove
lavora come stuntman e ottiene ruoli minori in film di
successo.
Si è spenta a 79 anni Diane
Keaton, iconica interprete nota al grande pubblico per il
suo Premio Oscar vinto grazie a Io e
Annie (Annie Hall). Nata come
Diane Hall il 5 gennaio 1946 a Los Angeles, California, scelse il
cognome materno Keaton per distinguersi artisticamente. Durante una
carriera che si è protratta per più di cinque decenni, ha saputo
spaziare tra commedia e dramma, conquistando il pubblico con il suo
stile unico e la sua presenza magnetica sullo schermo.
Il momento più celebrato della sua
carriera resta il ruolo in Annie Hall, film di Woody Allen
del 1977, nel quale la Keaton incarnò una donna anticonvenzionale,
divertente e commovente, contribuendo a ridefinire il cinema
romantico con sensibilità e ironia. Con questa performance vinse
l’Oscar come miglior attrice. L’intesa con Allen era già radicata:
collabora più volte con il regista, in pellicole come
Sleeper, Love and Death e Interiors.
Ma Diane Keaton
non fu solo la “Annie” amata dal pubblico. Interpretò personaggi
profondi in film come Looking for Mr. Goodbar,
Reds, Marvin’s Room e Something’s Gotta
Give, guadagnandosi altre nomination e riconoscimenti lungo il
percorso. Tra i suoi altri successi figurano The
Godfather e i suoi seguiti, dove recitò nel ruolo di Kay
Adams, e pellicole popolari come Baby Boom, The First
Wives Club e Father of the
Bride.
Con la sua scomparsa si chiude un
capitolo importante della storia del cinema: un’artista che sapeva
coniugare leggerezza e profondità, ironia e vulnerabilità, capace
di incarnare ruoli femminili complessi senza mai cedere a
stereotipi. In un mondo che spesso premia il conformismo, Diane
Keaton ha sempre mantenuto la sua voce singolare e il suo spirito
libero.
Keaton, che non si è mai sposata, lascia una
figlia adottiva, Dexter, e un figlio, Duke.
È arrivato il trailer della terza
stagione di Intervista
col vampiro. La serie, che fa parte dell’Immortal
Universe di Anne Rice, è stata ribattezzata The Vampire
Lestat per la sua terza stagione, poiché esplora ulteriormente
il personaggio preferito dai fan interpretato da Sam Reid.
Durante il panel dedicato a
Intervista col vampiro al New York Comic Con, è stato
presentato il trailer della nuova stagione. Guardalo qui sotto:
Precedentemente nota come
Intervista col vampiro, la terza stagione cambia le
carte in tavola tornando nel 2026 con il titolo The Vampire
Lestat. Il panel ha anche rivelato che Noah
Reid, Ryan Kattner, Sheila Atim, Seamus Patterson e Sarah Swire
hanno tutti confermato la loro partecipazione alla prossima
stagione della serie.
The Vampire Lestat sarà
basato sul secondo libro della serie soprannaturale di Rice The
Vampire Chronicles. La terza stagione esplorerà le relazioni
caotiche, a volte tossiche, tra Louis de Pointe du Lac (Jacob
Anderson), Lestat de Lioncourt (Sam Reid) e Claudia (Delainey
Hayles). La storia sarà probabilmente rivelata a Daniel Molloy
(Eric Bogosian), un giornalista.
Il trailer, ricco di azione ma
anche esilarante, rivela diversi dettagli importanti sulla prossima
stagione. The Vampire Lestat andrà in tour con una band appena
formata chiamata Those Who Must Be Kept. Il trailer suggerisce che
i personaggi vivranno diverse avventure drammatiche nel corso della
terza stagione.
Da quanto mostrato finora, la nuova
stagione sembra allinearsi abbastanza fedelmente al romanzo omonimo
di Rice del 1985. Il libro ha anche un tema “rock and roll”. Inizia
addirittura con Lestat che si sveglia con una band chiamata Satan’s
Night Out. Quando ha detto al gruppo musicale chi era, hanno
pensato che stesse mentendo. Quindi, per dimostrare che si
sbagliavano, ha fondato una sua band sia per sbatterglielo in
faccia che per riconquistare la sua fama.
Sebbene AMC non abbia confermato
una data di uscita specifica al momento della pubblicazione di
questo articolo, The Vampire Lestat dovrebbe
debuttare nel corso del 2026.
Villaggio dei dannati, uscito nel 1995,
rappresenta uno dei titoli più discussi e anomali all’interno della
filmografia di John Carpenter. Dopo aver
rivoluzionato l’horror con opere come Halloween, 1997: Fuga da New York
e La cosa, il regista
affronta qui un progetto meno personale ma comunque perfettamente
in linea con il suo interesse per il controllo, la paranoia e
l’inquietudine del quotidiano. Il film segna inoltre uno degli
ultimi lavori del suo periodo hollywoodiano prima del progressivo
allontanamento dai grandi studi, confermando il suo sguardo
disincantato verso l’America profonda e le sue paure latenti.
Il
film è un rifacimento dell’omonimo classico del 1960 diretto da
Wolf Rilla, a sua volta ispirato al romanzo
fantascientifico I figli
dell’invasione scritto da John Wyndham nel
1957. Carpenter mantiene l’impianto narrativo originale, incentrato
su una misteriosa gravidanza collettiva che porta alla nascita di
bambini dotati di poteri telepatici e intenzioni ambigue, ma lo
rilegge con il suo stile visivo e tematico. Dove l’originale
puntava su un’atmosfera più british e contenuta, Carpenter spinge
verso un orrore più esplicito e perturbante, senza rinunciare a una
riflessione sociale sul timore dell’alterità e sulla perdita di
controllo delle comunità.
Villaggio dei
dannati si inserisce perfettamente nel genere della
fantascienza horror, mescolando atmosfere da invasione aliena con
dinamiche da thriller psicologico. I temi affrontati sono
molteplici: dall’angoscia per la maternità forzata al conflitto
generazionale portato all’estremo, fino alla paura del diverso come
minaccia incompresa. Carpenter utilizza i bambini come incarnazione
dello straniamento, simbolo di un futuro che non appartiene più
agli adulti e che si ribella al loro dominio. Nel resto
dell’articolo analizzeremo nel dettaglio il finale del film,
spiegando come si conclude la vicenda e quale messaggio emerge
dallo scontro finale tra umani e “creature” superiori.
La trama di Villaggio dei dannati
Nella tranquilla cittadina di
Midwich, in California, un collasso collettivo colpisce l’intera
popolazione. Al risveglio simultaneo dei cittadini, tutto sembra
essere però nella norma e il misterioso evento rimane senza
spiegazione. Ben presto, però, un ulteriore elemento insolito
emerge. Dieci donne, tra cui alcune vergini, si rivelano essere
rimaste incinta in modo inspiegabile. Il dottore locale,
Alan Chaffee si interessa al caso, cercando di
trovare una correlazione tra questa scoperta e il collasso
generale. Per fare ciò, invita nella cittadina la dottoressa
Susan Verner e con lei inizia ad indagare sul
caso.
Nel frattempo, nove delle dieci
donne partoriscono i figli portati in grembo, tutte nello stesso
momento. La cosa più sconvolgente, però, sarà notare come crescendo
i nove bambini si assomiglino sempre più tra loro. Essi hanno
infatti tutti i capelli bianchi e gli occhi color ghiaccio.
Inoltre, formano tra loro di loro delle coppie fisse,
tranne David, rimasto privo della compagna,
la bambina morta al momento del parto. Le stranezze non finiscono
però qui. Questi nove ragazzi rivelano di possedere degli oscuri
poteri, capaci di influenzare le azioni degli abitanti di Midwich.
Il caos non tarderà a scatenarsi.
La spiegazione del finale del film
Il
terzo atto di Villaggio dei dannati culmina nella
crescente tensione tra gli abitanti di Midwich e i bambini
misteriosi, dotati di poteri psichici e privi di coscienza. Dopo
ripetuti episodi violenti che hanno portato alla morte di cittadini
e all’allontanamento delle autorità scientifiche, la situazione
precipita quando il dottor Alan elabora un piano drastico per porre
fine alla minaccia. Il climax si raggiunge nella classe-barn dove i
bambini si sono rifugiati: Alan, tramite la sua capacità di
concentrarsi e creare una barriera mentale, tenta di mantenere
nascosta la presenza della bomba contenuta in una valigetta. La
tensione aumenta, poiché i bambini cominciano a sospettare del suo
comportamento e la loro leader, Mara, dimostra tutta la sua
potenza, scardinando la barriera.
Mentre Alan cerca disperatamente di salvare David, l’unico bambino
dotato di compassione e diverso dagli altri, i bambini restanti
scoprono la bomba. L’esplosione finale distrugge la classe e uccide
tutti i bambini presenti, così come Alan, che sacrifica sé stesso
per proteggere David. La scena è accompagnata dalla visione
angosciante della violenza dei poteri dei bambini, ormai
incontrollabili, e della devastazione che ne deriva. Jill, madre di
David, lo tiene al sicuro all’esterno, simboleggiando la
sopravvivenza di una scintilla di umanità e la possibilità di un
futuro libero dalla minaccia sovrumana che ha dominato Midwich.
Il finale del film evidenzia come il sacrificio individuale e la
scelta morale possano prevalere di fronte a un pericolo collettivo
apparentemente invincibile. La morte di Alan e dei bambini
“dannati” rappresenta la necessità di azioni drastiche per
salvaguardare la società, ma allo stesso tempo sottolinea la
tragedia di una nuova forma di vita che, pur essendo innocente
nella sua essenza, è incapace di comprendere le regole e la
moralità umana. La sopravvivenza di David, l’unico con una
coscienza, serve a rafforzare l’idea che l’umanità e l’empatia
siano elementi insostituibili per la convivenza.
Questo finale porta a compimento i temi centrali del film, come il
confronto tra natura e civiltà, il pericolo dell’alterità
incomprensibile e la responsabilità morale degli adulti di fronte a
forze superiori. La distruzione dei bambini è dolorosa ma
inevitabile, enfatizzando la tensione tra empatia e necessità,
mentre la scelta di salvare David offre uno spiraglio di speranza.
Carpenter utilizza la catastrofe finale per evidenziare
l’inevitabile conflitto tra il potere incontrollabile e l’ordine
umano, sottolineando il prezzo dell’ignoranza e della paura
collettiva.
Il messaggio finale del
film lascia dunque allo spettatore un misto di sollievo e
riflessione. La sopravvivenza di David con Jill suggerisce che
l’umanità, rappresentata dall’empatia e dalla coscienza, può
emergere anche in mezzo alla devastazione. Al contempo, la tragedia
di Midwich e la morte dei bambini simboleggiano il pericolo di
forze che non possono essere comprese o controllate, invitando a
una riflessione sul rispetto della vita, sui limiti della scienza e
sulla responsabilità morale in situazioni estreme. Il film ci
ricorda che la sopravvivenza e la moralità sono spesso intrecciate
in modi dolorosi ma inevitabili.
Al vertice della tensione (titolo originale
The Sum of All Fears),
uscito nel 2002 e diretto da Phil Alden Robinson,
è l’adattamento del romanzo Paura senza limite di Tom
Clancy. Il film rappresenta una sorta di reboot rispetto
ai precedenti adattamenti della saga di Jack Ryan,
personaggio iconico interpretato in passato da Alec
Baldwin ne Caccia a Ottobre Rosso
(1990) e da Harrison
Ford in Giochi di
potere (1992) e Sotto il
segno del pericolo (1994). In questa nuova versione, il ruolo
dell’analista della CIA viene affidato a un giovane Ben
Affleck, segnando un ritorno alle origini del
personaggio, qui raffigurato all’inizio della sua carriera, ancora
inesperto ma già dotato di un brillante intuito strategico.
A
differenza dei precedenti film della saga, Al vertice della
tensione abbandona le dinamiche da spy thriller classico
per avvicinarsi a un racconto di crisi geopolitica su scala
globale, dove la minaccia non proviene da potenze statali ma da
un’organizzazione terroristica capace di manipolare le tensioni
internazionali. Il film unisce elementi di thriller politico,
guerra psicologica e dramma apocalittico, costruendo una tensione
crescente che culmina in uno scenario estremo: l’utilizzo di un
ordigno nucleare su suolo americano. Il protagonista non è un
agente d’azione, ma un uomo d’intelletto costretto a correre contro
il tempo per evitare l’annientamento mondiale.
I temi centrali del film
ruotano attorno al fragilissimo equilibrio tra paura e potere,
all’importanza della diplomazia in un mondo dominato dalla sfiducia
e al rischio che un singolo errore di valutazione possa scatenare
la catastrofe. Jack Ryan diventa così il simbolo della ragione in
mezzo al caos, chiamato a mediare tra leader ostili mentre la
catena del comando militare preme per la rappresaglia. Nel resto
dell’articolo analizzeremo nel dettaglio il finale del film,
spiegando come questa conclusione non solo risolva la trama, ma
porti a compimento i messaggi politici e morali che Al vertice della tensione vuole
comunicare.
La trama di Al
vertice della tensione
Il racconto ha inizio nel 1973,
quando un aereo israeliano viene abbattuto durante la guerra dello
Yom Kippur. Il velivolo trasportava una bomba nucleare, della quale
da quel momento si è persa ogni traccia. Quasi trent’anni dopo, nel
2002, l’arma ancora inesplosa viene ritrovata da un gruppo
neonazista, guidato dal miliardario austriaco Richard
Dressler. Lo scopo del gruppo è ora quello di far
scoppiare una guerra tra Stati Uniti e Russia, permettendo così ad
un’Europa fascista a governare il mondo. Nel frattempo, la tensione
cresce anche per via dell’insediamento del nuovo presidente russo
Nemerov.
Entra così in scena Jack
Ryan, analista della CIA che anni prima aveva scritto un
rapporto proprio su Nemerov. Ryan viene pertanto inviato in Russia
insieme al direttore dell’agenzia William Cabot
per cercare di capire che tipo di presidente egli sarà. Nel corso
della sua visita, l’agente si accorge però di qualcosa che non
quadra. Venuto a conoscenza del rischio di una guerra nucleare,
Ryan e i suoi colleghi dovranno dar vita ad una vera e propria
corsa contro il tempo per cercare di ritrovare l’ordigno nucleare
ed evitare così la distruzione che esso può causare.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Al vertice della tensione, la
vicenda raggiunge il suo culmine quando l’ordigno nucleare nascosto
nello stadio di Baltimora esplode, radendo al suolo l’intera
struttura e provocando migliaia di vittime. Il presidente Fowler
viene tratto in salvo appena in tempo, ma il direttore della CIA
William Cabot resta mortalmente ferito. Da questo momento il
conflitto diventa tanto politico quanto personale: gli Stati Uniti,
convinti che l’attacco sia opera della Russia, si preparano a una
risposta atomica. La tensione si fa insostenibile quando un
generale russo corrotto ordina un attacco aereo contro una
portaerei americana, alimentando ulteriormente il sospetto di
un’aggressione coordinata. Tutto sembra precipitato verso una
guerra mondiale inevitabile.
Jack Ryan, tuttavia, si rifiuta di piegarsi alla narrativa
dominante e continua a indagare nonostante il caos. Analizzando la
composizione isotopica delle radiazioni, scopre che la bomba non
può provenire dalla Russia ma è di fabbricazione statunitense,
risalente agli anni della Guerra Fredda. Parallelamente, John Clark
rintraccia in Siria il mediatore che aveva venduto l’ordigno e
risale alla rete che porta fino a Richard Dressler, il miliardario
neonazista responsabile del complotto. In una corsa contro il
tempo, Ryan riesce a contattare direttamente il presidente russo
Nemerov, convincendolo a non reagire alle provocazioni e a fermare
le proprie forze come gesto di fiducia. Miracolosamente, Fowler
decide di fare lo stesso, disinnescando il conflitto all’ultimo
secondo.
La spiegazione di questo finale risiede nella sua natura
profondamente politica: il film ribalta il classico schema bellico
in cui lo scontro tra superpotenze è inevitabile. Qui la guerra non
nasce da ideologie opposte o da rivalità storiche, ma da una
manipolazione orchestrata nell’ombra da estremisti che sognano un
nuovo ordine mondiale fondato sull’odio. Il vero nemico, dunque,
non è una nazione, ma la fanatica convinzione che il caos possa
essere usato come strumento di potere. La scelta di Ryan di
disobbedire alla logica dello scontro e affidarsi al dialogo
diventa un atto rivoluzionario, capace di spezzare una catena di
eventi apparentemente inarrestabile.
Il finale porta così a compimento i temi centrali del film: la
fragilità dell’equilibrio geopolitico, il pericolo delle guerre
combattute sull’onda dell’emotività e l’importanza della
responsabilità individuale anche nei sistemi più grandi. Ryan non è
un soldato né un eroe d’azione tradizionale, ma un analista che
combatte con la ragione e la conoscenza. È la dimostrazione che nei
conflitti moderni l’informazione vale quanto le armi e che
l’intelligenza può salvare più vite di qualsiasi operazione
militare. Il film suggerisce che la vera forza non è lanciare il
primo colpo, ma avere il coraggio di fermarsi prima che sia troppo
tardi.
Ciò che Al vertice della tensione lascia allo
spettatore è un monito sempre attuale: la pace non è frutto del
caso, ma di scelte consapevoli compiute da individui disposti a
rischiare la propria reputazione pur di evitare una catastrofe. In
un mondo dominato dalla paura e dalla disinformazione, il film
invita a diffidare delle verità immediate e a cercare sempre ciò
che si nasconde dietro la superficie degli eventi. Alla fine, non
sono i potenti a fare la differenza, ma chi ha il coraggio di
vedere oltre l’evidenza e di agire quando tutti gli altri
esitano.
Il
film storicoKing Arthur, uscito nel 2004 e
diretto da Antoine Fuqua, rappresenta una
reinterpretazione realistica e storicamente plausibile delle
leggende arturiane. Lontano dalle atmosfere magiche e cavalleresche
tipiche delle versioni più note del mito, questa pellicola tenta di
ricondurre la storia di Artù e dei suoi cavalieri a un contesto più
concreto, ambientandola durante l’occupazione romana della
Britannia e collegandola a figure realmente esistite. Il film si
ispira liberamente alla teoria secondo cui Artù potrebbe essere
stato un ufficiale romano di origini sarmatiche, trasformando così
il mito in un racconto di resistenza e libertà più vicino alle
dinamiche storiche che a quelle fiabesche.
All’interno della filmografia di Fuqua, King
Arthur si colloca come un progetto ambizioso, diverso dai
thriller urbani e dalle storie contemporanee che avevano
caratterizzato fino ad allora la carriera del regista, noto
soprattutto per Training Day o
The Equalizer. Fuqua porta
nel film il suo stile crudo e realistico, privilegiando battaglie
violente, personaggi disillusi e un tono più cupo rispetto alle
tradizionali epopee medievali. Allo stesso tempo, la presenza di
Clive Owen nel
ruolo di Artù e di un cast corale composto da attori come Keira
Knightley, Ioan Gruffudd e Mads Mikkelsen
contribuisce a dare al film un’identità forte e insolita nel
panorama dei kolossal storici dei primi anni Duemila.
King
Arthur si configura dunque come un film a metà tra il
peplum e il war movie medievale, incentrato sui temi dell’onore,
del dovere e del conflitto tra identità personale e responsabilità
collettiva. Il rapporto tra Artù e i suoi cavalieri viene dipinto
come quello di un gruppo di uomini costretti a combattere per un
impero che non sentono più loro, mentre la figura di Ginevra assume
un ruolo più vicino alla guerriera che alla dama elegante. La
pellicola offre quindi una lettura inedita del mito, che nel resto
dell’articolo verrà ulteriormente approfondita attraverso l’analisi
del suo finale e del significato che esso assume nel percorso del
protagonista.
La trama di King
Arthur
Ambientato nel V secolo d.C., in
Britannia, il film ha per protagonista il giovane
Artù, il quale vanta origini romane grazie a suo
padre. Egli è il comandante di un gruppo di sermanti, cavalieri
condannati in seguito ad una sconfitta a servire per 15 anni
l’Impero Romano. Ora che questo inizia però a ritirarsi dalle terre
inglesi, anche per via delle insurrezioni guidate da
Merlino, il gruppo di soldati si prepara a tornare
a casa, ritrovando lì la propria libertà. Prima che ciò possa
concretizzarsi, però, questi vengono raggiunti dal vescovo
Germanius, il quale ordina loro di completare
un’ultima missione: evacuare un’importante famiglia italiana dal
Vallo di Adriano, salvandola dall’avanzata degli invasori
Sassoni.
Artù guida dunque ancora una volta
i suoi ruoli verso la battaglia. Lancillotto, Galvano,
Galahad, Bors, Tristano e Dagonet non
sono certo uomini che si tirano indietro, ma iniziano ad accusare
la sottomissione per anni subita da parte del territorio romano.
Ben presto, i loro animi entreranno in crisi, e spetterà ad Artù
mantenere le redini del gruppo. Lungo il loro percorso, tuttavia,
si imbatteranno in ulteriori elementi che faranno vacillare la loro
fede verso l’Impero. L’incontro con la schiava
Ginevra, appartenente alla popolazione Woad, sarà
la miccia che segnerà l’esplosione di una feroce battaglia.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di King
Arthur, la tensione accumulata lungo tutto il film
esplode in una serie di eventi che definiscono il destino dei
protagonisti. Dopo aver completato la missione di scortare Alecto e
sua madre fino al Vallo di Adriano, i cavalieri ottengono
finalmente la tanto agognata libertà dal giogo romano. Tuttavia,
mentre gli altri sono pronti a lasciare la Britannia e tornare alla
loro terra natale, Arthur prende coscienza di un legame più
profondo con quelle genti per cui ha combattuto controvoglia per
anni. Deluso dalla corruzione e dall’ipocrisia dei rappresentanti
dell’Impero, e influenzato dalle parole di Guinevere e Merlin,
decide di rimanere per affrontare la minaccia dei Sassoni.
È un
gesto che sorprende persino i suoi compagni, inaugurando un
cambiamento radicale nel suo ruolo: da comandante per imposizione,
diventa leader per vocazione. La battaglia finale contro l’armata
Sassone guidata da Cerdic e Cynric segna lo spartiacque definitivo
tra schiavitù e autodeterminazione. Inizialmente deciso ad
affrontare lo scontro da solo, Arthur viene raggiunto dai suoi
fedeli cavalieri, che scelgono di combattere non più per dovere ma
per amicizia e lealtà. Lo scontro che ne segue è violento e carico
di sacrifici: Dagonet ha già dato la vita precedentemente per
garantire la salvezza del gruppo, mentre nel duello finale Lancelot
viene ucciso da Cynric, che a sua volta viene abbattuto da
Guinevere.
Arthur affronta Cerdic in un duello decisivo, riuscendo a
sconfiggerlo e decretando così la fine dell’invasione. La vittoria
non è solo militare, ma simbolica: rappresenta la liberazione dal
dominio straniero e l’inizio di una nuova identità politica e
morale per la Britannia. Questo finale porta compimento ai temi
centrali del film, in particolare quello della libertà come
conquista collettiva e non come privilegio individuale. Arthur, che
all’inizio agiva sotto un vincolo imposto da Roma, sceglie ora
consapevolmente per chi e per cosa combattere. Il suo rifiuto
dell’Impero non è un gesto anarchico, ma l’affermazione di un nuovo
ordine fondato sul rispetto reciproco tra popoli e sulla
solidarietà tra guerrieri.
La
sua trasformazione personale da soldato obbediente a sovrano
illuminato incarna l’idea che il vero potere non risiede nella
nascita o nella carica, ma nella capacità di sacrificarsi per un
bene più grande. Allo stesso modo, l’unità ritrovata tra i
cavalieri e il popolo dei Woads sottolinea come l’identità
nazionale nasca dall’alleanza tra culture diverse piuttosto che
dalla dominazione. La morte di figure come Tristan e Lancelot non è
rappresentata come una sconfitta, ma come il prezzo necessario per
fondare una nuova era. La scelta di mostrare i cavalli dei
cavalieri caduti correre liberi nelle terre ritrovate accentua
ulteriormente l’idea che la libertà, una volta conquistata,
sopravvive oltre la vita di chi l’ha difesa.
In
questo modo, il mito arturiano viene reinterpretato non come l’alba
di una monarchia nobiliare, ma come il risultato di un patto tra
uguali. Il film si chiude dunque con un messaggio chiaro e potente:
la vera leadership nasce dall’altruismo e dal coraggio di scegliere
la strada più difficile. Arthur non diventa re per diritto divino o
imposizione, ma perché è l’unico disposto a combattere non per sé
stesso, ma per tutti. King Arthur ci invita a
riflettere su come la storia sia costruita non solo dalle grandi
battaglie, ma dalle decisioni morali che precedono ogni gesto
eroico. È un racconto che rilegge la leggenda trasformandola in una
lezione di responsabilità e speranza, ricordandoci che la libertà,
una volta conquistata, può diventare eredità per le generazioni
future.
Tron:
Ares è l’ultimo tentativo di rilanciare la serie cult
Tron. Il film originale della Disney è uscito nel 1982,
seguito dal sequel Tron:
Legacy nel 2010. Il cast originale era composto da
Jeff Bridges nel ruolo di Kevin
Flynn/Clu, Bruce Boxleitner nel ruolo di Alan
Bradley/Tron, Cindy Morgan nel ruolo di Lora
Baines/Yori e David Warner nel ruolo di Ed Dillinger/Master Control
Program/Commander Sark, con Legacy che ha aggiunto Olivia Wilde nel ruolo di Quorra e Garrett Hedlund nel ruolo di Sam Flynn.
Con un nuovo cast a parte Bridges,
Ares si basa sulla tradizione esistente, ma porta la serie
Tron in una direzione diversa. Un nuovo personaggio chiave
in Ares è Julian Dillinger (Evan
Peters), il nipote di Dillinger, che cerca di utilizzare la
Griglia per creare armi e soldati basati sull’intelligenza
artificiale a scopo di lucro.
Questo obiettivo lo pone in diretta
opposizione con Eve Kim (Greta Lee), l’attuale CEO di ENCOM e
successore dei Flynn, che vuole utilizzare la Griglia per scopi
altruistici. Entrambe le parti sono alla ricerca del codice di
permanenza di Kevin, che consentirebbe ai programmi della Griglia
di esistere nel mondo reale senza limitazioni.
La ricerca di potere e denaro di
Julian alla fine si rivela vana quando il suo soldato AI, Ares
(Jared
Leto), lo tradisce, lasciandogli come unica opzione
l’arresto. Questo fino a quando un misterioso programma inizia a
comunicare con Julian, che si digitalizza nella Griglia. In una
scena a metà dei titoli di coda, Julian ottiene il disco di
identità appartenente a Sark nel primo film e sembra fondersi con
il programma, indossando l’abito del personaggio.
In un’intervista con Liam Crowley
di ScreenRant, Peters ha parlato di questo colpo di scena
“fantastico”, affermando: “è stato bello essere nella
Griglia”. Per quanto riguarda la rivelazione che il programma
di Sark esisteva ancora dopo gli eventi di Tron e che ora si è fuso
con Julian, Peters ha espresso entusiasmo per essere stato
collegato a un personaggio così fondamentale nella serie.
“C’è molta storia in quel
personaggio, ed ero molto entusiasta di entrarci”, ha detto
Peters, prima di approfondire il suo entusiasmo per la presenza
di Julian nella Griglia: “Inoltre, solo per sbirciare il mondo
intero… non era davvero lì, ma era bello immaginarlo e sentire il
vento. È stato fantastico.”
I fan più attenti potrebbero aver
notato questo colpo di scena prima che venisse rivelato nella scena
a metà dei titoli di coda, poiché il monitor di Julian mostrava
chiaramente Sark quando il programma lo ha contattato. Per chi
avesse bisogno di un ripasso, Sark era un programma creato
dall’anziano Dillinger per fungere da luogotenente del Master
Control Program. Si credeva che fosse stato cancellato insieme
all’MCP originale grazie alle azioni di Kevin e Tron nel primo
film.
Al momento non è stato annunciato
alcun sequel, ma tutto lascia intendere che la Disney speri di
continuare la serie. Allo stesso modo, dopo Tron:
Ares, Peters è pronto a esplorare la Griglia, affermando
che “è davvero un onore far parte di questa serie perché gli
effetti visivi e la costruzione del mondo” sono stati
“fantastici” da “vedere”.
Tron:
Ares introduce molte trame che potrebbero influenzare
il futuro del franchise. Il seguito di Tron:
Legacy si concentra principalmente su un nuovo cast di
personaggi, tutti impegnati nella corsa alla scoperta del codice
della permanenza che potrebbe riscrivere radicalmente il futuro
della tecnologia e della società nel suo complesso.
Il film ha una trama
lineare che vede Ares ed Eve cercare di impedire che il codice
finisca nelle mani di Julian Dillinger, mentre Ares impara
l’importanza di essere umano. Gli aspetti più intriganti di
Tron:
Ares sono il modo in cui finisce, con molti potenziali
filoni narrativi che potrebbero essere utilizzati per impostare i
film futuri.
Ares è ora alla ricerca di
Quorra di Tron: Legacy
Il finale di Tron: Aresprepara un incontro tra Ares e Quorra di Tron: Legacy. Dopo aver ottenuto il codice
di permanenza e la capacità di esistere in modo permanente nel
mondo materiale (anche se a costo della sua capacità di rigenerarsi
nella Griglia), Ares parte alla scoperta del mondo.
In un certo senso, questo sembra
essere guidato dalla sua curiosità per la vita. Tuttavia, viene
anche rivelato che ha due foto di Quorra. Una è un giornale di
anni prima con Quorra e Sam Flynn. L’altra sembra essere una
fotografia più recente, il che suggerisce che Ares sia venuto a
conoscenza dell’esistenza di Quorra.
In quanto ISO che sembra essere
riuscita a superare naturalmente il problema della permanenza che è
alla base di gran parte di Tron: Ares, Quorra offre una
prospettiva unica sulle esperienze che Ares ha vissuto. La sua
sopravvivenza ai giorni nostri potrebbe spiegare perché Ares la sta
cercando, forse per saperne di più su di lei e su ciò che la rende
speciale.
Quorra offre un contrasto unico
con Ares, rendendo qualsiasi potenziale incontro tra loro
fruttuoso. Ares è stato progettato da Dillenger per essere un
guerriero nel panorama digitale. Al contrario, Quorra è stata
generata naturalmente e istruita da Flynn nell’arte e nella
letteratura. Se ci sarà un sequel di Tron: Ares, sembra che
Quorra avrà un ruolo importante.
La scena dei titoli di coda di
Tron: Ares collega Dillinger a Sark
Tron: Ares – Cortesia Disney
La scena a metà dei titoli di coda
si concentra su Julian Dillinger, che funge da antagonista
principale del film. La sua determinazione a ottenere la permanenza
da Eve lo porta a scatenare Athena sul mondo, il che si traduce
nella sua esposizione e nella morte di sua madre. Fuggendo nelle
rovine della sua Griglia, Dillinger attiva il suo disco di
identità nella scena a metà dei titoli di coda.
Questo gli costruisce una tuta
digitale che ricorda il design di Sark del primo film. Sark era
un duplicato digitale di Ed Dillinger in TRON, che
fungeva da braccio destro del Master Control Program. In questo
senso, era in realtà più simile ad Athena, una pericolosa minaccia
al servizio del cattivo principale.
Trasferendosi nella Griglia e
assumendo questa forma, Julian sembra assumere pienamente il ruolo
di suo nonno nella serie. L’arco narrativo di Julian lo vede
cercare di dimostrare di essere un degno erede della tradizione di
famiglia. Tuttavia, il suo fallimento nel rompere la permanenza e
il suo affidarsi invece al furto riflettono il furto del gioco di
Flynn da parte di Ed.
Diventando il sostituto di Sark,
Julian potrebbe diventare il primo antagonista ricorrente della
serie. Sarebbe anche interessante vedere come il chiaro senso
di colpa del personaggio per il destino di sua madre e il crollo
del nome della sua famiglia potrebbero influenzare o influenzare la
sua ulteriore evoluzione in una minaccia digitale.
Cosa significa il finale di
Tron: Ares per il futuro della serie
Tron: Ares – Cortesia Disney
Tron: Ares si conclude con
alcune grandi rivelazioni. Le prime due sono quelle che anticipano
il futuro di Ares e Julian, preparandoli a diventare figure
fondamentali per altre storie. Julian potrebbe essere spinto
dalla rabbia verso la sua creazione a dare la caccia ad Ares, che a
sua volta potrebbe essere costretto a fare i conti con il vero
significato della sua umanità.
Gli aspetti più intriganti del
finale sono il modo in cui la sopravvivenza di Eve e l’attacco di
Athena potrebbero influenzare il mondo in generale. Il finale
conferma che Eve ha utilizzato il codice di permanenza per il
miglioramento dell’umanità, utilizzandolo per aiutare a combattere
la carenza di cibo ed energia in tutto il mondo. In sostanza, il
codice di permanenza ha cambiato l’esistenza umana.
Qualsiasi storia futura ambientata
nel franchise di Tron dovrebbe affrontare la questione del
codice, sia indebolendolo con nuove limitazioni, sia alterando
radicalmente una società che non ha più bisogno di lottare per i
beni di prima necessità che ENCOM ha ora reso illimitati. L’attacco
di Athena conferma anche apertamente al mondo intero che le
entità digitali possono attaccare il mondo reale.
L’esercito americano era già
interessato all’applicazione in tempo di guerra delle
costruzioni digitali, come si vede nelle scene iniziali del
film. È probabile che costruiranno le loro risposte ad Ares e
Athena, così come la loro flotta. Sia per capacità difensive contro
altri attacchi che per rafforzare le proprie forze, i soldati
digitali sembrano inevitabili.
Qualsiasi futuro film di
Tron troverà impossibile riportare tutte queste scoperte
nell’ombra. Piuttosto, un sequel dovrebbe abbracciare questi
elementi ed esplorare tutte le conseguenze di un mondo che non
solo raccoglie i frutti della Griglia, ma è anche dolorosamente
consapevole di quanto possa essere pericolosa.
Il vero significato di Tron:
Ares
Tron: Ares è in
definitiva un film sullo scopo della vita e su come esso non
possa essere definito semplicemente dalla forma o dalla funzione
della propria creazione. Ares è progettato specificamente per
essere un soldato insensibile che esegue i comandi del suo
creatore. Tuttavia, anche una semplice osservazione della pioggia è
sufficiente per mandare Ares in uno stato esistenziale.
Ancor prima di ribellarsi
completamente a Dillinger, Ares ignora gli ordini per cercare di
salvare un altro programma. C’è una sottile curiosità naturale in
Ares che si sviluppa progressivamente con il passare del tempo, a
dimostrazione della sua capacità di sviluppare sentimenti e sincera
empatia. Questo è ciò che convince l’avatar di Flynn a dare ad Ares il codice di
permanenza.
Tron: Ares conferisce al
personaggio titolare la capacità di trovare il proprio scopo e
descrive la sua genuina mancanza di motivazioni o destinazioni
specifiche come una cosa positiva. Onestamente non sa cosa farà
dopo aver sconfitto Athena, il che è il percorso più felice
possibile per un personaggio che sta ancora imparando cosa siano i
sentimenti.
Il film sottolinea come lo sviluppo
dello stato emotivo di Ares sia una cosa positiva. È la prova che i
cittadini digitali della Griglia potrebbero crescere fino a
diventare un popolo a sé stante e che seguire semplicemente le
direttive non è sufficiente per una vita davvero fiorente. Ciò
riflette la filosofia New Age che è sempre stata al centro della
serie.
Ciò si riflette anche nelle
vicende di Eve e Julian. Eve è spinta dal desiderio di
completare il lavoro di sua sorella dopo la sua morte e cresce come
persona fino ad abbracciare quel percorso per sé stessa alla ENCOM.
Al contrario, il desiderio di Julian di dimostrare di essere un
degno erede porta a molte morti, distruzione e alla sua
trasformazione in un cattivo.
Tron: Ares è in
definitiva solidale con le persone guidate dal loro “codice”,
sia esso letterale come nel caso di Athena o una missione
autoimposta come nel caso di Julian. Tuttavia, gli eroi di
Tron: Ares sono quelli che riescono a superarlo e a
concentrarsi invece sulla maestosità e sul mistero della vita.
Il produttore di Alien – Pianeta
Terra David W. Zucker ha spiegato quando verrà deciso
il destino della seconda stagione dopo l’intenso finale della
prima. La prima stagione di Alien – Pianeta Terrasi è
conclusa con importanti preparativi per la direzione che
prenderà la serie nella seconda stagione. Neverland Island è ora
sotto il controllo dei bambini, mentre Weyland-Yutani si avvicina a
un accordo con Prodigy che inevitabilmente fallirà.
Tuttavia, la Alien – Pianeta Terra – stagione 2 deve ancora essere
confermata. In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant
al New York Comic Con, Zucker ha detto che c’è speranza che entro
un altro mese verrà rivelato il destino dello show. Parlando del
creatore della serie Noah
Hawley, ha spiegato il proprio ruolo nella produzione, accennando a
quando potrebbero arrivare notizie sulla stagione 2:
Beh, io sono lì per fornire
supporto. Quindi, ovunque lui vada, io lo seguo a ruota. Ma ci sono
sicuramente molti preparativi creativi in corso, e la nostra
speranza e aspettativa è che nel prossimo mese circa avremo notizie
concrete.
Poiché le notizie sono attese entro
un mese circa, il destino di Alien: Earth potrebbe essere deciso entro
novembre 2025. Hawley ha già dichiarato che immagina lo show come
una serie di più stagioni e, sebbene non ci sia un modo definitivo
di affrontare la storia, ha parlato della possibilità di vederla
arrivare fino alla quinta stagione al massimo.
Crowley ha anche parlato con la
star della serie Sydney Chandler al New York Comic Con del suo
Alien: Earth, Wendy, alla fine della prima stagione. Alla domanda
sui pensieri di Wendy e sulle sue motivazioni per il futuro,
Chandler ha spiegato come questo dimostri quanto lei abbia
trionfato su Boy Kavalier e quanto questo sia positivo per il suo
futuro sull’isola di Neverland:
Beh, questa è una buona domanda
di Noah, perché continuo a chiedergli informazioni e lui non mi
dice dove andremo a finire.
Mi sembra che quel pezzo sia Wendy
che dice scacco matto a Boy K. Ora sei entrato nel suo mondo. È
stata una grande gioia interpretare qualcuno che è molto più figo
di te. Quindi, calarmi in quel ruolo è stato davvero divertente. È
stato un momento molto intenso per lei, ma non ho idea di dove
andrà ora. Per lei va tutto alla grande. Tutto sta andando alla
grande. Per tutti gli altri, non lo so.
I bambini al comando di Neverland e
l’approccio di Yutani sono solo due delle tante domande irrisolte
con cui si conclude Alien: Earth. La storia dell’Ocellus è
un’altra, con l’alieno simile a un bulbo oculare che si è
impiantato nel cadavere di Arthur. Non è chiaro nemmeno cosa
intendano fare ora i bambini, ora che sono liberi, e quali
conseguenze più profonde e imprevedibili potrebbero dover
affrontare.
È chiaro che la seconda stagione ha
un grande potenziale, anche se non è chiaro se FX la rinnoverà.
Nonostante
Alien – Pianeta Terra abbia ricevuto recensioni positive dalla
critica, il pubblico è stato più diviso sulla serie prequel. Al
momento della stesura di questo articolo, lo show ha ottenuto un
punteggio del 94% dalla critica e del 66% dal pubblico su Rotten
Tomatoes. Anche se non è negativo, questo dato segnala una certa
divisione.
Tuttavia, il fattore decisivo per
il futuro della serie saranno gli ascolti. Se Alien: Earth
riuscirà a ottenere numeri sufficientemente buoni su FX e Hulu, la
seconda stagione sarà garantita. Considerando quanto siano
ambiziosi i piani di Hawley, insieme alla sua storia positiva con
FX grazie a Fargo e Legion, è probabile che ci siano buone notizie.
Per ora, però, nulla è certo.
Dopo che David Del Rio è stato
licenziato dalla serie televisiva di successo della CBS Matlock,
la sua co-protagonista Leah Lewis ha rivelato come sta da quando lo
ha accusato di violenza sessuale, e anche la moglie di Del Rio ha
rotto il silenzio.
La
seconda stagione di Matlock era in fase di riprese
quando Lewis ha accusato Del Rio di averla aggredita sessualmente
il 26 settembre, il che ha portato a un’indagine rapida che ha
portato al licenziamento dell’attore il 2 ottobre.
Secondo Us Weekly, Lewis ha pubblicato una storia su Instagram
per aggiornare i suoi follower sui social media dopo il
licenziamento di Del Rio. Ha detto che sua madre è con lei in
questo momento e che entrambe stanno “andando avanti con amore e
forza”. Ha aggiunto che la presenza di sua madre in questo
momento difficile significa che è in “buone mani”.
L’attrice ha ringraziato tutti
coloro che le hanno dimostrato il loro sostegno e ha concluso il
suo messaggio dicendo che la lezione fondamentale da trarre da
tutta questa vicenda è la “forza”.
La moglie di Del Rio, Katherine, ha
pubblicato una sua Instagram Story per rispondere alle accuse di
Lewis contro suo marito. Ha pubblicato una foto di Lewis e ha
definito l’accusatrice di suo marito “la persona più
inquietante” che abbia mai incontrato.
Leah Lewis: La mamma è qui,
andiamo avanti con amore e forza. Sono in buone mani. Grazie a
tutti per il sostegno e l’affetto. Davvero, andiamo avanti con
forza. Parola chiave: forza. Per favore, che questo sia il
messaggio da portare con sé.
Katherine Del Rio: Questa è la
persona più inquietante che abbia mai incontrato.
Oltre a questi commenti pubblicati
su Instagram, non ci sono state dichiarazioni ufficiali da parte
dei produttori di Matlock. Anche Del Rio non ha rotto il silenzio.
Il suo ultimo post sui social media risale al 30 settembre, due
giorni dopo il presunto incidente, e promuoveva la premiere della
seconda stagione di Matlock, in programma il 12 ottobre.
Entrambi hanno disattivato la
funzione di commento sulle loro pagine Instagram. Tuttavia, gli
utenti di Instagram possono ancora lasciare messaggi sui post di
Del Rio. Anche se non ha condiviso alcun post da luglio, ci sono
una manciata di commenti sui suoi post più vecchi che mettono in
discussione la decisione di Del Rio di attaccare Lewis.
Le storie Instagram di Lewis e
Katherine dopo il licenziamento di Del Rio sono scadute o sono
state cancellate. Dopo il suo licenziamento, diverse persone, tra
cui il produttore esecutivo di Matlock Eric Christian Olsen, hanno
accompagnato Del Rio fuori dalla sede. Al 2 ottobre, quando
Del Rio è stato licenziato, circa metà della seconda stagione
di Matlock era già stata girata. La produzione è continuata dopo il
licenziamento dell’attore.
Non sembra che la produzione subirà
ritardi significativi, dato che lo show ha già in programma una
pausa nelle prossime settimane, a partire dal 13 ottobre, con il
cast e la troupe che torneranno sul set dopo il Ringraziamento.
Del Rio e Lewis hanno condiviso
molte scene in Matlock, che vede anche la partecipazione di
Kathy Bates, Skye P. Marshall e Jason Ritter. I
loro personaggi, Billy Martinez e Sarah Franklin, associati al
primo anno presso Jacobson Moore, hanno fornito un tocco comico
alla serie.
Tuttavia, il personaggio di Del Rio
in Matlock dovrà ovviamente essere eliminato, anche se al
momento non ci sono conferme ufficiali sui piani degli
sceneggiatori a seguito del licenziamento dell’attore.
Dopo il finale della seconda
stagione, James
Gunn ha fornito alcuni aggiornamenti sulla terza
stagione di Peacemaker
e sul futuro della serie nel panorama più ampio del fiorente
DCU. La seconda stagione di Peacemaker si è conclusa con Chris Smith intrappolato su
Salvation, un pianeta appena introdotto dove Rick Flagg sta
imprigionando i metaumani in collaborazione con Lex Luthor,
interpretato da Nicholas Hoult.
I fan dei fumetti riconosceranno il
mondo carcerario dalla miniserie in 7 numeri Salvation, in cui
Flagg lavora insieme ad Amanda Waller per intrappolare i metaumani.
Questo indica certamente dove potrebbe ipoteticamente andare la
terza stagione di Peacemaker, ma sembra che Gunn stia
conservando questa storia per un altro progetto.
Parlando con Deadline, Gunn
ha spiegato che al momento non ci sono piani per una terza stagione
di Peacemaker. Il capo dello studio si concentrerà invece su
altre storie del suo universo cinematografico e su come gli eventi
del finale della seconda stagione avranno un impatto su di esso.
Gunn afferma che è possibile che in futuro ci sia una terza
stagione. Fino ad allora, però, Chris Smith sarà un personaggio
importante nella DCU. Leggi qui sotto i commenti completi di
Gunn:
No, si tratta del DCU più ampio e di altre storie in cui
questo avrà luogo proprio ora. Ciò non significa che non ci sarà.
Non voglio dire mai mai, ma in questo momento, no, si tratta del
futuro del DCU. È un personaggio importante.
Non sorprende che Gunn non si stia
concentrando su una terza stagione di Peacemaker al momento. Il
regista ha iniziato a lavorare alla serie prima della
riorganizzazione del DCU, che lo ha visto assumere la direzione
dello studio. Mentre la seconda stagione della serie ha portato
Peacemaker e il resto dei personaggi in questo nuovo universo, c’è
una storia più ampia a cui Gunn sta lavorando.
I prossimi progetti DCU includono il film Supergirl del 2026,
il film sui cattivi di Batman Clayface e il sequel di SupermanMan of Tomorrow. Gunn e il co-direttore dello
studio Peter Safran stanno attualmente lavorando per dare corpo a
questo universo più ampio e, sebbene sia chiaro che Chris Smith di
John
Cena avrà un ruolo da svolgere, concentrarsi sulla serie HBO è
presumibilmente in secondo piano mentre continua il lavoro su un
piano più ampio.
Dove appariranno i personaggi di
Peacemaker in futuro rimane un mistero, ma Gunn sta già facendo
grandi cambiamenti con la sua DCU, riunendo vari personaggi in modi
sorprendenti. Solo nel primo film della DCU, Gunn ha introdotto
Supergirl, Hawkgirl, Mister Terrific, Guy Gardner e altri.
Fin dall’inizio, il mondo della DCU
è molto attivo, il che significa che i personaggi di
Peacemaker sono praticamente disponibili per qualsiasi
progetto futuro, non importa quanto grande o piccolo.
Il finale della seconda stagione di
Peacemaker
è stato diverso da quello che molti fan della DC si aspettavano,
puntando più sull’emozione che sull’azione scioccante, anche se non
sono mancati i colpi di scena. Nell’episodio
7 di Peacemaker, l’eroe interpretato da John
Cena si è consegnato all’ARGUS, portando al finale che esplora
il suo periodo in prigione e l’avventura dell’organizzazione nella
Quantum Unfolding Chamber e le sue numerose porte.
Il finale della seconda stagione di
Peacemaker pone le basi per quella che potrebbe
essere la trama generale del
DCU Chapter One con una location chiave. Con più cameo del
personaggio di Superman nella seconda stagione di Peacemaker, viene
anche preparato il terreno per il sequel del film dell’eroe,
Man of Tomorrow, che uscirà nelle sale il 9
luglio 2027. Inoltre, un importante team della DC Comics è stato
appena introdotto nella DCU.
Cos’è la salvezza e Peacemaker
è davvero intrappolato lì?
Alla fine della seconda stagione di
Peacemaker, sembra che tutto stia andando bene per
Christopher Smith. Lui ed Emilia Harcourt sono in una buona
posizione; ha appena avviato una nuova organizzazione di spionaggio
con i suoi amici e suo fratello di un altro universo, Keith, non si
è nemmeno fatto vivo dopo l’episodio della scorsa settimana.
Tuttavia, le cose non potevano rimanere così a lungo.
Dopo una stagione in cui abbiamo
visto Rick Flag Sr. (Frank Grillo) ossessionato da Peacemaker e
dalla QUC, la serie DC ha finalmente rivelato ciò che Flag stava
cercando fin dall’inizio. Come ha affermato Harcourt durante
l’episodio, l’ARGUS voleva trovare un mondo con condizioni di vita
simili a quelle della Terra. Viene poi rivelato che Flag vuole
trasformare quel luogo, Salvation, in una prigione per
metahumani.
Tutti questi elementi collegati
dovrebbero suonare familiari ai fan della DC Comics, dato che la
DCU sembra stia adattando la miniserie in 7 numeri Salvation
Run. Nei fumetti, Amanda Waller e Rick Flag guidano un progetto
che manda diversi cattivi della DC su Salvation, un mondo ritenuto
innocuo, dove potrebbero essere abbandonati e non fare più del male
a nessuno.
Tuttavia, le cose non sono come
sembrano, poiché il pianeta è pieno di bestie pericolose, come
notato dal ruggito che il personaggio di Cena sente alla fine della
seconda stagione di Peacemaker. Verrebbe rivelato che
Desaad, uno dei Nuovi Dei di Apokolips, è dietro al mondo e alle
sue pericolose creazioni nei fumetti.
Egli osserva i cattivi e, dopo che
questi si sono uniti, decide che è giunto il momento di mettere
alla prova i suoi Parademoni, le creature viste nel film
Justice League del 2017, contro di loro.
Un supereroe, Martian Manhunter, è presente fin dall’inizio,
fingendo di essere Blockbuster, uno dei cattivi della DC, grazie ai
suoi poteri di mutaforma. È interessante notare che Peacemaker
non faceva parte della storia a fumetti.
Pertanto, non c’è una risposta
chiara sul fatto che Rick Flag Sr. lo lascerà a Salvation quando
inizierà a mandare i metaumani nella sua nuova prigione. Tuttavia,
dato l’odio di Flag per Peacemaker, sembra che verrà lasciato lì.
Un’altra importante differenza rispetto al fumetto è che, invece
di usare le porte QUC per arrivare a Salvation, Waller e Flag hanno
usato i Boom Tubes nei fumetti.
Come il finale della seconda
stagione di Peacemaker prepara Man Of Tomorrow
Ci sono due modi principali in cui
la seconda stagione di Peacemaker potrebbe preparare Man
of Tomorrow. Da un lato, l’episodio ha mostrato che Rick
Flag stava lavorando a stretto contatto con Lex Luthor e il suo
team su Salvation. Una nota scritta dal cattivo mostrava che
Luthor era soddisfatto dei progressi di ARGUS, il che ha senso,
dato che anche lui aveva una prigione in una dimensione
alternativa.
In Superman, Lex manda
l’Uomo d’Acciaio nella sua prigione, ma il
Superman di David Corenswet alla fine trova un modo per
fuggire con l’aiuto di Metamorpho, Mister Terrific, Krypto e Lois
Lane. Ora che Lex Luthor e Rick Flag stanno lavorando insieme, è
possibile che Lex possa tentare ancora una volta di imprigionare
Superman, mandandolo a Salvation in Man
of Tomorrow.
Tuttavia, è possibile che Flag
stia semplicemente prendendo in giro Luthor, usandolo per far
sì che Salvation venga istituito prima di rivoltarglisi contro. In
Salvation Run della DC Comics, Lex viene mandato in prigione e
diventa il leader della sua fazione di cattivi. Lo stesso potrebbe
accadere in Man of Tomorrow, con Flag che tradisce Lex e lo
rinchiude a Salvation, forse insieme al Superman di Corenswet.
Ciò corrisponderebbe ai precedenti
commenti di James
Gunn su come Lex e Superman saranno costretti a collaborare
contro una minaccia più grande. Se Desaad è dietro Salvation,
come nei fumetti, ed entrambi i personaggi vengono mandati lì nella
DCU, sarebbe sicuramente un cattivo che richiede tutta la potenza
del duo per essere fermato.
Checkmate crea una nuova
potente forza nella DCU
Dopo che diversi personaggi hanno
dimostrato di aver perso completamente fiducia in ARGUS e Flag nel
corso della stagione, Peacemaker e i suoi amici decidono di fondare
una loro agenzia. Utilizzando il denaro sporco di sangue che
Vigilante aveva nella sua base segreta, gli 11th Street Kids
fondano Checkmate, un’importante organizzazione della DC
Comics. L’agenzia di spionaggio include anche gli agenti ARGUS
Bordeaux, Fleury e Judomaster.
Nei fumetti, Checkmate è stata
creata da Amanda Waller come una branca della Task Force X,
alias la Suicide Squad. La DCU cambia completamente
questa impostazione, con la figlia di Waller, Leota Adebayo, come
forza trainante della Checkmate live-action. Dato che Adebayo e sua
madre vedono le cose in modo molto diverso, la nuova Checkmate
dovrebbe avere obiettivi migliori.
Chris Smith ed Emilia Harcourt
stanno insieme?
Durante il finale della seconda
stagione di Peacemaker, alcuni flashback rivelano cosa è
successo tra Chris e Harcourt sulla barca. Hanno trascorso una
serata meravigliosa e poi si sono baciati, ma Harcourt è scappata
subito dopo. Alla fine, dopo che lei ha confessato che quel
bacio significava “tutto” per lei, li vediamo di nuovo insieme
sulla stessa barca per un’esibizione dei Foxy Shazam.
Presumibilmente stanno insieme.
Perché non c’è stata una
sequenza di combattimento finale nel finale della seconda stagione
di Peacemaker?
I film e le serie sui supereroi
tendono spesso a concludersi con un grande combattimento finale.
Tuttavia, il finale della seconda stagione di Peacemaker non
ne ha avuto uno, con Keith che non è tornato dopo che è stata
impostata la sua vendetta. Invece, il grande “combattimento”
dell’episodio è stata la conversazione emotiva degli 11th Street
Kids per convincere Chris che era amato, che è stata una storia
commovente per il finale della seconda stagione di
Peacemaker.
La premiere della stagione 22 di
Grey’s
Anatomy vede la straziante morte di un’amata
dottoressa, e l’attrice che interpreta il personaggio rivela come
si sente davvero riguardo alla sua scomparsa. Ambientato dopo la
fatale esplosione nell’ospedale, il primo episodio vede i
protagonisti della serie lottare per la propria vita mentre cercano
di salvare i loro pazienti.
Il finale della stagione 21 ha
lasciato gli spettatori con il fiato sospeso, lasciando in sospeso
il destino di diversi personaggi. E, nel primo episodio della
stagione 22 di Grey’s Anatomy, viene rivelato che Monica
Beltran (Natalie Morales), chirurgo pediatrico presso il Grey Sloan
Memorial Hospital, è rimasta vittima dell’incidente.
In un’intervista con Deadline, Morales ha parlato di come si è sentita
quando ha saputo che il tempo del suo personaggio nella serie stava
volgendo al termine. L’attrice ha dichiarato di non provare rancore
per il destino di Beltran e ha spiegato di essere grata per il
tempo trascorso nella serie.
Ovviamente è stato un mix di emozioni. Sono stata molto
fortunata a far parte di questo show e mi sento molto grata per
averne fatto parte. Penso che i fan di questo show siano stati
molto gentili e accoglienti con me, e credo che le persone che mi
hanno accolto bene saranno arrabbiate. Mi dispiace per
questo.
Morales ha anche elogiato il modo
in cui gli showrunner e gli sceneggiatori hanno gestito l’uscita di
scena di Beltran.
Ma penso anche che Meg sia una sceneggiatrice e showrunner di
incredibile talento, e direi una delle persone migliori con cui
abbia mai lavorato, davvero. È stata così gentile e così attenta a
tutto che quando mi ha detto il piano, ho pensato: “Oh, mi sembra
giusto. Capisco perché lo stai facendo, e per me ha senso. Anche se
mi dispiace, funziona davvero per la storia”. Penso che abbia fatto
un ottimo lavoro.
La morte della Beltran è avvenuta
dopo che lei e la tirocinante del Grey Sloan, Jules Millin
(Adelaide Kane), hanno operato un bambino. La dottoressa è rimasta
intrappolata sotto alcune attrezzature mediche mentre dirigeva la
tirocinante durante l’operazione. Mentre il ragazzo e Jules sono
riusciti a salvarsi, la chirurgo pediatra ha purtroppo ceduto alle
ferite prima che i vigili del fuoco sfondassero le porte per
salvarli.
Morales ha esordito come guest star
in Grey’s
Anatomy nella stagione 20 della serie televisiva. Nella
stagione 21, il suo personaggio è diventato uno dei protagonisti
fissi.
Un altro personaggio che ha
preoccupato gli spettatori dopo il finale della stagione precedente
è stato il dottor Atticus Lincoln (Chris Carmack). Fortunatamente,
è riuscito a sopravvivere alla premiere nonostante le gravi
condizioni in cui versava. È stato salvato dai suoi colleghi Owen
Hunt (Kevin McKidd), Teddy Altman (Kim Raver), Winston Ndugu
(Anthony Hill) e Miranda Bailey (Chandra Wilson).
Il produttore della Marvel Brad Winderbaum ha rivelato
un importante collegamento tra Daredevil:
Rinascita e
Spider-Man: Brand New Day. Sia la seconda stagione
della serie Disney+ che il prossimo film del Marvel
Cinematic Universe usciranno nel 2026.
Un importante collegamento è già
stato stabilito tra le due storie, con Frank Castle/Punisher
(Jon
Bernthal) che si unisce al cast di Spider-Man: Brand New Day dopo
aver svolto un ruolo importante nella prima stagione di Daredevil: Born Again.
Un precedente collegamento è che
Matthew Murdock/Daredevil (Charlie Cox) e Peter Parker/Spider-Man
(Tom
Holland) si sono incontrati in Spider-Man:
No Way Home. Murdock ha fatto una piccola apparizione come
avvocato di Peter e lo ha aiutato a uscire dai guai legali. Murdock
ha anche preso al volo un mattone lanciato attraverso la finestra,
anche se Peter non conosceva la vera identità del suo avvocato.
Durante un’intervista con Entertainment Weekly al New York Comic Con, Winderbaum
rivela che le storie di Daredevil: Born Again stagione 2 e
Spider-Man: Brand New Day si influenzeranno a vicenda, anche
se i due progetti hanno toni diversi.
Sottolinea che, soprattutto perché
entrambe le storie sono ambientate a New York City, i team creativi
di entrambi i progetti hanno comunicato attivamente tra loro per
garantire la coerenza e l’impatto di ciascuna storia. Ecco i suoi
commenti:
Stiamo comunicando molto con il
team di Spider-Man: Brand New Day per garantire la coerenza. Non
vogliamo spoilerare nulla, ma è molto presente nello stesso mondo
ed è importante.
Siamo in un universo condiviso,
ma direi che i fumetti di Daredevil e Punisher descrivevano un
certo tono e un’idea di New York in modo diverso rispetto a
Spider-Man, ma entrambi esistono nello stesso universo. È simile.
Tutto è allineato e gli impatti si fanno sentire, ma siamo in grado
di raccontare storie diverse.
Non è la prima volta che l’MCU deve
destreggiarsi tra più storie ambientate a New York City. Ai tempi
delle serie Netflix della Marvel, questo problema veniva risolto
facendo in modo che i film non facessero mai riferimento alle serie
e che le serie occasionalmente facessero riferimento a eventi dei
film, come la Battaglia di New York.
Daredevil: Born Again – stagione 2
e Spider-Man: Brand New Day raccontano le loro storie con toni
distinti, ma i commenti di Winderbaum confermano che ci sarà una
connessione tra loro, che apparentemente andrà oltre la presenza di
Punisher.
Con Wilson Fisk/Kingpin (Vincent D’Onofrio) che controlla New York
City e prende di mira i supereroi vigilanti nel
Daredevil: Born Again stagione 1 finale, è logico che Brand New
Day riconosca almeno questi eventi e possa persino esplorare
l’impatto che hanno su Peter.
Dato che la seconda stagione di
Born Again debutterà nel marzo 2026 e Brand New Day uscirà nelle
sale il 31 luglio, la serie precederà il film, il che significa che
qualsiasi cambiamento significativo nella guerra di Fisk contro i
vigilanti e il suo potere su New York City potrà essere riportato
nella storia della prossima avventura di Peter.
Personaggi diversi dal Punitore
potrebbero apparire anche nella seconda stagione di Daredevil:
Born Again e in Spider-Man: Brand New Day, ma i
collegamenti citati da Winderbaum sembrano riguardare più la
coerenza generale e l’impatto sull’ambientazione di New York
City.
È stato svelato il costume di Matt
Murdock per la seconda stagione di Daredevil:
Rinascita. Dopo aver recitato nella sua serie
Netflix e aver fatto alcune apparizioni in
Spider-Man: No Way Home,
She-Hulk ed Echo, Charlie Cox è tornato nei panni di Daredevil
nella serie Disney+Born Again.
La prima stagione è andata in onda
nella primavera del 2025, mentre la seconda stagione di
Daredevil: Born Again dovrebbe debuttare nel marzo
2026.
EW ha condiviso la prima immagine del costume di
Daredevil della seconda stagione di Born Again. Nella foto,
Cox interpreta il personaggio dell’alter ego supereroe di Murdock
con un’espressione severa, presumibilmente in reazione a qualcosa
fuori campo.
Il costume di Daredevil è il
tipico rosso che i fan si aspettano dal personaggio preferito dai
fan, anche nella serie Netflix, con due piccole corna che sporgono
dalla parte superiore della maschera che copre i suoi occhi.
Sul petto è presente l’emblema DD,
con una lettera sovrapposta all’altra, a rappresentare
Daredevil.
Fonte: EW
Il costume più famoso indossato da
Daredevil nel corso della sua esistenza è rosso, anche se il
personaggio ha anche un costume giallo che è apparso nei fumetti.
Quando Daredevil è apparso in She-Hulk, ha sostituito il suo
costume rosso con uno giallo, ispirato a Daredevil #1.
In seguito, la Marvel ha riportato in auge il
costume rosso, anche per Echo, anche se lo ha cambiato di
nuovo per la serie animata Your Friendly Neighborhood
Spider-Man, in cui è stato utilizzato un costume nero.
Che sia rosso, giallo o nero, il
costume di Daredevil è un look iconico tra i fan devoti della
Marvel, quindi questa prima anteprima della seconda stagione di
Born Again, che vede Charlie Cox recitare al fianco di
Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden
Henson e Wilson Bethel, aumenterà sicuramente l’entusiasmo
e l’attesa in vista del ritorno della serie sui supereroi il
prossimo anno.
Mentre condivideva la prima
immagine della seconda stagione di Daredevil Born Again,
EW ha anche parlato con il dirigente della Marvel Brad
Winderbaum, che ha anticipato il ritorno di Krysten Ritter nei
panni di Jessica Jones, ma ha rifiutato di rivelare se Luke Cage e
Danny Rand torneranno sul piccolo schermo dopo la cancellazione
delle rispettive serie Netflix.
Durante tutto il processo di
pre-produzione della seconda stagione di Born Again, i produttori
di Daredevil hanno anche collaborato con il team di Spider-Man: Brand New Day per
garantire la coerenza, dato che entrambe le trame si svolgono nello
stesso mondo.
La data di uscita della seconda
stagione di Daredevil: Born Again non è
stata ancora annunciata, a parte l’anticipazione della Marvel di un
periodo intorno a marzo 2026, anche se la presentazione del costume
del supereroe al New York Comic Con fa pensare che ulteriori
dettagli e anticipazioni saranno presto disponibili, compreso un
trailer nelle prossime settimane e nei prossimi mesi.
The Walking Dead: Daryl Dixon ha rivelato un primo
sguardo alla quarta stagione dello spin-off sugli zombie,
anticipando ciò che accadrà nella parte finale della serie. La
terza stagione di Daryl Dixon ha portato Daryl e Carol in
Spagna, dove hanno cercato di aiutare una nuova comunità, Solaz del
Mar, mentre tentavano di tornare a casa in America.
All’inizio di quest’anno, è stato
confermato che la stagione 4 di Daryl Dixon sarebbe stata l’ultima serie
di episodi della serie. Le riprese sono iniziate in Spagna
all’inizio di quest’anno e la prossima stagione conterrà otto
episodi in totale. Anche se non si sa molto della trama, si prevede
che sarà la continuazione diretta della storia di El Alcázar della
stagione 3.
Ora, AMC ha pubblicato
un primo sguardo ufficiale alla quarta stagione di Daryl
Dixon al New York Comic Con. Nel video, gli attori
Norman Reedus e Melissa McBride, insieme a una delle
controfigure di McBride, anticipano quanto sarà emozionante la
stagione finale. Reedus scherza anche sul numero di controfigure
che hanno. Guarda il video completo qui:
Sebbene non sia chiaro quali
personaggi della
terza stagione di Daryl Dixon torneranno, il
nuovo video offre alcuni indizi su ciò che caratterizzerà la quarta
stagione. Tra questi, Daryl e Carol in una serie di location
all’aperto, Daryl che brandisce un fucile a tracolla e un cimitero,
che sembra essere un luogo significativo per gli episodi.
Al momento della stesura di questo
articolo, mancano ancora due episodi alla fine della terza
stagione. La trama che coinvolge la coppia e la loro lotta contro
El Alcázar è ancora in corso, senza alcuna conferma sul fatto che
verrà risolta prima dell’inizio della quarta stagione. Stanno
anticipando che la stagione finale sarà ancora migliore,
un’affermazione audace considerando le ottime recensioni della
terza stagione di Daryl Dixon.
Sebbene non sia chiaro come si
svolgerà la stagione finale, l’avventura di Daryl e Carol
attraverso la Spagna finirà probabilmente con la coppia che
finalmente troverà la strada di casa. Tuttavia, ciò richiederà loro
di portare a termine la loro missione con Solaz del Mar,
assicurandosi che gli amici che hanno conosciuto lungo il percorso
siano protetti. Questo potrebbe essere un compito arduo, a seconda
del potere di El Alcázar.
Con il nuovo assaggio che promette
un finale avvincente per Daryl e Carol, la quarta stagione di
Daryl Dixon si preannuncia come un degno finale per
gli eroi storici della serie. Man mano che la terza stagione
prosegue, senza dubbio risponderà alle domande su dove andrà a
parare la quarta stagione e cosa aspettarsi quando si chiuderà
questo capitolo dell’universo di The Walking Dead.
Jensen Ackles parla della sconvolgente
cancellazione di Countdown.
Ackles era il protagonista di Countdown nel ruolo del
detective Mark Meachum. Dopo essere stato chiamato a indagare e
rintracciare il responsabile dell’omicidio di un agente del
Dipartimento della Sicurezza Nazionale, scopre un’enorme
cospirazione.
La
prima stagione si è conclusa con un grande colpo di scena dopo
il rapimento dell’agente speciale Amber Oliveras (Jessica
Camacho). Ackles e lo showrunner Derek Haas avevano
precedentemente espresso il desiderio di continuare la serie. La
serie ha continuato ad avere un buon successo su Prime Video, dove è ancora al 10°
posto nella classifica statunitense dello streamer a più di un mese
dall’uscita del finale.
Poche ore dopo la notizia della
decisione di Prime Video di cancellare Countdown, Ackles ha
condiviso la sua reazione su Instagram. Ha espresso il suo
disappunto, descrivendo questo risultato come “una
delusione” e affermando che questa è “la fine per Mark
Meachum” e gli altri personaggi.
Ackles ha anche sottolineato quanto
fosse grato di aver realizzato una serie che è stata un’esperienza
così positiva e ha ringraziato sia Prime Video che l’ex capo di
Amazon Global Television, Vernon Sanders, per aver sostenuto la
serie. Leggi la risposta di Ackles qui sotto:
Le recensioni di Countdown
non sono state positive, con lo show che ha ricevuto un punteggio
critico del 35% su Rotten Tomatoes. L’alto numero di spettatori
negli Stati Uniti e l’immensa popolarità di Ackles rendono la
cancellazione ancora più sorprendente, anche se secondo quanto
riferito il numero di spettatori globali è il motivo per cui Prime
Video ha deciso di terminare la serie.
Probabilmente anche il riferimento
di Ackles al sostegno di Sanders alla serie ha influito sulla
decisione di Prime Video. Sanders ha lasciato Amazon MGM Studios il
17 settembre e il suo posto è stato preso dall’ex dirigente di
Netflix Peter Friedlander, e questo cambio della
guardia probabilmente non ha giovato a Countdown, dato che
il futuro della serie era già stato deciso.
La notizia della cancellazione di
Countdown ha coinciso con quella di un’altra serie d’azione
della scorsa estate, Butterfly, anch’essa cancellata dopo
una sola stagione. La chiusura di Countdown e
Butterfly e il rinnovo di altre serie come lo spin-off di
Bosch, Ballard, stanno già plasmando questa nuova era
di leadership di Prime Video.
Le osservazioni di Ackles sul fatto
che questa sia la fine per Meachum, Oliveras e gli altri personaggi
indicano che si tratta di un finale definitivo per la serie e che
al momento non ci sono piani per cercare di rilanciarla altrove.
Per quanto riguarda il cliffhanger della prima stagione, ciò
significa che il destino di Oliveras rimarrà irrisolto.
Anche senza
Countdown, però, ci sono ancora molti programmi con
Jensen Ackles in arrivo, anche su Prime Video.
Ha ripreso il ruolo di Soldier Boy per la quinta stagione di
The
Boys durante l’estate 2025, e lo interpreterà anche nella
serie prequel di The Boys, Vought Rising. È stato
anche confermato il ritorno di Ackles nel ruolo di Russell Shaw
nella terza stagione della serie della CBS Tracker.
In copertina: Jensen Ackles
partecipa alla premiere della serie Countdown — Foto di Mlmattes
via DepositPhotos.com
L’introduzione di un nuovo
antagonista più minaccioso di qualsiasi criminale per Morgan nella
seconda stagione di High
Potential potrebbe distruggere l’intera premessa della
serie poliziesca. L’aggiunta di Morgan alla squadra Major Crimes
del tenente Soto come consulente è sempre stata in contrasto con
l’avversione di Morgan per le figure autoritarie. La
seconda stagione di High Potential ha continuato a
mettere in evidenza i problemi di Morgan attraverso il suo
arresto.
High Potential ha spesso dipinto il primo
impulso di Morgan di colorare fuori dalle righe come un grave
svantaggio, pur riconoscendolo come un vantaggio che la aiuta a
risolvere i crimini. Ciò è diventato evidente nella corsa contro il
tempo del finale della prima stagione di High Potential per
sventare il primo complotto del Game Maker, ma l’episodio 4 della
seconda stagione ha indicato che potrebbe porre fine alla carriera
di Morgan.
La perdita del lavoro di
consulente potrebbe costringere Morgan ad ammettere che in realtà
lo ama
L’apparizione di Solomon degli
Affari Interni dopo che Karadec ha sparato con la sua arma
nell’episodio 4 della seconda stagione di High Potential ha
evidenziato quanto la collaborazione con Morgan abbia influenzato
il cambiamento di Karadec, che ha respinto il suo suggerimento di
seguire la politica. Tuttavia, è stato l’interesse di Solomon per
la collaborazione di Major Crimes con Morgan che ha introdotto una
minaccia non troppo velata alla sua posizione attraverso la sua
ammissione di controllare le loro indagini.
L’ammissione di Solomon di
aspettare che Morgan commettesse un errore lo ha reso un chiaro
antagonista di Morgan, considerando la sua mancanza di rispetto per
le regole e le procedure come un ostacolo, indipendentemente
dall’importanza del suo contributo. Questo rende Solomon la più
grande minaccia alla collaborazione di Morgan con la polizia di Los
Angeles, danneggiando potenzialmente Morgan e la sua carriera
in un modo che nessun criminale avrebbe mai potuto fare.
L’occhio vigile di Solomon che
porta Morgan a perdere il lavoro potrebbe anche costringerla ad
ammettere finalmente quanto lo ama. La premiere della serie High
Potential ha stabilito che Morgan si è unita alla squadra di
Soto perché le avrebbe garantito uno stipendio fisso e avrebbe
potuto risolvere il caso irrisolto di Roman. Tuttavia, a Morgan
è sempre piaciuto usare le sue capacità per risolvere i
casi.
Il fatto che Solomon impedisca a
Morgan di fare il suo lavoro potrebbe cambiare la traiettoria della
sua storia più di quanto il Game Maker abbia mai potuto fare con le
sue minacce dirette a Morgan.
L’interesse di Morgan nel
proteggere le vittime e le loro famiglie e il suo apprezzamento per
aver ottenuto una scrivania nella prima stagione hanno già
dimostrato che far parte della squadra è importante per lei. Le sue
preoccupazioni riguardo al fatto che Soto diventi capitano,
cambiando le dinamiche nella seconda stagione di High
Potential, episodio 4, lo hanno ribadito. Tuttavia, Morgan non
ha mai espresso quanto il suo lavoro sia importante per lei.
Ogni volta che il ruolo di Morgan
veniva messo in discussione dal capitano Pacheco o dal tenente
Melon, Soto la difendeva. Il team di Morgan ha spiegato più volte
quanto Morgan sia importante per il successo di Major Crimes, ma
Morgan non ha mai riconosciuto espressamente di tenere al suo
ruolo e di volerlo mantenere. La minaccia di Solomon potrebbe
finalmente costringerla a farlo e rivelare un problema di lunga
data.
Morgan che accetta il suo ruolo
cambia il suo approccio all’autorità
Morgan non ha nascosto la sua
avversione per l’autorità in High Potential, e la sua
tendenza a infrangere le regole non è mai scomparsa. Tuttavia,
il suo ruolo di consulente rende Morgan effettivamente vicina
all’autorità. High Potential è riuscito finora a
mantenere un equilibrio tra i problemi di Morgan con l’autorità e
il suo aiuto, ma ammettere di amare il suo lavoro cambierebbe
inevitabilmente la posizione di Morgan.
Ciò potrebbe causare un cambiamento
importante nella premessa di High Potential, secondo
cui una persona come Morgan, che segue le regole quando le
conviene, aiuta la polizia di Los Angeles. Infatti, l’accettazione
da parte di Morgan del suo amore per il ruolo la spingerebbe a
continuare a stare vicino all’autorità, cambiando necessariamente
il suo comportamento, oppure creerebbe una forte dissonanza.
The New
Force, originariamente intitolato ‘Skiftet’, è un
dramma storico svedese Netflix ambientato nel 1958, quando Klara, a
Stoccolma, introduce una nuova iniziativa e include agenti di
polizia donne nelle forze dell’ordine. Tuttavia, sebbene l’idea
rimanga nobile, la realtà di essere una poliziotta, o “gonne”, come
vengono alla fine chiamate, presenta una realtà molto più
complicata. Le amiche e coinquiline Carin, Siv e Ingrid iniziano a
rendersene conto quando vengono accolte nella stazione di polizia
locale, solo per essere accolte con riluttanza, scherno e disprezzo
dai loro colleghi maschi. Ciononostante, le tre donne rimangono
salde nelle loro aspirazioni anche nei momenti più bui.
Tuttavia, le cose iniziano a
cambiare quando Carin si imbatte in un mistero più grande che
coinvolge la morte di una giovane prostituta, Monica. I possibili
collegamenti di quest’ultima con il famigerato criminale Jack
Hellman, che a sua volta sembra avere un infiltrato nelle forze
dell’ordine, promettono di condurre Carin al centro di una più
grande cospirazione. Tuttavia, con il suo lavoro e quello delle
altre poliziotte in bilico, è solo questione di tempo prima che la sua
indagine segreta la metta in guai seri. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in The
New Force?
Klara, Stoccolma, è sull’orlo di un
grande cambiamento quando il capo della polizia Gunnar Svärd
introduce un nuovo esperimento: sfruttare la manodopera ancora
inutilizzata delle donne poliziotto. Così, un piccolo gruppo di
donne viene ammesso all’addestramento e entra a far parte del
distretto locale come agenti. Il loro primo giorno, vengono
affiancate da agenti maschi come partner in un pattugliamento
condiviso per tutta la durata del periodo di valutazione. Tuttavia,
nonostante queste donne abbiano ricevuto lo stesso addestramento di
jiu-jitsu degli uomini, la maggior parte dei poliziotti maschi è
infastidita dalla loro presenza. Infatti, molti di loro si
rifiutano persino di parlare o di riconoscere le loro partner
femminili durante il pattugliamento. Il partner di Carin, Johan
Reimer, sebbene educato, inizialmente sembra essere dello stesso
tipo.
Durante il loro primo
pattugliamento insieme, i due inseguono alcune prostitute che
esercitano attività illecite. Sebbene l’operazione sia vana, porta
anche alla perdita del distintivo da parte di Carin, un reato che
lei teme le costerà il licenziamento il primo giorno. Per lo stesso
motivo, Carin decide di prendere in mano la situazione e va alla
ricerca di Monica, la prostituta, convinta che sia stata lei a
rubarle il distintivo. Di conseguenza, si ritrova infiltrata in un
bordello con la scusa di essere una delle lavoratrici. Questo la
porta faccia a faccia con Jack, il proprietario del locale, che si
rivela essere un criminale pericoloso. Anche se riesce a trovare
Monica, la donna, che sembra essere in gravi condizioni di salute,
insiste nel dire che non ha nulla a che fare con la scomparsa del
distintivo di Carin. Anzi, sembra spaventata dalla presenza di
quest’ultima, convinta che la farebbe uccidere.
Alla fine, l’agente riesce a
fuggire da quel luogo squallido con la vita salva. Tuttavia, il
giorno successivo, durante il pattugliamento, quando lei e Reimer
scoprono un cadavere nel lago, si rende conto che lo stesso non si
può dire per Monica. Anche se Carin rimane convinta che la morte
della prostituta abbia qualcosa a che fare con Jack Hellman, il
detective incaricato del caso, Fischer, si rifiuta di prendere in
considerazione le sue teorie. Di conseguenza, Carin finisce per
infrangere alcune regole per indagare sul caso di Monica,
desiderosa di ottenere giustizia per la giovane donna. Nel
frattempo, nel tentativo di entrare nelle grazie del detective
Oscar, con l’intenzione di trovare un mentore, Siv spaccia la
storia della sua amica per sua. Ben presto, il dipartimento fa
irruzione nel bordello, effettuando diversi arresti. Tuttavia, Jack
riesce a scappare grazie al suo informatore sotto copertura, Svärd.
Nello stesso periodo, una delle amiche di Monica costringe Carin ad
aiutarla accompagnandola durante il suo tentativo di fuga.
A sua insaputa, la poliziotta
finisce per aiutare la donna a scappare con parte del denaro di
Jack. Di conseguenza, il criminale finisce per prendere di mira
Carin, costringendola a pagare il debito di Katina. Alla fine, Jack
diventa imprudente nella sua ricerca e finisce per aggredire il
fidanzato della poliziotta, Aren, il che inevitabilmente lo porta
all’arresto. Tuttavia, la minaccia di Jack sulla vita di Carin
rimane. Per lo stesso motivo, Reimer le consiglia di andare da
Svärd con tutta la verità. Tuttavia, una volta che la poliziotta
viene a conoscenza del coinvolgimento del capo nella chiusura
prematura del caso di Monica, si rende conto che non ci si può
fidare dell’ufficiale superiore. Di conseguenza, finisce per
ricadere nelle vecchie abitudini, indagando sulle circostanze
dietro la morte della vittima. Alla fine, finisce per scoprire una
minacciosa connessione tra Monica, il suo protettore Jack e il capo
della polizia, Svärd.
Il nuovo finale: come è morta
Monica?
Il mistero dietro la morte di
Monica rimane al centro della narrazione di Carin sin dal suo primo
giorno di lavoro. In un certo senso, lei incolpa se stessa per il
destino della prostituta a causa della loro interazione la notte
prima della sua morte. Dal momento in cui viene scoperto il suo
cadavere, l’agente di polizia sembra convinta che Jack Hellman
debba avere qualcosa a che fare con il suo omicidio. Dopotutto, la
donna aveva insistito che Jack l’avrebbe uccisa se avesse scoperto
che lei aveva portato un poliziotto a scoprire le sue attività.
Pertanto, durante la sua indagine investigativa, opera partendo dal
presupposto che Jack sia al centro del caso. Tuttavia, tutto cambia
quando trova una pista sulla posizione di Monica presso il losco
locale Solveigs Salon, poche ore prima della sua morte.
Dopo alcune indagini, Carin riesce
a prenotare un appuntamento fuori orario presso il salone. Durante
la sua visita, sotto le spoglie di una cliente, si rende conto che
il locale gestisce un’attività illegale di aborto. Inoltre, riesce
a rubare un registro dal locale, che le fornisce la prova che la
prostituta aveva visitato il salone pochi giorni prima della sua
morte. Tuttavia, l’informazione più interessante che trova proviene
dal contatto di emergenza che la donna aveva registrato durante la
visita. Chiamando il numero, Carin viene indirizzata al numero
civico di nientemeno che il capo Svärd. Quando condivide le sue
scoperte con il suo partner, Reimer, lui insiste per riferire tutto
al detective Fischer, incaricato del caso chiuso di Monica. Dopo
che il poliziotto segue con riluttanza il suo consiglio, le cose,
come prevedibile, non portano a nulla, poiché il detective ritiene
che le prove concrete e inconfutabili non siano sufficienti.
Carin capisce quindi che deve
prendere in mano la situazione se vuole che il caso di Monica
giunga a una conclusione definitiva. Da quel momento in poi, alza
la posta in gioco, diventando più spericolata nella sua ricerca di
prove. All’ultimo momento, riesce a trovare un testimone che può
confermare che il capo della polizia era andato a prendere Monica
al salone quando aveva un disperato bisogno di cure mediche. In
seguito, quando arriva il momento per Carin di presentarsi davanti
ai capi dipartimento insieme a Svärd per una valutazione che
determinerà il futuro dell’esperimento sulle agenti donne, lei
rivela tutto sull’uomo ai suoi superiori. Questo mette Svärd in una
posizione emotivamente compromessa, che a sua volta lo porta a
confessare la verità sulla notte della morte della donna. Monica
aveva effettivamente cercato aiuto medico presso la clinica
abortiva illegale. Tuttavia, pochi giorni dopo l’intervento, ha
avuto una complicazione che richiedeva l’attenzione di un vero
ospedale piuttosto che di una clinica clandestina. Per lo stesso
motivo, il proprietario della clinica ha chiamato il suo contatto
di emergenza, Svärd, il padre di Monica. Nonostante le differenze
tra il padre e la figlia, probabilmente dovute alla professione di
quest’ultima, Svärd ha fatto del suo meglio per salvarla.
Purtroppo, Monica è morta sul sedile posteriore della sua auto. Per
lo stesso motivo, al fine di prendere le distanze dall’incidente,
il capo della polizia ha scelto di insabbiare la morte della
donna.
Carin denuncia Svärd? Cosa gli
succede?
Svärd ha un ruolo complicato nella
narrazione. È lui a guidare l’iniziativa che permette a Carin e
alle altre donne di entrare nelle forze di polizia. Pertanto,
qualsiasi minaccia alla sua reputazione rischia di smantellare
l’intero esperimento. Ciò significa che, denunciando il suo
superiore, l’agente donna dovrebbe rassegnarsi alla possibilità
molto concreta di vedere i propri sogni andare in fumo. Tuttavia,
incapace di tollerare ulteriormente l’ingiustizia, finisce per
vuotare il sacco durante il colloquio di valutazione. In precedenza
era riuscita a ottenere la testimonianza della donna che gestiva la
clinica abortiva, che aveva riconosciuto Svärd come l’uomo che era
andato a prendere Monica la notte della sua morte. Inoltre, se ne
avesse l’opportunità, potrebbe anche costringere Fischer a
presentare il registro come parte delle prove.
Tuttavia, mentre Carin è pronta ad
agire contro Svärd, indipendentemente dalle ripercussioni che ciò
potrebbe avere sulla sua carriera, lo stesso non si può dire per il
dipartimento di polizia. Rivelare il legame del capo della polizia
con Monica, sia come suo padre che come uomo che ha abusato del suo
potere per insabbiare il caso, esporrebbe il dipartimento a
critiche diffuse. Il suo superiore, Thullin, ne è consapevole.
Pertanto, finisce per offrire alla poliziotta una scelta. Carin può
andare avanti con il suo caso contro Svärd e rovinare la sua
reputazione, compromettendo così la sua iniziativa sulle donne
poliziotto, oppure può tacere e spianare la strada a un nuovo
gruppo di agenti che potranno entrare nel distretto. In definitiva,
la scelta è una tangente offerta per comprare il silenzio di Carin,
facendole capire che lei e le altre donne non possono realizzare i
loro sogni nelle forze dell’ordine senza essere “giocatrici di
squadra”, complici dei crimini degli altri agenti.
Alla fine, Carin prende la
decisione che le è più favorevole, tacendo sul coinvolgimento di
Svärd nella morte di Monica. Sono diversi gli elementi che portano
la donna a questa decisione. Da un lato, crede che l’esperimento
sia dannoso per la progressione delle donne nei campi
professionali. Non vuole privare le sue colleghe e le future agenti
donne della possibilità di dimostrare il loro valore. Inoltre, non
si può negare che la sua filosofia abbia un lato egoistico.
Tuttavia, la decisione che prende finisce per essere un’arma a
doppio taglio. Mentre l’esperimento può continuare, portando un
nuovo gruppo di agenti donne alla stazione di polizia, Thullin
trasferisce anche Svärd fuori dal distretto, sostituendo Fischer
come suo successore. Di conseguenza, le donne del distretto
rimangono sotto la guida di un capo sessista e tradizionalista, che
non ha alcun interesse reale a far progredire la loro carriera.
Ingrid denuncia Wallin?
Proprio come Carin, sua amica e
collega, anche Ingrid si trova in una situazione difficile in cui
deve scegliere tra la sua moralità e la sua carriera nella polizia.
Fin dal suo primo giorno di lavoro, viene affiancata a Wallin, un
agente della vecchia scuola pieno di pregiudizi razziali e
xenofobi. È anche fin troppo felice di abusare del suo potere di
agente di polizia per maltrattare e discriminare coloro che
considera inferiori a lui. Inutile dire che è fermamente contrario
alle iniziative di Svärd a favore della parità di genere. Durante i
primi giorni di addestramento, Wallin ignora ostinatamente Ingrid o
addirittura arriva a osteggiarla. Lei, dal canto suo, continua a
stringere i denti e a sopportare tutto come una sfortunata realtà
del suo lavoro. Tuttavia, le cose prendono una piega diversa dopo
un’irruzione notturna in un locale dove vengono proiettati
illegalmente film per adulti. Mentre raduna gli uomini presenti nel
locale, la poliziotta finisce per puntare la pistola contro uno di
loro.
Sebbene le sue azioni siano state
alimentate dalla sua stessa paranoia e paura, Wallin le interpreta
come una volontà di abusare del suo potere di agente delle forze
dell’ordine. Questo lo porta ad avvicinarsi a Ingrid, invitandola a
fare delle pause durante i loro pattugliamenti e a uscire con gli
altri agenti dopo il lavoro. Di conseguenza, lentamente ma
inesorabilmente, finisce per reclutare la donna nel suo gruppo di
poliziotti corrotti, che abusano regolarmente del loro potere
torturando e forse uccidendo individui appartenenti a gruppi
minoritari. Quando Ingrid si rende conto di ciò che sta accadendo,
è già troppo tardi e si ritrova di fronte a un uomo legato, con
l’incarico di dargli un paio di pugni. In quel momento, obbedisce
agli ordini di Wallin, troppo spaventata per provocare la sua ira
contro di lei. Tuttavia, in seguito si pente profondamente delle
sue azioni e considera di lasciare il lavoro come penitenza.
Tuttavia, sua nonna la aiuta a capire che deve sistemare le cose
non scappando, ma piuttosto prendendo posizione.
Così, la mattina seguente, Ingrid
decide di denunciare Wallin e il suo gruppo a Berg. Tuttavia,
entrambe le donne sanno dove porterà questa linea di condotta.
Essendo una donna in un distretto pieno di uomini, la parola di un
agente di polizia ha già poco valore. Pertanto, la sua unica
testimonianza non sarebbe mai stata sufficiente per incriminare il
gruppo razzista della stazione. Al contrario, avrebbe solo finito
per etichettarla come una spia, distruggendo il suo futuro
lavorativo. Nonostante ciò, dopo aver taciuto per troppo tempo,
Ingrid decide di impegnarsi per ottenere un vero cambiamento. Per
lo stesso motivo, decide di continuare la sua collaborazione con
Wallin per guadagnarsi la sua fiducia e raccogliere ulteriori
informazioni sul suo gruppo sovversivo. Con Berg dalla sua parte,
decide di giocare una partita a lungo termine, mettendo forse a
rischio la propria vita per avere una possibilità di giustizia.
Carin è incinta?
Nella storia, la gravidanza rimane
un argomento cruciale a cui la maggior parte delle agenti donne
deve prestare attenzione quando pensa al proprio futuro.
All’inizio, la gravidanza di un’agente la costringe a svolgere
mansioni d’ufficio. Poco dopo, viene licenziata dalla polizia con
la motivazione insignificante della sua incompetenza sul lavoro.
Naturalmente, il suo destino diventa un monito per Carin, che
all’inizio della serie ha una relazione seria con Aren. Per questo
motivo, si sottopone a un test di gravidanza, desiderosa di
scoprire se i metodi contraccettivi utilizzati da lei e dal suo
ragazzo sono abbastanza sicuri. Nel corso delle settimane
successive, la sua vita subisce un drastico cambiamento: la sua
relazione con Aren finisce, in gran parte a causa della instabilità
che il suo lavoro porta nella sua vita.
Infatti, la goccia che fa
traboccare il vaso nella loro relazione è la decisione di Carin di
stare al gioco del dipartimento e proteggere la reputazione di
Svärd in cambio del posto di lavoro suo e delle altre agenti donne.
Di conseguenza, quando la clinica chiama per confermare la
gravidanza, è l’ultima cosa di cui Carin ha bisogno. Una gravidanza
significherebbe la fine del suo lavoro e un’ulteriore complicazione
nella sua relazione con Aren, che tecnicamente non esiste più.
Ironia della sorte, è lei la diretta responsabile della chiusura di
una clinica abortiva illegale, che avrebbe potuto aiutarla a fare
una scelta diversa per il suo futuro, se lo avesse voluto. Alla
fine, la notizia mette il suo futuro in una situazione
precaria.
La serie NetflixBoots,
creata da Andy Parker, è un dramma militare che racconta la storia
unica di un
adolescente non dichiarato omosessuale nel Corpo dei Marines,
vista attraverso una lente comica. Negli anni ’90, il diciottenne
Cameron Cope non ha idea di dove lo porterà la vita. Decide quindi
di seguire il suo migliore amico, Ray, e di arruolarsi nel Corpo
dei Marines, nonostante la sua politica discriminatoria nei
confronti dell’omosessualità. Tuttavia, una volta arrivato al campo
di addestramento e entrato a far parte del suo plotone, il 2032, si
rende conto di quanto la sua scelta possa essere stata poco
informata.
Circondato da un gruppo eterogeneo
di reclute che hanno tutte scheletri da nascondere nell’armadio,
Cameron inizia lentamente a imparare il costo e la ricompensa di
diventare un marine. Con un tono umoristico, la serie approfondisce
la realtà quotidiana del campo di addestramento militare, in
particolare per reclute come Cameron, che sono state costrette a
nascondere una parte di sé per un motivo o per l’altro. Pertanto,
data l’autentica credibilità della storia, non sorprende che trovi
una base tangibile nella realtà.
Boots è in parte ispirato alle
memorie di Greg Cope White
Boots traccia una narrazione che
rimane radicata nella realtà, almeno in parte. La serie trae
ispirazione da The Pink Marine, le memorie biografiche di Greg Cope
White, ex marine statunitense diventato scrittore e produttore
televisivo. L’autore si arruolò nell’esercito statunitense nel
1979, in un periodo in cui l’omosessualità era illegale nelle forze
armate. Pur non rivelando la propria omosessualità, prestò servizio
come specialista delle comunicazioni e ottenne persino il grado di
sergente e un congedo onorevole. Dopo sei anni di servizio, iniziò
a perseguire una carriera nella scrittura e nella produzione
cinematografica e televisiva. Cope White fece coming out all’inizio
degli anni ’80, inizialmente in cerchie private e poi in modo più
pubblico. Tuttavia, solo nel 2016 ha deciso di scrivere la verità
sulle sue esperienze di marine gay che viveva nell’ombra in
un’epoca di palese intolleranza.
Dopo aver lavorato per qualche
tempo come sceneggiatore televisivo, Cope White ha deciso di
raccontare la sua storia attraverso la penna di uno scrittore.
Tuttavia, secondo quanto riferito, è stato anche spinto a
pubblicare il suo lavoro in risposta alle storie di giovani
adolescenti che sono stati spinti a misure estreme a causa di
violenti episodi di bullismo. Secondo quanto si dice, l’autore
voleva scrivere qualcosa che ispirasse nei lettori sentimenti di
resilienza e speranza. Alla fine, il libro è stato scelto per un
adattamento cinematografico, dopo aver superato notevoli ostacoli.
È stato deciso che la serie “Boots” avrebbe attinto solo in parte
ispirazione dal materiale originale e avrebbe creato una
controparte fittizia delle esperienze di vita reale dell’autore.
Ciononostante, Cope White era determinato a mantenere i
collegamenti fondamentali con alcune parti della sua opera.
In particolare, uno di questi era
il significato importante che le amicizie hanno avuto nel suo
percorso. Di conseguenza, il rapporto tra Cope White e il suo
migliore amico eterosessuale, Dale, che si è arruolato insieme
all’autore nel sistema di affiancamento, si riflette nella serie
attraverso la dinamica tra Cameron e Ray. Inoltre, l’ex marine era
anche determinato a mostrare il ruolo trasformativo dei marine
nella sua vita attraverso la narrazione della sua controparte
fittizia, Cameron. In definitiva, questi stessi aspetti rimangono
intrecciati nella trama della serie, in parte grazie allo stesso
Cope White, che è sceneggiatore e co-produttore esecutivo. Di
conseguenza, mantenendo una fonte di ispirazione reale, questa
storia parzialmente fittizia riesce a conservare un evidente senso
di realismo.
Il creatore Andy Parker poteva
identificarsi con la storia grazie alla sua quasi arruolamento nei
Marines
Simile a Greg Cope White, il
creatore del materiale originale, anche il creatore e showrunner
della serie, Andy Parker, ha un legame personale con la storia e il
suo protagonista principale. Sebbene non sia mai stato un vero
marine, c’è stato un periodo nella sua tarda adolescenza in cui ha
quasi arruolato nell’esercito. Secondo quanto riferito, alla fine
degli anni ’90, un reclutatore del Corpo dei Marines si recò a casa
di Parker mentre quest’ultimo cercava di convincere i suoi
genitori. Anche se i suoi genitori non erano contrari all’idea, ma
piuttosto confusi, alla fine non si arruolò. In una conversazione
con Rolling Stone, il
creatore della serie ha parlato di questa esperienza.
Parker ha raccontato: “(Sì,) volevo
assicurarmi che nessuno sapesse che ero gay, e ho cercato
attivamente il Corpo dei Marines in particolare. Quale modo
migliore per dimostrare la propria mascolinità se non arruolarsi
nei Marines? È l’istituzione nella nostra cultura che ti dà quel
marchio, l’approvazione che dice che ora sei un uomo. Sono stato
conquistato dalla loro straordinaria pubblicità, in particolare dal
famoso spot sugli scacchi del 1990, che ho potuto usare nel pilot.
Ancora oggi lo trovo divertente perché quello spot è così gay“.
Naturalmente, quando Parker ha letto il libro di memorie di Cope
White ”The Pink Marine“, gli è sembrata una narrazione di una
”strada non presa”, che era ansioso di adattare quando se ne è
presentata l’occasione. In definitiva, le esperienze personali del
creatore hanno conferito autenticità alla storia di Cameron, in
particolare in relazione all’epoca degli anni ’90 in cui è
ambientata la serie.
Boots cerca di rappresentare
accuratamente i marines senza essere polemico o
propagandistico
Data la premessa della storia,
“Boots” rimane intimamente legato al suo background militaristico,
presentando un’influenza rilevante sia sulla narrazione che sullo
sviluppo dei personaggi. Per lo stesso motivo, Parker e la sua
squadra di sceneggiatori hanno voluto mantenere un legame con la
realtà attraverso la consulenza di esperti. La presenza dei
veterani dei Marines Nick Jones Jr. e Megan Ferrell Burke nel team
di sceneggiatori ha sicuramente aiutato in questo senso. Inoltre,
Parker si è avvalso dell’aiuto di altri veterani dei Marines,
consiglieri militari e consulenti per la serie. Tuttavia, queste
misure sono state prese solo per garantire l’autenticità. Parker
era molto determinato a garantire che il progetto non diventasse
un’opera di propaganda con temi apertamente pro-Marines o
pro-militari.
Allo stesso tempo, Parker non
voleva diffondere sentimenti antimilitaristi. Al contrario, era
interessato solo a presentare un’interpretazione realistica,
fondata e accurata delle esperienze di un vero marine queer come
recluta in un’epoca in cui l’arruolamento comportava il sacrificio
della propria identità visibile. Il creatore ha approfondito questo
aspetto in un’intervista al New
York Times, dove ha detto: “Senza diventare polemici, penso che
quello che stiamo cercando di fare sia mettere in luce il costo
personale di queste politiche. Possiamo vedere quali sono le
conseguenze psicologiche, spirituali ed emotive per le persone che
devono distorcere se stesse, mentire, allontanarsi o essere
emarginate da un’organizzazione che amano e da un paese che
vogliono servire”.
Boots
di Netflix è una serie comico-drammatica in cui
un
ragazzo adolescente cerca di sfuggire alla sua vecchia vita
arruolandosi nei Marines. Cameron Cope è un adolescente che
nasconde la propria omosessualità e vive nella società omofoba
degli anni ’90. Quando il suo migliore amico Ray decide di
arruolarsi nel campo di addestramento dei Marines, Cameron vede
l’occasione per dare una svolta alla sua vita. Tuttavia, solo
quando arriva al campo di addestramento di Parris Island e scopre
cosa significa davvero diventare un marine, comincia a rendersi
conto di aver commesso un grave errore. Di conseguenza, ora il
giovane deve affrontare le 13 settimane più dure della sua vita,
piene di addestramento incessante sotto l’occhio vigile di sergenti
istruttori militaristi. Fortunatamente, nonostante l’inizio
difficile, il cameratismo che circonda Cameron e Ray finisce per
essere il lato positivo che promette di portarli al traguardo.
SPOILER IN ARRIVO!
La trama di Boots
A 18 anni, Cameron Cope si trova in
un momento di svolta nella sua vita senza avere alcuna idea di come
andare avanti. La sua vita sociale consiste principalmente
nell’interagire con bulli spietati, e la sua famiglia è composta da
un fratello indifferente e una madre narcisista, i cui intrighi
continuano a costringerli a lasciare la città ogni pochi anni. In
realtà, l’unica cosa positiva nella sua vita, a parte la sua
mancanza di omofobia interiorizzata, è Ray McAffey, il suo migliore
e unico amico, disposto a stargli accanto nella buona e nella
cattiva sorte. Tuttavia, con l’inevitabile trasferimento della sua
famiglia e il progetto di Ray di arruolarsi nei Marines, anche
quell’amicizia rischia di essere strappata via a Cameron. Pertanto,
l’adolescente ha la brillante idea di arruolarsi nei Marines
insieme al suo migliore amico nel tentativo di trovare uno scopo
nella vita. Questo, ovviamente, significa che dovrà tenere ancora
più segreta la verità sulla sua sessualità, poiché l’omosessualità
è severamente illegale nell’esercito.
Inizialmente, Cameron si convince
che l’esperienza non sarà peggiore di un campo estivo. Tuttavia,
l’errore delle sue supposizioni gli diventa evidente subito dopo il
suo primo giorno come recluta. I sergenti e gli istruttori
assegnati al suo plotone gestiscono la truppa con pugno di ferro,
non lesinando insulti. Così, rendendosi conto che il campo di
addestramento non è migliore del mondo omofobo che lo circonda,
l’adolescente decide di fallire l’esercizio di iniziazione delle
trazioni per assicurarsi un biglietto di sola andata per tornare a
casa. Tuttavia, finisce per cambiare idea, soprattutto nel
tentativo di ispirare il suo compagno recluta, John Bowman.
Tuttavia, i sentimenti di insicurezza permangono. Queste emozioni
diventano più forti quando il loro sergente istruttore razzista,
Knox, viene trasferito, portando il sergente Sullivan al campo.
Sfortunatamente per Cameron, è abbastanza sicuro che il nuovo
sergente riesca a vedere attraverso il suo proverbiale armadio con
le pareti di vetro.
Così, nei giorni seguenti, il
regime di addestramento di Sullivan rimane spietato, soprattutto
quando inizia a mettere Cameron e Ray l’uno contro l’altro, nel
chiaro tentativo di accendere una rivalità tra loro. Inoltre, il
primo ottiene anche la posizione di scriba, il che comporta una
buona dose di problemi. Tuttavia, a poco a poco, Cameron impara a
difendersi, nel bene e nel male. Inoltre, inizia anche a legare con
alcune delle altre reclute, come Nash e il suo compagno di
cuccetta, Ochoa. Allo stesso tempo, sembrano arrivare guai per
Sullivan sotto forma dell’NCIS che ficca il naso su di lui e sui
suoi precedenti. Inoltre, continua anche a prendere le distanze dal
rapporto stretto tra Cameron e Ray. Questo diventa un problema
importante quando scopre che Cameron ha rubato la carta igienica
dal plotone vicino nel tentativo di creare una rivalità che potesse
sollevare il morale di Ray, dandogli una missione per cui lottare.
Il conseguente confronto tra il sergente e la recluta diventa un
punto di svolta nella loro dinamica, in cui quest’ultimo si rende
conto che l’intensità del primo è il suo contorto tentativo di
plasmare l’adolescente nella forma richiesta per affrontare i
Marines.
Questo porta Cameron a
interiorizzare l’idea che deve uccidere il suo vecchio io per
sopravvivere nel mondo. Alla fine, il plotone 2032 viene portato ad
addestrarsi al tiro con il fucile, che si conclude in una tragica
tragedia. Ochoa viene a sapere della relazione extraconiugale della
sua amata moglie, che lo porta ad avere un episodio che
inevitabilmente lo uccide. Naturalmente, questo diventa un momento
di riflessione per il resto delle reclute, che piangono la morte
del loro fratello senza alcuna tregua dal loro addestramento e dai
loro doveri. Nel frattempo, l’agente dell’NCIS arriva al campo del
capitano Fajardo per porre a Sullivan alcune domande mirate su uno
dei suoi compagni Marines, il maggiore Wilkinson, che ha prestato
servizio con lui a Guam. Nello stesso periodo, il plotone 2032
accoglie una nuova recluta, Jones, un giovane ribelle che
ovviamente vuole lasciare i Marines. Non ci vuole molto perché
Cameron o Sullivan si accorgano dell’identità omosessuale della
nuova recluta, il che spinge il sergente a seminare zizzania tra i
due per tenerli lontani l’uno dall’altro. Alla fine, tutto questo
culmina nella prova finale che determinerà il futuro delle reclute
nei Marines: il Crucible.
La fine di Boots: cosa succede al
plotone 2032? Cosa significa per loro la notizia del
dispiegamento?
Il Crucible diventa la fase finale
che determinerà se le reclute del plotone 2032 diventeranno
ufficialmente Marines. Ogni membro ha una ragione unica per
arruolarsi e intraprendere la carriera militare. Santos è padre di
due figlie piccole ed è stato trasferito più volte a causa di un
infortunio al ginocchio. Pertanto, è ansioso di completare il campo
di addestramento questa volta e tornare finalmente a casa dalla sua
famiglia con un nuovo titolo da mostrare. Nel frattempo, Nash si
arruola solo per realizzare il suo grande sogno di diventare un
giorno il presidente del paese. Essendo un uomo di colore, sa che
in futuro la gente metterà in discussione la sua legittimità in
politica semplicemente a causa dei propri pregiudizi. Di
conseguenza, nel tentativo di evitare le critiche che hanno dovuto
affrontare quelli prima di lui, si arruola nei Marines, nonostante
i desideri dei suoi genitori, per dimostrare il suo valore e
servire il suo Paese.
D’altra parte, John e Cody Bowman,
fratelli in perenne contrasto, desiderano continuare la tradizione
di famiglia. Per quanto riguarda Slovacek, la sua presenza al campo
di addestramento ha poco a che vedere con le sue intenzioni e molto
più con il processo che gli ha dato la possibilità di scegliere tra
i Marines e la prigione. Sebbene questi diversi percorsi di vita
inizialmente mettano tutti questi recluti, insieme a Cameron e Ray,
in contrasto tra loro, col tempo imparano a fidarsi e a sostenersi
a vicenda. Sebbene non sia un segreto che il regime intenso del
campo di addestramento e la guida severa dei superiori abbiano
effetti negativi su ogni recluta, l’esperienza complessiva diventa
anche trasformativa in un modo diverso da qualsiasi altro.
Alla fine, le reclute completano il
Crucible, dimostrando una fratellanza segreta. Quando il problema
al ginocchio di Santos minaccia di deluderlo ancora una volta, Ray
e gli altri accettano di distribuire il peso del suo zaino per
assicurarsi che tutti completino la sfida insieme. Così, una volta
terminate le 13 settimane di addestramento, i ragazzi si ritrovano
tutti battezzati come marines, legati per la vita. Tuttavia, il
loro viaggio non finisce semplicemente lì. Sebbene sia vero che la
maggior parte delle reclute ha le proprie ragioni per arruolarsi
nei marines, tutti affrontano una responsabilità simile: difendere
il proprio paese in tempo di guerra. A quanto pare, quel momento
potrebbe essere più vicino di quanto questi uomini abbiano mai
immaginato. Cameron e Ray se ne rendono conto durante una visita
celebrativa al bar, dove le notizie in TV li informano dei piani
del Segretario alla Difesa di schierare le truppe statunitensi in
Medio Oriente per quella che diventerà la guerra in Iraq. Pertanto,
sembra che i peggiori incubi del Plotone 2032 stiano per diventare
realtà, poiché probabilmente saranno catapultati nel cuore di una
guerra spietata.
Cameron diventa un marine? Perché
sceglie di restare?
Il giorno del Crucible finisce in
modo molto diverso per Cameron rispetto ai suoi compagni reclute.
Tuttavia, nonostante le sfide uniche che deve affrontare, riesce a
completare il corso e a guadagnarsi la permanenza nei Marines. Alla
fine, però, tutto questo rischia di essere stato inutile.
Inizialmente, quando Cameron ha lasciato casa per il campo di
addestramento, sua madre Barbara (Vera
Farmiga), distaccata, non ha prestato molta attenzione
all’intera faccenda. Tuttavia, una volta capito cosa è successo,
cerca di riportare a casa suo figlio, ma finisce per essere
travolta dai propri vizi. Tra un reclutatore attraente e
un’opportunità redditizia in un gruppo di sostegno per madri in
lutto, sta quasi per rinunciare a cercare suo figlio e ad aiutarlo
a lasciare i Marines. Anche se non lo ha mai dato a vedere, Barbara
è a conoscenza dell’orientamento sessuale di suo figlio. Pertanto,
è consapevole di quanto sarà difficile per suo figlio una carriera
nell’esercito.
È proprio questa ansia che spinge
Barbara a recarsi al campo di addestramento di Parris Island con
una scialuppa di salvataggio per suo figlio. A quanto pare, alcuni
anni fa, la madre aveva manomesso alcuni documenti per far entrare
suo figlio all’asilo in anticipo. Pertanto, mentre tutti credevano
che Cameron avesse 18 anni, compreso lo stesso adolescente, la sua
età reale è in realtà ancora 17 anni. Questo lo rende minorenne e
quindi non idoneo per i Marines senza il permesso dei suoi tutori
legali. Una volta che Barbara informa il capitano Fajardo della
stessa cosa, suo figlio si trova di fronte a due alternative:
lasciarsi alle spalle l’intera esperienza del campo di
addestramento come un sogno febbrile o accettare le sue scelte a
testa alta. Cameron sa che sua madre sta cercando di offrirgli una
via d’uscita praticabile.
Se continuasse a perseguire una
carriera nell’esercito, finirebbe come Sullivan, che ha dovuto
nascondere la sua sessualità fino a quando non è stato scoperto.
Poiché essere omosessuale nell’esercito è un reato, diventare un
marine gli impedirebbe di vivere apertamente la sua vera identità
senza correre il rischio di essere congedato con disonore e
incarcerato. Inoltre, come sostiene la sua voce interiore,
l’incarnazione delle parti di sé che tiene nascoste al mondo, il
campo di addestramento aveva già servito al suo scopo. Cameron
voleva un nuovo inizio, che gli permettesse di affrontare meglio il
mondo. Essere una recluta gli ha già insegnato la fiducia, il
cameratismo e altro ancora. Tuttavia, l’adolescente si rende conto
che questo lo ha anche esposto a un mondo che ora desidera per sé
stesso. Nelle ultime settimane ha iniziato a identificarsi come
marine, un titolo a cui non era disposto a rinunciare così
facilmente. Per lo stesso motivo, costringe sua madre a firmare la
rinuncia, che alla fine lo aiuta a legittimare il suo periodo al
campo di addestramento.
Cosa è successo a Sullivan? Dove è
andato?
La narrazione di Sullivan nel corso
della storia rimane tragica ma intrigante. Viene introdotto nella
storia come una figura autoritaria e severa che sembra avere una
particolare fissazione per Cameron. Cerca continuamente di creare
una frattura tra sé e Ray, il suo unico sostegno nel campo, che
divide la sua attenzione tra il dare il meglio di sé e l’aiutare il
suo amico. Allo stesso tempo, mentre continua a prendere di mira
Cameron, sembra anche sinceramente interessato alla sua crescita
come recluta, ispirandolo e guidandolo verso il successo. Pertanto,
non ci vuole molto prima che diventi evidente che il legame del
sergente con l’adolescente deriva probabilmente da un senso di
auto-riflessione. Il motivo per cui è fissato con Cameron è che
vede in lui il suo passato. Proprio come il protagonista, anche
Sullivan è un uomo che nasconde la propria omosessualità
nell’esercito. Una delle uniche differenze tra loro è che
quest’ultimo ha sperimentato il costo di sopprimere la propria
identità a favore della carriera.
Prima di arrivare a Parris Island,
Sullivan ha prestato servizio nella ricognizione a Guam. Lì, dietro
porte chiuse, ha avuto una relazione con un maggiore della base,
Wilkinson. I due uomini prenotavano camere di motel insieme,
trascorrevano le notti insieme e si innamoravano lentamente ma
inesorabilmente. Tuttavia, ben presto iniziano a diffondersi voci
sul maggiore, costringendo il suo compagno di camerata, Rob, ad
avvertirlo di non farsi vedere con quell’uomo. Questo scatena in
Sullivan una reazione di lotta o fuga. Inizialmente, lui e
Wilkinson avevano deciso di lasciare insieme i Marines per provare
a costruire una vita insieme. I sentimenti che provavano l’uno per
l’altro erano reali, ma lo erano anche le paure del sergente. Alla
fine, ha scelto la via della codardia.
Sullivan presenta una richiesta di
trasferimento da Guam per sé stesso e inventa una storia secondo
cui Wilkinson gli avrebbe fatto delle avance per spiegare la sua
improvvisa decisione a Rob. In una crudele svolta degli eventi, Rob
finisce per denunciare il maggiore per comportamento omosessuale,
una violazione apparentemente legittima nell’esercito dell’epoca.
Per lo stesso motivo, l’NCIS ha cercato Sullivan al campo di
addestramento per interrogarlo sulla sua relazione con Wilkinson.
Sebbene egli abbia negato tutte le accuse, il tatuaggio sul cuore,
identico a quello del maggiore, diceva tutto. Così, pochi giorni
dopo, ha ricevuto la notizia dell’arresto e della detenzione di
Wilkinson. Da quel momento, ha capito che era solo questione di tempo prima che venissero a
cercare lui, cercando di verificare accuse simili.
Anche se Fajardo cerca di
rassicurarlo dicendogli che avrebbero affrontato il problema se si
fosse presentato, Sullivan sapeva che le sue parole erano ben
intenzionate ma alla fine vuote banalità. Ben presto, si ritrova
coinvolto in una rissa in un bar come modo per affrontare il suo
crescente dolore. Poiché questo incidente lascia un civile in coma,
il sergente rischia una grave causa legale. Nello stesso periodo,
il plotone 2032 si reca nei boschi per il Crucible, da dove Jones,
che ha l’abitudine di camminare nel sonno, scompare. Sullivan si
assegna quindi la missione di trovare il giovane, e Cameron finisce
per seguirlo. Una volta che i due riescono a salvare Jones, il
sergente si rende conto che Cameron ha davvero le qualità per
diventare un marine. Pertanto, considerando il suo lavoro concluso,
Sullivan decide di lasciarsi questa vita alle spalle e si dà alla
macchia. Alla fine, dopo anni di carriera decorata, Sullivan fugge
dai marine, sapendo che il peso del suo segreto lo affogherà
inevitabilmente.
Ray diventa un uomo d’onore?
Nel corso della storia, la
motivazione principale che spinge Ray ad arruolarsi nei Marines
deriva dal suo rapporto con il padre. Quest’ultimo è sempre stato
una figura autorevole nella vita dell’adolescente, che nutre grandi
aspettative nei suoi confronti. In realtà, la sua educazione ha
portato direttamente a una mentalità che trasforma anche il più
piccolo errore in un fallimento schiacciante nella sua mente. Di
conseguenza, è rimasto sconvolto quando i suoi problemi di ansia
hanno rovinato le sue possibilità di entrare nell’Aeronautica
Militare. Tuttavia, vuole rendere orgoglioso suo padre diventando
un marine. Ancora più importante, vuole guadagnarsi il titolo di
Honor Man, dimostrando di essere il migliore tra i migliori del suo
plotone. Per lo stesso motivo, Ray continua a spingersi al limite
in ogni ambito dell’addestramento, dal combattimento al tiro, alla
navigazione.
Tuttavia, verso la fine del
percorso, quando arriva il momento del Crucible, si trova ad un
bivio. La mattina della sfida, Jones scompare, costringendo Cameron
ad andare a cercarlo nel bosco. Anche se dice al suo migliore amico
di restare indietro, Ray finisce per seguirlo. Nonostante tutto
quello che è successo tra loro al campo di addestramento, la loro
amicizia rimane forte, impedendo al giovane di lasciare il suo
amico ad affrontare una missione da solo. Alla fine, Cameron lo
convince a rientrare nel plotone e a finire il Crucible da solo. È
solo quando si rende conto che il suo amico è davvero in grado di
badare a se stesso che Ray decide di andarsene. Tuttavia, questa
iniziale insubordinazione finisce per costargli la sua serie di
successi. Di conseguenza, perde il posto di Honur Man a favore di
Nash. Anche così, alla fine, non si pente di nessuna delle sue
azioni, felice di aver messo le sue amicizie al di sopra di
tutto.
Il film NetflixLa donna nella cabina
10 vede Keira Knightley nei panni di Laura “Lo”
Blacklock, una giornalista invitata su una lussuosa nave da
crociera da una coppia di miliardari. Loro vogliono che lei
racconti le loro iniziative filantropiche e anche lei ha bisogno di
una pausa. Tuttavia, le cose prendono una piega drammatica quando
assiste alla caduta di una donna dal balcone accanto alla sua
cabina. Quando denuncia il caso, nessuno è in grado di identificare
la donna e le viene detto che la cabina accanto alla sua non ospita
nessuno. Tutti cercano di convincerla che probabilmente ha avuto
un’allucinazione e che non è successo nulla di grave. Tuttavia, le
prove suggeriscono il contrario. SPOILER IN ARRIVO.
La coppia di miliardari Anne
Lyngstad e Richard Bullmer (Guy
Pearce) sta organizzando una festa e la giornalista
Laura Blacklock è invitata a unirsi a loro e ad altre persone
ultra-ricche nel viaggio inaugurale della loro lussuosa nave da
crociera. Vogliono che Laura si concentri sulla loro missione
filantropica, che consiste nel donare una notevole somma di denaro
alla ricerca sul cancro. Viene anche rivelato che Anne ha il
cancro, e che la malattia ha assunto una forma così grave che ogni
giorno la avvicina alla morte. Laura, che ha un disperato bisogno
di una pausa dopo aver riportato notizie su questioni serie, decide
di accettare il lavoro, credendo che potrebbe aiutarla a scoprire
un lato migliore del mondo.
Quando arriva sulla nave, scopre
che anche il suo ex fidanzato, Ben Morgan, è a bordo come
fotografo. Ci sono un sacco di altre persone ricche che la fanno
sentire fuori posto, ma Laura è più concentrata sulla ricerca di
una storia. La prima sera, mentre sta andando a cena, vede Ben che
attraversa il corridoio e, per nascondersi da lui, entra nella
cabina 10, dove vede una giovane donna bionda. Si scusa per essere
entrata nella stanza in quel modo e se ne va immediatamente. Anne
non partecipa alla cena a causa della sua cattiva salute, ma vede
Laura, alla quale comunica la sua intenzione di donare tutta la sua
ricchezza alla ricerca sul cancro e ad altre nobili cause
attraverso la sua fondazione.
Laura è commossa dalla decisione di
Anne, ma prima che possa rifletterci ulteriormente, accade
qualcos’altro. Quella notte, viene svegliata dai rumori di una lite
proveniente dalla cabina 10. Quando esce sul balcone, vede una
donna cadere in acqua e chiama immediatamente i soccorsi. Tutto il
personale si mette in allerta, ma quando viene fatto l’appello, non
si trova nessuno che manchi. Inoltre, a Laura viene detto che non
può aver visto nessuno sul balcone della cabina 10 perché nessuno
lo occupava. Anche se cerca di presentare il suo caso, non ci sono
prove a sostegno della sua storia. Le viene consigliato di
smettere, ma lei continua a indagare e arriva al cuore della
questione.
Dopo che le viene ripetuto più
volte che nessuno è caduto dalla passerella e che si è sbagliata,
Laura finalmente trova la donna della cabina 10. La segue in una
parte appartata della nave, dove la donna rivela di essere Anne. La
supplica di rinunciare alla sua ricerca, altrimenti verrà uccisa.
Mentre Laura è ancora confusa, Anne la chiude nella cabina,
dicendole che è per la sua sicurezza. Quella notte, mentre la
giornalista riflette sulla situazione, si rende conto che la Anne
con cui ha parlato non è affatto Anne. Il giorno dopo, quando
arriva la donna che si finge Anne, Laura la affronta. Ha capito che
è stata Anne a cadere dalla nave quella notte e che l’impostora ha
preso il suo posto. La donna rivela di chiamarsi Carrie.
Laura scopre che quando Anne disse
a Richard che avrebbe donato tutto il suo patrimonio, lui non la
prese bene. Decise di cambiare il suo testamento, ma il problema
era che lei non lo avrebbe fatto di sua spontanea volontà. Così
trovò una ragazza che le assomigliava abbastanza da convincere le
persone intorno a lei che fosse Anne. Carrie era perfetta per
questo ruolo, quindi Richard la fece salire di nascosto sulla nave.
Nessuno dei loro amici ne era a conoscenza e quando Carrie si
presentò davanti a loro come Anne, nessuno fece domande. La prima
notte, mentre Richard cercava di avere un rapporto intimo con
Carrie, Anne entrò nella stanza e capì cosa stava succedendo.
Spaventato che il suo segreto
venisse scoperto e che avrebbe perso tutto, Richard cercò di
fermare Anne e finì per ferirla e gettarla in mare. Fece
rapidamente prendere il posto di Anne a Carrie in modo che nessuno
sospettasse nulla e, con l’aiuto del suo fidato staff, si sbarazzò
di tutto. Carrie dice a Laura che non avrebbe mai pensato che Anne
sarebbe stata uccisa e che ora non vuole avere le mani sporche del
sangue di un’altra persona. Dice a Laura di restare ferma e di
scappare quando tutti lasceranno la nave alla fine del viaggio.
Grazie a Carrie, Laura non viene trovata da Richard, che decide di
lasciare il dottor Robert e il capitano Addis a prendersi cura di
lei.
L’assenza di Laura viene notata
anche da Ben, che si preoccupa per lei e ora è convinto che ci sia
qualcosa di strano. Anche lui rimane indietro, e questo si rivela
una fortuna per Laura. Quando esce dal suo nascondiglio, il dottore
e il capitano la trovano. La mettono alle strette e riescono a
catturarla. Robert sta per iniettarle qualcosa quando Ben
interviene. Ne segue una colluttazione, in cui Ben finisce per
essere iniettato con il veleno destinato a Laura. Tuttavia, anche
con l’ultimo respiro, fa tutto ciò che è in suo potere per salvare
Laura. Nelle sue ultime parole, le dice di scappare e di rivelare
la verità, ed è proprio quello che lei fa. Si tuffa in acqua,
mentre il veleno fa effetto, il sangue esce dalla bocca di Ben, che
crolla a terra e muore.
Quando Laura si tuffa nelle acque
gelide, Robert crede che lei non avrà la forza di sopravvivere alla
caduta o al freddo. Crede che annegherà e morirà. Quindi lascia la
nave e si unisce al gruppo di Richard, dove lo aggiorna sulla morte
di Ben e sul destino di Laura. Richard non è contento del
pasticcio, ma ora il suo unico obiettivo è quello di convincere
Carrie a firmare i documenti e ucciderla la stessa notte. Il
problema è che Carrie sa che il suo tempo scadrà non appena firmerà
il nuovo testamento, ma non ha altra scelta, quindi lo fa.
Fortunatamente per lei, Laura riesce a raggiungere la riva e decide
di smascherare Richard.
Si intrufola nella sua casa, ma
viene scoperta da Sigrid, il capo della sicurezza. Rendendosi conto
che Sigrid non è coinvolta nella cospirazione, Laura le racconta
tutto. Mostra a Sigrid il discorso di Anne in cui la donna, ormai
morta, parlava del contenuto del suo vero testamento. Anche se
Sigrid è scettica, dà a Laura la possibilità di dimostrarlo. Così,
Laura partecipa alla festa e si fa strada tra la folla per leggere
il discorso di Anne. Quando lui cerca di fermarla, Carrie
interviene nei panni di Anne e tutti si schierano con lei nel
lasciare che Laura legga il discorso. Quando lei menziona la parte
in cui Anne dona tutta la sua fortuna, Richard si infuria e finisce
per confessare che Carrie non è Anne.
Mentre il resto delle persone è
confuso su ciò che sta accadendo, Carrie scappa e Richard la segue.
Sapendo che lui la ucciderà, Laura corre dietro a loro, ma quando
cerca di impedirgli di salire sulla barca, lui punta un coltello
alla gola di Carrie. Sigrid interviene sparando a Richard al petto,
ma il colpo non è mortale e non lo rallenta. Lui attacca Carrie e
questa volta Laura lo colpisce alla testa, lui cade, sbattendo la
testa e morendo sul colpo. Con lui fuori dai giochi, Carrie è al
sicuro e, ora che la verità è venuta a galla, tutti sanno cosa
Richard ha cercato di fare. Poiché è stata Carrie a firmare il
nuovo testamento, questo viene dichiarato nullo e, con Anne morta,
viene messo in atto il suo testamento originale. Come da lei
desiderato, tutta la sua fortuna viene dedicata al servizio degli
altri, poiché la sua fondazione diventa interamente senza scopo di
lucro.
Ciò che rende Laura una giornalista
di successo è la sua dedizione nel cercare di arrivare al fondo
della verità e nel renderla nota al mondo intero. Anne ha visto la
sua integrità attraverso il suo lavoro ed è stata lei a chiedere
espressamente che fosse portata sulla nave per coprire le notizie
sulla fondazione e i suoi piani per il futuro. Sapeva che Laura
avrebbe visto la verità nella storia e che le sue parole avrebbero
avuto più risonanza tra la gente perché ha una buona reputazione in
materia. Durante tutto questo, Anne non avrebbe mai pensato che
portare Laura con sé sarebbe diventato essenziale per salvare la
fondazione e ottenere giustizia.
Quando la verità viene a galla, i
collaboratori di Richard, Robert e Addis, vengono arrestati per
aver tentato di uccidere Laura e Carrie e per aver aiutato e
favorito l’omicidio di Anne. Con Richard fuori dai giochi, non c’è
più nulla che trattenga Carrie. Torna a casa per stare con sua
figlia. È stato per la bambina che Carrie ha accettato i soldi che
Richard le ha offerto in cambio di fingersi Anne e firmare un
testamento che avrebbe lasciato tutto il patrimonio di sua moglie a
lei. Ma dopo che le cose sono andate male e delle persone sono
state uccise, Carrie si rende conto che non ha bisogno di altro che
stare con sua figlia. Grazie a Laura, la verità viene a galla e
Carrie torna a casa. Lei e Laura rimangono in contatto e lei manda
alla giornalista un messaggio per confermare che lei e sua figlia
stanno bene. Invita anche Laura a far loro visita qualche
volta.
Quando Laura è salita a bordo della
nave, era con l’intenzione di trovare una storia umana in un mondo
sempre più disumano. Un miliardario che investe in un’impresa
filantropica le sembrava una buona cosa. Ma nel corso della
settimana, vede un lato più violento della storia. Tuttavia, quando
arriva il momento di presentarla al mondo, si rifiuta di togliere i
riflettori da Anne e dal suo desiderio di aiutare il mondo. Sebbene
i crimini di Richard rimangano una parte importante della storia,
Laura si assicura che l’articolo sia incentrato su Anne e sulla sua
fondazione. Nonostante tutta l’oscurità, si concentra sulla parte
positiva, dimostrando quanto sia stata cambiata dalla sua
esperienza. In tutto questo, non dimentica di parlare del
contributo di Ben nel far emergere la verità e nel salvarle la
vita.
La serie drammatica d’azione
francese di NetflixNéro (Néro the Assassin) racconta una storia di
coraggio, magia, fede e famiglia. Ambientata nella città di
Lamartine, nel sud della Francia del XVI secolo, la serie segue
Néro, un assassino, mentre viene coinvolto in un conflitto. Mentre
lavora per un importante personaggio locale di nome Rochemort, la
vita di Néro viene sconvolta dalla figlia quattordicenne Perla, da
cui è separato, che si ritiene essere “l’ultima discendente del
Diavolo”. Mentre le forze del male cercano di catturare Perla a
causa del suo “sangue corrotto”, Néro si trova di fronte a un
dilemma tra la sopravvivenza e l’amore. Avendo sempre vissuto come
un assassino solitario e libero, la responsabilità di prendersi
cura di una figlia ricercata stravolge completamente la sua
esistenza.
Il protagonista e sua figlia
viaggiano attraverso il sud della Francia colpito dalla siccità,
incontrando vari individui e gruppi pericolosi alle prese con le
proprie crisi. La serie sviluppa un’intensa narrazione del
difficile viaggio di un uomo attraverso paesaggi insidiosi,
incorporando elementi soprannaturali lungo il percorso. Mentre la
stagione volge al termine, Perla e Néro si trovano ad affrontare
minacce esistenziali nella città di Ségur. Mentre varie forze
convergono per conquistare il vuoto di potere a Ségur, il destino
dei personaggi principali è in bilico.
Néro l’assassino Sinossi della
trama
La narrazione introduce Néro, un
assassino che lavora per Rochemort, vice console di Lamartine,
durante una siccità in corso nella Francia del XVI secolo. Egli
uccide la fidanzata di Hortense, figlia del vice console, in modo
che lei possa essere data in sposa al principe di Ségur. Il capo
console di Lamartine viene ucciso da Touissaint, un altro assassino
che lavora per Rochemort, con l’aiuto della Strega Tassella. Quando
il vice viene promosso alla carica di console, rivela che la strega
vuole Néro come pagamento per la sua stregoneria. Lei intende
sacrificare il protagonista, credendolo l’“ultimo discendente del
Diavolo”. Tuttavia, quando scopre che Néro ha segretamente una
figlia, interrompe il sacrificio e ordina agli uomini di Rochemort
di cercarla.
Néro chiede aiuto a Horace, un uomo
religioso che gestisce un orfanotrofio, dove Perla, la figlia,
viene accudita. Il protagonista, nonostante sia controllato da una
collana magica legata al collo dalla strega, fugge da Lamartine con
sua figlia e l’uomo religioso. Tuttavia, la fuga comporta il
dirottamento della carrozza reale che trasporta Hortense a Ségur.
Con la principessa rapita, il convoglio si dirige verso la sua
destinazione, ma viene fermato dai soldati. Per distrarre i
soldati, Néro pugnala la propria figlia, senza però ucciderla. I
soldati e il convoglio incrociano i Penitenti, un gruppo di
estremisti religiosi, che li catturano. Uno dei Penitenti taglia i
capelli di Hortense come penitenza.
Il gruppo sfugge alla morsa dei
Penitenti distraendoli. Rochemort si reca a Ségur per finalizzare
l’alleanza matrimoniale con il principe e chiede alcuni accordi
commerciali e diritti minerari. L’arcivescovo di Ségur esercita
un’influenza sul principe e controlla le decisioni. Horace affronta
delle difficoltà con i suoi pensieri su Perla a causa delle sue
credenze religiose e propone che lei venga portata a Ségur, in modo
che l’arcivescovo possa decidere il suo destino. Quando viene
rivelato che Horace vuole portare Perla a Ségur per farla uccidere,
Néro lo abbandona e fugge con sua figlia e Hortense. A Ségur,
Rochemort viene processato mentre l’esercito dei Penitenti marcia
verso la città. Il principe di Ségur salva Perla e Hortense, ma
lasciano Néro in mezzo al nulla a causa del suo precedente
tentativo di sfuggire ai fuorilegge senza di loro.
Néro, legato e in fin di vita,
viene avvicinato dalla Strega Tassella, che gli rivela che Perla
non è la discendente del Diavolo, ma l’unica speranza per la
salvezza del mondo. Gli rivela anche che Perla è sua discendente e
gli toglie la collana, guarendo le sue ferite. Un mago, inviato
dalla Chiesa cattolica, dà la caccia a Perla. La Strega Tassella
dice che il Diavolo è una finzione inventata dalla Chiesa per
colpire i suoi nemici. Il mago viene ucciso dal protagonista e
dalla Strega Tassella, che poi si dirigono a Ségur insieme a Horace
per salvare Perla. Néro ha una conversazione con Perla e cerca di
convincerla a fuggire da Ségur.
Proprio mentre il principe di Ségur
e Hortense stanno per sposarsi, l’arcivescovo rivela alla folla che
Perla è l’ultima discendente del diavolo. La strega con un occhio
solo arriva a Ségur per aiutare Néro con la sua magia, mentre
Hortense e Rochemort aspettano la caduta dell’arcivescovo per mano
dei Penitenti invasori. Con grande stupore di tutti, si scopre che
è l’arcivescovo a orchestrare le azioni dei Penitenti e del loro
capo, “Fratello Penitenza”. La strega dice a Perla che lei è
l’unica che può salvare il mondo. I Penitenti uccidono la donna
magica, mentre lei aiuta Néro e gli altri a fuggire dal castello.
Quando Perla si rende conto di possedere poteri magici, deve fare
una scelta.
Néro l’Assassina Finale: perché
Perla si pugnala? La siccità è finita?
Mentre i Penitenti e l’arcivescovo
assumono il controllo totale di Ségur, la città precipita nel caos
e nella violenza. Néro, Hortense e gli altri si rendono conto di
essere tutti in pericolo. Di fronte a una situazione disperata, si
confidano con alcuni soldati fedeli di Ségur e pianificano una
rivolta contro l’autorità dei Penitenti. Perla intuisce che sono
tutti in pericolo e che probabilmente dovrebbe ispirarsi alle
parole della Strega Tassella, che le ha consegnato un pugnale prima
di morire. I Penitenti radunano civili innocenti e ordinano loro di
dare la caccia a Perla, la discendente del Diavolo. Mentre Fratello
Penance, il leader del culto dei Penitenti, sacrifica Horace
decapitandolo, Perla viene individuata da uno dei cultisti.
Perla viene inseguita dai membri
del culto attraverso i vicoli di Ségur e viene salvata da Néro.
Grazie alla confessione di Horace che Perla non è la figlia del
Diavolo, lei capisce che potrebbe avere un ruolo importante nel
salvare il mondo. I soldati fedeli di Ségur propongono di andare
avanti con una rivolta popolare, ma il castello è occupato
dall’Arcivescovo, che rimprovera Fratello Penance per aver lasciato
scappare Perla. Rochemort viene catturato dall’amico di Néro,
Lothar, un soldato di Lamartine, che dice di conoscere un passaggio
segreto che può aiutarli a raggiungere l’arcivescovo e fratello
Penance e ucciderli. Hortense si proclama principessa di Ségur e
accetta di essere il volto della rivolta contro l’arcivescovo. La
rivolta ha inizio, provocando caos e violenza in tutta la
città.
Rendendosi conto che non possono
assassinare l’arcivescovo e fratello Penance, Néro chiede a
Hortense di fuggire dalla città con Perla e Rochemort. Mentre i
Penitenti si scatenano per le strade all’inseguimento di Perla,
Néro capisce che deve fare qualcosa di folle per salvare sua figlia
e dare a Hortense il tempo sufficiente per fuggire. Attacca
fratello Penance e lo smaschera davanti ai suoi seguaci, mentre
Perla cerca di scappare. I Penitenti catturano Néro, dopodiché
Fratello Penance ordina la sua esecuzione. Perla continua a correre
e si rifugia in un’alta struttura simile a una torre di guardia,
che le permette di vedere cosa sta succedendo a suo padre. Quando
vede suo padre impiccato a testa in giù, ricorda le parole della
Strega Toccata, che le aveva detto che lei era l’unica in grado di
salvare tutti.
È in questo momento che Perla
compie il sacrificio definitivo. Estrae il pugnale della strega e
si pugnala, cadendo dalla struttura. Lo fa nonostante Néro la veda
e la supplichi di non sacrificarsi. Non appena il corpo di Perla
tocca terra, si verifica un evento magico. Il cielo soleggiato si
oscura e le nuvole iniziano a convergere su Ségur. Una pioggia
piacevole cade su tutti, placando la loro sete e ponendo fine al
periodo di siccità. Il sacrificio di Perla permette a Néro di
fuggire, poiché Fratello Penance e gli altri vengono distratti
dalla pioggia. La pioggia gentile rinfresca nuovamente la Terra e
la vita ricomincia a crescere, anche se Perla giace morta a
terra.
Perla è viva o morta? È una
strega?
Dopo essersi sacrificata per il
bene del mondo e la vita di suo padre, Perla cade a terra, morta
tra le braccia di Néro. Il suo ultimo desiderio per il mondo viene
trasmesso agli spettatori attraverso una voce fuori campo. Dice
che, nonostante non sia cresciuta con una famiglia, questi giorni
con Néro le hanno dato uno scopo e le hanno fatto capire per la
prima volta il significato della famiglia. Dice che vorrebbe essere
ricordata come Perla, la figlia di un assassino e di una
prostituta. Mentre Néro continua a piangere, guardando il volto
della sua bambina morta, accade qualcosa di inaspettato. Viene
colpito con violenza da un tronco di legno da un individuo
mascherato. L’aggressore porta via il corpo di Perla e si allontana
da Ségur. È in questo momento che viene fatta una rivelazione
scioccante.
Perla si rivela viva quando apre
gli occhi. Viene portata fuori dalla città dallo sconosciuto,
mentre guarda Néro che è stato aggredito. Nonostante si sia
sacrificata per il bene superiore, il destino interviene e permette
a Perla di continuare la sua vita. La serie si conclude con una
sola frase, che segna la fine della voce fuori campo. Perla dice:
“Era l’ultima strega”. Questo indica che la Strega Tassella ha
perseguitato Perla fin dall’inizio perché possiede il potere della
stregoneria.
Le azioni di Perla durante la
rivolta e i suoi poteri magici vengono rivelati anche quando si
taglia e il suo sangue cambia la natura del terreno. Una delle
prove più significative a favore della stregoneria di Perla è il
fatto che ha posto fine alla siccità nel paese sacrificandosi.
Così, Perla, nonostante fosse vista come una persona debole,
diventa il personaggio più importante della stagione, salvando la
vita a migliaia di persone.
Perché fratello Penance uccide
l’arcivescovo?
Quando la siccità finisce grazie al
sacrificio di Perla, fratello Penance e il suo fedele esercito di
cultisti si calmano e si godono la pioggia dopo aver sofferto a
lungo per la siccità. L’arcivescovo è scioccato nel vedere la
pioggia che calma tutti e comincia a chiedersi cosa sia successo.
Fratello Penance si avvicina all’arcivescovo e gli dice che Dio li
ha perdonati, poiché la siccità è finita. Il leader della setta
riconosce che la sua penitenza è stata finalmente esaudita. Questo
fa arrabbiare l’arcivescovo, che rimprovera Fratello Penance per
aver parlato in quel modo. Egli sostiene che la pioggia è caduta
grazie al sacrificio della bambina e non per intervento divino.
Quando fratello Penance ribatte all’arcivescovo, dicendo che è
stata la penitenza della setta a causare la pioggia, l’uomo
religioso lo schiaffeggia.
L’arcivescovo definisce fratello
Penance un “lebbroso” e un idiota che non sa nulla. Il leader della
setta dice di aver sempre dedicato la sua vita a Dio e si rende
conto che l’uomo religioso ha controllato lui e i suoi uomini per
il proprio tornaconto. È a questo punto che fratello Penance prende
una decisione audace. Spinge senza pietà l’arcivescovo dalla cima
del castello, causandone la morte istantanea quando questi colpisce
il suolo con un tonfo. Sebbene l’arcivescovo fosse inizialmente
riuscito a controllare il comportamento e le menti dei membri della
setta, ha avuto ciò che si meritava quando i suoi stessi seguaci si
sono rivoltati contro di lui. L’uccisione dell’arcivescovo,
nonostante sia stata compiuta da un pericoloso leader della setta,
riequilibra la bilancia della moralità e della giustizia.
Néro è vivo o morto? Chi lo ha
attaccato?
Mentre Néro guarda il volto ferito
di Perla, crede che lei sia morta. Mentre piange la sua sorte,
viene improvvisamente colpito violentemente con un tronco di legno
da un individuo mascherato sconosciuto. Lo sconosciuto porta via
Perla, lasciando Néro da solo. Sebbene la narrazione non riveli
esplicitamente il destino di Néro dopo l’incidente, si può
presumere che probabilmente sia sopravvissuto all’attacco. Uno
degli indizi essenziali in questo caso è il fatto che l’aggressore
voleva solo mettere Néro fuori combattimento per un breve periodo e
non ucciderlo. Se l’aggressore avesse voluto uccidere Néro, sarebbe
stato facile. Tuttavia, Néro viene colpito solo con un ceppo e non
con delle armi. Ciò rende molto probabile che Néro sia
sopravvissuto all’aggressione e che sia stato probabilmente
scortato in un luogo sicuro dalla popolazione di Ségur.
Ora che Ségur è stata liberata
dalle grinfie dell’arcivescovo, si può presumere che il principe
tornerà a governare la città e si occuperà della guarigione di
Néro. La probabilità che Néro muoia è minima, poiché non ci sono
prove che suggeriscano il contrario. Néro riceverà molto
probabilmente cure nel castello di Ségur e continuerà a essere un
assassino, al servizio del principe o tornando a Lamartine per
ricongiungersi con Hortense. Per quanto riguarda l’identità
dell’aggressore, non ci sono rivelazioni nella narrazione che la
confermino. Si può presumere che l’aggressore sia probabilmente una
strega che cerca di salvare Perla e di introdurla nella comunità
delle streghe. Poiché Perla è una figura essenziale nel mondo, è
sicuramente possibile che altri esseri magici siano a conoscenza
dei suoi poteri.
È anche possibile che l’individuo
mascherato lavori per diverse forze politiche del paese che
vogliono usare le sue capacità per raggiungere le proprie
ambizioni. Poiché l’identità di Perla è probabilmente nota in
segreto a persone importanti, queste potrebbero aver assunto la
persona mascherata per rapirla da Ségur. Ma, in conclusione, si può
dire che la persona mascherata è molto probabilmente una strega che
cerca di salvare Perla dai pericoli del mondo. Perla diventerà
presumibilmente più potente man mano che scoprirà la piena portata
della sua magia.
La serie drammatica d’azione
francese di NetflixNéro (Néro the Assassin) è una storia di coraggio, magia,
fede e famiglia. Creata da Martin Douaire, Allan Mauduit,
Jean-Patrick Benes e Nicolas Digard, la serie segue le avventure di
Néro, un assassino che lavora in una città del XVI secolo nel sud
della Francia chiamata Lamartine. Mentre è al servizio di un uomo
importante di nome Rochemort, il protagonista viene coinvolto in un
conflitto a causa della figlia Perla, una quattordicenne che si
ritiene essere “l’ultima discendente del diavolo”. Mentre le forze
del male cercano di catturare Perla a causa del suo sangue
corrotto, Néro si trova diviso tra la sopravvivenza e l’amore.
Avendo vissuto tutta la sua vita
come un assassino solitario e libero, le sfide legate alla cura di
una figlia ricercata gli stravolgono la vita. Attraversando il
territorio della Francia meridionale afflitta dalla siccità, il
protagonista e sua figlia incontrano diversi individui e gruppi
pericolosi che affrontano le proprie crisi. La serie racconta
l’intensa storia del viaggio di un uomo attraverso terreni
insidiosi, affrontando anche elementi soprannaturali. SPOILER IN
ARRIVO.
Néro l’assassino è un racconto di
fantasia ambientato nella Francia del XVI secolo
Sebbene “Néro l’assassino” sia un
racconto di fantasia che coinvolge la magia e altri elementi
fantastici, riflette le emozioni umane reali attraverso
l’esplorazione del viaggio di Néro. Scritta dai suddetti creatori
insieme a Raphaëlle Richet, la storia approfondisce gli intrighi
che circondano i miti nella Francia meridionale del XVI secolo. Uno
dei principali elementi della trama della serie è la caccia
all’“ultimo discendente del Diavolo”. Sebbene non ci siano prove
storiche concrete che suggeriscano che il mito sia basato su una
credenza storica reale, esso riflette la paura provata dalle
persone a causa delle loro forti credenze religiose nel periodo in
cui è ambientata la serie.
Perla è braccata da varie forze, in
particolare dalla Strega con un occhio solo, che pensa che il
sangue di Perla sia il sangue del Diavolo e che lei sia in grado di
evocare il Diavolo sulla Terra per scatenare l’Apocalisse. La paura
del Diavolo e di eventi di estinzione di massa come l’Apocalisse è
stata un fattore determinante nella vita religiosa delle persone
nel corso della storia. La Strega con un occhio solo è una figura
importante nella serie, poiché rappresenta la percezione culturale
delle streghe, in particolare nel periodo medievale e nel primo
Rinascimento in Francia.
Secondo la Biblioteca del Congresso, prima della rivoluzione
scientifica, le persone si rivolgevano alla Chiesa per spiegare
misteri mondani come la paralisi, le convulsioni o i difetti
congeniti. Ciò significava anche che non c’erano risposte facili in
termini medici o scientifici. Alcuni elementi all’interno della
Chiesa attribuivano la responsabilità di questi problemi
all’esistenza del Diavolo. Questo spesso portava i fedeli ad
attribuire le condizioni di salute al Diavolo. Il viaggio di Perla
e Néro diventa estremamente pericoloso a causa della convinzione di
alcune frange della Chiesa che esse portino il sangue del Diavolo.
Tra il 1550 e il 1700, in Francia si svolsero circa 2.000 processi
alle streghe. La maggior parte delle donne negò le accuse, anche se
alcune confessarono di avere presunti poteri.
Sebbene non sia esplicitamente
dichiarato, lo spettacolo utilizza questi fenomeni
storico-culturali per mostrare come donne indipendenti come la
Strega Toccata e ragazze adolescenti libere pensatrici come Perla
siano soggette all’ira sociale a causa dei loro presunti poteri
negativi. Il legame padre-figlia tra Perla e Néro diventa
estremamente importante quando quest’ultimo cerca di salvare sua
figlia dalle forze che cercano di controllare il suo destino. In
conclusione, si può dire che la serie, nonostante abbia come
protagonista un assassino maschio, affronta in modo toccante le
prospettive femminili su questioni sociali storiche.
La narrazione commenta il
fondamentalismo religioso
La storia descrive il fervore
religioso di un gruppo di persone chiamato “Penitenti”. Il gruppo è
guidato da un uomo conosciuto solo come “Fratello Penitenza” e
crede nella resa assoluta a Dio. Prende di mira Perla perché crede
che lei abbia il sangue del diavolo. Il gruppo viaggia attraverso
il paese, terrorizzando gli abitanti dei piccoli centri e
biasimandoli per la loro mancanza di fede nel divino. Sebbene
esistano prove che
indicano l’esistenza di gruppi reali chiamati Penitenti nel passato
europeo, questi sono completamente diversi dai Penitenti visti
nella serie.
I veri Penitenti erano divisi in
diverse categorie o confraternite, che credevano principalmente in
idee come il digiuno e la ricerca della disciplina per compiacere
Dio. Nella serie, i Penitenti sono descritti come un gruppo
violento che aderisce a credenze fondamentaliste e all’idea di
salvare l’umanità dal diavolo. Credono fermamente che fenomeni
naturali come la siccità siano il risultato dell’ira di Dio verso
le persone irreligiose e che la penitenza sia necessaria per
placare l’eterno divino. Sebbene la serie sia ambientata nel XVI
secolo e coinvolga elementi fantastici e soprannaturali, essa getta
una luce significativa su questioni socio-religiose reali.
Eccoci di nuovo qui, con un’altra
uscita Lifetime. Questo film si intitola Ti vorrei come
mia figlia (The Replacement Daughter) e ha
tutto ciò che ci si aspetta da un thriller Lifetime: una
protagonista ingenua, personaggi stereotipati e un cattivo
assolutamente stupido che alla fine viene arrestato. Ma come
sempre, è molto guardabile in un modo “così brutto da essere
bello”. Questa è la vita!
Cosa succede nel film?
Jessica, studentessa con il massimo
dei voti, è in attesa di una borsa di studio completa dalla
prestigiosa Stelford University. Ne ha assolutamente bisogno,
poiché la sua situazione finanziaria non è delle migliori. La madre
di Jessica, Liza, gestisce un salone di bellezza. La sua attività
non va particolarmente bene e a peggiorare le cose c’è il
proprietario dell’immobile, Ray, che minaccia costantemente Liza di
sfrattarla. Non si sa molto della vita scolastica di Jessica,
tranne che ha una migliore amica molto solidale, Vanessa, e un
compagno di classe, Shane, che continua a guardarla in modo
strano.
Cosa succede a Liza?
Seguendo la formula classica della
maggior parte dei film Lifetime, Liza subisce un terribile
incidente e finisce in coma. La sua amica e socia Helen si assicura
che Jessica sia accudita, ma presto un misterioso sconosciuto
attacca e uccide Helen. Questo offre a Eva, una ricca cliente di
Liza, l’occasione per intervenire come tutrice di Jessica, dato che
ha diciassette anni, cioè è ancora minorenne. Jessica sembra un po’
preoccupata per l’intervento di Eva, ma non c’è motivo per cui non
debba fidarsi di questa donna e della sua generosità. Eva promette
anche a Jessica di aiutarla finanziariamente con la sua istruzione,
il che dimostra solo quanto questa persona sia una perla rara. Ma
non fatevi ingannare, questo è un thriller Lifetime e nulla è come
sembra.
Qual è il piano di
Eva?
La cosa migliore di qualsiasi film
Lifetime è decifrare ciò che è “sbagliato” in ciò che sembra
normale. Si sa per certo che c’è qualcosa che non va in qualcuno,
ed è divertente cercare di indovinare di cosa si tratta. In
Ti vorrei come mia figlia (The
Replacement Daughter), è ovviamente Eva a non essere ciò che
sembra. Il titolo del film è fin troppo ovvio e svela la trama. Nel
momento in cui Eva menziona sua figlia Sarah, che apparentemente
sta viaggiando in Europa durante il suo anno sabbatico, ci si rende
conto che sta mentendo. Sarah è ovviamente morta, e ciò che Eva
vuole fondamentalmente fare è sostituire Jessica con Sarah, per
quanto assurdo possa sembrare. C’è però un intoppo: Sarah e Jessica
sono molto simili fisicamente. E perché? Perché entrambe sono in
realtà figlie di Liza. È perfettamente logico che Liza abbia dato
in adozione una delle sue figlie, data la sua difficile situazione
finanziaria. È così che Sarah è finita con Eva, che desiderava
disperatamente avere un figlio ma non poteva averne. Sarah è
diventata il mondo di Eva fino a quando il destino non ha preso una
brutta piega e lei è morta di cancro. Anche il marito di Eva, un
uomo d’affari, è morto poco dopo per un infarto, lasciandola sola
al mondo. Tuttavia, questo chiaramente non giustifica le sue
azioni: stringere amicizia con Liza con il pretesto di essere una
cliente, per poi assumere un fallito per ucciderla. E quel fallito
non è altro che il padre giocatore d’azzardo di Shane, che ha
mandato all’aria il lavoro. Ha provato di nuovo all’ospedale, ma
anche questo tentativo è fallito. Shane, tuttavia, non fa parte
delle attività losche di suo padre. È riuscito a imbattersi nella
foto di Sarah, che lo ha lasciato perplesso perché la ragazza morta
assomigliava proprio alla sua compagna di classe, Jessica.
Cosa succede a Jessica alla
fine?
Grazie all’avvertimento di Shane,
Jessica affronta Eva riguardo a Sarah. Ma Eva ribalta la situazione
raccontando a Jessica l’intera storia con tono piuttosto
comprensivo. Per non parlare del fatto che omette la parte in cui è
lei la mente dietro l’incidente di Liza e l’omicidio di Helen.
Almeno per un po’, Eva riesce a presentarsi come una donna triste
che voleva solo far sapere a Liza della morte di sua figlia, ma non
ha avuto il coraggio di farlo.
Per un po’, Jessica stringe un
legame con Eva, grazie al gelato, al pianoforte e al bowling. Le
cose sarebbero andate bene per Eva se solo non avesse perseguito
questo piano terribilmente imperfetto! Eva ovviamente si rifiuta di
riconoscere che Jessica non è Sarah, ma solo la figlia di Liza.
Quindi l’idea di sostituire Sarah con Jessica solo perché le
assomiglia è decisamente stupida! Anche la signora Durant, la
vecchia governante che si è presa cura di Eva fin da quando era
bambina, cerca di farle capire questo. Ma Eva era destinata a
fallire fin dall’inizio, dato che è una cattiva di Lifetime.
Quindi Eva fa tutto ciò che una
persona sensata non dovrebbe mai fare. Quando Jessica trova il
mucchio di passaporti falsi, suoi e di Eva, con nomi diversi, ne
parla di nuovo con Eva. Questa volta Eva la droga (è la signora
Durant a farlo, nonostante tutte le sue riserve) e la rinchiude
nella stanza. Non è che Eva non avesse considerato il fatto che
qualcuno avrebbe cercato Jessica, soprattutto dopo che Vanessa era
venuta a casa loro in passato, in tempi più felici. Ma Eva aveva
già messo in atto il suo piano e pensava che quando la polizia
sarebbe venuta a cercarla, lei sarebbe stata già lontana. Questo è
esattamente il tipo di cosa che farebbe un cattivo di Lifetime, ed
Eva segue solo le norme. Come ci si potrebbe aspettare, Vanessa
diventa sospettosa e lei e Shane alla fine capiscono cosa sta
realmente succedendo. Non che Jessica abbia bisogno dell’aiuto di
qualcuno, dato che dimostra di essere abbastanza forte da
sconfiggere Eva.
Pensavo che le cose sarebbero
finite così, ma Ti vorrei come mia figlia
(The Replacement Daughter) ha un piccolo epilogo. Dopo
tutte le difficoltà che ha dovuto affrontare, Liza meritava di
risvegliarsi dal coma. Questa è sicuramente una buona notizia per
Jessica, anche se non so cosa ne sarà della sua istruzione alla
Stelford ora che Eva è fuori dai giochi. Troviamo anche Eva in
manicomio, vestita di arancione e che scambia il dottore per sua
figlia Sarah. Povera donna, ha davvero bisogno di una terapia
migliore, immagino!
Lorenzo Zurzolo è stato già mille e uno volti.
E’ stato Lodo, Vincenzo, Alessandro, è stato Niccolò e Daniele
(nella splendida serie Prisma), ma è stato anche un giovane
Diabolik e addirittura Italo Balbo. Lo aspettiamo in sala, a
partire dal 16 ottobre, quando arriverà sul grande schermo il suo
Max, protagonista di Squali,
nuovo film distribuito da Eagle Pictures.
Nonostante i soli 25 anni, Lorenzo Zurzolo è un volto che si è
trasformato tante volte e ha già raccontato moltissime storie, al
cinema, in tv e in streaming, mettendosi ogni volta alla prova con
ruoli sempre differenti che riuscissero a mettere in luce le sue
doti: volto pulito, da bravo ragazzo, ma accogliente verso le ombre
e gli aspetti più oscuri da mettere al servizio dei personaggi che
interpreta.
25 anni ma idee chiarissime,
soprattutto quando si tratta di recitazione. Il suo metodo è
decisamente istintivo e immediato, si potrebbe definire “umorale”,
ma più che altro sembra attingere a una grande sensibilità, nutrita
da continue letture e visioni (si definisce un collezionista di dvd
e di fumetti, come suo padre), e sul “metodo”, non ha molto da
aggiungere se non che va sul set… e recita.
“Tengo sempre presente
l’osservazione di Laurence Olivier a Dustin Hoffman, che – durante
le riprese di Il maratoneta – si ammazzava di fatica per
essere credibile: perché non ti limiti a recitare? (ride). Non
credo ci sia una strada assoluta per tutti e per tutto: a volte
alcune interpretazioni ti richiedono di entrare dentro l’emozione,
in altri casi ci puoi arrivare con la tecnica. Non è che se
interpreto un tossico, devo drogarmi…” ha dichiarato nel 2022
a Iodonna.it.
Sembra quindi improbabile che per
Squali,
di Daniele Barbiero, abbia approfondito
l’effettiva progettazione di applicazioni e altri device
tecnologici, ma non per questo non è stato in grado di portare
sullo schermo un Max convincente, un giovane di 19 anni pieno di
speranze e di talento, che insieme ai suoi amici ha pianificato
l’estate perfetta: un viaggio in Spagna, simbolo di libertà e fuga
dalla noia dopo l’esame di maturità. Un viaggio interrotto da
quella e-mail che ti cambia la vita: la possibilità di vedere
sviluppata e realizzata la propria idea, il proprio sogno che si
realizza.
Senza farsi intimidire dalla
presenza sul set di James Franco, che divide la scena con lui in
Squali, Zurzolo ha dato a un giovane che forse impreparato a quello
che sta per accadergli impara a navigare nell’oscurità e a non
fermarsi mai, pur di sopravvivere, proprio come gli squali del
titolo.
Insieme a Francesco
Centorame, Francesco Gheghi, Ginevra
Francesconi e ovviamente a James Franco,
Lorenzo Zurzolo sarà al cinema in
Squali dal 16 ottobre, grazie a Eagle
Pictures.
Si
è conclusa oggi l’undicesima edizione del MIA | Mercato Internazionale Audiovisivo,
promosso da ANICA
(Associazione Nazionale Industrie Cinematografiche, Audiovisive e
Digitali), presieduta da Alessandro Usai, e APA (Associazione Produttori Audiovisivi),
presieduta da Chiara
Sbarigia, sotto la direzione di Gaia Tridente.
L’edizione 2025 ha confermato il ruolo del MIA come punto di
riferimento centrale per l’industria audiovisiva internazionale,
con circa 2.800
partecipanti provenienti da 64 Paesi e una crescita
qualitativa che si è tradotta in incontri mirati, maggiore presenza
di stakeholder strategici e programmi pensati per generare impatti
concreti a supporto dei processi creativi e produttivi.
A
sottolineare l’espansione globale della manifestazione, tra i Paesi
rappresentati figurano, oltre all’Italia, Regno Unito, Francia,
Stati Uniti, Brasile, Corea del Sud, Sudafrica, Giappone,
Australia, Germania, India, Spagna e molti altri, a testimonianza
della dimensione sempre più internazionale e intercontinentale del
mercato.
Il MIA continua inoltre a crescere anche sul piano digitale e
social: nell’ultimo anno i follower sono aumentati del
30,5% su
Instagram, 22,7%
su Facebook e 12% su LinkedIn, mentre il sito ufficiale ha
registrato un incremento del 5,3% nelle visualizzazioni di pagina e del
6,7% negli utenti
attivi, molti dei quali con profilo internazionale.
Quest’anno sono stati presentati oltre 100 progetti tra le varie sezioni
ufficiali del mercato, di cui 62 selezionati per il
Co-Production Market and
Pitching Forum (suddivisi in Animation, Documentaries,
Drama e Film) e 44 titoli inclusi nei cinque showcase dedicati.
Complessivamente, il MIA ha ricevuto circa 500 candidature, confermando la sua
centralità come piattaforma per lo sviluppo e la coproduzione
internazionale.
Nel corso della giornata conclusiva sono stati assegnati i
MIA Awards 2025,
tra cui i prestigiosi MIA
Development Awards, suddivisi per categoria.
Miglior progetto di animazione:The Golden Butterfly di
Goce Cvetanovski (Macedonia del Nord, Argentina, Brasile, Colombia,
Spagna).
Miglior progetto documentario:Edition 96 (Libano) di
Ahmad Naboulsi.
Miglior progetto drama:Aïnta! prodotto da Andreas Zoupanos
Kritikos, con una menzione speciale a Dyouf / Guests.
Miglior progetto film:I Have to Fuck Before the World Ends,
diretto da Andrea Benjamin Manenti.
Tra i riconoscimenti speciali anche il Sony Pictures Television Award (assegnato
a The Roaring Banshees),
il Paramount New Stories
Award (vinto dal progetto italiano POV – Point of View), il GEDI Visual Award (assegnato a
Pestiferus Lupus con
menzione a I pesci non
chiudono gli occhi di Audrey Gordon), lo Screen International Award (vinto
da The Circle / Cercul)
e il WIFTMI
Award (assegnato alla serie animata Roc e Lola di Andrea Giro).
Nel commentare i risultati, Alessandro Usai (ANICA) e Chiara Sbarigia (APA) hanno espresso
soddisfazione per la partecipazione e per la crescita qualitativa
dell’evento, sottolineando come il MIA rappresenti “uno dei
principali hub di networking per l’industria audiovisiva mondiale”
e una “piattaforma strategica per la collaborazione e lo sviluppo
di progetti internazionali”.
La direttrice Gaia
Tridente ha infine ricordato come il MIA stia affrontando
le trasformazioni globali del settore con una visione propositiva,
“trasformando la complessità del mercato in opportunità, grazie a
iniziative concrete a sostegno dei professionisti accreditati, dai
programmi dedicati all’intelligenza artificiale alle nuove
tecnologie immersive”.
Fondato nel 2015 come joint venture tra ANICA e APA, il MIA è
organizzato con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione
Internazionale, ITA – Italian Trade Agency, Ministero della Cultura,
Regione Lazio,
con il patrocinio di Eurimages e il supporto di Fondazione Roma Lazio Film Commission e
UniCredit.
L’evento si svolge sia in presenza, a Roma, sia sulla piattaforma
MIADIGITAL,
permettendo la partecipazione e la fruizione dei contenuti anche a
distanza.
Quando nel 2008 uscì Nessuna
verità (Body of
Lies), molti spettatori si chiesero quanto ci fosse di
autentico nella storia raccontata da Ridley Scott. Il film, con Leonardo DiCaprio e
Russell Crowe, racconta le operazioni
segrete della CIA in Medio Oriente durante la guerra al terrorismo,
alternando azione, politica e morale. La precisione dei dettagli, i
riferimenti alla realtà geopolitica e la rappresentazione
verosimile dei metodi di spionaggio indussero molti a credere che
fosse ispirato a fatti realmente accaduti.
In effetti, Nessuna
verità è un film che dialoga costantemente con la realtà.
Scott adotta un linguaggio documentaristico, fatto di colori
polverosi, immagini satellitari e un ritmo narrativo che imita la
complessità del mondo post-11 settembre. Ma, nonostante la
sensazione di verità, la storia di Roger Ferris non è mai esistita
davvero. Il film nasce invece da un romanzo di finzione — scritto
da un autore che conosce però da vicino le dinamiche del potere e
dell’intelligence americana. Se vuoi scoprire come la vicenda si
conclude e cosa significa davvero il gesto finale del protagonista,
leggi la
spiegazione del finale di Nessuna verità.
Questa ambiguità, tra realtà e finzione, è il cuore stesso del
progetto. Nessuna verità
non racconta una storia vera, ma utilizza un contesto autentico per
porre domande vere: fino a che punto possiamo fidarci delle
informazioni che riceviamo? Quanto la verità politica è manipolata
da chi la produce? E cosa resta dell’etica personale in un sistema
che vive di inganno e segretezza?
L’origine della storia e il
romanzo di David Ignatius
Nessuna verità è tratto
dal romanzo omonimo di David Ignatius, giornalista del Washington Post con una lunga esperienza nel
campo della politica internazionale e dei servizi segreti. Ignatius
ha seguito per anni la CIA e la diplomazia americana in Medio
Oriente, costruendo trame di finzione che riflettono fedelmente il
modo in cui l’informazione e la disinformazione operano nelle
guerre contemporanee. Il suo romanzo, pubblicato nel 2007, non
racconta fatti realmente accaduti, ma si ispira a
situazioni
verosimili e a pratiche effettivamente utilizzate nelle
operazioni sotto copertura.
Ridley Scott, attratto dal realismo del
materiale, decide di adattarlo in chiave cinematografica
accentuando la dimensione morale. Pur mantenendo la struttura di
spionaggio e l’intreccio politico, il regista concentra la
narrazione sul conflitto interiore del protagonista, Roger Ferris,
e sulla sua progressiva disillusione nei confronti del potere.
Scott e lo sceneggiatore William Monahan — già vincitore dell’Oscar
per The Departed —
lavorano insieme per trasformare un racconto di intelligence in una
riflessione universale sulla verità.
È
in questo intreccio di realtà e finzione che il film trova la sua
forza. Non c’è un “caso Ferris” documentato, né un’operazione
realmente condotta con le modalità descritte, ma ogni elemento del
film risuona di autenticità. Il linguaggio, i protocolli militari,
le tensioni tra CIA e servizi locali, persino il modo in cui
vengono pianificate le azioni terroristiche, derivano da fonti
giornalistiche e testimonianze dirette. Persino il finale del
film, in cui Ferris sceglie di spegnere il telefono e
tagliare ogni legame con la CIA, diventa un gesto profondamente
realistico: non un atto di eroismo, ma una ribellione morale
plausibile dentro un sistema che vive di menzogne e
compromessi.
Cosa c’è di vero in Nessuna
verità
Sebbene Nessuna verità non
sia tratto da una storia vera, molti dei suoi elementi derivano da
pratiche realmente adottate nel mondo dell’intelligence dopo l’11
settembre. L’uso di droni e sistemi di sorveglianza satellitare, la
creazione di reti di informatori, le alleanze precarie con i
servizi segreti locali e la manipolazione delle informazioni
mediatiche sono aspetti documentati della guerra al terrorismo.
Scott e Monahan li intrecciano in una trama di finzione, ma ogni
dettaglio — dal linguaggio dei briefing alla burocrazia dei
rapporti di missione — restituisce un realismo che va oltre la
cronaca.
Il
personaggio di Ed Hoffman, interpretato da Russell
Crowe, rappresenta in forma quasi simbolica un’intera
generazione di analisti e dirigenti CIA che, grazie alle tecnologie
di sorveglianza, conducevano operazioni globali senza mai spostarsi
dai propri uffici. Il suo modo di gestire la guerra come un
videogioco, alternando una telefonata a Ferris con la vita
domestica americana, non è fantasia: è una caricatura lucida di un
potere che ha smaterializzato la distanza etica dal conflitto. Al
contrario, Ferris, immerso sul campo tra le macerie e i mercati del
Medio Oriente, incarna l’altra faccia del sistema: quella degli
uomini che ancora mettono a rischio la propria vita per un’idea di
missione che non comprendono più fino in fondo.
Anche il finale del
film si inserisce in questo quadro di verosimiglianza. La
scelta di Ferris di spegnere il telefono e abbandonare la CIA,
rifiutando la logica del controllo, non è solo la conclusione di un
arco narrativo: è il gesto realistico di un uomo che decide di
sottrarsi a un potere invisibile ma totalizzante. In un mondo dove
le verità vengono costruite e distrutte in tempo reale, Ridley
Scott suggerisce che l’unico atto autentico possibile è quello del
rifiuto. Non esiste un “fatto vero” dietro Nessuna verità, ma il film riflette una realtà
in cui la menzogna è diventata linguaggio quotidiano del
potere.
Ridley Scott e il realismo
del potere
Ridley Scott ha sempre mostrato un’attenzione particolare per il
rapporto tra individuo e potere, e Nessuna verità ne è una delle espressioni più coerenti.
Anche se la storia non nasce da fatti realmente accaduti, il
regista la mette in scena come se lo fosse: adotta lo stile di un
reportage, alternando l’iperrealismo delle immagini digitali alla
durezza della guerra sul campo. Il suo obiettivo non è raccontare
“una storia vera”, ma mostrare come la verità — in politica come
nei media — sia diventata un terreno di scontro, manipolabile e
negoziabile a seconda di chi la possiede.
In
questo senso, Nessuna
verità appartiene alla stessa linea etica e visiva di film
come Black Hawk Down o
American Gangster, dove
Scott affronta il potere istituzionale smascherandone le
contraddizioni. La sua regia non idealizza mai i protagonisti:
Ferris non è un eroe, ma un uomo costretto a riconoscere la propria
impotenza dentro un sistema che usa la verità come arma. La sua
decisione finale — spegnere il telefono e allontanarsi — diventa il
gesto simbolico di un regista che invita lo spettatore a guardare
oltre la superficie, a dubitare delle versioni ufficiali, a cercare
un senso umano in un mondo dominato dall’informazione.
Proprio per questo, la domanda se Nessuna verità sia o meno una storia vera finisce per
essere secondaria. La forza del film non risiede nella fedeltà ai
fatti, ma nella sua capacità di restituire la verità del presente:
quella di una società che vive connessa, sorvegliata e informata,
ma sempre più distante dalla realtà. Ridley Scott trasforma la
finzione in uno specchio del reale, e ci ricorda che, anche quando
una storia non è vera, può comunque raccontare la verità più profonda del nostro
tempo.
Uscito nel 2008, Nessuna
verità (Body of Lies)
è uno dei film più complessi e sottovalutati di Ridley Scott. Scritto da William Monahan — già
sceneggiatore di The Departed — e
tratto dal romanzo di David Ignatius, il film mette in scena un
intrigo internazionale ambientato nel cuore della guerra al
terrorismo, dove il confine tra verità e manipolazione diventa
sempre più labile. Protagonisti due volti del cinema americano
contemporaneo: Leonardo DiCaprio nel ruolo
dell’agente della CIA Roger Ferris e Russell Crowe in quello del suo
superiore Ed Hoffman, simbolo del potere a distanza e della
spregiudicatezza morale dell’intelligence americana.
Ridley Scott affronta il tema dello
spionaggio in chiave morale e visiva, intrecciando geopolitica e
introspezione personale. Non è soltanto un film d’azione o un
thriller politico, ma una riflessione sul ruolo dell’informazione e
sulla perdita di umanità in un mondo dominato dalla tecnologia e
dal controllo remoto. Il regista costruisce un racconto che alterna
l’immediatezza del campo di battaglia in Medio Oriente con la
distanza emotiva di chi, come Hoffman, coordina tutto da una casa
nei sobborghi americani, mentre porta i figli a scuola.
Nessuna verità è anche
un film sull’inganno sistemico. Ogni personaggio, dal protagonista
agli alleati locali, vive immerso in una rete di menzogne, di
verità parziali, di compromessi che si travestono da scelte etiche.
Scott usa la forma del thriller per interrogare il nostro rapporto
con la realtà: in un mondo dove le immagini — come quelle dei droni
o delle telecamere satellitari — sembrano dirci tutto, la verità
resta un’ombra sfuggente, manipolata da chi ha il potere di
raccontarla.
Cosa succede nel film Nessuna verità
Il
film si apre con una sequenza cruda e immediata che stabilisce
subito il tono realistico dell’opera: un attentato suicida in Medio
Oriente, seguito da un’operazione della CIA per rintracciare il
mandante. Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) è un
agente operativo che agisce sul campo, abituato a muoversi tra
città devastate, mercati affollati e campi profughi. Il suo
superiore, Ed Hoffman (Russell Crowe), coordina
invece le missioni dalla sicurezza del suo salotto in Virginia, tra
una colazione in famiglia e una partita di golf. Questo contrasto
diventa il cuore del film: l’azione sporca e reale contro la guerra
virtuale combattuta attraverso satelliti e telefonate.
Ferris si muove tra Iraq, Giordania e altri teatri di guerra,
cercando di infiltrarsi nelle reti terroristiche per scoprire la
posizione di Al-Saleem, un leader jihadista responsabile di
numerosi attentati. Durante la missione entra in contatto con Hani
Salaam (Mark Strong), capo dei servizi segreti giordani, un uomo
elegante, colto e ambiguo che impone una sola regola: «Mai
mentirmi». Ferris, invece, è costretto a farlo continuamente,
seguendo le istruzioni di Hoffman e costruendo false piste per
manipolare gli avversari. Questa tensione fra lealtà personale e
manipolazione politica diventa sempre più insostenibile.
Per smascherare Al-Saleem, Ferris e Hoffman inventano un piano
rischioso: creare un finto terrorista, Al-Khalid, e simulare
un’organizzazione rivale, diffondendo notizie false sui media e
online. È un inganno su larga scala che coinvolge anche innocenti e
che mette in discussione il concetto stesso di verità nel mondo
della guerra d’informazione. Ma il piano sfugge presto di mano, e
Ferris si ritrova solo, braccato da tutti, mentre le alleanze si
sgretolano e la fiducia viene tradita da entrambe le parti.
Nel frattempo, Ferris si lega sentimentalmente ad Aisha
(Golshifteh Farahani), un’infermiera giordana che
incarna per lui una possibilità di redenzione, un contatto umano
autentico in mezzo al caos. Ma anche questa relazione verrà
sfruttata come leva di potere: Aisha verrà rapita per spingerlo a
confessare, e Ferris capirà fino a che punto Hoffman sia disposto a
sacrificare tutto pur di ottenere risultati. L’ultima parte del
film si muove tra il disincanto e la rivelazione, fino a un finale
in cui il protagonista dovrà scegliere tra continuare a servire un
sistema corrotto o salvare ciò che resta della propria umanità.
Spiegazione del finale di
Nessuna verità
Nelle sequenze finali di Nessuna verità, Roger Ferris si ritrova completamente
isolato. Dopo che il suo piano per creare un falso terrorista è
crollato, l’agente della CIA viene catturato da un gruppo jihadista
legato ad Al-Saleem. Scott costruisce questa parte con un ritmo
serrato ma essenziale, privando Ferris di ogni protezione: non c’è
più copertura, non c’è più tecnologia che possa salvarlo. Le
immagini si stringono, la camera si fa instabile, e la violenza
della tortura diventa metafora visiva del crollo delle illusioni —
personali e politiche — che hanno sostenuto la guerra al
terrorismo.
Mentre Ferris è prigioniero, Hoffman continua a muovere i fili da
Washington, convinto di poter controllare la situazione attraverso
satelliti e microspie. Ma questa volta il potere della tecnologia
non basta: Hani, il capo dei servizi giordani, scopre la doppiezza
della CIA e decide di intervenire per salvare Ferris, non per
lealtà, ma per dimostrare la superiorità della sua intelligenza e
del suo metodo. In una delle scene più emblematiche, Hani organizza
un’operazione di salvataggio che si conclude con un messaggio
tagliente: la verità non può essere manipolata senza
conseguenze.
Dopo la liberazione, Ferris comprende che non può più fidarsi né di
Hoffman né del sistema che rappresenta. Ferito, esausto e
moralmente disilluso, rifiuta di tornare negli Stati Uniti. Chiede
invece di restare in Giordania, lontano dalla CIA, e di iniziare
una nuova vita, forse al fianco di Aisha, l’infermiera che ama. La
scena finale lo mostra camminare in un mercato, circondato dal
rumore della vita quotidiana. Hoffman lo osserva da lontano,
attraverso lo schermo di un computer, e prova ancora una volta a
impartirgli ordini via telefono. Ferris spegne il cellulare e si
allontana: un gesto semplice ma potentissimo, con cui taglia i fili
che lo legavano alla rete di menzogne in cui aveva vissuto.
Il significato del finale
di Nessuna verità
Il
finale di Nessuna verità
rappresenta il momento in cui Roger Ferris si libera, per la prima
volta, da ogni forma di controllo. Il suo gesto di spegnere il
telefono, dopo essere sopravvissuto a torture e tradimenti, è una
dichiarazione d’indipendenza morale. Non è un atto eroico nel senso
classico, ma un rifiuto della menzogna sistemica su cui si fondano
le istituzioni che lo hanno manipolato. Ferris sceglie la realtà —
con tutto il suo dolore, la sua imprevedibilità, la sua umanità —
al posto della verità filtrata dai monitor e dai rapporti di
intelligence. In quel momento smette di essere un soldato e diventa
un uomo.
Ridley Scott costruisce questa liberazione in chiave visiva e
simbolica. L’ultima immagine, quella di Ferris che cammina tra la
folla, contrasta con le inquadrature fredde e controllate che
dominano la prima parte del film. Dove prima c’era distanza e
sorveglianza, ora c’è prossimità e vita. È un ritorno alla terra,
alla materia, alla verità fisica che nessuna tecnologia può
sostituire. Lo sguardo del regista diventa quasi umanista: la
macchina da presa non osserva più da lontano, ma accompagna Ferris
nel suo cammino, come a riconsegnargli la libertà di essere parte
del mondo e non più un suo osservatore mediato.
A
livello tematico, Nessuna
verità è una riflessione sulla crisi dell’informazione e sulla
perdita di fiducia nelle strutture del potere. Hoffman, con la sua
capacità di dirigere operazioni militari mentre porta i figli a
scuola, incarna la disumanizzazione del controllo. È l’archetipo
del potere moderno: onnipresente ma invisibile, capace di decidere
la vita e la morte con un clic. Ferris, invece, attraversa la
parabola opposta: dal cinismo operativo alla consapevolezza morale.
La sua scelta finale mette in discussione il principio su cui si
fonda la guerra al terrorismo — quello della verità come arma — e
lo sostituisce con la verità come scelta personale.
Scott non offre un messaggio consolatorio. Il film termina con un
equilibrio fragile: Ferris è vivo, ma il sistema resta intatto.
Tuttavia, il regista suggerisce che la resistenza individuale è
ancora possibile, anche dentro un mondo che ha trasformato la
verità in merce e la moralità in algoritmo. Nessuna verità diventa così non solo un
thriller di spionaggio, ma una parabola sul nostro tempo,
sull’impossibilità di distinguere tra giustizia e propaganda, e sul
bisogno umano — forse disperato — di ritrovare un significato
autentico dentro un mondo costruito sulle menzogne.
Ridley Scott e la verità
come ossessione del potere
Con
Nessuna verità, Ridley
Scott affronta uno dei nodi centrali del suo cinema: la tensione
costante tra verità e potere, tra individuo e sistema. Fin dagli
anni di Blade Runner, il
regista ha interrogato la percezione della realtà e il modo in cui
essa viene costruita o distorta dal potere — che sia politico,
tecnologico o ideologico. In Body of Lies, questa riflessione assume una forma
contemporanea e terribilmente concreta: la guerra al terrorismo
come teatro di manipolazione globale, dove l’informazione
sostituisce l’esperienza diretta e l’immagine diventa più vera
della realtà stessa.
Ferris è, in questo senso, un discendente ideale dei protagonisti
di Scott: uomini divisi tra dovere e coscienza, tra ciò che il
sistema chiede loro di essere e ciò che vorrebbero diventare. Come
il Rick Deckard di Blade
Runner o il
Massimo Decimo Meridio de Il gladiatore, anche
Ferris è un personaggio in cerca di una verità interiore, costretto
a combattere un nemico invisibile — il meccanismo stesso del
potere. La sua ribellione non consiste nel vincere, ma nel
sottrarsi. Spegnere il telefono, alla fine del film, equivale a
spegnere la macchina del controllo: un gesto piccolo, ma
rivoluzionario.
Dal punto di vista registico, Scott utilizza lo spazio e la
tecnologia come strumenti narrativi per parlare di alienazione. I
droni, i satelliti, i computer che osservano tutto rappresentano la
modernità disumanizzante che trasforma la vita in dati. Ma allo
stesso tempo, il regista lascia spazio all’emozione, al corpo, alla
materia: la sabbia, il sangue, il sudore. È in questi elementi
fisici che Nessuna
verità trova la sua dimensione più autentica, ricordandoci che
la verità, come l’etica, non può essere filtrata attraverso uno
schermo.
In ultima analisi, Nessuna
verità è un film di guerra senza eroi, ma con una profonda
tensione morale. Ridley Scott mette in scena un mondo in cui tutti
mentono — governi, terroristi, agenti, amanti — ma suggerisce che
proprio nella consapevolezza della menzogna si può intravedere un
barlume di libertà. È un’opera che parla al nostro presente,
dominato dall’informazione istantanea e dalla propaganda digitale,
e ci ricorda che la verità, oggi più che mai, è una scelta.